Стиль рококо в декоративном искусстве, архитектуре, дизайне интерьера, скульптуре и живописи зародился в начале XVIII века в Париже. Это пышное и элегантное направление распространилось по всей Франции и другим европейским странам, таким как Австрия и Германия. Стиль рококо отличается роскошью, экстравагантностью и легкомыслием.
Оглавление
Краткое введение в стиль рококо
Если когда-либо существовал аристократический французский художественный стиль, то рококо — это определение рококо. Дизайны рококо были невероятно театральными и декоративными, призванными произвести впечатление и сообщить о богатстве. Отличаясь легкостью, изогнутыми формами, асимметричными значениями, мотивами, навеянными природой, и игривыми темами, стиль рококо поистине уникален.
Стиль эпохи рококо отличается сильным чувством причудливости. По сравнению с предшествующим ему стилем барокко, стиль рококо отличается более светлой цветовой палитрой. Легкость и элегантность пронизывают дизайн в стиле рококо: пастельные тона, много золота и белый цвет слоновой кости. Многие дизайнеры интерьеров в стиле рококо использовали зеркала, чтобы создать ощущение легкости и простора.
Изогнутые формы были заметной чертой дизайна рококо, с закрученными свитками и изогнутой мебелью. Контр-кривые и волнистые формы отражали природные формы, такие как растения и морские раковины. Изогнутые конструкции включали в себя змеевидные линии или извилистые линии, которые изгибались в разных направлениях, подобно лианам растений.
Одним из отличительных элементов эпохи рококо является отсутствие точного баланса в орнаментальных элементах. Асимметрия присутствует как внутри декора, так и в предмете мебели или архитектуры в целом. Мебель и архитектурные конструкции часто включали в себя асимметричные С-образные волюты. Асимметричные значения также включали изображение морских раковин и других форм, вдохновленных природой. Предметы мебели в стиле рококо, такие как шкафы и диваны, часто имели несбалансированные декоративные элементы. Несмотря на отсутствие равновесия в декоре, общее ощущение баланса сохраняется.
Особенно заметным декоративным мотивом, используемым во всей живописи, скульптуре и дизайне интерьера в стиле рококо, является мотив природы. Многие изогнутые формы были основаны на органических формах, таких как волны, ракушки и другие мотивы морской тематики. Также часто встречались мотивы листьев, вьющиеся листья виноградной лозы, например, стилизованные ветви аканта. Несмотря на органический характер, эти формы часто преувеличивались и позолочивались.
Игривые и легкомысленные темы являются характерными чертами живописи и скульптуры рококо. Часто картины рококо основывались на темах любви, игривости и природы. Классические мифы также были популярными темами среди художников рококо. Популярные темы рококо — еще один пример того, как дизайн рококо отвергал традиции стиля барокко.
Три орнаментальных мотива в стиле рококо, 1889 год; Жюль Лашез, CC0, via Wikimedia Commons
Происхождение термина рококо
Определение рококо впервые было использовано в шутливой форме как вариация французского слова rocaille, метода украшения гротов и фонтанов ракушками, галькой и цементом. К концу XVII века люди стали использовать этот термин для описания декоративного мотива, появившегося в стиле позднего Людовика XIV. Этот орнаментальный мотив представлял собой ракушку, переплетенную с листьями растения акант.
Впервые термин «рокайль» был использован для обозначения определенного стиля в 1736 году ювелиром и дизайнером Жаном Мондоном. Мондон опубликовал каталог проектов мебели и других декоративных украшений в стиле рокайль. В этих проектах мебели, декоративных дверных проемов и настенных панелей использовались изогнутые раковины в сочетании с извилистыми лозами или пальмовыми листьями.
В 1825 году, почти век спустя, термин «рококо» был впервые напечатан. В этом контексте термин «рококо» описывал старомодный стиль предыдущего века. Этот термин использовался на протяжении всего XIX века для описания архитектуры, музыки, скульптуры и дизайна, которые были чрезмерно декоративными. С тех пор историки искусства приняли термин «рококо» как стиль европейского искусства XVIII века.
Несмотря на споры вокруг исторической значимости стиля рококо, он признан как отдельный стиль европейского дизайна.
История стиля рококо
Стиль рококо начался с дизайна интерьера и мебели. Как реакция на строгую строгость эпохи барокко, дизайн рококо отличался чрезмерной декоративностью. Иногда искусствоведы называют период рококо поздним барокко, который начался во Франции как реакция на формальный стиль Людовика XIV. Когда правление Людовика XIV закончилось, аристократы и богачи вернулись в Париж. Там они начали оформлять свои дома в стиле рококо. Дизайнеры интерьеров, граверы и художники, включая Жюста-Ореля Мейссонье, Николя Пино, Пьера Ле Потра и Жана Берена, разработали более интимный стиль оформления для домов знати.
Французское рококо
Рококо процветал во Франции с 1723 по 1759 год. Дизайн французского рококо был наиболее заметен в салонах. Салон был новым стилем помещения, которое предназначалось для того, чтобы развлекать и впечатлять гостей. В парижском отеле Hotel de Soubise салон принцессы является прекрасным примером салонов в стиле рококо.
Интерьер салона принцессы в отеле де Субиз, Париж; NonOmnisMoriar, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Исключительное мастерство было определяющим фактором французского стиля рококо, особенно в рамах картин и зеркал. В них часто изображались переплетающиеся растительные формы, вылепленные из гипса и позолоченные. Эти извилистые изгибы и дизайн, вдохновленный природой, были также популярны в дизайне мебели. Ведущие французские мебельщики, такие как Шарль Крессент и Мейссонье, были сторонниками стиля рококо.
Стиль рококо доминировал во французском искусстве и дизайне до середины XVIII века, когда открытия римских древностей направили французскую архитектуру в сторону неоклассического дизайна.
Итальянское рококо
Стиль рококо был особенно буйным в Италии. Венеция была эпицентром итальянского рококо. В итальянском рококо, например, в венецианских комодах, использовались те же орнаментальные украшения и изогнутые линии, что и во французском рокайле, но с небольшими дополнениями. Многие венецианские предметы были расписаны цветами, пейзажами или сценами известных художников. Шинуазри, или европейское подражание китайским и другим восточноазиатским художественным традициям, также было популярно в итальянском рококо.
Джованни Баттиста Тьеполо был выдающимся художником-декоратором эпохи итальянского рококо. Тьеполо расписывал потолки и фрески палаццо и церквей. В 1750-х годах Тьеполо вместе со своим сыном отправился в Германию, где они украсили потолки Вюрцбургской резиденции. Другим известным итальянским художником эпохи рококо был Джованни Баттиста Крозато. Крозато наиболее известен благодаря росписи потолка бального зала Ка Реццонико в стиле квадратуры.
Потолочная фреска Тьеполо в Вюрцбургской резиденции; Myriam Thyes, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Венецианские стеклянные изделия были важной частью итальянского периода рококо. Именно в это время расцвело цветное и часто гравированное муранское стекло. Такие изделия из стекла, как зеркала с витиеватыми рамами и разноцветные люстры, экспортировались по всей Европе.
Южногерманское рококо
Именно в Южной Германии и Австрии стиль рококо достиг своего расцвета. Опубликованные работы французских архитекторов и дизайнеров познакомили Германию со стилем рококо, и он стал доминировать в немецком искусстве и дизайне в период с 1730-х по 1770-е годы. В то время как немецкие дизайнеры и архитекторы находили вдохновение во французских архитекторах, таких как Жермен Боффран, и дизайнерах интерьеров, таких как Жиль-Мари Оппенордт, немецкая архитектура и дизайн в стиле рококо достигли новых высот.
Архитектурный стиль рококо был принят немецкими архитекторами, которые дополнили его еще более богатым декором и сделали его более асимметричным. Декоративный стиль рококо доминирует в немецких церквях и сегодня. Архитекторы строили кривые и контркривые линии из лепнины, создавая узоры, которые закручивались и поворачивались, а стены и потолки не имели прямых углов. Особенно популярным мотивом была лепная листва, которая, казалось, ползла по стенам и потолку. Этот витиеватый декор часто серебрился или золотился, создавая потрясающий контраст с бледными пастельными или белыми стенами.
Первым зданием, построенным в стиле рококо, был павильон Амалиенбург в Мюнхене. За проектирование этого здания отвечал дизайнер и архитектор бельгийского происхождения Франсуа де Кувилис, который черпал вдохновение во французских павильонах Марли и Трианон. Павильон Амалиенбург был изначально построен как охотничий домик и имел на крыше платформу для стрельбы по фазанам. В интерьере был представлен Зал зеркал, созданный Иоганном Батистом Циммерманом. Экстравагантность этого здания выходила далеко за рамки архитектуры французского рококо.
Восточный вид на павильон Амалиенбург в Мюнхене; Digital cat, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Другим исключительным примером немецкой архитектуры рококо является Вюрцбургская резиденция. Этот впечатляющий дворец имел более барочный экстерьер, но интерьер отражал легкий стиль рококо. Резиденция была спроектирована при участии французских художников Робера де Котта и Жермена Боффрана, а также итальянского художника рококо Тьеполо, который создал фреску над трехуровневой лестницей. Лестница была центральной частью этой резиденции, как и лестница во дворце Аугустусбург. Во дворце Августа парадная лестница уводила посетителей вверх через видение скульптур, картин, декора и железных конструкций.
Хотя стиль рококо был светским стилем с момента своего возникновения, в немецкий период появилось множество церквей в стиле рококо. В 1740-х и 1750-х годах архитекторы стиля рококо спроектировали несколько паломнических церквей по всей Баварии. Интерьеры этих церквей имеют ярко выраженный стиль рококо. В качестве примера можно привести Верскирхе Доминика Циммермана, которая имела простой экстерьер с небольшим количеством украшений и простыми цветами. Однако при входе в церковь вас встречает овальной формы деамбулаторий, который заливает церковь светом. Голубые и розовые лепные колонны на хорах контрастируют с белыми стенами, а гипсовые ангелы окружают купольный потолок.
Британское рококо
Хотя влияние рококо в Великобритании ощущалось не так сильно, как в других странах Европы, британские шелковые, фарфоровые и серебряные изделия черпали вдохновение в рококо. Теоретические основы красоты рококо были заложены, в частности, Уильямом Хогартом, который утверждал, что S-образные изгибы и волнистые линии рококо являются основой красоты и грации в природе и искусстве.
Стиль рококо не сразу появился в Англии. Британская мебель долгое время следовала палладианской неоклассической модели под руководством дизайнера Уильяма Кента. Кент был влиятельной фигурой, который проектировал мебель для лорда Берлингтона. Именно с лордом Берлингтоном Кент путешествовал в Италию между 1712 и 1720 годами. Кент привез оттуда идеи и модели Палладио и спроектировал мебель для Чизвик-Хауса, дворца Хэмптон-Корт, Холкхэм-Холла и других.
Появление красного дерева в Англии около 1720 года стало самым значительным достижением рококо того времени. Наряду с ореховым деревом, красное дерево стало популярным для изготовления мебели. Именно дизайнер мебели Томас Чиппендейл, чьи работы были наиболее близки к стилю рококо. Каталог образцов мебели в стиле шинуазри, рококо и готики под названием Gentleman’s and Cabinet-Makers Directory был опубликован Чиппендейлом в 1754 году. Хотя мебель Чиппендейла, безусловно, была вдохновлена рококо, он не использовал инкрустацию или маркетри в своей мебели, в отличие от французских дизайнеров.
Томас Джонсон был еще одной важной фигурой в британской мебели рококо. В 1761 году Джонсон опубликовал собственный каталог дизайна мебели в стиле рококо, включая предметы обстановки, основанные на индийских и китайских мотивах.
Искусство и дизайн эпохи рококо
Как вы уже видели, в Европе существовала большая вариативность в дизайне. В то время как Южная Германия влюбилась в архитектуру рококо, англичане предпочитали мебель в стиле рококо. Будь то живопись, скульптура, мебель или архитектурный дизайн, мы можем видеть отчетливый стиль рококо.
Дизайн интерьера в стиле рококо
Дизайн интерьера был искрой эпохи рококо. Хотя стиль рококо стал доминировать в живописи, скульптуре и даже музыке, он зародился как стиль дизайна интерьера. В то время как в архитектуре основное внимание обычно уделяется внешнему дизайну, дизайнеры рококо перенесли его внутрь. Вершина дизайна интерьера в стиле рококо — салон.
Париж, Отель де Субиз, Музыкальная палата; Parsifall, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Что такое салон в стиле рококо?
Салон, подобно салону или гостиной, — это комната, предназначенная для развлечения гостей и оказания на них впечатления. Изначально салон предназначался для богатой аристократии и был местом, где можно было продемонстрировать свое невероятное богатство и вести интеллектуальные беседы. В то время философия просвещения считала, что внешнее архитектурное окружение способствует определенному образу жизни.
Салоны рококо представляли собой центральные комнаты, оформленные в типично экстравагантном и роскошном стиле рококо.
Салоны отличались типичными для рококо сложными украшениями, змеевидными линиями, светлыми пастельными тонами, замысловатыми узорами, асимметрией и большим количеством золота. Планировка комнат салонов часто была асимметричной, этот тип дизайна известен как контраст. Скульптурные формы на стенах и потолках с абстрактной, лиственной и похожей на раковину текстурой были украшением интерьера.
Салон месье ле Принца является особенно известным примером. Другим ярким примером салона в стиле рококо является салон Жермена Боффрана в парижском отеле «Субиз». Все эти салоны имеют потолки, стены и лепнину с замысловатыми украшениями в виде S-образных кривых, природных форм и форм раковин.
Мебель в стиле рококо
Салон был способом отразить социальный статус, и мебель в салоне была еще одним способом. В период рококо произошел взрыв в производстве мебели. Дизайн мебели подчеркивал легкость эпохи рококо. Предметы мебели делались физически более легкими, чтобы их можно было легко перемещать. Мебель также стала более утонченной и изысканной, с тонкими изогнутыми ножками столов.
Мебель эпохи рококо стояла отдельно, а не прислонялась к стене. Эта особенность также помогала придать легкость и универсальность помещению, чего так желала аристократия.
Красное дерево стало популярной древесиной для мебели рококо, потому что оно было прочным. Прочность красного дерева позволяла мебельщикам вырезать изящную мебель, которая не ломалась. В эпоху рококо появилось много специализированных предметов мебели, в том числе кресло вуазе. Зеркала с богато украшенными резными рамами также становились все более популярными в эпоху рококо. Дизайнеры интерьеров использовали зеркала, чтобы усилить ощущение света и простора в комнате.
Маленькие кресла из ломбардской мастерской, ок. 1750 г., из бального зала дворца Сормани; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Архитектура рококо: Барокко против рококо
Архитектура рококо XVIII века была более изящной, легкой и сложной, чем стиль барокко. Хотя архитектура рококо в чем-то была похожа на барокко, в чем-то они существенно отличались друг от друга.
Архитектурный стиль барокко и рококо
Как и в дизайне интерьера и мебели, архитектура рококо подчеркивала асимметрию дизайна и формы, в то время как в стиле барокко все было наоборот. Архитектура барокко была более серьезной и использовала религиозные темы протестантской реформации, в то время как архитектура рококо была более легкомысленной, шутливой и светской. В то время как здания в стиле барокко были рассчитаны на большое общественное величие, архитектура рококо подчеркивала уединенность.
Изгибы и декоративные элементы рококо, которые мы видим в мебели и отделке интерьеров, перешли и в архитектурный дизайн. Фирменная цветовая палитра рококо — золотой, белый и пастельные тона — также была важной особенностью архитектуры рококо.
Среди известных зданий в стиле рококо — португальский Национальный дворец Келуш, Екатерининский дворец в России, Китайский дом в Потсдаме, дворцы Фалькенлуст и Аугустусбург, части Версальского замка и дворец Шарлоттенбург в Германии. Итальянский архитектор Франческо Бартоломео Растрелли, известный своими пышными и роскошными проектами, работал в России. Филипп де Ланге работал в голландской и датской архитектуре, а Маттеус Даниэль Поппельманн был архитектором позднего барокко и помогал в реконструкции немецкого города Дрездена.
Фасад Екатерининского дворца в Пушкине, Россия; В. Булах, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Живопись рококо
Нежный и легкомысленный характер дизайна рококо, пожалуй, наиболее заметен в живописи эпохи. Используя светлую палитру рококо — пастельные, золотые и белые тона, а также другие элементы дизайна рококо, такие как асимметричные кривые и змеевидные линии, живопись рококо легко отличить. Невероятное внимание к деталям, игривые темы и пастельная цветовая палитра — вот основные черты живописи рококо.
Безупречное внимание к деталям
Вдохновленные художниками эпохи Возрождения, картины рококо отличаются невероятным вниманием к деталям. Французский художник Франсуа Буше особенно известен своим подходом к живописи, ориентированным на детали. Буше удается уловить мельчайшие хитросплетения нарядных костюмов и создать великолепно детализированные сцены.
Игривые сюжеты
Возможно, темы картин рококо лучше всего подчеркивают веселую атмосферу этого периода искусства. Темы молодости, любви, игры, классических мифов, идиллических пейзажей и портретов типичны для живописи рококо. Французскому художнику Антуану Ватто принадлежит заслуга в том, что он сделал игривую тематику рококо популярной. Ватто известен как отец жанра fete galante, изображающего фестивали, садовые праздники и другие мероприятия на открытом воздухе. Ватто писал сцены пасторальных пейзажей и причудливых общающихся людей. Часто изображались греческие богини, купидоны и другие мифологические существа, игриво смешивая реальность с фантазией.
La Partie carrée («Четверка», ок. 1713 г.), Антуан Ватто; Антуан Ватто, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Цветовая палитра рококо
Цветовая палитра картин эпохи рококо значительно отличается от палитры более раннего периода барокко. Художники эпохи барокко использовали глубокие и эмоциональные цвета, в то время как художники эпохи рококо, такие как Жан-Онор Фрагонар, создавали легкомысленные сцены с использованием светлых пастельных тонов. Картина Фрагонара «Качели» — одна из самых известных картин эпохи рококо. Светло-зеленые вихри листвы окружают женщину в светло-розовом платье, кокетливо сбрасывающую туфельку, когда она раскачивается.
Качели (1767), Жан-Оноре Фрагонар; Жан-Оноре Фрагонар, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Скульптура рококо
Скульптура эпохи рококо была динамичной, театральной и красочной. Ощущение движения во всех направлениях пронизывает эти скульптуры. Скульптуры были тесно интегрированы с архитектурой и живописью, их часто можно было встретить внутри церквей.
Скульптура раннего французского рококо намного легче, чем классический стиль Людовика XIV. Мадам де Помпадур была покровителем скульптуры рококо и заказала множество работ для своих садов и замков. Скульптура купидона, вырезающего свои любовные дротики из булавы Геркулеса, — знаменитая скульптура в стиле рококо работы Эдме Бушардона. Другие примеры скульптуры в стиле рококо можно найти у фонтанов Версаля, например, фонтан Нептуна работы Николя-Себастьяна Адама и Ламберта-Сигисбера Адама, выполненный в 1740 году. После их успеха Фридрих Великий пригласил этих скульпторов для создания фонтанной скульптуры для своего дворца в Пруссии.
Купидон (1744), Эдме Бушардон; Национальная галерея искусств, CC0, via Wikimedia Commons
Ведущий французский скульптор Этьен-Морис Фальконе наиболее известен своей петербургской статуей Петра Великого, он также создавал небольшие работы в терракоте или бронзе для богатых коллекционеров. Фальконе был не единственным скульптором, создававшим небольшие серии скульптур для коллекционеров. Жан-Батист Пигаль, Мишель Клодион, Жан-Луи Лемуан и Луи-Симон Буазот создавали серии скульптур.
Итальянец Антонио Коррадини был одним из ведущих скульпторов рококо в Венеции. Он путешествовал по Европе, некоторое время работал в Санкт-Петербурге для Петра Великого, а также при австрийском и неаполитанском императорских дворах. Скульптуры Коррадини отличаются большей сентиментальностью, он создал ряд изящных скульптур женщин с вуалью.
Фарфор эпохи рококо
В эпоху рококо начали появляться небольшие фарфоровые скульптуры. Изначально созданные для замены сахарных скульптур на больших обеденных столах, фарфоровые фигурки вскоре стали популярны в качестве украшения каминных столиков. По мере роста числа европейских фарфоровых заводов в XVIII веке небольшие фарфоровые скульптуры стали доступны людям среднего класса. По мере развития века увеличивалось и количество надглазурного декора на этих красочных фарфоровых скульптурах.
Мейсенский фарфоровый завод является старейшим в Европе и оставался самым важным примерно до 1760 года. Иоганн Иоахим Кандлер был главным модельщиком на мейсенской фабрике. Франц Антон Бустелли, немецкий скульптор, работал на Нимфенбургской фарфоровой мануфактуре и был известен своими разноцветными фигурками, которые продавались по всей Европе. Следуя его примеру, Этьен-Морис Фальконе стал директором Севрской фарфоровой мануфактуры. Здесь он создавал серии небольших скульптур на темы легкомыслия и любви.
Слушатели у колодца (1756), автор Франц Антон Бустелли; Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Музыка рококо
Хотя музыка рококо не так хорошо известна, как более поздние классические и ранние барочные формы, она занимает свое место в музыкальной истории. Музыкальный стиль рококо, как и большая часть движения рококо, развился из эпохи барокко. Во Франции style galant, или элегантный стиль музыки, представлял собой интимную музыку, легкую, изысканную и утонченную. Среди влиятельных французских композиторов рококо — Луи-Клод Дакен, Жан Филипп Рамо и Франсуа Куперен. В Германии два сына Иоганна Себастьяна Баха, Иоганн Кристиан Бах и Карл Филипп Эмануэль Бах, стали пионерами музыки рококо или «чувствительного стиля».
Во второй половине XVIII века произошла обратная реакция против чрезмерного использования украшений и орнаментов в стиле рококо. Кристоф Виллибальд Глюк возглавил это реакционное движение, которое в конечном итоге стало классическим стилем. Вариации на тему рококо Петра Ильича Чайковского были написаны в стиле рококо, хотя они не были написаны в эпоху рококо.
Мода рококо
Экстравагантность, утонченность, орнаментальность и элегантность стиля рококо не были утрачены в моде рококо. Женская мода в XVIII веке была изысканной и богато украшенной в истинном стиле рококо. Начавшись при королевском дворе, эта мода вскоре распространилась на кафе и салоны буржуазии.
Ближе к концу правления Людовика XIV стало популярным струящееся платье, известное как robe volante. Лиф, округлый подъюбник и крупные складки, ниспадающие по спине, были отличительными чертами этого платья. Темная и насыщенная цветовая палитра тканей сопровождала тяжелые и смелые дизайнерские решения. После смерти короля Людовика XIV модные стили начали меняться в соответствии с тенденциями рококо.
Мода рококо была более фривольной, более легкой и более откровенной. Пастельная цветовая палитра, обилие бантов, кружев, оборок, рюшей и низкий вырез горловины характеризовали женскую моду рококо. Новое платье, известное как халат а-ля Франсез, имело облегающий лиф и, как правило, большое количество бантов из лент спереди. Это платье имело широкие паны и было украшено пышным количеством цветов, кружев и лент. Вдохновением для создания складок Ватто послужил Жан-Антуан Ватто, художник, запечатлевший сложные детали швов, кружев и других отделок на нарядных платьях.
Женский халат в стиле франсе, Англия, около 1765 года. Шелковый атлас с узорчатым наплавом и шелковой пасмой; Музей искусств округа Лос-Анджелес, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Примерно в 1718 году в моду вошли манту и панье. Это были широкие обручи, расширяющие бедра в стороны, которые надевались под платье. Эти предметы вскоре стали основными элементами моды рококо. Знаковый образ эпохи рококо — платье с расширенными бедрами и чрезмерным количеством декора. Для особых случаев требовались очень широкие обручи, некоторые из них достигали 16 футов в диаметре. Более мелкие обручи предназначались для повседневной носки.
Этот стиль одежды зародился в Испании XVII века и изначально был разработан для того, чтобы скрыть беременный живот.
Золотой век моды рококо наступил около 1745 года, когда во Франции стала популярна более восточная и экзотическая культура, известная как a la turque. Мадам де Помпадур сыграла важную роль в продвижении этого стиля, заказав картину с изображением себя в образе турецкой султанши у Шарля Андре Ван Лоо. В 1760-х годах появился менее формальный стиль одежды. Полонез, более короткое платье, вдохновленное польской модой, делало видимыми лодыжки и нижнюю юбку. Платье-полонез также позволяло женщинам двигаться с большей легкостью.
Английское платье (robe a l’anglais) было еще одним популярным фасоном во второй половине XVIII века. Это платье включало в себя более мужские элементы моды, такие как длинные рукава, широкие лацканы и короткий пиджак. Полная юбка с небольшим шлейфом, но без бантиков, облегающий лиф и маленькая кружевная косынка на шее дополняли ансамбль. Редингот, сочетание шинели и накидки, был еще одним новым предметом моды рококо.
Помимо множества различных предметов одежды, аксессуары были неотъемлемой частью моды рококо в XVIII веке. Такие аксессуары, как ожерелья и ювелирные изделия, добавляли пышности и декадентского убранства платьям. Женщины в платьях с короткими рукавами были обязаны надевать перчатки на официальных церемониях.
Постепенный упадок стиля рококо
Прошло немного времени, прежде чем акцент рококо на галантности и декоративной мифологии вызвал ответную реакцию. Французская академия начала преподавать более классический стиль искусства, а де Труа, выдающийся художник-классик, стал директором академии в 1738 году. Хотя во Франции период рококо переживал упадок, он продолжал процветать в Австрии и Германии.
Мадам де Помпадур была выдающейся и влиятельной фигурой на протяжении всего XVIII века, пропагандируя искусство и моду рококо и способствуя его упадку. В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего брата и нескольких художников, включая архитектора Суффло и гравера Шарля-Николя Кошена, в двухлетнее путешествие для изучения итальянских археологических и художественных достижений. Эта группа вернулась, увлеченная классицизмом, а Абель-Франсис Пуассон де Вандьер, брат мадам де Помпадур, стал маркизом.
Маркиза де Помпадур в жардиньерке (ок. 1754-1755 гг.) Шарль-Андре ван Лоо; Шарль-Андре ван Лоо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Вандьер был также назначен генеральным директором королевских зданий и отвечал за переход французской архитектуры к неоклассике. Кошен, влиятельный художественный критик, осуждал стиль Буше, который он называл petit style. Скорее, Кошен призывал к более высокому стилю живописи и архитектуры, который подчеркивал благородство и классическую древность.
Жак-Франсуа Блондель и Вольтер добавили свои голоса к громкой критике поверхностного характера искусства рококо. 1760-е годы ознаменовались началом конца стиля рококо, так как художники стали призывать к искусству с целью и ценностью. Рококо официально ушел из жизни к 1785 году и был заменен неоклассицизмом.
Высмеивание рококо как поверхностного и легкомысленного стиля распространилось в Германии к концу XVIII века. Хотя рококо удалось сохранить популярность в Италии и некоторых немецких землях, оно было полностью уничтожено второй волной неоклассицизма в стиле ампир.
Знаменитые художники рококо
В эпоху рококо появилось очень много художников, архитекторов и скульпторов. Среди них есть несколько, которые произвели неизгладимое впечатление на мир декоративного искусства, в том числе Франсуа Буше, Элизабет Луиза Виже ле Брюн и Джованни Баттиста Тьеполо.
Франсуа Буше (1703-1770)
Из всех выдающихся художников рококо Буше, безусловно, заслуживает места в этом списке. Известные своими изображениями древнеримской и древнегреческой мифологии, картины Буше определили направление развития стиля рококо. Будучи молодым студентом-искусствоведом, Буше учился в эпоху позднего барокко и путешествовал по Италии. Он также изучал голландский пейзажный стиль.
Буше стал очень известным среди французских художников своего времени. Сладострастная манера, в которой Буше изображал фигуры на своих картинах, принесла ему значительную известность. На многих картинах Буше изображены пастухи и различные виды домашнего скота в пасторальных сценах. Самой известной из его работ считается «Триумф Венеры» (1740), но с ней соперничают «Завтрак» (1739) и «Виноградари» (1749).
Триумф Венеры (1740) Франсуа Буше; Франсуа Буше, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Жан-Онор Фрагонар (1732-1806)
Французский гравер и живописец эпохи рококо Жан-Онор Фрагонар является одним из самых известных художников эпохи рококо. Хотя он жил в конце 18 века, когда рококо начал приходить в упадок, он создавал гедонистические картины. В течение своей жизни Фрагонар также написал множество работ для королевской семьи, в том числе «Встреча» (1771).
Фрагонар познакомился с Буше, когда ему было всего 18 лет, и хотя Буше отказался работать с Фрагонаром из-за отсутствия у него опыта, он отправил его учиться к Жану-Батисту-Симеону Шардену. Несмотря на отсутствие опыта, Фрагонар стал одним из самых плодовитых художников в истории французского искусства. Особенно известной картиной Фрагонара является «Украденный поцелуй» (1788).
Украденный поцелуй (конец 1780-х годов), Жан-Оноре Фрагонар; Жан-Оноре Фрагонар, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Жан-Антуан Ватто (1684-1721)
Хотя Жан-Антуан Ватто умер до наступления золотого века рококо, он был одной из самых влиятельных фигур в этом движении. Именно Ватто считается первопроходцем стиля рококо, которого он достиг, объединив собственное художественное чутье с элементами таких мастеров, как Питер Пауль Рубенс и Тициан.
Стиль Ватто был особенно красочным, с яркими оттенками и большой глубиной. Многие работы Ватто типичны для стиля рококо своей театральностью. Ватто также прославился своей невероятной способностью передавать мельчайшие и сложные детали, особенно в нарядных одеждах. Возможно, самая известная картина Ватто — «Паломничество на остров Китера», которую он закончил в 1717 году. Среди других известных работ — «Пьеро» (1719) и «Высадка на остров Китера» (1717).
Паломничество на остров Китера, так называемая «Высадка на Китеру» (1717), автор Антуан Ватто; Антуан Ватто, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Элизабет Луиза Виже ле Брюн (1755-1842)
Одна из самых выдающихся женщин-художниц в истории Франции, ле Брюн известна своими роскошными портретами. Когда ле Брюн развивала свои художественные способности, ей не разрешили посещать официальные художественные школы или академии. К счастью, ее отец был художником, и он научил ее рисовать.
Всего в 15 лет Ле Брюн начала работать профессиональным художником. Несмотря на сексизм того времени и множество тех, кто сторонился ее работ, Ле Брюн была принята в Королевскую академию в возрасте 28 лет королем Людовиком XVI и Марией Антуанеттой. В дальнейшем Ле Брюн написал несколько самых известных картин в истории Франции, а самым известным ее произведением стала «Мария-Антуанетта в придворном платье» (1778).
Мария-Антуанетта в придворном платье (1778) Элизабет Луиза Виже Ле Брюн; Kunsthistorisches Museum, Public domain, via Wikimedia Commons
Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)
Знаменитый венецианский художник, Тьеполо известен своими высоко декоративными и чрезмерно сложными картинами, на которых часто изображались королевские особы. У Тьеполо был уникальный стиль в эпоху рококо, поскольку он учился у нескольких художников, находившихся под влиянием Высокого Возрождения. В результате его образования стиль Тьеполо представлял собой сочетание рококо и Ренессанса.
Из многих его работ «Брак императора Фридриха и Беатрисы Бургундской» (1752) является, пожалуй, самой известной. Это невероятно значительное историческое событие было изображено в типичном стиле рококо. Пышно украшенный зал с арками, струящимися занавесями и элегантно одетыми фигурами украшает полотно этой знаменитой картины.
Брак Фридриха Барбароссы и Беатрисы Бургундской (1727-1804) Джованни Доменико Тьеполо; Джованни Доменико Тьеполо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джовани Антонио Канале (1697-1768)
Более известный как Каналетто, Джовани Антонио Канале был одной из самых известных фигур рококо XVIII века. Уроженец Италии рано проявил художественные способности и стал одним из самых известных художников как в рококо, так и в венецианской школе.
Много путешествовавший по Европе в течение своей жизни, Каналетто был известен своими невероятно реалистичными городскими пейзажами. Среди самых известных картин его молодости — «Вход на Большой канал, Венеция» (1730) и «Двор каменщика» (1725). Каналетто завершил обе эти картины, когда во Франции начинало развиваться движение рококо. Именно благодаря действиям Каналетто рококо распространилось в Италии.
Каналетто «Вход в Большой канал», ок. 1730 г.; Каналетто, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Томас Гейнсборо (1727-1788)
Выдающийся британский художник эпохи рококо, Гейнсборо наиболее известен своими тщательно детализированными портретами и элегантными пейзажами. Гейнсборо был одним из самых выдающихся членов Академии Сент-Мартинс-Лейн, основанной Юбером Франсуа Гравелотом после того, как рококо перекочевало из Франции.
Гейнсборо запомнился как один из самых известных британских художников XVIII века, его картины в стиле рококо являются одними из самых знаменитых. Хотя многие из самых любимых картин Гейнсборо — пейзажи, его самая известная картина в стиле рококо — «Голубой мальчик», которую он написал в 1770 году.
Джонатан Батталл (Голубой мальчик) (ок. 1770), Томас Гейнсборо; Thomas Gainsborough, Public domain, via Wikimedia Commons
Полный роскоши, золота и экстравагантности, стиль рококо XVIII века сразу же узнаваем. Хотя это движение просуществовало недолго, оно, безусловно, произвело впечатление, и многие художники этого периода остаются важными историческими фигурами.
