Авангардное искусство — одно из основных направлений искусства 20 века

Авангардное искусство

Что такое авангардное искусство? Авангардный стиль относится к способности современного искусства к социальной, политической и культурной революции. Художники-авангардисты стремились бросить вызов принятым художественным критериям, чтобы разработать новые парадигмы творчества. Это было одно из художественных движений 20 века с революционной социальной и политической целью, желанием деконструировать и перестроить социальные институты, которые рассматривались как неразрывно связанные с традиционными стандартами эстетики.

Оглавление

Знакомство с миром авангардного искусства

Несмотря на то, что понятие авангарда подразумевает стремление прокладывать новые пути, практически во всех случаях это было продиктовано желанием передать более точный образ «реальности». Художники-авангардисты создали искусство, которое обычно интерпретируется двояко.

С одной стороны, оно рассматривается как тесно связанное с прогрессивной политической или социальной программой, а трансгрессивное искусство служит платформой для подрывной политической деятельности. Авангардное искусство, с другой стороны, рассматривается как сфера чистого художественного эксперимента, не сдерживаемого никакими общественными проблемами.

У каждого из этих двух значений есть свои исторические описания, классификации и аналитические рубрики, которые часто вступают в противоречие друг с другом. Авангардная живопись обычно связана с определенным направлением, начиная от импрессионизма, реализма, экспрессионизма, современного искусства и так далее. Часть цели и смысла художников-авангардистов всегда включала в себя определение точного и систематического набора целей для их работы, которые обычно связаны с тесной сетью коллег или товарищей, обеспечивающих основу для их творчества.

Истоки авангардного искусства

Первоначально слово «авангард» было французским военным словом, обозначавшим то, что в английском языке мы бы назвали острием пехоты. Однако самое раннее использование этого слова применительно к искусству предшествовало появлению каких-либо особенно авангардных художественных групп на несколько десятилетий. Анри де Сен-Симону, французскому социальному мыслителю, часто приписывают этот термин.

Сен-Симон писал: «Мы, художники, будем служить вам как Авангард — способность творцов самая прямая и непосредственная: когда мы хотим распространить концепции среди человечества, мы высекаем их на камне или холсте. Какая славная судьба ожидает искусство: оказывать созидательное влияние на цивилизацию, выполнять подлинный духовный долг и смело идти в авангарде всех умственных способностей!».

Что такое авангард

Портрет Анри де Сен-Симона работы Годфруа Энгельмана (ок. 1825 г.); Годфруа Энгельман, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Тем не менее, из-за недостатка литературных процедур идентификации в то время, а также тесных рабочих связей Сен-Симона с его ученицей Олиндой Родригес, академические интерпретации относительно реального происхождения этого понятия разнятся. В любом случае, очевидно, что, хотя понятие авангардного искусства впоследствии ассоциировалось с революционной эстетикой и процедурами, Сен-Симон и его ученики не были озабочены подобными вопросами. Авангардное искусство, по их мнению, это то, которое служит принципам и началам социального прогресса, «оказывая конструктивную власть над обществом».

Эта концепция, которая подчеркивала и даже требовала заботы о социальных изменениях, оставалась постоянным влиянием на художников и комментаторов Авангарда даже тогда, когда их подходы становились более специализированными.

Предшественники авангардного стиля

Концепция авангардного искусства возникла в период социальных потрясений, и первоначально она была одной из нескольких конкурирующих идей для их описания и решения. Однако к началу 1800-х годов особенно сильное влияние оказал Сен-Симонизм, который подчеркивал роль экономического класса и науки в регенерации общества.

Теория Сен-Симона была необычна тем, что она расширяла представление о среднем классе, включая в него ученых, предпринимателей, банкиров и менеджеров.

Пример авангардного искусства

Фонтан (1917) Марселя Дюшана, фотография Альфреда Штиглица; Марсель Дюшан, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Это расширение послужило моделью для последующего включения творческих личностей из всех областей в качестве катализаторов перемен. Теории Сен-Симона получили распространение лишь в конце его жизни, когда несколько учеников, включая Бартелеми Проспера Энфантина, взяли их на вооружение в середине XIX века. Фридрих Энгельс и Карл Маркс, основатели коммунизма, впоследствии назвали Сен-Симона «идеалистическим социалистом», утверждая, что его взгляды оказали влияние на их собственные; Сен-Симон также повлиял на создание Пьером-Жозефом Прудоном анархистского направления.

Влияние Французской революции

Понятие авангардного искусства приобрело более определенную форму во Франции в начале-середине 19 века. Эти 18 лет были отмечены политическими потрясениями, социальными революционными движениями и антирепрессивными силами. В 1848 году по всей Европе, от Италии и Скандинавии до Германии и Венгрии, вспыхнули восстания и мятежи.

Среди последствий революции были массовый голод и безработица, неравномерность индустриализации и давление репрессивного правления. Революции 1848 года были также известны как «весна народа», подчеркивая инклюзивную и демократическую основу группы.

Тенденции и концепции авангардного искусства

Как ключевое понятие для осмысления эволюции искусства в 20 веке, авангардное искусство было тождественно понятию «движение». По словам современного философа Алена Бадью, «более или менее все искусство 20-го века претендовало на роль авангарда».

Иногда, как в случае с кубизмом Жоржа Брака или орфизмом Делоне, авангардное движение состояло всего из нескольких человек.

Сюрреализм и дада, с другой стороны, возникли как глобальные движения. Независимо от масштаба и значимости, авангардные художественные движения часто противопоставляли себя прошлым ортодоксам, будь то эстетические критерии или культурные и социальные условности.

Музеи и галереи

Отказ от прежних социальных и художественных ортодоксов был ключевой особенностью авангардного искусства. В результате, его ранний успех часто зависел от небольшого числа критиков и галеристов, готовых бросить вызов устоявшимся ортодоксам. Как отмечает художественный критик Розалинд МакЭвер, «авангард — это и существительное, и прилагательное.

Оно относится к группам художников и писателей 19 века и начала 20 века, которые создавали и распространяли искусство иначе, чем их сверстники; художники, которые самосознательно создавали «измы», поддерживали себя или рецензентов в небольших журналах, выставляли и продавали свои работы в личных галереях или на выставках, управляемых художниками».

Основание Музея современного искусства, самого первого учреждения, посвященного современному искусству, закрепило доминирование авангардного искусства как мирового культурного движения в 1929 году. Создание Музея стало кульминационным доказательством социального и коммерческого триумфа авангардного искусства.

Барр, вдохновленный Канвейлером, также создал парадигму, которая отражала развитие авангардного искусства во времени, от Сезанна до кубизма (которому уделялось первостепенное внимание) и абстрактного искусства. Вера Барра в то, что он научит мир авангардному искусству, «заставила целую группу людей обратиться к современному искусству». В то же время, «способность организации предписывать и регулировать историю искусства очевидна.»

Отчуждение и авангардные художники

Романтические группы начала XIX века первыми выдвинули на первый план концепцию одинокого и автономного художника, которого часто представляли в виде байронического героя. К середине XIX века образ творческого человека как аутсайдера цивилизации, которого сторонится и отвергает тупое, капиталистическое общественное устройство, не был новым.

К середине XIX века он превратился в более отчетливое ощущение отчужденности общества.

Современное искусство

иллюстрация Le rire (1887), впервые показанная в 1883 году на выставке «Incohérents» Артура Сапека (Эжен Батай); Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Их статус как части элиты беспокоил французских писателей и художников середины 91-го века, таких как Мане, Флобер, отделяя их не только от ранее существовавших художественных и социальных организаций, но и порождая сильно ощущаемые внутренние дихотомии». Это ощущение изоляции стало заметной чертой художников Авангарда.

Авангард часто стремился шокировать публику, чтобы поднять сознание отчуждения, лежащего в основе современной реальности, разрушая представления о нормальности или намеренно культивируя чувство жути (как в сюрреализме). Автономные и одинокие, эксцентричные черты художника становились темой искусства и его движущей силой.

Антиискусство

Презрение к представлениям традиционной культуры об эстетической привлекательности или качестве было естественным следствием чувства отчуждения художника авангарда от себе подобных и социальных норм. Некоторые подобные мысли всегда лежали в основе формулировок авангардных художников, от откровенных изображений жизни рабочего класса Курбе до импрессионистов, которые отказались от сложной техники компоновки и оттачивания, свойственной современным академическим художникам.

Понятие о том, что искусство не обязано соответствовать общепринятым представлениям об эстетической ценности, возможно, достигло своего зенита в 1910-х годах благодаря иконоборческой деятельности творцов Дада.

Знаменитое авангардное искусство

Дерьмо художника (1961), Пьеро Манцони; Jens Cederskjold, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

  Как нарисовать лебедя - учебник по рисованию реалистичного лебедя

Работая в период мировых войн и потрясений, когда все общественные стандарты казались подвешенными, такие художники, как Марсель Дюшан, начали создавать работы, лишенные каких-либо узнаваемых эстетических атрибутов, включая, в случае Дюшана, представление о том, что они были сделаны художником. Его readymades, представлявшие собой массово производимые утилитарные предметы, выставленные в качестве скульптур, такие как велосипедное колесо и унитаз, в то время действительно вызывали тревогу, особенно у зрителей, хорошо знакомых с достижениями кубизма.

Практически все последующие инновации в авангардном искусстве основаны на предпосылке, что искусство не должно или не обязано придерживаться традиционных представлений о красоте или эстетической ценности.

Концептуальное искусство, одно из самых влиятельных «неоавангардных» направлений искусства 20 века, возникло из идеи, что произведение искусства может быть просто записью понятия, не привязанного к какому-либо конкретному предмету или картине, тем более эстетически приятной.

Концептуальное авангардное искусство в сравнении с формальными версиями

Понятие авангарда было впервые обосновано чувством политического или социального мятежа. Курбе предполагал, что прогрессивный художник будет враждовать с господствующими силами общества, и временами он открыто, буйно и с явным наслаждением вступал с системой в лобовую схватку. Образ художника как аутсайдера культуры, избегаемого и неверно истолковываемого аристократическим обществом, не был уникальным к середине XIX века.

Тем не менее, связь авангардного искусства с социальными преобразованиями всегда находилась в конфликте с социальными и финансовыми целями некоторых авангардных художников, например, среднего класса, материалистичного и неполитичного Клода Моне.

Художественные направления 20 века

Русский конструктивистский киноплакат братьев Стенберг; Братья Стенберг, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

В их работах термин «авангард» приобрел чисто формальное значение, подчеркивая художественную революцию, не связанную с какими-либо политическими или социальными целями. На протяжении 20-го века представление об авангарде как о неизбежно социально подрывном явлении подвергалось все большему сомнению. Если русский конструктивизм и сюрреализм преследовали основные социальные цели, направленные на вызов и изменение общественных норм, то художественные движения 20-го века, такие как кубизм, делали упор на формализм. Разрыв Жоржа Брака и Пабло Пикассо с многовековой практикой линейной перспективы не имел явных социально-политических мотивов.

Наука и авангардный стиль

Научные достижения часто оказывали влияние на художников авангарда, которые объединяли технологические мотивы и понятия в своих творческих изобретениях. Неоимпрессионизм был одной из первых художественных групп авангарда, открыто принявших научные гипотезы, основанные на академических исследованиях по освещению сетчатки глаза. Жорж Сёра был охарактеризован как «техник своих работ, расчленяющий целое на основные предпосылки, представляющий функционирующие структурные части в окончательном виде, без украшений.»

Значимость науки и техники также повлияла на то, как воспринимаются художники и произведения искусства.

Авангардные картины

Супрематическая композиция: Белое на белом (1918) Казимира Малевича, находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, США; Казимир Малевич , Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Русские конструктивисты считали себя «инженерами-конструкторами», о чем свидетельствует автопортрет Эль Лисицкого «Конструктор» (1924). Согласно Куспиту, «большинство произведений авангардного искусства в действительности кажутся прорывами, и большинство из них сделаны машиной, а не вручную».

Эти концепции, возможно, достигли своего расцвета в движении бетонного искусства середины 20-го века, а концепция произведения искусства, отстраненного от эмоционального участия художника, также повлияла на создание концептуальных произведений искусства позднее в этом веке.

Авангардные картины

Хотя понятие авангарда подразумевает стремление попробовать что-то новое практически при любых обстоятельствах, оно было обусловлено желанием изобразить более точный образ истины. Для Гюстава Курбе это означало изображение тяжелой трудовой жизни, запрещенной на академических полотнах, а для импрессионистов — получение светового воздействия на сетчатку глаза в момент осознания. Для конструктивистов это также означало изобразить необнаруживаемые реальные научные силы, работающие под внешней оболочкой наблюдаемой реальности.

Однако желание изобразить реальность в предельно точной манере было основополагающей целью во всех ситуациях.

Студия художника (1855) Гюстав Курбе

Дата завершения 1855
Средство Масло на холсте
Размеры 361 см × 598 см
Текущее местонахождение Музей д’Орсэ, Париж

Это произведение, изображающее художника, сидящего с кистью и палитрой в руках и созерцающего сцену, которую он пишет, должно быть аналогией образа жизни художника. Это произведение Курбе назвал «настоящей аллегорией, отражающей семь лет моей художественной и этической жизни». Обнаженная модель, символизирующая музу, и крошечный ребенок, олицетворяющий невинность, обрамляют художника, а пространство заполнено множеством знакомых людей. Шарль Бодлер, знаменитый поэт и критик, сидит за столом и занимается в дальнем углу, среди культурной элиты, а слева сидят разные люди из всех слоев общества.

Художник заявил, что хотел показать «общество в его лучшем, худшем и посредственном виде».

Далее он сказал: «Как будто вся вселенная приходит ко мне, чтобы быть изображенной. Справа — все акционеры, под которыми я подразумеваю друзей, коллег и любителей искусства. Слева — другая сфера повседневного существования: толпы, уныние, нищета, деньги, обиженные и обидчики, люди, зарабатывающие на жизнь смертью». Курбе, пионер реализма, дал определение этой концепции, заявив: «Реализм — это демократия в искусстве». «Он рассматривал свою судьбу как непрерывное авангардное движение против засилья академизма в искусстве и жесткости в обществе», — пишет искусствовед Линда Нохлин.

Пример авангардного искусства

Студия художника (1855) Гюстава Курбе, находится в Музее Орсе в Париже, Франция; Гюстав Курбе, общественное достояние, через Wikimedia Commons

После того, как судьи Всемирной выставки 1855 года в Париже отказались выставлять эту работу, Курбе открыл «Павильон реализма», свою персональную выставку, где он также выставил «Погребение в Орнане», которое также было отклонено. Выставка Курбе при поддержке его спонсора, Альфреда Бруйяса, которого также можно увидеть в «Мастерской художника», была сопротивлением официальным местам.

«Широкие социальные идеологии середины XIX века получают интерпретацию в адекватно изощренной живописной и стилистической форме только спустя семь лет после революции 1848 года, в «Студии художника» Курбе. Произведение Курбе является «авангардным», если мы понимаем интерпретацию в этимологическом смысле, как предполагающую объединение прогрессивных в общественном и творческом отношении людей», — говорит Нохлин.

В целом, «Мастерская художника» — это жизненно важная презентация самых либеральных политических идеалов на самом сложном формальном и иконографическом языке, доступном в середине 19 века.

Дежурство на гербе (1863) Эдуарда Мане

Дата завершения 1863
Средство Масло на холсте
Размеры 208 см x 264 см
Текущее местонахождение Музей д’Орсэ

Потрясающая пейзажная картина Мане, изображающая двух полностью одетых мужчин, обедающих на лужайке с обнаженной дамой, вызвала сенсацию, когда в 1863 году была выставлена в Салоне отказников — выставке картин, отклоненных официальным Парижским салоном.

Хотя Мане никогда полностью не ассоциировал себя с авангардными требованиями художников-импрессионистов, молодое поколение творцов видело в нем образец для подражания, а благодаря таким произведениям, как «Обед на траве», он, несомненно, продолжал ломать многие из ворот, через которые впоследствии проходили авангардные творцы в своем стремлении к уникальному.

Это произведение искусства было авангардным в двух отношениях, противостоя как эстетическим постулатам эпохи, так и ее капиталистическим моральным и социальным идеалам. Во-первых, огромный размер полотна контрастировал с, казалось бы, банальным, современным сюжетом произведения, изображенным в масштабе, обычно присущем историческим и легендарным сюжетам.

  "Впечатление, восход солнца" Клода Моне - Анализ картины Моне "Восход солнца

Произведение авангардного искусства

Le Déjeuner sur l’herbe («Обед на траве») (1863) Эдуарда Мане, находится в Музее Орсэ в Париже, Франция; Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Тональные характеристики произведения также необычны: резкий свет и тени контрастируют с кажущейся открытой сценой (Мане, как известно, никогда не принимал увлечение импрессионистов живописью на пленэре) и привлекают внимание к массивной белой коже основного объекта.

И большая часть кистей фона выглядит бессистемной, почти полузаконченной, как будто композиция привлекает внимание к себе самой: просто задумка или выдумка, брошенная до завершения. Но именно сюжет работы был по-настоящему потрясающим. Обнаженные женщины допускались в академическом искусстве при условии, что они изображались в контексте исторической ситуации, что ставило наготу на интеллектуальную и моральную дистанцию.

Сцена Мане изображала обнаженного человека без всякой завесы исторического сюжета, что делало ее более яркой и поразительной для зрителей. Своим отношением он расчистил путь для авангардистских инициатив следующих десятилетий, которые все больше не боялись наготы и морального неповиновения.

Впечатление, восход солнца (1872), Клод Моне

Дата завершения 1872
Средство Масло на холсте
Размеры 48 см x 63 см
Текущее местонахождение Музей Мармоттан Моне

Импрессионисты, возглавляемые Клодом Моне, были первым авангардным движением, завоевавшим международную популярность и репутацию. Моне изобразил рассвет в портовом городе Гавр, в семейном доме, куда он вернулся на каникулы, в этой работе, от которой косвенно произошло название «импрессионизм». Основная сине-оранжевая цветовая палитра в сочетании с быстрой, спонтанной работой кистью призвана передать визуальное впечатление, производимое пейзажем в определенный момент времени, а не подчеркивать каждую деталь.

Этот революционный метод не сопровождался радикальными социальными убеждениями Моне, но он поставил его в характерную для «авангарда» позу оппозиции к общепринятой культуре и миру искусства.

В 1862 году Моне познакомился с группой молодых художников в мастерской художника Шарля Глейра, среди которых были Фредерик Базиль, Пьер-Огюст Ренуар и Альфред Сислей. Эти художники, наряду с Морисо и Писсарро, составили основу импрессионистского стиля, который разрабатывал свои концепции в течение многих лет — под неофициальным руководством старшего художника Эдуарда Мане — прежде чем достиг финансового успеха.

Авангардный стиль

Импрессия, Восход солнца (1872) Клода Моне, находится в Музее Мармоттана Моне в Париже, Франция; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Моне и его коллеги основали свой собственный клуб для поддержки и демонстрации своего искусства после того, как их неоднократно отвергали в Парижском салоне. Хотя мы знакомы с подходом Моне и его современников к изображению мира природы, в то время было новаторским передавать нюансы предмета в такой быстрой и инстинктивной манере, так же как и создавать на месте, как это сделал Моне для создания картины «Впечатление, восход солнца».

Формальные достижения импрессионизма, а также его неизбежный антагонизм с преобладающими социальными и культурными условностями, установили параметры для эволюции авангардного искусства в течение следующих полутора веков.

Черный квадрат (1915) Казимира Малевича

Дата завершения 1915
Средство Масло на холсте
Размеры 200 см x 222 см
Текущее местонахождение Музей современного искусства

Эта известная работа представляет собой черный квадрат на белом фоне. При близком рассмотрении на поверхности видны небольшие трещины, вызванные старением пигмента, а также следы кисти и отпечатки пальцев. Тем не менее, именно сведение плоскости изображения к единой, необходимой геометрической форме отличало эту работу как смелый экскурс в абстракцию и как явное событие авангарда. На последней выставке живописи футуристов в Санкт-Петербурге в 1915 году картина была представлена как христианская икона, поднятая и выставленная в углу помещения, как это было принято в русских домах.

Малевич назвал это произведение «начальной стадией чистого изобретения в искусстве», «зародышем всех потенциалов». В его последующих работах черный квадрат стал подразумеваемым строительным блоком. В то время как кубисты бросили вызов вековым законам плоскости изображения, Малевич считал авангардную живопись началом нового общества, освободившись от обязанности полностью изображать реальность.

Малевич призывал к «свободе вещей от обязанностей искусства» в своей статье 1915 года «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи», представляя супрематизм — движение, которое он основал, — как развитие кубизма, которое не зашло достаточно далеко. Декорированная поверхность — это живая, дышащая форма».

Авангардные художники

Черный квадрат (Черный супрематический квадрат) (1915) Казимира Малевича, находится в Третьяковской галерее в Москве, Россия; Казимир Малевич, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Формы супрематизма, нового художественного реализма, уже свидетельствуют об открытии инстинктивным разумом структур из ниоткуда. Стремление кубистов деформировать истинную форму и разбить предметы направлено на создание мануфактурных творений, независимых от жизни». На творчество Малевича повлияло русское конструктивистское движение и атмосфера революционного возбуждения в предшествующие годы, большевистская революция 1917 года.

Черный квадрат» Малевича был исключительным примером авангардистской изобретательности, сократив плоскость изображения до минимума формальных компонентов и связав свои работы с революционным социальным временем.

Спор может показаться интеллектуальным, однако время важно для авангардизма как критерий качества. Слово военный относится к людям, которые выдвигаются вперед регулярных войск, к тем, за кем в конечном итоге последуют массы. Важность авангардного искусства отчасти объясняется тем, что оно было создано первым. Черный квадрат» Малевича — прекрасный пример, не в последнюю очередь потому, что сам Малевич датировал эту работу, которая, как считается, была создана в 1915 году, что усиливает значимость того, что он был первым.

Когда Малевич воспроизвел эту картину в 1920-х годах, геометрическая абстракция уже укоренилась; эстетическая ценность последующих моделей может быть неотличима, но их художественно-историческая и, возможно, рыночная стоимость совершенно различна.

Резать кухонным ножом Дада (1919) Ханна Хёх

Дата завершения 1919
Средство Вырезанный бумажный коллаж
Размеры 144 см x 90 см
Текущее местонахождение Национальная галерея, Государственный музей Берлина

Новаторский коллаж Ханны Хёх использует газетные и журнальные вырезки, чтобы проиллюстрировать глупость и развращенность современного немецкого общества. По словам Анаид Нерсессии, «коллаж — это глубокий вызывающий акт бриколажа, составление вместе предметов, которые становятся символом разрушенного аспекта цивилизации, из которой они собраны».

Работа показывает культурные полярности и разделения послевоенного Берлина. Среди вырезок — фотографии художников Кете Кольвиц и Полы Негри, а также политических интеллектуалов и лидеров, таких как Карл Маркс и Владимир Ленин.

Небольшая карта Европы в правом нижнем углу иллюстрирует страны, где женщины имеют право голоса. Хёх была известна своими резко политическими коллажами, в которых она использовала и комбинировала картинки и тексты из средств массовой информации для критики популярной культуры, неудач Веймарской республики и социально созданных ролей женщин. Новаторское использование Хёх фотомонтажа для глубокого осмысления социальных, культурных и эстетических условностей сделало её ключевым персонажем раннего Дада и выдающейся фигурой авангарда в самом социальном смысле этого слова.

Она представила эту работу, а также другие на Первой международной выставке дада в Берлине в 1920 году, где ее работа была высоко оценена, несмотря на то, что ее коллеги-мужчины сначала пытались не допустить ее к участию. Практика фотомонтажа стала очень популярной и была заимствована следующими группами от сюрреализма до флюксуса на протяжении всего 20-го века.

Как отмечает Хайди Хиршл Орли, «смелые столкновения и перестановки широко распространенных фрагментов изображений связывали работы Хёх с публикой и отражали вызывающее, скептическое отношение к межвоенной эпохе, которая многим казалась новым веком. Благодаря своим экстремальным экспериментам она создала важнейшую эстетическую лексику авангарда, которая звучит и сегодня».

  "Герника" Пикассо - анализ этой знаменитой картины времен гражданской войны в Испании

Три музыканта (1921) Пабло Пикассо

Дата завершения 1921
Средство Масло на холсте
Размеры 200 см x 222 см
Текущее местонахождение Музей современного искусства

С начала 1900-х годов Пабло Пикассо, один из создателей движения кубизма, создавал произведения авангардного искусства. Эта работа 1921 года, напротив, отображает радикальный социальный контекст, с которым часто был связан авангард.

Считается, что правая фигура Арлекина — это Пикассо, который часто изображал себя озорным персонажем итальянского театра, а центральный человек в белом — Гийом Аполлинер, известный авангардный художественный критик и близкий друг Пикассо.

Человек, одетый как Пьеро, играет на музыкальном инструменте, но при этом излучает мрачную отчужденность. Макс Якобс, поэт и близкий друг Пикассо, изображен справа, одетый как монах, вступивший в бенедиктинский монастырь в Сен-Бенуа-сюр-Луар. Вместе с Жоржем Браком он создал кубизм в его воплощениях — аналитическом и синтетическом кубизме, и Пикассо стал известным художником-авангардистом. Как следствие, одной из самых авангардных групп является кубизм.

Фигуры были разбиты на геометрические формы, цвета стали более яркими и уменьшенными, а коллаж использовался для создания изобретательного результата, который и сегодня оказывает влияние на искусство. На самом деле, если взглянуть на хронологию истории искусства, то можно увидеть, что западную визуальную цивилизацию можно разделить на два отдельных периода: до и после кубизма.

Эта картина содержит два варианта, оба из которых рассматриваются как конец и кульминация эпохи синтетического кубизма Пикассо.

Фигурки нарисованы, но выглядят как бумажные вырезки, собранные, как пазлы, из разнообразных широких плоскостей цвета и фактурной бумаги. Пикассо изобразил коллекцию работ, включая эти две, во время отдыха со своими родственниками в Фонтенбло, в которых также прослеживается образность Commedia dell’ Arte и влияние театрального дизайна, поскольку он работал с признанным драматическим продюсером Сергеем Дягилевым для Ballets Russes.

Номер 1 (1949) Джексона Поллока

Дата завершения 1949
Средство Эмаль и металлическая краска на холсте
Размеры 172 см x 264 см
Текущее местонахождение Музей современного искусства

Эта массивная картина с бешеным вихрем ритмично льющихся слоев и линий промышленной краски является типичным примером метода «капельной живописи» Джексона Поллока, который породил в Северной Америке в 1940-х годах движение Action Painting. Размещая холст на полу и разбрызгивая по нему краску с помощью различных инструментов, Поллок пытался достичь некоего единения с незавершенным произведением, чтобы генерировать эмоциональную энергию, необходимую для его завершения: «На полу я чувствую себя более умиротворенным. Я чувствую себя ближе к картине, более частью ее, поскольку могу обойти ее, работать со всех четырех сторон и физически находиться в ней».

Под кажущейся однородностью композиции поверхности картины скрывается великолепное разнообразие дизайна и случайностей. Гринберг считал абстрактный экспрессионизм, особенно работы Поллока, вершиной авангардного искусства, потому что он прорвался к независимой абстракции, свободной от любых социальных проблем. Работы Поллока, согласно этой интерпретации, воплощают авангардное искусство в его формальном, а не философском значении.

Формальная абстракция, пионерами которой были Пикассо и кубисты, достигла своего апогея в 1940-х годах с появлением авангардного американского искусства, абстрактного экспрессионизма. Метод Поллока отражал его веру в то, что «новые требования требуют новых подходов». Многие последующие художники авангарда — а возможно, и многие предыдущие — следовали аналогичным принципам, но стиль капельной живописи Поллока особенно напоминал современное японское движение гутай.

Сёдзо Симамото и Дзиро Ёсихара основали эту группу, которая создавала экспериментальные работы, стирающие границы между перформансом, живописью и художественными инсталляциями. «Все они стремились разбить традиционную кисть и перейти к живописи действием, творить по-другому», — говорит галерист Дэвид Де Бак, — «так, Шимамото буквально швырял на холст контейнеры, стеклянные бутылки, чашки, наполненные краской».

Этот и несколько других примеров демонстрируют важность Поллока в определении направления авангарда в конце 20-го века.

Imagen da Yagul (1973) Ана Мендьета

Дата завершения 1973
Средство Хромогенный отпечаток
Размеры 50 см x 34 см
Текущее местонахождение Музей современного искусства в Сан-Франциско

На этом цветном снимке художница обнажена и окутана зеленью и белыми цветами, она покоится в гробнице коренных жителей доколумбовой эпохи, построенной народом сапотеков. Растительность, закрывающая ее верхнюю часть туловища, кажется живой, как будто она быстро прорастает из ее фигуры. Она исчезает в безвестности, символизируя одновременно смерть и изобилие. Эта работа была частью серии Мендьеты, включающей более 200 работ, во многих из которых она лежала на земле, запечатлевая свое тело, или сливалась с окружающей средой, как, например, флора на этом снимке.

Эта серия считается предтечей различных авангардных движений, включая боди-арт.

Работы Мендьеты, по словам историка искусства Лауры Руле, «заключают в себе весь спектр авангардных движений 1970-х годов — перформанс, концептуальное, феминистское и искусство идентичности». Большая часть работ Мендьеты требовала навигации и преодоления границ, некоторые из которых были навязаны индустрией искусства, которая все еще классифицировала работы по полу, расе, среде, первому миру против третьего мира, а также как высокое или низкое искусство».

Мендьета определила эту серию следующим образом: «Я продолжаю разговор между окружающей средой и женской фигурой (основанной на моей собственной форме), и меня переполняет ощущение изгнания из утробы (природы). Я соединяюсь с землей через мои скульптуры «земля/тело»; я становлюсь дополнением окружающей среды, а окружающая среда становится продолжением моего тела.» «Мое искусство — это способ восстановления связей, которые связывают меня с космосом», — говорит она о своеобразии своих работ, которое связано как с эстетическими, так и с общественными изменениями.

На этом мы завершаем обзор мира художников-авангардистов и их произведений. Хотя словосочетание «авангард» изначально применялось к творческим методам создания искусства в XIX и начале XX века, сегодня оно используется для определения всех произведений искусства, которые расширяют границы новаторского мышления, и по-прежнему используется для характеристики искусства, которое является революционным или представляет уникальность восприятия. Концепция авангарда закрепляет представление о том, что произведения искусства должны оцениваться в основном по качеству и уникальности видения и концепций художника.

Часто задаваемые вопросы

Что такое авангардное искусство?

Авангард бросает вызов тому, что считается стандартом или статус-кво, в основном в мире культуры. Некоторые считают, что авангард является характерной чертой модернизма. Многие художники причисляли и продолжают причислять себя к авангардному движению, уходя своими корнями в дадаизм. Авангард также выступает за радикальные преобразования общества. Сен-Симон ссылался на это понятие, утверждая, что сила искусства на самом деле является самым прямым и быстрым средством для социальной, политической и экономической революции.

Что определяет авангардный стиль искусства?

Несмотря на то, что термин «авангард» впервые был применен к творческим методам создания искусства в 20 веке, сейчас он используется для описания всех произведений искусства, которые расширяют границы изобретательности, и по-прежнему используется для описания искусства, которое является инновационным или символизирует индивидуальность перспективы. Философия авангарда гласит, что искусство следует оценивать в первую очередь по оригинальности и отличительности видения и мыслей творца. Художники авангарда пытались создать новые парадигмы производства, бросая вызов общепринятым художественным стандартам. Это было одно из художественных движений 20-го века с радикальной социально-политической целью: демонтировать и воссоздать социальные структуры, которые рассматривались как тесно связанные с традиционными эстетическими стандартами.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий