Я представляю себе картину, состоящую из квадратов, линий и просто геометрических мотивов, которые, кажется, пришли из другого мира, далекого от нашего понимания естественно существующих форм и объектов. Это просто беспредметное искусство, из этого мира, что мы и рассмотрим в этой статье вместе с некоторыми примерами беспредметного искусства.
Оглавление
Что такое беспредметное искусство?
Беспредметное искусство и абстрактное искусство часто идут вместе, но это также может быть запутанным для понимания. Является ли беспредметное искусство абстрактным искусством? Некоторые источники говорят, что это форма или стиль в категории абстрактного искусства, другие утверждают, что это не синоним абстрактного искусства, третьи говорят, что это и есть абстрактное искусство — между всеми этими понятиями существует тонкая грань.
Ниже мы подробнее рассмотрим определение беспредметного искусства, включая его происхождение.
Определение беспредметного искусства
Беспредметное искусство также называют геометрической абстракцией. Согласно определению, данному Tate, оно определяется как «вид абстрактного искусства, который обычно, но не всегда, является геометрическим и стремится передать ощущение простоты и чистоты».
Если мы также рассмотрим определение, которое Tate предлагает для абстрактного искусства, мы сможем лучше понять, что такое беспредметность. Абстрактное искусство определяется как искусство, «которое не пытается представить точное изображение визуальной реальности, а использует формы, цвета, формы и жестикуляционные знаки для достижения эффекта».
Лебедь (1915), Хильма аф Клинт; Хильма аф Клинт, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Действительно, более логично, что беспредметное искусство — это форма абстрактного искусства, в котором нет никаких изобразительных качеств или подобия реальности; оно полностью нерепрезентативно. Поэтому его также называют геометрической абстракцией, поскольку оно состоит из геометрических композиционных мотивов.
Абстрактное искусство все же будет иметь некоторое сходство с реальностью, хотя это не будет «точным изображением», как мы видим на примере греческого искусства, где художники следовали философским идеалам мимесиса, что означает «подражать». Это было в контексте подражания природе или реальности.
С чего начался термин «беспредметный»?
Русский конструктивист Александр Родченко впервые ввел термин «беспредметный», когда представил несколько своих картин из серии «Черное на черном», например, «Беспредметная картина № 80» (1918). Родченко стал одним из основателей этого художественного движения в 1915 году вместе с художником Владимиром Татлиным. Конструктивизм как тип абстрактного художественного движения фокусировался на «строительстве» искусства, а не на формальных композиционных качествах, которые создают искусство.
Искусство должно было быть конструкцией современной промышленности и служить утилитарным (функциональным) целям, а не более глубоким отражением и выражением внутренних эмоциональных состояний.
Считается, что серия «Черное на черном» Родченко была реакцией на работы Казимира Малевича, а именно на его «Черный квадрат» (1915). Она также могла быть игрой на «Белое на белом» Малевича (1918). Малевич был основателем предшествующего и одновременного с конструктивизмом художественного движения под названием супрематизм. Он основал его в 1913 году, продолжая создавать произведения искусства в стиле кубофутуризма, из которых выставка «Последняя выставка картин футуристов 0,10» положила начало новому стилю супрематизма, включавшему «Черный квадрат» Малевича.
Черный квадрат (Черный супрематический квадрат) (1915), Казимир Малевич; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Выставка была проведена в 1915 году Художественным бюро Добычина в Петрограде, Россия. Малевич также написал сопроводительный текст или манифест, как его еще называют, «От кубизма и футуризма к супрематизму в искусстве» (1915). В 1927 году он также использовал термин «беспредметный» в своей публикации под названием «Беспредметный мир» (1927).
Знаменитая цитата из вышеупомянутого текста объясняет некоторые из основных постулатов супрематизма и то, что он связан с «чистым чувством», а «визуальные явления» становятся в некоторой степени «бессмысленными». Далее они объясняют, что чувство является самым важным «помимо среды, в которой оно возникает».
Это было движение, направленное на возвращение к основам формы, «новый реализм», как провозгласил Малевич. Речь шла о «превосходстве чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве». Он был полной противоположностью конструктивизму и стремился изобразить форму такой, какая она есть, другими словами, он опирался на формальные элементы живописи, например, цвет, линию, форму и так далее.
Однако у «нового реализма» Малевича была и другая сторона, связанная с более глубоким смыслом за пределами видимой нами реальности. Некоторые источники также предполагают, что это связано с духовными аспектами искусства. На самом деле, Малевич находился под влиянием эзотерической философии русских мистиков П.Д. Успенского и Жоржа Гурджиева.
Супрематизм (1915) Казимира Малевича; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Супрематизм был важным художественным движением в мире беспредметной живописи, он открыл новые способы видения искусства и повлиял на многих художников в эпоху модерна. Не только Малевич считался пионером беспредметного, или, иначе, нерепрезентативного, искусства.
Такие художники, как Василий Кандинский и Пит Мондриан, были одними из пионеров открытия мира, выходящего за рамки физической функции и представления искусства с помощью чисто формальных элементов искусства.
Русский художник Василий Кандинский был высоко ценимым художником-абстракционистом 20-го века. Он был одним из нескольких других художников, основавших художественную группу под названием Der Blaue Reiter («Синий всадник»), которая была частью немецкого экспрессионистского художественного движения. Революционными для своего времени работами Кандинского были его абстрактные композиции.
Композиция VII (1913) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В своей фундаментальной публикации «О духовном в искусстве» (1912) он более детально исследовал глубинные значения цвета в искусстве и его духовную связь, в том числе сравнивая использование цвета с музыкой, а в более широком смысле — связь искусства с музыкой.
В своем тексте он объясняет, как легко музыка выражает внутренний мир и как художники должны «завидовать» этой легкости выражения.
Кандинский начал серию абстракций, которые передавали эту более глубокую духовность, они назывались «Импровизации», «Композиции» и «Впечатления». Примером может служить его «Композиция VII» (1913), в которой изображена амальгамация форм и цветов до такой степени, что мы, зрители, не можем распознать ничего фигуративного или изобразительного.
Другой заметной фигурой, которую следует упомянуть в связи с беспредметным искусством, является голландец Пит Мондриан. Он был еще одним пионером абстрактного искусства в 1920-х годах. Опираясь на формальные элементы линий и форм, он создавал беспредметные картины, лишенные всякого узнаваемого представления. Эта простота форм также передавала более глубокое послание об основополагающих универсальных ценностях.
Нью-Йорк, Нью-Йорк (1942) Пит Мондриан; Пит Мондриан, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мондриан также стал одним из основателей художественного движения De Stijl («Стиль») вместе с голландским художником Тео ван Досбургом. В рамках этого движения Мондриан в 1917 году основал неопластицизм, который стремился, так сказать, вернуться к основам искусства. Это включало в себя изображение искусства в чистых фундаментальных формальных элементах цвета и линий, как упоминалось выше.
Однако это были строго горизонтальные и вертикальные линии с прямыми углами, а единственными используемыми цветами были основные цвета, а именно красный, синий и желтый, а также нейтральные цвета, такие как белый, серый и черный.
Мишель Сефор в своей публикации «Пит Мондриан: Жизнь и творчество» (1956), привел цитату Мондриана, которая объясняет связь искусства с реальностью: «Искусство выше реальности и не имеет прямого отношения к ней». Далее он утверждает, что художники должны использовать реальность в минимальной степени, потому что реальность противостоит духовному».
Неопластицизм был радикальным художественным стилем и стремился изобразить скрытую гармонию через искусство, эта гармония передавалась в самых фундаментальных формах. Мондриан также написал эссе под названием «Неопластицизм в изобразительном искусстве (1917-1918)», опубликованное в журнале De Stijl (в некоторых источниках также упоминается как журнал De Stijl).
Обложка журнала De Stijl, том 5, № 1, 1922; Тео ван Дойсбург, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В своем основополагающем эссе он объяснил, чего хотел добиться неопластицизм, заявив: «Как чистое представление человеческого разума, искусство будет выражать себя в эстетически очищенной, то есть абстрактной форме. Новая пластическая идея не может, следовательно, принять форму естественного или конкретного представления». Более того, искусство станет «абстракцией формы и цвета».
Ван Досбург в конце концов отделился от неопластицизма и начал стиль, названный элементаризмом. Он противоречил теории Мондриана о строго вертикальных и горизонтальных линиях и включал диагональные линии и наклонные холсты. Он был более динамичным, чем более пуристские идеалы, лежащие в основе неопластицизма. Среди других направлений беспредметного искусства — знаменитые кубизм и футуризм в начале 1900-х годов, которые, по сути, оказали большое влияние на многих художников XX века.
Орфизм, также называемый орфическим кубизмом, зародился в 1912 году. Это был важный художественный стиль, который ввел беспредметность в мир искусства.
Рельеф, Ритмы (1932), Робер Делоне; Педру Рибейру Симоэнс из Лисбоа, Португалия, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Это движение возникло как ответ на аналитический кубизм Сони и Робера Делоне и Франтишека Купки. Движение сосредоточилось на включении более ярких цветов и форм в абстрактные композиции, которые обращались к чувствам; художники черпали вдохновение для использования ярких цветов в движении фовистов. Название «орфизм» было дано французом Гийомом Аполлинером, который был художественным критиком и писателем.
Если мы посмотрим на работы более раннего аналитического кубизма, который возник примерно в 1910-1912 годах под руководством Пабло Пикассо и Жоржа Брака, то такие предметы, как портреты или натюрморты, стали сильно раздроблены в полуабстрактные композиции.
Плоскости картин становились многогранными, а предметы рассматривались с разных точек зрения на одном холсте. Это был художественный стиль, сосредоточенный на деконструкции картинной плоскости и наложении полученных фрагментов друг на друга. Это направление стало настолько абстрактным, что превратилось в почти полностью беспредметное искусство.
В аналитическом кубизме не было большого акцента на яркие цвета, художники использовали сдержанные или монохроматические палитры, такие как коричневый, серый, охристый, черный и белый. Структурная композиция была центральной точкой картин, и не было необходимости передавать эмоции или символическое значение. Орфизм, таким образом, подходил к искусству иначе и полагался на цвет и перекрывающиеся плоскости картины, как мы видим в кубизме.
Стекло и бутылки (1912), Хуан Грис; Хуан Грис, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Другие движения беспредметного искусства в конце 1900-х годов включают в себя живопись с твердыми краями, которая началась в 1959 году, когда художественный критик Жюль Лангснер организовал художественную выставку «Четыре абстрактных классика» (1959), на которой были представлены геометрические абстрактные работы четырех художников из Калифорнии в Музее искусств округа Лос-Анджелес.
Работы были похожи на решетки и квадраты Пита Мондриана с более глубокими цветами, которые мы видим в стиле Color Field Painting, который был подстилем абстрактного экспрессионизма. Известными художниками стиля Color Field Painting были Марк Ротко и Барнетт Ньюман. Вышеупомянутых калифорнийских художников отличал безличный подход к изображению формы и цвета.
Фрэнк Стелла был еще одним известным художником стиля Hard-Edge и создавал композиции, которые фокусировались на формальных элементах искусства, таких как цвет, линия и форма.
Он стал известен благодаря своим безличным картинам, в частности, серии «Черные картины» (1958-1960). Стелла отличался от таких художников, как Пит Мондриан, например, тем, что у него не было намерения передать глубокое духовное послание через геометрическую абстракцию. Одна из известных цитат Стеллы: «То, что вы видите, это то, что вы видите».
Также не было никакого внутреннего глубокого смысла, как мы можем видеть в жестикуляционном стиле живописи Action, в работах таких художников, как Джексон Поллок, например. Кроме того, художники стиля Hard-Edge Painting создавали чистые и аккуратно структурированные композиции почти без намека на мазки, а их формы казались твердыми с «острыми» краями. На них также повлияла концепция унитарных композиций.
Пост-живописная абстракция зародилась в 1950-х годах, ее использовал художественный критик и историк Клемент Гринберг, чтобы назвать и курировать выставку для различных художников, таких как Хелен Франкенталер и Моррис Луис, представляющих различные стили абстрактной живописи, включая Hard-Edge Painting, Color Field Painting, Color Stain Painting, Lyrical Abstraction, Washington Color Painters, Minimal Painting и другие.
Это был ответ и отказ от предыдущего движения абстрактного экспрессионизма (также называемого живописной абстракцией), которое, по мнению Гринберга, было слишком эмоциональным и жестикуляционным. Характерной чертой стиля пост-живописной абстракции было стремление к формальным элементам в искусстве, например, к линейным конструкциям, цвету и форме.
Примеры беспредметного искусства
Важно отметить, что одной из основных базовых характеристик беспредметной живописи является использование формальных элементов искусства. Формальные элементы изобразительного искусства включают линии, формы, цвета, текстуры, пространство, значение (контраст или светимость). Все эти элементы комбинируются для создания предмета.
Ниже мы рассмотрим различные примеры беспредметной живописи от разных художников, представляющих различные направления и стили искусства.
Это наглядно покажет разнообразие, с которым каждый художник писал картины, руководствуясь своими внутренними намерениями и желаниями творить искусство. Давайте начнем с самого раннего, с пионера абстрактного искусства Василия Кандинского.
Экспрессионизм: Василий Кандинский (1866 — 1944)
Композиция VII (1913) Василия Кандинского — прекрасный пример беспредметной живописи. В ней мы видим красочную смесь форм и линий на одном пространственном участке, составляющем холст. Учитывая большой интерес Кандинского к музыке, мы видим, как его полотно становится почти похожим на сочиненное произведение, о связи с музыкой напоминает и название.
Кандинский четко оркестровал цвета и формы в этой картине, и наше визуальное восприятие происходит примерно так же, как наше слуховое восприятие воспринимает сочиненную песню.
Фотография Василия Кандинского; 未知上傳者, Public domain, via Wikimedia Commons
Это пример того, как Кандинский использовал стиль беспредметного искусства и придавал ему более глубокий символический смысл. Например, он включает темы апокалипсиса и искупления с помощью таких мотивов, как горы, лодки и фигуры, но они едва различимы. Художники изображали их со ссылкой на библейские повествования, такие как Эдемский сад и Страшный суд.
Композиция III (1923) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Среди других картин Кандинского — Композиция VIII (1923), которая показывает, как он включил в себя аспекты супрематизма, конструктивизма и школы Баухаус, где он преподавал. На этой картине Кандинский исследует линии и формы, что полностью отличается от его предыдущей картины, упомянутой выше. Здесь акцент сделан на форме и не так много цвета. К более поздним картинам Кандинского относятся «Несколько кругов» (1926) и «Композиция X» (1939).
Супрематизм: Казимир Малевич (1879 — 1935)
На картине Казимира Малевича «Черный квадрат» (ок. 1915 г.) просто изображен черный квадрат на белом фоне. В настоящее время картина потрескалась из-за старения, однако на ней видны и другие следы, например, мазки кисти и отпечатки пальцев. Эту картину уподобляют иконе своего рода нерепрезентативного искусства, подчеркивая ее духовные качества.
Казимир Малевич, до 1935 года; Неизвестный автор Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Кроме того, что эта картина является «иконическим» символом, на нее можно смотреть по-разному. Она универсальна в зависимости от перспективы зрителя. Простота формы и отсутствие других сопутствующих форм или цветов также создает для нас фокусную точку, черный квадрат, без других отвлекающих факторов.
Интересным фактом об этой картине является то, что первоначально она была частью эскиза Малевича в 1913 году для занавеса к опере «Победа над солнцем» (1926).
Белое на белом (1918), Казимир Малевич; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Среди других работ Малевича — «Полет аэроплана» (1915), «Белое на белом» (1917-1918), «Живописный реализм мальчика с ранцем. Цветные массы в четвертом измерении (1915), и Живописный реализм крестьянки в двух измерениях (Красная площадь) (1915).
Неопластицизм: Пит Мондриан (1872 — 1944)
Композиции Пита Мондриана в стиле неопластицизма — это примеры, визуально имитирующие беспредметное искусство. Если мы посмотрим на его картину «Композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим» (1921), то увидим фундаментальные квадратные и прямоугольные формы с толстыми черными контурами. Цвета ограничены красным, желтым, синим и белым с участками серого. Это простая визуализация формальных элементов вертикальных и горизонтальных линий, которые в конечном итоге образуют квадраты и прямоугольники.
Кроме того, блоки асимметричны, мы видим большой красный квадрат в центре и окружающие его меньшие блоки.
СЛЕВА: фотография Пита Мондриана из журнала De Stijl , том 5, № 12 (декабрь 1922): стр. 179; Аноним (фотограф), общественное достояние, через Wikimedia Commons | СПРАВА: Композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим (1921) Пит Мондриан; Пит Мондриан, общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Мы увидим, что этот стиль варьируется во многих других картинах Мондриана, некоторые из них имеют квадраты другого размера, а другие подчеркивают более толстые черные контуры. Примерами могут служить «Композиция с цветовыми плоскостями» (1917), «Tableau I: Лозенге с четырьмя линиями и серым цветом (1926), Композиция II в красном, синем и желтом цветах (1930), Композиция № 10 (1939-1942) и Бродвейское буги-вуги (1942-1943).
Орфизм: Соня Делоне (1885 — 1979)
Соня Делоне также занималась модой, текстилем и дизайном декораций, и в итоге воплотила многие из своих работ в функциональные формы, такие как мебель, настенные покрытия и одежда. Вместе со своим мужем, Робером Делоне, она стала одним из основателей художественного стиля орфизм. Орфизм характеризовался глубокими цветами и формами, и мы видим это на примере различных картин Делоне.
Портретная фотография Сони Делоне, ок. 1912 года; Аноним Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В качестве примера можно привести «Электрические призмы» (1914), на которых изображены различные круглые и дугообразные формы. В центральной части холста расположены два больших круга, а вокруг них — дуги, кривые и более геометрические формы, такие как прямоугольники. Вся плоскость картины многоцветная.
Вдохновением для создания электрических призм Делоне послужили электрические фонари на улицах Парижа.
В то время как Соня пыталась воспроизвести свечение, создаваемое уличными фонарями, ее муж, Робер Делоне, стремился аналогичным образом воспроизвести эффекты солнечного и лунного света в своей работе «Одновременные контрасты: Солнце и Луна (1912).
Живопись с жесткими краями: Фрэнк Стелла (1936 — настоящее время)
Фрэнк Стелла — мультиталантливый художник, он скульптор, печатник и живописец. Его работы входили и выходили из многих художественных стилей, в первую очередь из минимализма. Мы увидим, что многие его работы беспредметны, не изображают ничего, кроме того, что есть, примером тому может служить серия «Черные картины» (1958-1960), «Брак разума и убожества, II» (1959). Здесь мы видим черный холст, на котором нет ничего, кроме линий, геометрически выровненных друг с другом; они были описаны как «перевернутые параллельные U-образные формы».
Кроме того, нет широкого указания на мазки кисти, и работа кажется лишенной какой-либо образности или ссылки на какие-либо другие значения или символы.
Здесь мы видим только то, что видим. Картина также объясняется тем, что она не пытается создать «иллюзорное» трехмерное пространство, которое мы все привыкли видеть на картинах, особенно если мы используем в качестве примера эпоху Возрождения, что является противоположностью беспредметного искусства.
Фрэнк Стелла по случаю выставки «Фрэнк Стелла — Ретроспектива. Работы 1958 — 2012» в Кунстмузее Вольфсбурга. В Американской академии в Берлине состоялась беседа между Стеллой и Ханно Раутербергом из газеты Die Zeit об отличительных и новаторских работах знаменитого американского художника; Американская академия в Берлине, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Картина Стеллы «Харран II» (1967) из серии «Протрактор» (конец 1960-х годов) — еще один пример, но в данном случае она не монохромная, а многоцветная. Наше внимание привлекают три круглые формы, однако вся композиция наклонена по диагонали, и круглые формы почти помещены в наложенные прямоугольные формы.
Это произведение размером 10 x 20 футов, и его большой масштаб подчеркивает эффект геометрических и красочных форм, когда стоишь перед ним, кроме того, плоская двухмерность холста становится неизбежной. Оно выполнено из полимера и флуоресцентной полимерной краски.
Вопрос формальности
Тематика беспредметной живописи использовалась многими художниками для различных целей на протяжении 20-го и 21-го веков. Для некоторых художников это было передачей более глубокого, духовного смысла. Для некоторых — для создания динамизма и ритма. Для других — передать музыкальный поток и значение сочетания цветов, чтобы вызвать эмоциональный отклик. Для других — просто передать форму и цвет, дизайн и структуру, и ничего больше.
Предметы большинства беспредметных картин были простым формализмом, набором линий, форм и цветов, но какой бы цели эти наборы не служили, они не были напрасными, потому что беспредметное искусство продолжает создавать новые измерения не только в нашем сознании, но и в нашем окружении, и иногда что-то не обязательно должно что-то значить.
Часто задаваемые вопросы
Что такое беспредметное искусство?
Беспредметное искусство можно рассматривать с разных точек зрения. Одни источники считают, что это форма или стиль в категории абстрактного искусства, другие — что это не синоним абстрактного искусства, третьи — что это и есть абстрактное искусство. Беспредметное искусство также называют геометрической абстракцией. Согласно определению, данному Tate, оно определяется как «вид абстрактного искусства, который обычно, но не всегда, является геометрическим и стремится передать ощущение простоты и чистоты».
В чем разница между беспредметным и абстрактным искусством?
Беспредметное искусство и абстрактное искусство лучше понять, если посмотреть, как определяется абстрактное искусство, а именно, как искусство, «которое не пытается представить точное изображение визуальной реальности, а использует формы, цвета, формы и жестикуляционные знаки для достижения своего эффекта». Беспредметное искусство — это форма абстрактного искусства, в котором отсутствуют изобразительные качества или сходство с реальностью, оно полностью нерепрезентативно, поэтому его также называют геометрической абстракцией.
Какие направления беспредметного искусства существуют?
Беспредметное искусство вписывается в различные направления абстрактного искусства, поэтому само по себе оно не является направлением искусства, а скорее типом или стилем абстрактного искусства. Беспредметное искусство можно найти в таких направлениях искусства, как экспрессионизм, супрематизм, конструктивизм, кубизм, орфизм, районизм, живопись с твердыми краями, пост-живописная абстракция и другие.
