Искусство маньеризма зародилось в Италии в конце эпохи Высокого Возрождения в начале 1500-х годов. Его также называли поздним Возрождением. Стиль маньеризма был почти «возрождением» всего того, что было исследовано и открыто в искусстве (доведено до совершенства) в эпоху Возрождения. Искусство стало менее натуралистичным и более искусственным в своем изображении.
Оглавление
Отказ от классики в пользу стиля: Что такое маньеризм?
Искусство маньеризма было не только стилем, но и стилем в своей манере. Ниже мы рассмотрим этот относительно короткий период искусства, расположенный между эпохами Возрождения и Барокко. Сначала мы рассмотрим определение этого термина, включая то, что он означал по отношению к тому времени, когда он возник, которое датируется примерно 1520 годом.
Определение искусства маньеризма
Для того чтобы понять определение искусства маньеризма, относящееся ко всему движению, давайте начнем со слова «маньеризм». Это слово происходит от итальянского слова maniera, что означает «стиль» или «манера». Если пойти дальше, то термин maniera происходит от латинского корня manus, означающего «рука». Из старо- и среднефранцузских корней слово обозначает «метод» или «способ».
Именно этим и был маньеризм — особым и несколько своеобразным «способом» делать вещи, в данном случае искусство.
Хотя с итальянского языка этот термин напрямую переводится как «стиль» или «манера», он нашел свое применение во многих других значениях, некоторые из них негативно трактовали искусственность стиля по сравнению с художниками эпохи Возрождения, которые пришли до него. Другие определяли его просто как стиль искусства в 1500-х годах (16 век).
Леда и лебедь, копия 16 века с утраченной картины Микеланджело; Национальная галерея, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Исторические влияния на искусство маньеризма
На движение и стиль маньеризма оказало влияние множество исторических факторов. Это было время в европейской истории больших перемен и эволюции, не только политической, но и религиозной и экономической. Роль церкви и ее влияние на массы были значительным фактором влияния. Кроме того, рост протестантизма стал катализатором многих новых взглядов и войн, связанных с религией, что, несомненно, повлияло на всех, в том числе и на то, как создавалось и изображалось искусство.
Искусство маньеризма изображает человеческую фигуру в новых, довольно буквально (и фигурально) извращенных формах. Это намекает на одно из ключевых влияний на маньеристов — скульптуру и статую эллинистического периода «Лаокоон и его сыновья» (ок. 200 г. до н.э.). Она изображает мифологическую историю времен Троянской войны о том, как на жреца Лаокоона напали морские змеи. Его сыновьями были Антифант и Тимбрай.
Динамизм, изображенный фигурами в этой статуе, был переходом от более строгого и спокойного вида римских скульптур и статуй. Во многих научных источниках обсуждается элемент figura serpentinata, что означает «змеевидная фигура», изображенный в этой скульптуре, и то, как он повлиял на искусство маньеризма, когда они подражали змеевидной форме в своих нарисованных и изваянных фигурах. Извивающиеся фигуры также предполагают повышенную эмоциональность и интенсивность.
Лаокоон и его сыновья, также известные как группа Лаокоона. Мрамор, копия с эллинистического оригинала ок. 200 г. до н.э. Найдена в банях Траяна, 1506 год; Музеи Ватикана, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons
Различные фазы маньеризма
Искусство маньеризма рассматривается в двух фазах, а именно: ранний маньеризм и высокий маньеризм. Фаза раннего маньеризма началась близко к эпохе Высокого Возрождения, и художники этого периода создавали произведения искусства, противоположные творчеству мастеров Возрождения. Эту фазу часто называют «антиклассической».
Период высокого маньеризма отличался от предыдущего тем, что стремился подражать искусству эпохи Возрождения. Его называют «придворным» стилем, поскольку он доминировал при дворах, и, как правило, был окружен группами людей, более связанных с интеллектуальными способностями и интересами.
Период высокого маньеризма также называли греческим маньеризмом (Maniera Greca) — термин, описывающий живопись в эпоху Средневековья в Италии под влиянием византийского искусства. Сам термин переводится как «греческий стиль», и он описывает этот стиль искусства, который также повлиял на маньеристов.
Этот период был отмечен своей искусственностью, другими словами, искусство намеренно пыталось привлечь внимание зрителей. Его также критиковали за артистизм и «неестественную» манеру работы. Отмечалась тщательная проработка деталей, фигурам уделялось больше внимания, они выглядели более элегантными и утонченными.
Основное влияние на художников этой фазы стиля маньеризма оказал Микеланджело.
Маньеризм в Северной Европе
Хотя период маньеризма начался в Италии — в частности, в Риме и Флоренции, — он развивался и в других странах Северной Европы, а именно во Франции, Великобритании, Праге и Нидерландах. Школу Фонтенбло возглавил Россо Фьорентино (1494/1495-1540), итальянский маньерист, которого Франциск I пригласил украсить дворец Фонтенбло. Искусство было в высшей степени декоративным, начиная от живописи, архитектуры и заканчивая мебелью. Россо был также известен тем, что использовал лепной рельеф, который является декоративным мотивом.
Фреска со слоном (1533-1539) работы Россо Фьорентино, находится в галерее Франсуа I, замок Фонтенбло, Франция; Россо Фьорентино, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В это время стали популярны различные виды придворного искусства. Например, в Праге фламандский маньерист Бартоломеус Шпрангер (1546-1611) был основным художником Рудольфа II. На картинах Шпрангера изображались мифологические сцены с акцентом на обнаженную фигуру. Его картины отличались динамичностью и декоративностью.
В других странах, например, в Нидерландах, известный гравер Хендрик Гольтциус (1558-1617) стал пионером стиля маньеризма. Он находился под влиянием Шпрангера и часто создавал гравюры с картин Шпрангера. Однако он также стал новатором в различных техниках офорта, таких как «точка и ромб» и «набухающая линия». Его фигуры часто были чрезмерно мускулистыми и экстравагантными в анатомическом плане.
Характеристика искусства маньеризма
Искусство маньеризма можно охарактеризовать прежде всего его кажущимся противоположным стилем и подходом по сравнению с художниками эпохи Возрождения, которые были более утонченными и точными в изображении реальной жизни в искусстве, будь то живопись, скульптура или архитектура. Ниже мы рассмотрим различные определяющие характеристики, которые помогут нам понять смысл существования маньеризма.
Putto che suona (1518), в переводе на английский «Херувим, играющий на лютне» или «Музыкальный херувим», автор Россо Фьорентино; Россо Фьорентино, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Форма: К выражению
Стиль маньеризма также можно описать как более экспрессивный и «преувеличенный» по своей природе, при этом не совсем имитирующий саму природу. Живопись маньеризма была новым исследованием и изображением жизни и природы, что означало, что в контексте основных направлений искусства 16 века это было нечто совершенно иное, чем ожидалось.
Стиль маньеристов четко прослеживался в их сюжетах. Мы заметим, как конечности на человеческих фигурах изображаются более вытянутыми и не в анатомической пропорции. Фигуры также изображаются в характерных змеевидных формах. Это говорит о более личном самовыражении при изображении предметов, а не о том, что они изображены в натуральном виде. Пример этого можно увидеть на картинах одного из самых выдающихся маньеристов, Франческо Маццолы, более известного как Пармиджанино (1503-1540).
Мадонна с длинной шеей, 1534-1540 гг. Пармиджанино; Пармиджанино, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Пармиджанино, или «пармский малый», был известен тем, что изображал фигуры с удлиненными конечностями, что видно из его знаменитой картины «Мадонна с длинной шеей» (1530-1533). Как ясно из названия этой работы, Мадонна изображена с непропорционально длинной шеей. Кроме того, на его автопортрете «Автопортрет в выпуклом зеркале» (1524) изображен сам художник, исследующий влияние зеркала на свое изображение, особенно удлиненные пальцы на переднем плане.
Многие маньеристы также исследовали свое выражение предмета, сочетая или гибридизируя человеческую фигуру с элементами природы. Мы видим это в работах итальянского художника Джузеппе Арчимбольдо (ок. 1526/1527-1593). Его человеческие фигуры были написаны как портреты, за исключением того, что он составлял их из органических элементов, таких как овощи, фрукты и мясо, а также других предметов, таких как книги и чаши (в виде шляп).
Времена года (1573) Джузеппе Арчимбольдо; Джузеппе Арчимбольдо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Цвет: ощущение фальши
Маньеристы также использовали преувеличенную палитру цветов. Многие художники использовали нездешние цвета с сильными контрастами. В частности, использовались голубые, желтые, розовые и зеленые цвета. Художники также изображали оттенки кожи в преувеличенном спектре, где одни фигуры казались резко бледными, а другие — чрезмерно кремовыми, как будто от них прямо исходил свет прожектора.
Это был еще один аспект, связанный со стилем маньеризма — игра на контрастах светлого и темного. Хотя некоторые художники использовали приемы эпохи Возрождения, такие как кьяроскуро, маньеристы применяли их в резком контрасте по сравнению с художниками эпохи Возрождения, такими как Леонардо да Винчи. Внимание к светлому и темному создавало более драматические акценты в сценах.
Пример часто описываемого «богатого» использования цвета можно увидеть в работах таких маньеристов, как Якопо да Понтормо (1494-1557), одного из пионеров этого художественного движения. На его картине «Снятие с креста» (1528) изображена почти прославленная передача цветов; мы замечаем розовый, голубой и зеленый цвета на предмете.
Снятие с креста (ок. 1528), Якопо Понтормо; Понтормо, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Знаменитые художники-маньеристы
Хотя художников маньеризма было много, ниже мы рассмотрим некоторые из известных имен того времени в живописи, архитектуре и скульптуре в стиле маньеризма.
Живопись маньеризма
Маньеристская живопись стала краеугольным камнем искусства, двигаясь в новом направлении после Высокого Возрождения. У художников-маньеристов, о которых пойдет речь ниже, мы увидим, как экспрессия и стилистические принципы стали важнее, чем необходимость сделать предмет картины в точности похожим на его природный аналог. Это была революционная нить, вплетенная в зарождение идеалов «искусства ради искусства».
Якопо да Понтормо (1494 — 1557)
Якопо да Понтормо был одним из ранних маньеристов, который стал пионером маньеристского стиля живописи с его более выразительным использованием цвета, формы и композиции. Хотя Понтормо использовал ренессансные техники, такие как кьяроскуро, его стиль, тем не менее, развивался в сторону от естественных изображений, которые мы видим у художников эпохи Возрождения.
Понтормо рано познакомился с искусством Ренессанса, съездив в Рим, чтобы посмотреть Сикстинскую капеллу работы Микеланджело. Мы можем видеть, как художник все еще применял принципы Высокого Возрождения, очевидные из его ранних работ, таких как «Посещение Богородицы и Святой Елизаветы» (1514-1516). Например, классические элементы, такие как архитектурное пространство вокруг фигур, а также более натуралистичные эффекты от цветов.
Посещение (1514-1516) Понтормо; Понтормо, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Однако в вышеупомянутой работе мы также можем увидеть небольшие намеки на появление более экспрессивного стиля. Например, формы фигур кажутся более змееподобными, а также более вытянутыми. Сюжет этой работы изображает беременную Святую Елизавету, посещающую такую же беременную Деву Марию, где она также склоняется перед Марией.
В более поздние годы Понтормо создал еще одну картину на основе этой сцены, однако мы можем видеть полное погружение художника в стиль маньеризма. На картине «Посещение» (1528-1529) изображены те же две беременные женщины, святая Елизавета и Дева Мария. По сравнению с более ранней версией Понтормо, сцена представляет собой почти крупный план с четырьмя фигурами вместо нескольких, занимающих пространство.
Посещение Карминьяно (1528) Понтормо; Понтормо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мы замечаем, что фигуры доминируют на переднем плане, а на заднем почти не видно, что происходит. Задний план изображает проблеск какой-то архитектурной обстановки, но мы не можем разглядеть больше. Перспектива также загадочна, как и живописный контекст, в котором находятся фигуры. Кроме того, в изображении насыщенных, ярких цветов одежды женщин и форм их тел мы видим черты маньеристского стиля Понтормо.
Картина Понтормо «Снятие с креста» (1528) является одним из самых популярных произведений художника и классическим примером стиля маньеризма. Сцена изображает различные фигуры, заполняющие передний план, со страдальческим выражением лица. Мы также обратим внимание на отсутствие каких-либо других контекстуальных объектов, которые бы дополняли сцену. Все, что мы замечаем, — это облако в левой верхней части композиции (как говорят, символизирующее Святого Духа) — мы видим легкие намеки на небо и землю.
Деталь из картины Понтормо «Снятие с креста» (1528); Понтормо, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Фигуры Понтормо также выполнены в насыщенных голубых, розовых и зеленых цветах с характерной змеевидной формой, которую мы так часто видим на картинах в стиле маньеризма. Кроме того, фигуры непропорциональны в своей анатомии, например, у фигуры, стоящей на коленях на земле, туловище и шея длиннее, чем это естественно.
Кроме того, другие фигуры, кажется, не обеспокоены весом тела Христа, а также не отягощены гравитацией — их тела кажутся невесомыми в пространстве. Считается, что Понтормо черпал вдохновение в «Пьете» Микеланджело из-за того, как расположено и искривлено тело Христа.
Эль Греко (1541 — 1614)
Работы Эль Греко заслуживают внимания, поскольку его часто считают предтечей экспрессионистского движения, оказавшего влияние на многих других современных художников, таких как Пабло Пикассо. Пикассо написал его портрет под названием «Портрет художника, после Эль Греко» (1950).
Эль Греко родился на Крите под именем Доменикос Теотокепулос и изначально был иконописцем, изучавшим византийский и ренессансный стили искусства. В более зрелом возрасте он переехал в Рим, а затем в Испанию, где начал развивать свой собственный стиль искусства в соответствии с маньеристской живописью того времени.
Мы заметим, что его картины типичны для стиля маньеризма с небанальными цветами, вытянутыми фигурами, образной трактовкой сюжета и композиции.
Хотя он по-прежнему изображал религиозные сцены, типичные для эпохи Возрождения, которая доминировала в культуре, для Эль Греко это было нечто большее — он сам был глубоко религиозен и считал, что его искусство значит больше. Фактически, его искусство было свидетельством божественного, и он стремился горячо изобразить его в своих композициях.
Среди его популярных работ — ранняя картина «Святая Троица» (1577-1579 гг.) Здесь мы видим изображение мертвого Христа, которого держит Бог, окруженного ангелами, с белым голубем над головой Бога. Позади святых фигур — золотой свет, который контрастирует с серыми облаками под фигурами — это символизирует аспекты жизни и смерти.
La Santísima Trinidad («Святая Троица», 1577-1579) Эль Греко; Эль Греко, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя эта работа соответствует идеалам эпохи Возрождения, мы заметим, как Эль Греко включает свой собственный стиль и экспрессию, используя толстые и темные контуры с тяжелыми тенями вокруг, вытянутые фигуры и потусторонний эффект из-за его более выразительного и образного подхода к предмету.
Другим популярным произведением искусства является «Видение Святого Иоанна» (1608-1614), на котором изображена сцена, связанная с Пятой печатью из Книги Откровений в Библии, в частности, мученики, получающие свои белые одежды. Мы видим различные обнаженные фигуры в активных позах, требующие свои одеяния, за исключением того, что одеяния представлены в разных цветах, некоторые из них насыщенного желтого и зеленого цвета наряду с белым. Главная фигура на переднем плане — святой Иоанн с распростертыми руками.
Эль Греко писал свои фигуры в резких контрастах цветов с характерной штриховкой и темными контурами. Его фигуры также выразительны, демонстрируя сильные эмоции и жесты. Общий цвет картины — темный, с проработанным небом над головой, серым, с пробивающимися лучами света. Кроме того, фигуры Эль Греко удлиненные, с минимальной детализацией пропорций или анатомической правильности. Это явный признак перехода к более выразительным, менее натуралистичным изображениям человеческой фигуры.
Видение Святого Иоанна (1608-1614), Эль Греко; Эль Греко, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Архитектура маньеризма
Архитектура маньеризма была известна как «игра» на гармонии структуры, связанной с эпохой Возрождения. Если эпоха Возрождения стремилась подражать греческим и римским идеалам классицизма в архитектуре, которые были «симметрией», «порядком» и «пропорцией», то маньеристы стремились создать больше «ритма» в своих структурах — это также позволяло больше свободы выражения.
Микеланджело (1475-1564) был известен как одна из ведущих фигур архитектуры маньеризма. Он известен своей архитектурной работой для Библиотеки Лауренциана во Флоренции (по заказу папы Климента VII). Мы замечаем мотивы у колонн, предназначенные для декоративных целей, а также меняющиеся формы ступеней лестницы и более динамичные движения структурных элементов, таких как колонны и углы, которые то отступают, то выступают.
Открытка с изображением Вестибюля Лаврентийской библиотеки Микеланджело до Первой мировой войны; Неизвестный автор Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джулио Романо (ок. 1499-1546) был еще одним выдающимся архитектором в стиле маньеризма, хотя в основном он был художником и скульптором. Примером его архитектурных проектов может служить Палаццо дель Те (1524-1534), который был задуман как «дворец удовольствий» для Федерико II Гонзага, правившего городом Мантуя, Италия.
Это здание включало в себя сложные декоративные мотивы, гроты, окна и двери, выглядящие как настоящие в квадратном корпусе с внутренним двором. Фрески покрывали все здание, изображая различные сцены из мифологии и животных, таких как лошади.
Разнообразие форм и очертаний, составляющих архитектурное целое этого здания, является известным примером того, как развивался стиль маньеризма в архитектуре, и как, в конечном итоге, этот стиль перерос в стиль барокко.
Скульптура маньеризма
Скульптура маньеризма была похожа на стиль живописи; мы заметим удлинение фигур и ненатуралистические тенденции, когда пропорции не симметричны. Формы также имели характерные змеевидные очертания. Скульптура маньеризма передавала динамичное движение субъектов, а также такие качества, как сила и бесстрастные жесты.
Изнасилование сабинянки (1583) Жана де Булонь, или Джамболоньи (1529-1608), является примером змеевидной формы, которую мы видим в стиле маньеризма. Кроме того, Джамболонья был популярным скульптором маньеризма. Он был родом из Фландрии, но переехал в Рим, чтобы учиться и работать по заказам семьи Медичи.
Изнасилование сабинянок» Джамболоньи (1583), находится в Галерее Академии, Флоренция, Италия; Энди Монтгомери, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Другими его работами из мрамора (хотя он умело ваял и в бронзе) были «Самсон, убивающий филистимлянина» (ок. 1562), изображающая Самсона, активно убивающего филистимлянина, и «Геракл, побеждающий Нессуса» (1599), где изображен Геракл в процессе убийства своего врага. Что схоже в обеих скульптурах, так это динамизм фигур в действии друг с другом. Они точно так же переплетены друг с другом, что еще больше подчеркивает змеевидные формы.
Стиль маньеризма мы также видим в бронзовой скульптуре Бенвенуто Челлини (1500-1571) «Персей с головой Медузы» (1545-1554). Она была изваяна таким образом, что зрители могут рассматривать ее под разными углами, как и другие скульптуры в стиле маньеризма. Она также напоминает скульптуры эпохи Возрождения — «Давид» Донателло.
Эта скульптура была заказана герцогом Козимо I Медичи и указывает на сложный политический смысл, присущий скульптурам того времени, в частности, скульптурам на площади Синьории во Флоренции, которая является политическим центром города.
Персей с головой Медузы», 1553 г. Бенвенуто Челлини; © Мари-Лан Нгуен / Wikimedia Commons
За пределами маньеризма: Эволюция совершенства
Маньеризм достиг своего пика в конце 1500-х — начале 1600-х годов. Это был период, когда начало набирать силу искусство барокко, которое представляло собой художественное направление с большим акцентом на декоративные эффекты и драматизм — почти естественное развитие искусства маньеризма.
Несмотря на то, что с течением времени искусство маньеризма могло померкнуть и забыться, в определенный момент времени оно было вновь исследовано художниками разных эпох. Например, французский художник-романтик Эжен Делакруа находился под влиянием Эль Греко, а также многие великие современные художники, в частности, художники-экспрессионисты, такие как Макс Бекман, и художники-кубисты, такие как Пабло Пикассо.
Хотя маньеризм был коротким художественным периодом в истории Европы, он, тем не менее, заложил новые основы, чего не сделал Ренессанс. Художники постепенно начали развивать совершенную форму эпохи Возрождения в нечто более образное, имеющее более глубокий смысл, чем математическая точность и пропорции.
Посмотрите нашу веб-историю о маньеризме здесь!
Часто задаваемые вопросы
Что такое маньеризм?
Маньеризм был стилистическим направлением в 1600-х годах. Он стал продолжением и реакцией на Высокое Возрождение и завершился с наступлением эпохи барокко. Для многих, особенно в мире искусства (художников, скульпторов и архитекторов), маньеризм стал изменением перспективы. Многие отошли от классических идеалов совершенства и пропорций, определявших эпоху Возрождения, и перешли к более образному и ненатуралистическому подходу к искусству.
Что такое определение искусства маньеризма?
Термин «маньеризм» напрямую переводится как «стиль» или «манера», от итальянского слова maniera. Однако происхождение этого слова прослеживается еще в латинском и старофранцузском языках, а именно «рука» (от латинского слова manus ) и «метод» или «путь» (от старо- и среднефранцузского manere или meniere . Этот термин много раз обсуждался, часто как оскорбительный для несколько хаотичного типа художественного стиля после эпохи Возрождения. Однако сейчас он используется для определения и названия периода искусства.
Каковы основные черты маньеризма?
Основные характеристики маньеризма в искусстве — это ненатурализм, художники не изображали свои предметы в соответствии с природой. Мы видим более непропорциональные фигуры с удлиненными конечностями и преувеличенными чертами лица, более богатое использование цветов и динамичное отображение движения благодаря применению змеевидной формы, также называемой figura serpentinata, что означает «змеевидная фигура».
