Все мы имеем представление о важности эпохи Возрождения в европейской истории, а также об эпохе инноваций и просвещения, которая так ее характеризует. Искусство, пришедшее из этого времени, до сих пор живет среди нас — от возрождения в поп-культуре до оригиналов, хранящихся в художественных галереях по всей Европе. Если вы интересуетесь этой частью истории и задаетесь вопросом, что представлял собой период искусства Возрождения, чем он характеризовался и где проходил, этот обзор предоставит вам все, что вам нужно знать.
Оглавление
Что представлял собой Ренессанс?
Прежде чем начать, давайте кратко рассмотрим значение Ренессанса и то, как он вписывается в более широкий исторический контекст. Ренессанс — это французское слово, происходящее от итальянского слова rinascita, что означает «возрождение». Эпоха Возрождения была периодом возрождения почти всех культурных и общественных факультетов и институтов в Европе, включая искусство, науку, математику, технологию, философию, религию и политику, и это лишь некоторые из них.
Эпоха Возрождения началась во Флоренции, Италия, в 1300-х годах (14-й век), вскоре после средневекового периода в Европе. Средневековый период характеризуется как более мрачное время в истории Европы, его часто называют Темными веками из-за различных социально-экономических и политических потрясений.
Когда мы смотрим на контраст между эпохой Средневековья и эпохой Возрождения, может показаться, что это темный и светлый период истории. Ренессанс развивал новые идеи и концепции и породил множество великих людей, которые своими талантами и деньгами способствовали славе и богатству эпохи на протяжении всей истории.
Подробнее об эпохе Возрождения
Гуманизм
Одной из новых идей и концепций, появившихся в эпоху Возрождения, был гуманизм. Это философская мысль или интеллектуальное движение 1300-х годов, которое повлияло на то, как люди воспринимали себя и Бога по отношению к миру. Он также повлиял на новый подход к изобразительному искусству и предметам искусства, обеспечив основные рамки для общего значения Ренессанса.
Философия гуманизма ставила человека, так сказать, в центр Вселенной. Она верила в присущие человеку возможности как творческой силы. Это полностью отличалось от того, как все происходило согласно католической церкви, которая имела большую власть и решала вопрос о месте человека во Вселенной.
Гуманизм сосредоточился на изучении различных областей гуманитарных наук, известных как studia humanitatis. Например, сюда входили такие дисциплины, как риторика, языки, грамматика, литература, например, поэзия, философия и другие. Это было время новых открытий и исследований человека, как в переносном, так и в буквальном смысле.
Шесть тосканских поэтов (1569) Джорджо Вазари, изображающая группу итальянских гуманистов (Данте Алигьери, Джованни Боккаччо, Петрарка, Чино да Пистойя, Гиттоне д’Ареццо и Гвидо Кавальканти); Джорджо Вазари, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Классическая древность
Другой важной концепцией эпохи Возрождения было возвращение к классической античности, к греческим и римским идеалам. Греки стремились подражать красоте, гармонии и симметрии или совершенным пропорциям в своем искусстве. Это также называлось реализмом, который изображал человеческую форму с анатомической точностью. Это отличалось от более абстрактных, идеализированных форм человеческих фигур предшествующего периода византийского искусства.
Греческая и латинская литература также стала важным материалом для чтения и интеллектуальным ресурсом, оказавшим влияние на ученых и философов эпохи Возрождения. Работа римского архитектора Витрувия, написанная в I веке до н.э., дала представление о применении математических пропорций в живописи и анатомии человека.
Семья Медичи
Ренессанс не был бы таким, как сейчас, без семьи Медичи. Это были богатые итальянские банкиры, которые правили Флоренцией в 1400-х годах, начиная с Козимо Медичи. Банк Медичи, основанный в 1397-1494 годах, был крупнейшим банком в Европе, что обеспечило Медичи значительное уважение и статус в обществе.
Кроме того, Медичи были важными покровителями искусства в эпоху Возрождения во Флоренции, они заказывали различных художников и оказывали финансовую поддержку таким учреждениям, как библиотеки, в целях развития искусства и культуры. Козимо Медичи также был заядлым ценителем и коллекционером произведений искусства.
Семья Фердинандо II Медичи, великого герцога Тосканы, около 1621 года, работа неизвестного художника; анонимный неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Развитие искусства эпохи Возрождения
Некоторый исторический контекст эпохи Возрождения поможет нам лучше понять развитие искусства в этот период европейской истории. Существуют различные характеристики, которые определяют искусство Ренессанса, будь то живопись, скульптура или архитектура — доминирующие виды искусства в этот период. Существует также несколько временных рамок Ренессанса, по которым классифицируется искусство. Ниже мы рассмотрим их более подробно, включая наиболее выдающиеся произведения искусства каждого периода.
Характеристики искусства эпохи Возрождения
Существует несколько основных характеристик, которые помогают нам понять живопись эпохи Возрождения и другие виды искусства, такие как скульптура и архитектура. Все они способствуют эстетике, использованию цветов и света, а также правильности пропорций, изображенных в этих композициях. Некоторые характеристики включают такие понятия, как натурализм, контрапост, кьяроскуро и одноточечная перспектива, известная также как линейная перспектива.
Натурализм
Натурализм возник в результате развития того, как художники изучали человеческую форму. Она изображалась с большим реализмом, казалась более правдивой по отношению к природе. Некоторые художники лучше понимали анатомию человека, изучая мертвые тела, что позволило создать еще более реалистичные изображения мышц и конечностей.
СЛЕВА: Исследования Микеланджело для «Ливийской сивиллы» (ок. 1510-1511); Микеланджело, CC0, via Wikimedia Commons | СПРАВА: «Ливийская сивилла» (1508-1512) Микеланджело, с потолка Сикстинской капеллы; Микеланджело, общественное достояние, via Wikimedia Commons
Контрапосто
Контрапост — еще одна техника, используемая многими художниками, которая повышала реалистичность фигур и их манеру стоять, делая композицию более плавной и реалистичной. Эта техника зародилась в эпоху классицизма и возродилась в эпоху Возрождения. Ее часто сравнивают с более плоскими и вертикальными изображениями фигур предыдущих периодов искусства.
Contrapposto — это итальянское слово, означающее «противопоставление». Это выражается в том, что тело стоит так, что одно бедро выше другого, а вес на одной ноге больше, чем на другой. Это дает характерную «S»-образную кривую во всей позе тела.
Эта техника часто описывается как динамичная и придает фигурам более расслабленный вид.
Кьяроскуро
Кьяроскуро — это еще одно итальянское слово, означающее «светлое-темное». Оно включает в себя игру между цветовыми контрастами светлого и темного, что создает трехмерный эффект, а также повышенную эмоциональную интенсивность. Это также добавляет реалистичности композиции, поскольку изображает свет и тени.
Sfumato
Sfumato также имеет итальянские корни, его значение связано со словом «дымчатый», «мягкий» или «размытый». Эта техника использовалась для размывания цветов от светлого к темному, чтобы они сливались в дымку, создавая иллюзию пространства или формы. Она также использовалась для размытия линий и границ, чтобы композиция выглядела более естественной. Эта техника часто использовалась в пейзажах для фона и для создания так называемого «атмосферного» эффекта на чертах лица.
Техника сфумато особенно заметна на фоне картины Леонардо да Винчи «Дева, младенец Иисус и святая Анна» («Дева и младенец со святой Анной», ок. 1503 г.); Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons.
Линейная перспектива и точка схода
Линейная перспектива (также называемая одноточечной перспективой) и точка схода — две важные техники, которые широко использовались для создания ощущения трехмерности в картинах. Это была революционная техника, которая давала художникам возможность создавать новые пространства в композициях и поднимать свое искусство на новый уровень, как в прямом и переносном смысле, так и иллюзорно.
Итальянский архитектор Филиппо Брунеллески стал пионером этой техники в начале 1400-х годов.
Брунеллески обнаружил, что линейная перспектива состоит из параллельных линий (ортогональных и поперечных), которые сходятся к линии горизонта, пересекающейся в точке исчезновения вдали. Эта техника также породила идею о том, что каждая картина рассматривается одним зрителем, поскольку существует только одна точка зрения на картину. Этому противопоставлялось средневековое искусство, которое изображало композиции с нескольких точек зрения.
Хронология искусства Ренессанса
Искусство эпохи Возрождения подразделяется на несколько этапов, а именно: Проторенессанс, Раннее Возрождение, Высокое Возрождение, а также другие регионы за пределами Италии, которые в совокупности называются Северным Возрождением.
Даты Ренессанса также различаются разными итальянскими названиями, связанными с годом.
Ренессанс начался примерно в 1300-х годах, с так называемого периода Треченто, что в переводе с итальянского означает «300». Период с 1400-х годов называется Quattrocento, что означает «400», а 1500-е годы — Cinquecento, что означает «500». В каждом из периодов искусства было много великих художников, а также несколько выдающихся мастеров, которые стали первопроходцами в своем искусстве и технике, оставив свои имена в истории Ренессанса. Ниже мы рассмотрим каждую фазу Ренессанса, включая выдающихся художников и картины, относящиеся к каждой из них.
Проторенессанс
Период Проторенессанса также известен как Предренессансный период, он начался примерно с 1300 по 1425 год. Этот период был все еще заметно византийским по стилю с иконографическими и идеалистическими изображениями религиозных предметов, которые также были более двухмерными и плоскими по внешнему виду. Однако некоторые художники исследовали различные способы изображения, выходящие за рамки того, что ожидалось от средневекового искусства того времени.
В период Проторенессанса было два важных художника, а именно Чимабуэ и Джотто. Оба художника известны тем, что создавали произведения искусства, в которых композиции выглядели более натуралистично, напоминая реализм классической эпохи.
Рассмотрение работ этих двух художников позволит создать контекстуальную основу для эпохи раннего Возрождения.
Чимабуэ (ок. 1240 — 1302)
Чимабуэ, которого иначе называли Бенсивьени Ченни ди Пепо, был флорентийским художником, который считается одним из первых живописцев, отошедших от византийского стиля. Хотя после Чимабуэ осталось минимальное количество картин, подтвержденных его авторством, существует множество сообщений о том, что этот художник является создателем многих других картин.
Мозаика в Пизанском соборе «Христос на троне с Богородицей и Святым Иоанном» (1301-1320) известна как последняя работа, созданная Чимабуэ, о чем свидетельствуют платежные документы. Другие фрески, как сообщается, также принадлежат этому художнику, например, «Распятие в Санта-Кроче» (1287 — 1288) и «Маэста» (ок. 1280).
Распятие в Санта-Кроче (1287-1288) работы Чимабуэ; Чимабуэ, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Распятие в Санта-Кроче» — одно из произведений Чимабуэ, на котором изображена натуралистическая фигура Христа на кресте. Мы видим его тело в характерном изгибе «S». Его кожа также написана в реалистичной манере, которую некоторые источники описывают как «более мягкую» по сравнению с картинами византийской эпохи.
Этой картине присуща новая эмоциональная экспрессия, что сделало ее предтечей эпохи Возрождения.
Джотто (ок. 1267 — 1337)
Джотто ди Бондоне, которого часто называют Джотто, был одним из учеников Чимабуэ, хотя этот факт оспаривается некоторыми учеными. Тем не менее, Джотто был одним из великих мастеров этого периода. Он был среди пионеров, которые действительно начали демонстрировать новые достижения в композиционной перспективе, а также в натуралистическом изображении фигур. Среди работ Джотто — «Мадонна Огниссанти» (ок. 1300-1306) и «Предательство Христа (Поцелуй Иуды)» (1305), фреска, которая является частью капеллы Скровеньи.
Знаменитой картиной, иллюстрирующей новаторские способности Джотто, является «Оплакивание» (Оплакивание Христа) (1304-1306). Это часть серии фресок в капелле Скровеньи (капелла Арена) в Падуе, Италия. На ней изображен Христос, лежащий на земле после снятия с креста. Его окружают различные фигуры, явно скорбящие, а также мы замечаем процессию фигур, удаляющуюся на задний план в левой части картины. Над фигурами мы видим ангелов в небе, которые выглядят опечаленными и скорбными.
Сцена № 36 из «Жизни Христа»: Плач (Оплакивание Христа) (1304-1306) Джотто ди Бондоне; Джотто ди Бондоне, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джотто детально изобразил черты лица фигур, включая их руки и кисти в эмоциональных жестах. Скала справа наклонена вниз к фигурам, в частности к головам Христа и Марии, которая держит его мертвое тело в своих объятиях.
Это создает ощущение глубины и трехмерности. Кроме того, создается впечатление, что Джотто соединяет небеса с землей, поместив скалу в качестве срединного объекта.
Джорджо Вазари, историк искусства и автор знаменитой публикации с биографиями многочисленных художников, озаглавленной «Жизни самых выдающихся живописцев, скульпторов и архитекторов» (1550), описал Джотто как человека, совершившего «решительный разрыв с грубым традиционным византийским стилем», и что художник «вызвал к жизни великое искусство живописи, каким мы знаем его сегодня, введя технику точного рисования с натуры, которой пренебрегали более двухсот лет».
Раннее Возрождение
Период Раннего Возрождения начался в 1400-х годах, примерно с 1400 по 1495 год. Художники этого периода начали изображать более натуралистичные черты и использовать перспективу в своих картинах. Художники также отошли от строгой религиозной тематики и стали включать в свои картины более светские мифологические сцены и фигуры.
Раннее Возрождение началось во Флоренции, которая считалась культурным центром Италии, особенно в области изобразительного искусства. Поскольку Флоренция была республикой, здесь было больше свободы самовыражения. Взгляды людей на себя и на мир начали меняться — сформировалась философия гуманизма, и люди начали верить в собственные возможности.
Несмотря на то, что в эпоху Раннего Возрождения было много художников, было три мастера своего времени, которые стали пионерами новых техник и повлияли на других художников. В живописи это был Масаччо, в скульптуре — Донателло, а в архитектуре — Брунеллески.
Брунеллески (1377 — 1446)
Филиппо Брунеллески, уроженец Флоренции, был одним из ведущих архитекторов, инженеров и дизайнеров Раннего Возрождения. Он также изучал римские архитектурные руины и работы римского архитектора I века до н.э. Витрувия. Считается, что он стал первопроходцем в технике линейной перспективы.
Рисунок Чиголи, выполненный Брунеллески, Санта-Мария-дель-Фьоре (Флорентийский собор), 1613 год; Лодовико Карди, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Одним из его знаменитых архитектурных сооружений является собор Санта-Мария-дель-Фьоре (1296-1436 гг.). Брунеллески был инициатором строительства купола для этого собора. Чтобы купол не упал сам на себя, Брунеллески предусмотрел различные укрепления внутри и снаружи купола, благодаря которым он устойчиво держался на вершине церкви восьмиугольной формы.
Купол сделан из красного кирпича, его высота оценивается в 372 фута. Это одна из самых больших церквей в Италии и свидетельство новаторского мышления и понимания Брунеллески.
Донателло (1386 — 1466)
Донателло, также Донато ди Никколо ди Бетто Барди, был художником флорентийского происхождения, изучавшим классическую скульптуру. Он был близким другом Брунеллески и начал использовать линейную перспективу в своих бронзовых рельефных скульптурах, изучая римские скульптуры во время своего пребывания в Риме.
Среди его наиболее известных скульптур — бронзовая статуя «Давид» (1430-1440) и «Кающаяся Магдалина» (ок. 1453-1455). Среди других скульптур — его бронзовый рельеф «Пир Ирода» (1423 — 1427), на котором изображены две группы людей по обе стороны композиции, а между ними — пустое пространство. Художник использует характерную линейную перспективу в форме буквы «V».
Скульптура Донателло «Бронзовый Давид» (1430 — 1440); Донателло, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
В «Давиде» Донателло мы видим бронзовую статую библейской фигуры Давида с головой Голиафа между ног. Эта скульптура была совершенно необычной для своего времени, потому что Донателло изобразил обнаженного Давида, что также стало первой свободно стоящей скульптурой обнаженной натуры. Фигура Давида стоит довольно расслабленно, с мечом в правой руке, а левая рука покоится на бедре, несомненно, благодаря классической технике contrapposto, использованной художником.
Эта поза также придает фигуре Давида динамичность, как будто он вот-вот двинется или только что двинулся, способствуя общему реализму, присущему этой работе.
Мы видим это повышенное чувство реализма в «Кающейся Магдалине» Донателло, которая представляет собой деревянную скульптуру Марии Магдалины. Она изображена совершенно иначе, чем в других скульптурах Марии Магдалины, так как здесь мы видим ее черты лица и тела довольно близко. Она выглядит пораженной и худой, как будто голодающей (некоторые источники указывают на то, что художник использовал версию Марии, когда она была в Египте). Мы также замечаем детальное формирование мышц ее рук, что говорит о сильном и, похоже, ловком теле, особенно для женщины, изображенной в то время.
Кающаяся Магдалина — деревянная (из белого тополя) скульптура Марии Магдалины работы итальянского скульптора эпохи Возрождения Донателло, созданная около 1453-1455 годов. Скульптура, вероятно, была заказана для баптистерия во Флоренции. Произведение было принято с изумлением за его беспрецедентный реализм. Сейчас она находится в Музее оперы дель Дуомо во Флоренции; George M. Groutas, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Масаччо (1401 — 1428)
Флорентийский прародитель живописи — Томмазо ди Сер Джованни ди Симоне, иначе известный как Масаччо, что является прозвищем имени Томмазо, означающего «Неуклюжий Том» или «Большой Том». Масаччо известен тем, что создал несколько самых революционных картин в эпоху Раннего Возрождения, которые повлияли на дальнейшее развитие живописи.
Среди его работ — триптих Сан-Джовенале (1422), Мадонна с младенцем и святой Анной (1424-1425), Мадонна с младенцем и четырьмя ангелами (1426), Поклонение волхвов (1426), Деньги на дань (1425-1427), Изгнание из Эдема (1425-1427), Панно Пределлы, Пизанский алтарь, Святая Троица (1427-1428) и Крещение неофитов (1425-1428).
Денежная дань» — знаменитая фреска, изображающая жизнь Святого Петра. Она была выполнена для капеллы Бранкаччи в Санта-Мария-дель-Кармине, расположенной во Флоренции. В этой единой композиции три сцены. Центральная сцена показывает нам, как Христос и его ученики беседуют с мытарем в Капернауме. Слева мы видим коленопреклоненную фигуру Петра, достающего золото из рыбы, а справа — ту же фигуру Петра, отдающего мытарю причитающиеся ему деньги.
Деньги на дань (1426-1427), Масаччо; Масаччо, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Масаччо использует перспективу в здании и горах, которые отступают на задний план, создавая ощущение пространственного восприятия и трехмерности. Фигуры также выглядят классическими в своей одежде и позах.
Все эти элементы сходятся, чтобы придать картине ощущение реализма, полностью уходя от плоского двухмерного пространства. Мы почти становимся частью сцены, поскольку Масаччо воплощает в жизнь гармонию, присущую всем элементам пространства, цвета и перспективы, работающим вместе, возможно, оставляя сюжетную линию на втором плане.
Другие художники Раннего Возрождения
Среди других художников Раннего Возрождения можно назвать Пьеро делла Франческа. Одна из его знаменитых работ — «Ослабление Христа» (ок. 1455), где он умело использует линии перспективы в нарисованных архитектурных конструкциях, разделяющих внутреннее и внешнее пространства. Есть также Аллесандро Боттичелли, чьи картины «Примавера» (1477-1482) и «Рождение Венеры» (ок. 1486), изображающие мифологическую богиню Венеру, являются одними из самых известных и по сей день.
Мы также видим отход от натурализма в фигурах и большее внимание к изображению красоты и эстетической ценности.
У нас также есть такие художники, как Фра Филиппо Липпи, Фра Анджелико и Паоло Уччелло, последний из которых был известен своей детальной проработкой перспективы. В его знаменитой серии картин «Битва при Сан-Романо» (ок. 1450 г.) мы видим яростную битву флорентийцев с сиенскими войсками. Здесь мы видим не только битву, но и элегантное расположение цвета и линий. На переднем плане — более смелые цвета, такие как синий и красный, даже белый, которые бросаются в глаза. Копья, окаймляющие композицию, также выступают в роли линий, направляющих наш взгляд к заднему плану, где нас ожидает листва и деревья, создающие границы земель.
Битва при Сан-Романо (ок. 1438 г.) Паоло Уччелло, изображающая Никколо да Толентино во главе флорентийских войск; Паоло Уччелло, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Высокое Возрождение
Если Раннее Возрождение было сосредоточено во Флоренции, то Высокое Возрождение в основном происходило в Риме, под властью католической церкви и Папы Римского. Он начался примерно с 1495 по 1520 год и стал культурной кульминацией художественной добродетели. В это время художники (живописцы, скульпторы и архитекторы) совершенствовали техники предыдущих периодов, создавали новые техники, а также использовали новые средства, такие как масло, что придало живописи совершенно иной эффект.
Как и в эпоху Раннего Возрождения, в эпоху Высокого Возрождения было три больших имени. Хотя были и другие великие художники, большинство из нас знакомы с тем, что Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль принесли не только миру искусства, но и всему миру.
Витрувианский человек Леонардо да Винчи (1492), изображающий пропорции человеческого тела согласно Витрувию; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В то время как в живописи акцент делался на реализме, существовало также желание вернуться к ценностям красоты и гармонии классической эпохи. Идеи гуманизма сделали еще один шаг вперед и представили «универсального человека» или «человека эпохи Возрождения» (да Винчи считался «человеком эпохи Возрождения»).
Красота изображалась в человеческой форме, что делало ее почти божественной по своему внешнему виду. Также, наоборот, эмоциональный реализм, изображенный в божественных и святых фигурах, придал им человекоподобное качество.
В том, как художники изображали свои предметы с детальной анатомической точностью, было совершенство. Художники ввели новые техники, такие как sfumato, и разработали такие техники, как quadratura, которая относится к иллюзорным росписям на потолках.
Леонардо да Винчи (1452 — 1519)
Леонардо да Винчи был эрудитом, человеком многих навыков и талантов. Он был живописцем, скульптором, дизайнером, инженером, художником, ученым и изобретателем. Он использовал такие техники, как сфумато и кьяроскуро, на высоком уровне, придавая своим картинам сложную глубину и таинственность.
Среди его известных картин — «Мона Лиза» («Джоконда») (ок. 1503), «Дева со скал» (1483-1486), «Дама с горностаем» (1489), «Витрувианский человек» (ок. 1485), Тайная вечеря (1498), Сальватор Мунди (1500), а также такие рисунки, как Портрет мужчины красным мелом (1512), Эмбрион в утробе матери (ок. 1510 — 1512), Дева с младенцем и святой Анной и святым Иоанном Крестителем (ок. 1491 — 1508).
Одним из примеров гениального мастерства да Винчи является его картина «Тайная вечеря». На этой картине центральной фигурой изображен Христос, сидящий за длинным горизонтальным столом с учениками рядом с ним. Позади него расположены три вертикальных окна, причем центральное окно находится прямо за Христом, почти как нимб, обрамляющий его макушку. Вдоль стен мы также видим вертикальные прямоугольные проемы, которые ведут наш взгляд к точке исчезновения.
Тайная вечеря (1495-1498) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Да Винчи построил эту картину в полном соответствии с системой линейной перспективы, где все линии сходятся, чтобы подчеркнуть центральную фигуру Христа. Окна указывают на почти идиллический горный зеленый пейзаж за окном.
Именно в «Деве со скал» мы замечаем, как да Винчи использует кьяроскуро и сфумато, чтобы подчеркнуть контрасты светлого и темного. Мы видим это смещение теней и света особенно на коже центральных фигур Матери Марии с двумя младенцами, а именно Иисуса Христа и Иоанна Крестителя. Справа — сопровождающая фигура архангела Гавриила.
Обстановка таинственна. Мы видим фигуры в окружении скал — возможно, они сидят в пещере. В левой части композиции открывается пейзаж с извилистой водой и более гористыми, похожими на скалы образованиями. На переднем плане, перед фигурами, растут цветы и листва. Фигуры также расположены в характерной пирамидальной форме.
Дева со скал» (ок. 1491-1508 гг.) Леонардо да Винчи, изображающая Деву Марию с младенцем Иоанном Крестителем, обожающим Младенца Христа в сопровождении Ангела. Во второй версии Мария и Иисус изображены с нимбом, а Иоанн Креститель — с крестом; Леонардо да Винчи и мастерская, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Когда мы смотрим на выражения лиц каждой фигуры, в них чувствуется человечность. Мы можем видеть эмоциональные состояния, а также чувство спокойствия. Их жесты также придают картине ощущение движения и более глубокий смысл повествования.
Это эмоциональное выражение мы замечаем и на «Моне Лизе» да Винчи, хотя черты ее лица выражают слабую улыбку, придавая всей композиции загадочность. Ее глаза смотрят мягко, создавая ощущение спокойствия. Позади нее находится другой водный и скалистый пейзаж, который, как часто говорят, является воображаемым, как пейзаж в «Деве со скал».
И снова да Винчи создает реализм с помощью техник сфумато и кьяроскуро, которые мы можем видеть в оттенках кожи Моны Лизы, а также в градации цветов и света на заднем плане. На переднем плане — более темные тона, которые также постепенно освещают ее покоящиеся руки.
Портрет Моны Лизы дель Джокондо, часто сокращаемый до Моны Лизы (1503-1506), Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Микеланджело (1475 — 1564)
Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони, также известный как Микеланджело, родился в деревне Капрезе в Тоскане, Италия. Он был ответственен за знаменитые картины на потолке Сикстинской капеллы: «Сотворение Адама» (1508-1512) и «Страшный суд» (1536-1541). Папа Юлий II заказал первую картину Микеланджело в рамках своего проекта по перекраске потолка капеллы. Папа Климент VII и папа Павел III заказали Микеланджело вторую картину, «Страшный суд».
Микеланджело был известен своими реалистичными изображениями анатомии человека; мы видим это в его фигурах из двух вышеупомянутых картин.
На картине «Сотворение Адама» изображен Адам слева, протягивающий руку к протянутой руке Бога справа. Обе фигуры изображены сильными и мускулистыми, с особым акцентом на очертаниях большинства основных групп мышц.
Микеланджело «Сотворение Адама» (ок. 1511); Микеланджело, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В знаменитых скульптурах Микеланджело, Пьета (1498-1499) и Давид (1501-1504), мы видим его мастерство работы с мрамором. Он также был известен тем, что вырезал скульптуру из одного блока мрамора. В «Пьета» мы видим тот же характерный пирамидальный формат, что и в «Деве со скал» да Винчи, хотя здесь это мать Мария, держащая на коленях тело Христа.
Эти две фигуры изображены с безмятежным эмоциональным качеством, очевидным в их выражениях лиц, что отличается от более напряженных выражений лиц на аналогичных сюжетах, созданных другими художниками. Мы также видим мастерство художника в том, как он изобразил одежду — она кажется почти настоящей и пеленой в том, как она струится и драпируется вокруг основания Матери Марии.
Пьета Микеланджело (1498-1499), Базилика Святого Петра; Микеланджело, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
В «Давиде» Микеланджело создает библейскую фигуру Давида почти до совершенства. В мускулатуре прослеживаются мельчайшие детали. Кроме того, Давид стоит в позе contrapposto, что придает ему ощущение движения и реалистичности, напоминая статуи классической эпохи. Высота статуи составляет 17 футов.
Среди других скульптур Микеланджело — Вакх (1496 — 1497), Мадонна с младенцем (Мадонна из Брюгге) (1501 — 1504), Моисей (1513 — 1515), который является частью гробницы папы Юлия II, Крадущийся мальчик (1530 — 1534), и Низвержение (1547 — 1555), а также многие другие скульптуры, как законченные, так и незаконченные.
Рафаэль (1483 — 1520)
Картины Рафаэлло Санцио да Урбино, или просто Рафаэля, отличались более гармоничными качествами. Другими словами, хотя он использовал характерные приемы, которые мы видим во многих картинах эпохи Возрождения, Рафаэль известен тем, что изображал свои композиции с элегантностью и «ясностью», которые отличали его от других.
Рафаэль родился в Урбино, городе в Италии, и был еще одним талантливым художником того времени. Он был живописцем, архитектором, рисовальщиком и гравером. За свою жизнь он создал множество картин, некоторые из которых являются фресками, хранящимися в Залах Рафаэля в Апостольском дворце в Ватикане. Эти картины также были заказаны Папой Юлием II.
Самая известная фреска Рафаэля «Афинская школа» (1509-1511) изображает классических философов Платона и Аристотеля в качестве центральных фигур, окруженных множеством других философов, которые либо глубоко дискутируют друг с другом, либо глубоко созерцают самих себя.
Скуола ди Атене («Афинская школа», 1511), фреска в Залах Рафаэля, Апостольский дворец, Ватикан; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Рафаэль изобразил сцену так, что кажется, будто мы можем войти в нее в любой момент. На переднем плане находится архитектурная арка, обрамляющая картину, и наш взгляд постепенно перемещается к двум центральным фигурам. Позади них находятся еще одни архитектурные арки, ведущие к внешнему миру, который представляет собой чистое голубое небо с наплывами белых облаков. Цвета также приглушенные и не слишком яркие, что делает композицию более привлекательной и облегчает восприятие.
Мы видим, как Рафаэль умело использует перспективу и цвет для создания гармоничной композиции, напоминающей стиль классической эпохи.
Среди других картин Рафаэля — «Свадьба Богородицы» (1504), «Диспут о Святых Таинствах» (1510), «Парнас» (1511), «Сикстинская мадонна» (1512), «Триумф Галатеи» (1514), «Форнарина» (1520) и «Преображение» (1520).
Диспут Рафаэля о Святых Таинствах (1509-1510), Станца делла Сегнатура, Комнаты Рафаэля, Апостольский дворец, Ватикан; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Другие художники Высокого Возрождения
Среди других художников Высокого Возрождения — Антонио Корреджо, создавший «Успение Богородицы» (1526-1530) в Пармском соборе. Эта высококвалифицированная иллюзионистская фреска на купольном потолке собора выглядит так, как будто на потолке открываются небеса.
Донато Браманте был еще одним великим архитектором этого периода, который известен тем, что нашел архитектурный стиль Высокого Возрождения и пользовался большим уважением. Он входил в группу архитекторов (Микеланджело и Рафаэль), которые вернули архитектуру Рима к тому, какой она была в римские времена.
Папа Юлий II поручил ему воссоздать базилику Святого Петра, которая ранее была константиновской постройкой. Он также участвовал в создании различных новых сооружений, которые возвысили бы город Рим и Ватикан.
Искусство Северного Возрождения
Искусство Северного Возрождения зародилось примерно с 1430-х по 1580-е годы в таких странах, как Бельгия, Нидерланды и Германия. Этот период заметно отличался от итальянского Возрождения, о котором говорилось выше, — он не подражал достоинствам классической эпохи, а в основном находился под влиянием готического стиля искусства.
Когда мы сравниваем итальянское и северное Возрождение, характерные слова описывают каждый период. Например, итальянская сторона была «мечтательной» и «идеализированной», в то время как северная сторона была «приземленной» и «практичной».
Сад земных наслаждений (1490-1500) голландского художника Иеронима Босха; Иероним Босх, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Масляная краска использовалась для передачи глубокого реализма предмета, где все детали прорисовывались четко и объективно. Это делалось на панельных картинах и алтарных образах в религиозных зданиях. В связи с историческими изменениями того времени, в основном из-за протестантской Реформации, художники подходили к своим сюжетам не так, как итальянские художники.
Тематика Северного Возрождения включала больше повседневных предметов и образа жизни, часто с моральными посланиями. Это было противоположно идеализированным формам католической церкви, которые считались иконографическими по своей природе. Некоторые жанры живописи включали пейзажи, натюрморты и портреты. Картины были меньшего размера и не так масштабны, как в Италии, где они выставлялись в основном для общественных целей в церквях.
Кроме того, широко использовалась ксилография и иллюминированные рукописи. Создание печатного станка стало революционным событием, позволившим широко распространить книги, памфлеты, гравюры и эстампы.
Ян ван Эйк (1390 — 1441)
Одним из популярных художников этого времени был Ян ван Эйк, создавший знаменитый Гентский алтарь (1431), который считается новаторским произведением, проложившим путь искусству Северного Возрождения. Он известен своим глубоким реализмом и тем, что художники использовали масло в качестве средства живописи на высоком уровне, что еще больше способствовало реализму.
Гентский алтарь (1432), автор Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Гентский алтарь — это полиптих (картина или алтарная картина, состоящая более чем из трех панелей), изображающий богатое религиозное повествование, которое часто считается загадочным из-за всех религиозных фигур и того, кем они являются в композиции.
Другие работы ван Эйка включают «Портрет Арнольфини» (1434), который является еще одним из его знаменитых произведений, изображающих бизнесмена Джованни ди Николао Арнольфини и его жену. И снова мы замечаем детальный реализм, достигнутый благодаря нанесению художником нескольких слоев глазури, что еще больше усиливает цвета.
Альбрехт Дюрер (1471 — 1528)
Альбрехт Дюрер был еще одним важным художником в этот период благодаря тому, как он объединил натуралистический реалистический стиль Севера с теориями пропорций, баланса и гуманизма итальянского Возрождения. Он также исследовал теорию перспективы с научной точки зрения и написал несколько публикаций, посвященных этому, а именно «Четыре книги об измерении» (1525), «Трактат о фортификации» (1527) и «Четыре книги о пропорциях человека» (1528).
Автопортрет (1500) Альбрехта Дюрера; Альбрехт Дюрер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Среди произведений Дюрера — его знаменитый «Автопортрет» (1500), на котором изображен художник, смотрящий прямо на нас, зрителей. Мы видим его правую руку с двумя пальцами, поднятыми вверх, что выглядит как классический жест благословения, который мы так часто видим на религиозных картинах.
На самом деле, считается, что на этой картине художник изобразил себя в образе Христа, а его длинные вьющиеся волосы также способствуют этому сходству. Вместе с затемненным фоном эта картина намекает на средневековую сущность.
Заяц (1502) — еще один пример мастерства Дюрера как художника. На картине изображен заяц, детально прорисованный акварелью, что свидетельствует о внимательном изучении художником природы. Белый фон также указывает на более научное наблюдение, а не на сосредоточенность на изображении религиозного объекта. Заяц выглядит расслабленным и неподвижным, но есть и ощущение движения: задние лапы зайца расставлены в готовности прыгнуть в сторону, если кто-то к нему приблизится.
Заяц (1502), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Другие художники Северного Возрождения
К художникам Северного Возрождения относятся Роберт Кампен, Иероним Босх, Питер Брейгель Старший и многие другие, которые рисовали повседневную жизнь и людей. Этот период завершился из-за различных политических трудностей, таких как Восьмидесятилетняя война (1568). Голландский Золотой век также обратился к аспектам и техникам Северного Возрождения, продолжая его наследие.
Современные художественные движения, такие как импрессионизм, постимпрессионизм, кубизм и сюрреализм, также черпали вдохновение в этом периоде и жанрах, которые развились из него. Некоторые ученые также говорят, что этот период и его художники, такие как ван Эйк, Дюрер, Босх и Брейгель, были более влиятельными, чем итальянское Возрождение.
После Возрождения: Маньеризм
Когда Ренессанс закончился как главное культурное и художественное течение в Европе, примерно в 1520-х годах начало развиваться художественное движение под названием маньеризм. Художники считали, что Высокое Возрождение в Италии достигло всего, чего могло, и не стали развивать его. Вместо этого художники создали новый стиль, который был более выразительным, асимметричным, и его не беспокоило совершенство и пропорции, так тщательно приписываемые художниками эпохи Возрождения.
Часто задаваемые вопросы
Что такое эпоха Возрождения?
Ренессанс — это культурный, социальный и политический сдвиг в истории Европы после Средневековья. Это было «возрождение» и считалось эпохой открытий и исследований во многих дисциплинах, таких как искусство, наука, математика, технология, астрономия, музыка, литература, философия, архитектура и многое другое. Он начался примерно в 14 веке и закончился примерно в 17 веке. Итальянский Ренессанс делится на Проторенессанс, Ранний и Высокий Ренессанс, а также его аналоги в странах Северной Европы.
Что характеризует искусство Ренессанса?
Искусство эпохи Возрождения в Италии стало изображать более реалистичные сюжеты и перешло к натурализму. Художники также черпали вдохновение в классической эпохе греческого и римского искусства и его ценностях гармонии и пропорций. Хотя художники сосредоточились на религиозной тематике, человек также считался важной частью мира, и это нашло отражение в философии гуманизма. Также использовались новые техники и средства для создания более трехмерного изображения, например, масляные краски, линейная перспектива, сфумато, кьяроскуро и другие.
Кто были главными художниками эпохи Возрождения?
В эпоху Проторенессанса художниками-первопроходцами были Чимабуэ и Джотто. В эпоху Раннего Возрождения такие художники, как Брунеллески, Масаччо и Донателло, разработали новые техники в живописи, скульптуре и архитектуре. В эпоху Высокого Возрождения Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль считались тремя великими художниками, которые усовершенствовали многие техники предыдущих периодов. Такие художники, как Альбрехт Дюрер, Ян ван Эйк, Питер Брейгель Старший и Иероним Босх, были хорошо известны в эпоху Северного Возрождения.
