Искусство Баухауса — Познакомьтесь с захватывающим искусством и стилем движения Баухаус

Искусство Баухауса

Что такое Баухаус? Искусство Баухауса ассоциируется с конкретным учреждением. Баухаус, несомненно, был самой значительной прогрессивной школой искусства в 20 веке и был ответственен за развитие многих выдающихся художников Баухауса. Даже после его закрытия под жесточайшим давлением нацистского режима в 1933 году, отношение школы дизайна Баухаус к образованию и связи между обществом, искусством и технологиями оказало огромное влияние в США и Европе.

Оглавление

История искусства Баухаус

Стиль Баухаус был вдохновлен творческими тенденциями 19-го и начала 20-го веков, включая стиль модерн и его различные зарубежные варианты, такие как Венский сецессион и Югендстиль, а также движение «Искусство и ремесла». Все эти группы стремились стереть грань между прикладным и изобразительным искусством, а также воссоединить воображение и производство; их наследие было представлено в романтическом средневековье идеологии движения Баухаус в период его становления, когда оно представляло себя как своего рода союз ремесленников.

Однако к середине 1920-х годов этот идеал уступил место идее интеграции промышленного дизайна и искусства Баухауза в графику, и именно эта направленность стала основой наиболее инновационных и значительных достижений Баухауза.

Это учебное заведение также известно своими выдающимися преподавателями, которые впоследствии способствовали развитию современного искусства — и современных идей — во всех Соединенных Штатах и Европе.

Первые дни движения Баухаус

Баухаус, названный так в честь немецкой фразы, означающей «дом строительства», был создан в 1919 году архитектором Вальтером Гропиусом в Веймаре, Германия. В 1915 году он возглавил уже существовавшую школу искусств и ремесел, а четыре года спустя путем слияния этой школы с Веймарской академией изящных искусств была основана новая революционная художественная школа Баухаус.

Стиль Баухаус концептуально возник из импульсов конца 19 века, направленных на объединение изобразительного и прикладного искусства, противостояние индустриализации творчества и улучшение образования.

Графический дизайн Баухауза

Механическая сцена (1925), Йоост Шмидт, тушь и темпера на бумаге; Йоост Шмидт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Одновременно с этим, в 1910-х годах подъем русского конструктивизма обеспечил более актуального и эстетически подходящего предшественника для слияния художественного и механического дизайна Баухауза. Когда Баухауз официально открылся в 1920 году, он разместился в старой скульптурной мастерской Великогерцогского саксонского института, построенной в стиле модерн.

Гропиус призвал школу развивать новое понимание мастерства и функциональных способностей, подразумевая возврат к средневековым идеалам в отношении искусства и ремесел. Он считал, что движение Баухаус охватывает все формы художественного выражения, включая изобразительное искусство, промышленный дизайн, графический дизайн Баухаус, дизайн интерьера Баухаус, типографику и архитектуру.

Стили и концепции Баухауза

Стратегия школы была сосредоточена на ее инновационном и эффективном учебном плане. Гропиус описал ее как колесо с кольцами, причем внешний круг был выбран для представления шестимесячного подготовительного курса, начатого Йоханнесом Иттеном, который фокусировался на основополагающих аспектах дизайна, в частности, на различных характеристиках разнообразных форм, цветов и веществ.

Два средних круга обозначали два переходных трехлетних курса, которые концентрировались на проблемах, связанных с формой, а также учебную программу практического обучения, основанного на мастерских и сосредоточенного на практических профессиях и техниках.

Движение Баухаус

Стул (1925) Эрих Диекманн; Sailko, Public domain, via Wikimedia Commons

Эти семинары подчеркивали функционализм, особенно использование основных геометрических форм, которые можно было легко повторить, что станет теоретическим центром модернистского дизайна и архитектуры в последующие десятилетия. Курсы, специализирующиеся на строительстве, были в центре колеса, обучая студентов основам архитектуры, строительства и инженерии, но с акцентом на навыки и мастерство, которые, как считалось, были утрачены в современных строительных процедурах.

Одной из основных целей метода обучения, который использовался на всех курсах, было снижение склонности к конкуренции и поощрение не только творческих способностей, но и чувства сотрудничества и общих целей.

Преподавательский состав Баухауза

Феноменально квалифицированные профессора, которых Гропиус привлек в Веймар, отвечали за разработку и реализацию этой учебной программы. Первыми, кого выбрал Гропиус, были авангардные художники Йоханнес Иттен и Лионель Файнингер, а также скульптор Герхард Маркс.

Иттен сыграл особенно важную роль в формировании идеологии школы: благодаря своему опыту экспрессионизма, он стоял за первым акцентом на романтическом средневековье, который отличал Баухаус, в частности, за подготовительным курсом, который он разработал.

Художники Баухауса

Фотография основателя Баухауса Вальтера Гропиуса (1883 — 1969), сделанная ок. 1919 года; Луис Хельд, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Его экспрессионистские и мистические наклонности, как известно, поставили его в противоречие с аналитической, социологической позицией Гропиуса, и эти двое быстро вступили в конфликт. К 1923 году Иттен ушел, и его сменил Ласло Мохоли-Надь, более близкий Гропиусу человек; Мохоли-Надь перестроил учебный план, включив в него технологии и социальную роль искусства.

Тем не менее, за время своего недолгого существования Баухауз впитал в себя множество стилистических влияний.

Хотя такие имена, как Мохоли-Надь, сегодня отождествляются с технической философией конструктивизма, другие первоначальные варианты включали в себя художников-экспрессионистов и художников, находящихся под влиянием экспрессионизма, таких как Пауль Клее и Василий Кандинский. В них также участвовали художники, работавшие во многих направлениях, от скульптуры до танца, такие как Оскар Шлеммер и Георг Мухе.

Движение Баухауза в Дессау

В 1925 году Баухаус переехал в немецкий фабричный город Дессау, начав свой самый плодотворный период развития. Гропиус построил для школы новое здание, которое стало известно не только как духовная эмблема Баухауза, но и как отличительная черта современной структуралистской архитектуры.

Именно в этот момент в школе появилось архитектурное подразделение, которое явно отсутствовало в предыдущей итерации. С другой стороны, к 1928 году Гропиус был измотан своим трудом и постоянными столкновениями с противниками школы, особенно с консервативными силами в немецкой культуре.

Что такое Баухаус

Здание Баухауза в Дессау, Германия, было спроектировано Вальтером Гропиусом. Оно было самым долговечным из трех мест расположения Баухауза (1925-1932); Spyrosdrakopoulos, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Он отошел от дел, передав бразды правления швейцарскому архитектору Ханнесу Мейеру. Мейер, который руководил архитектурным факультетом, был убежденным коммунистом и внедрял свои политические убеждения в студенческие группы и образовательные инициативы. Учебное заведение росло, но марксизм Мейера оказался под огнем, и в 1930 году он был уволен с поста директора. После того как в 1932 году муниципальные выборы в Дессау привели к власти нацистов, школу снова закрыли и перевели в Берлин, где она оставалась до конца своих дней.

В Берлине Баухаус был временно возрожден под руководством архитектора Людвига Мис ван дер Роэ, известного сторонника функционалистского дизайна, который, как и Гропиус, впоследствии был связан с так называемой международной эстетикой.

Мис ван дер Роэ, с другой стороны, пришлось иметь дело со значительно меньшими возможностями, чем его предшественники, а также с факультетом, лишенным многих лучших звезд. Он попытался исключить политику из программы школы, но эта временная попытка ребрендинга не удалась, и когда в 1933 году к власти пришли нацисты, школа была закрыта на неопределенный срок из-за серьезных политических преследований и запугиваний.

  Оттенки коричневого - изучение оттенков коричневой цветовой палитры

После закрытия школы дизайна Баухаус

Влияние Баухауса распространилось бы так же далеко, как и влияние его прежних преподавателей в течение десятилетий после его распада, многие из которых были вынуждены покинуть Европу, поскольку удушающее воздействие фашизма взяло верх. Гропиус переехал в США в 1937 году и читал лекции в Высшей школе дизайна Гарвардского университета, где он считался решающим в распространении международного архитектурного стиля в Америке.

За четыре года до этого Йозеф Альберс был назначен директором школы живописи в знаменитом колледже Блэк Маунтин в Северной Каролине, где среди его учеников были Сай Твомбли и Роберт Раушенберг. В 1933 году, после бегства из Германии, Ласло Мохоли-Надь основал Институт дизайна в Чикаго.

Национальное наследие Баухауза также было возрождено в годы после Второй мировой войны, когда в 1953 году в Ульме была основана Высшая школа гештальтунга. Это учреждение стало идеологическим наследником движения Баухаус во многих аспектах, а его первым руководителем был выбран известный ученик Баухауса Макс Билл.

Баухаус дизайн

Печатная машинка Olivetti Studio 42, разработанная баухаузцем Ксанти Шавински в 1936 году; ChristosV und/oder Christos Vittoratos, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Мохоли-Надь, Билл и Альберс были особенно влиятельны в модификации этоса Баухауса для современной эпохи: Мохоли-Надь и Альберс переделали его в более подходящий для современного исследовательского учреждения, функционирующего в обществе, ориентированном на рынок, а Билл сыграл важную роль в распространении геометрической абстракции по всему миру в форме бетонного искусства, движения, пришедшего на смену конструктивизму.

Ключевые идеи дизайна Баухауза

Баухауз был основан в конце 19 века в ответ на обеспокоенность по поводу бесперспективности современного производства и потери социальной значимости искусства. Художники Баухауза стремились примирить изобразительное искусство и утилитарный дизайн, разрабатывая практичные вещи с сущностью произведений искусства.

Несмотря на отказ от многих особенностей традиционного обучения изобразительному искусству, Баухауз проявлял большой интерес к философским и концептуальным взглядам на свою тему.

Различные компоненты художественной школы и школы графического дизайна Баухауса были объединены, а иерархия искусств эпохи Возрождения была выровнена: утилитарные ремесла — архитектурный дизайн и дизайн интерьера Баухауса, ткани и изделия из дерева — были поставлены в один ряд с изящными искусствами, такими как живопись и скульптура. Учитывая акцент Баухауза как на высоком искусстве, так и на утилитарных ремеслах, неудивительно, что многие из его наиболее важных и долговременных успехов были достигнуты в других областях, помимо скульптуры и живописи.

Баухаус плакат

Плакат для Bauhausaustellung (1923), разработанный Йоостом Шмидтом; Joost Schmidt , Public domain, via Wikimedia Commons

Декор и дизайн посуды Марселя Брейера, Марианны Брандт и других подготовили почву для модной простоты 1950-х и 1960-х годов, а такие строители, как Людвиг Мис ван дер Роэ и Вальтер Гропиус, считаются первопроходцами столь же стильного Международного стиля, который так важен в архитектуре сегодня.

Метод преподавания Баухауса с его акцентом на эксперименты и решение проблем оказал огромное влияние на современное художественное образование. Он привел к переосмыслению «изобразительных искусств» в «визуальные искусства», а также к переосмыслению художественного метода как более сопоставимого с научной наукой, чем с гуманитарными дисциплинами, такими как история или литература.

Важные художники и произведения Баухауза

Движение Баухаус представляет собой одну из самых важных философий дизайна всех времен, сочетая утилитарный дизайн с эстетическим наслаждением для создания новой формы искусства, способной привнести красоту в повседневную продукцию и за ее пределами. Это был переломный момент в графическом дизайне. Типографика, верстка, использование формы и цвета были переосмыслены таким образом, что оказали неизгладимое влияние на графический дизайн в XXI веке.

Движение Баухаус и его современный стиль оказали огромное влияние на искусство и графический дизайн, а инновации и идеологические перевороты того времени влияют на то, как мы творим и по сей день.

Красный воздушный шар (1922) Пауля Клее

Дата завершения 1922
Средство Масло на марле
Размеры 32 см x 31 см
Текущее местонахождение Музей Соломона Р. Гуггенхайма

Пауль Клее был провидцем, в чьих работах удивительная формальная изобретательность сочеталась со странным типом первобытной невинности. Он был одним из самых выдающихся и интригующих художников, связанных с искусством и дизайном Баухауса. На этой картине 1922 года хрупкие, прозрачные геометрические фигуры — прямоугольники, квадраты и купола — выделены градациями основного цвета. Одинокий красный круг парит в центре, при ближайшем рассмотрении оказываясь одноименным воздушным шаром. Этот иллюстрированный изыск демонстрирует игривое, коррелятивное использование Клее знаменитых геометрических композиционных структур Баухауса.

Фокус отличительного стиля художника напряженно меняется между абстрактным и изобразительным, между повествовательной связью и мистическим символизмом. Светящиеся формы, напоминающие витражи, расположены асимметрично и создают эстетический ритм, управляемый горизонтальными, вертикальными и диагональными линиями, которые выглядят одновременно организованными и незапланированными.

Клее, родившийся в Швейцарии в 1879 году, участвовал в различных модернистских и экспрессионистских группах в Северной Европе в 1900-х и 1910-х годах, включая Der Blaue Reiter, прежде чем принять должность в Баухаузе в 1921 году, где он преподавал настенную живопись, переплетное дело и другие предметы.

Стиль Баухаус

Красный воздушный шар (1922) Пауля Клее, находится в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке; Paul Klee, Public domain, via Wikimedia Commons

Его уроки искусства были опубликованы в серии Bauhausbücher в его «Педагогических эскизах» (1925). Эта работа, которая начиналась со строки «Эффектная линия на прогулке, постоянно движущаяся, без цели», приобрела огромное влияние, создав ему славу одного из выдающихся теоретиков современного искусства, поскольку он пытался оценить все возможные комбинации своих беспокойных линий. Для Клее линия, выросшая из одного положения, была независимым, импульсивным агентом, движение которого формировало плоскость.

  Нике Самофракийская - взгляд на статую "Крылатая победа Самофракии"

Эта аналогия возникновения творческой формы стала центральным элементом теории дизайна Баухауза, вдохновляя многих коллег Клее, в частности Анни Альберс и давнего друга Клее Василия Кандинского. Участие Клее в Баухаузе с 1921 года до его ухода в отставку в 1931 году опровергает предубеждения о школе как о чрезмерно сосредоточенной на логике и формальных, жестких процедурах.

Творчество Клее оказало влияние на других художников Европы и Америки, в частности на Адольфа Готлиба, Роберта Мазервелла, Кеннета Нолана, Нормана Льюиса и Уильяма Базиотса, которые увидели в нем одновременно сложное и первобытное, реалистичное и потустороннее. «Почти все, независимо от того, сознательно или нет, изучали Клее», — писал Клемент Гринбург в 1957 году.

Желто-красно-синий (1925) Василий Кандинский

Дата завершения 1925
Средство Масло на холсте
Размеры 63 см x 92 см
Текущее местонахождение Национальный музей современного искусства,

Эта сложная работа организована вокруг трех основных визуальных секций, которые подчеркиваются красными, желтыми и синими формами. Они, в свою очередь, создают две основные зоны визуального фокуса: одну на правой стороне панели, образованную соединенными между собой синим кругом и красным крестом, и одну на левой, образованную желтым прямоугольником на фоне более темного оттенка охры. Эффекты цвета и оттенков подразумевают вариации воспринимаемого веса и расположения в пространстве, поскольку легкость желтого контрастирует с более глубокими красными тонами, переходящими далее в синий и фиолетовый.

Сетка линейных и изогнутых линий взаимодействует по всему полотну, как бы повторяя борьбу энергий, установленную между множеством основных оттенков. Василий Кандинский родился в Москве в 1866 году и до конца XIX века переехал в Германию, где в последующие несколько лет стал важнейшей фигурой в развитии североевропейского экспрессионизма; его картина 1903 года Der Blaue Reiter вдохновила одноименную экспрессионистскую художественную группу.

Кандинский переехал в Германию и начал читать лекции в Баухаузе в 1922 году, после шестилетнего пребывания в Советской России во время революции (1914-1920), к тому времени его творчество продвинулось к утонченной форме абстракции. В качестве репетитора на подготовительном уровне он знакомил своих учеников с изучением основных цветов и структурой их взаимосвязи.

В 1923 году он провел опрос, в котором респондентов просили заполнить треугольник, квадрат или круг наиболее подходящим основным цветом, чтобы обнаружить присущую им качественную связь между определенными формами и цветами. В результате красный квадрат, желтый треугольник и синий круг стали типичным шаблоном Баухауса, который Кандинский исследовал и обработал в этом известном произведении, превратив его в поэтическое представление связи между эстетическим и мелодическим выражением.

Эти же концепции повлияли на его знаменитое эссе «Точка и линия — плоскость» (1926), которое было мотивировано недавними исследованиями в области гештальтпсихологии, ставшей в то время главной темой дебатов в Баухаусе.

Кандинский был заинтригован тем, как определенные сочетания линий, цветов и тонов могут иметь внутренние психологические и духовные последствия, которые затем были связаны с определенными музыкальными мелодиями. Тем не менее, как отмечает искусствовед Аннагрет Хоберг, размышления художника выходят за рамки этого, в более репрезентативные сферы: «Два центра вызывают антропологический подтекст. В то время как расположение кругов и линий на желтом поле наводит на мысль о человеческом профиле, переплетение синих и красных форм с черной диагональю напоминает сюжет «Святого Георгия и дракона»».

Возможно, именно эти более человеческие связи объясняют легендарный статус абстрактных работ Кандинского в истории современного искусства: как отмечает Хоберг, «Желто-красно-синие» «оказали влияние на последующий модернизм, к которому относится, например, серия Барнетта Ньюмана «Кто боится желтого, красного и синего» (1969)».

Клубный стул (1925) Марселя Бройера

Дата завершения 1925
Средство Сталь и обивка из холста
Размеры 72 см x 78 см x 71 см
Текущее местонахождение Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Знаменитый стул Марселя Брейера — это новый поворот к классическому мягкому «клубному стулу» гостиной 19 века, изящный сплав изогнутых, наложенных друг на друга труб из нержавеющей стали и плотных прямоугольных текстильных панелей, парящих в пространстве как геометрические объекты. Стул был охарактеризован художником как «мое самое суровое произведение — наименее художественное, наиболее рациональное, наименее «уютное» и наиболее механистичное».

Тем не менее, это была его самая значительная работа, демонстрирующая прорывные инновации в функциональном дизайне, которые отличали Баухаус к середине 1920-х годов. Она отвечала всем критериям дизайнерской этики школы: была легкой, легко перемещаемой и массовой, а ее компоненты располагались с простотой, которая делала ее структуру и функцию очевидными.

Бройер, родившийся в Венгрии в 1902 году, был одним из самых молодых участников первого поколения Баухауза. Он покинул родной город Печ в возрасте восемнадцати лет и в 1920 году поступил в революционное новое учебное заведение Гропиуса в качестве одного из первых учеников. Он был выбран как вундеркинд и получил в командование мастерскую по обработке дерева, а после короткого пребывания в Париже вернулся в Баухаус в качестве преподавателя в 1925 году.

Бройер, заядлый велосипедист, считал велосипед воплощением современного дизайна и был очарован изогнутым рулем своего велосипеда, который был сделан из нового вида трубчатой стали, производимой компанией Mannesmann. Он понял, что этот же материал, который можно скручивать без образования трещин, можно использовать в дизайне мебели, и в результате этого прозрения родился «клубный стул». В 1927 году Бройер основал компанию Standard Möbel для массового производства своей мебели.

Разговорное название стула связано с именем художника Василия Кандинского, который был в восторге от него, когда впервые увидел его в мастерской Бройера. По словам искусствоведа Шеймуса Пейна, стул Бройера был «первым стулом, в котором использовался каркас из гнутой стали, и он стал предвестником начала революционной эры в современной мебели с формой, которая и сейчас сохраняет футуристический вид».

После Второй мировой войны итальянская компания Gavina начала производство этого стула, подтвердив его долгосрочное влияние на историю дизайна и продавая его как «стул Василия». В 1968 году американская компания Knoll приобрела Gavina и начала производство модели B3, которая доступна и сегодня.

Универсальный байер (1925) Герберта Байера

Дата завершения 1925
Средство Шрифт
Размеры Н/Д
Текущее местонахождение Н/Д
  Картина Джорджии О'Кифф "Черный ирис" - исследование творчества О'Кифф в области ириса

Универсальный шрифт Герберта Байера, классика типографики международного стиля, использует простой стиль шрифта Баухаус. В то же время простота стиля свидетельствует о заботе Байера об улучшении удобочитаемости, обеспечивая значительное количество отрицательных пробелов между буквами в отличие от традиционных каллиграфических шрифтов немецкой типографии.

Байер хотел, чтобы письменный язык отражал простоту речи, и выбрал для этого стиля только строчные буквы, поскольку между строчными и прописными буквами не было фонетической разницы. Поскольку каждый символ имеет одинаковый размер, они определяли переносимые места на странице.

В результате шрифт был относительно прост в использовании и мог быть переведен на клавиатуры пишущих машинок и наборное оборудование. Эти элементы дизайна прекрасно отражают акцент Баухауза на практичности и массовом производстве. Байер, как и Бройер, был молодым представителем «золотого поколения» Баухауза, родившись в Австрии в 1900 году. Он начал свою карьеру как архитектор и в конце 1910-х годов был членом Дармштадтской колонии художников, где на него повлияли идеи югендстиля или модерна, а также его ориентация на концепцию «целостного произведения искусства».

Однако в 1920 году Байер заинтересовался новым начинанием Гропиуса и присоединился к школе в 1921 году, обучаясь у Кандинского, Клее и Мохоли-Надь. После возвращения в Баухаус в качестве преподавателя в 1925 году он был назначен руководителем отдела печати и рекламы в эпоху Дессау. После того как Гропиус поручил ему создать шрифт, который можно было бы использовать во всех публикациях Баухауза, он создал универсальный шрифт Bayer. В то время большинство немецких типографий все еще использовали Fraktur, яркий готический шрифт, разработанный в 16 веке для ксилографии Альбрехта Дюрера «Триумфальная арка» (1526).

Байер передал дух нового культурного явления, отвергавшего отсталый национализм в пользу международного модернизма — движения, которое отстаивал Баухаус и которое в конечном итоге было уничтожено нацистами, — убрав орнамент из немецких букв.

Его дизайн также должен был соответствовать знаменитому композиционному принципу Баухауза, в котором буквы были организованы в диагональные линии, направленные вверх по странице, обернутые вокруг объектов и выделенные яркими цветами.

Хотя шрифт Байера никогда не отливался в металле, его эффект был масштабным и долговечным. Наряду с тем, что он был на переднем крае развития типографики международного стиля с 1920-х по 1950-е годы, повлияв на такие шрифты, как Architype Schwitters, он также послужил основой для шрифта Google. Шрифт также можно увидеть на нескольких плакатах Баухауса. Примером может служить плакат Баухауза Герберта Байера для выставки Кандинского в 1926 году.

Фотограмма (1926) Ласло Мохоли-Надь

Дата завершения 1926
Средство Желатиновая серебряная гравюра
Размеры 23 см x 18 см
Текущее местонахождение Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Рука художника словно возникает из темноты и парит в пространстве на этом бескамерном снимке, или «фотограмме», за сеткой пылающих белых линий, пересекающихся с кончиками его пальцев. Фигуры появляются на бумаге не только как бы обретая форму от взаимодействия тени и света, но и как дематериализованные отголоски осязаемых объектов: они становятся следами физического прикосновения.

Различные европейские дизайнеры, такие как Кристиан Шад и Ман Рэй, занимались фотограммой — фразой, изобретенной Мохоли-Надью, — под другими названиями в 1910-х и 1920-х годах, но благодаря усилиям Мохоли-Надья абстрактная фотография стала неразрывно связана с новаторской идеологией Баухауса.

Ласло Мохоли-Надь родился в 1895 году в Венгрии. Он приехал в Германию в 1920 году, и в 1923 году Гропиус попросил его возглавить основную учебную программу Баухауза вместо Йоханнеса Иттена, который уже был известен как художник. Фотограммы Мохоли стали эмблемами новаторства Баухауза, хотя он работал в различных средах. Эти работы, созданные путем помещения предметов на фоточувствительную бумагу, подверженную воздействию окружающего света, делают свет «материалом пластического выражения», по выражению художника.

Несмотря на то, что фотография формально не входила в учебный план Баухауза, Мохоли-Надь работал в фотоотделе в единственном лице, и его ревностный энтузиазм привел многих преподавателей и студентов школы к экспериментам с фотографией.

Мохоли-Надь, очарованный светом, продолжал исследовать потенциал фотограммы на протяжении всей своей карьеры, особенно в Чикагской школе дизайна, которую он создал в 1939 году после переезда в США.

Здесь занятия в «световой лаборатории» были обязательными, и работы Мохоли-Наги оказали влияние на многих будущих североамериканских художников, включая Артура Сигела. Мохоли-фотограммы Надь являются свидетельством новаторской технологической и творческой этики Баухауса, особенно его приверженности к исследованию фундаментальных качеств и возможностей многих художественных средств. По сути, они являются исследованиями принципов фоточувствительности в их чистейшей, неискаженной форме, и таким образом воплощают менталитет «форма следует за функцией», который в настоящее время ассоциируется с Баухаузом и более широким движением конструктивизма.

На этом мы завершаем наше исследование дизайна Баухауза. Школа Баухаус повлияла на многие аспекты прикладного искусства, такие как дизайн интерьера Баухаус и графический дизайн Баухаус. Художники Баухауза и их работы изменили художественный ландшафт не только в свое время, но и на многие последующие годы.

Часто задаваемые вопросы

Что такое Баухаус?

Баухауз, без сомнения, был самой важной прогрессивной художественной школой 20-го века, и именно в нем получили развитие многие известные художники Баухауза. Взгляды школы дизайна Баухаус на образование и взаимоотношения между обществом, искусством и технологиями оказали огромное влияние в США и Европе даже после того, как она была расформирована под давлением нацистов в 1933 году. Стратегия школы была основана на ее передовой и эффективной учебной программе. Внешний круг был выбран для обозначения шестимесячной подготовительной школы, основанной Йоханнесом Иттеном, в которой, по словам Гропиуса, основное внимание уделялось основным компонентам дизайна, в частности, различным особенностям форм, цветов и материалов.

Что определяет стиль Баухаус?

Стиль модерн и его многочисленные зарубежные варианты, такие как Венский сецессион и Югендстиль, а также движение «Искусство и ремесла», оказали влияние на стиль Баухаус в 19 и начале 20 веков. Все эти организации стремились размыть границы между практическим и изобразительным искусством, а также объединить воображение и производство. Эта история нашла отражение в романтическом средневековье философии движения Баухаус в первые годы его существования, когда оно представляло себя как профсоюз ремесленников.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий