Кацусика Хокусай часто называют самым известным японским художником в мире. Его гравюры были востребованы на протяжении всей его жизни и по сей день. Без смелого воображения Хокусая и его трудолюбия мы, возможно, никогда не получили бы величайших шедевров современного искусства.
Оглавление
Старый мастер Хокусай
Ксилография Кацусики Хокусая «Великая волна Канагавы» (1830) оказала огромное влияние как на поп-культуру, так и на историю искусства. Его творческая деятельность включала книжную иллюстрацию и живопись. Во времена печально известного периода Эдо Хокусай создал около 30 000 работ. Его гравюры укиё-э передавали картину мира, которая представляла собой смелую абстрактную смесь западного и японского искусства.
| Дата рождения | 31 октября 1760 года |
| Дата смерти | 10 мая 1849 года |
| Место рождения | Эдо, Япония |
| Ассоциированные направления искусства | Период Эдо, Укиё-э |
| Жанр / стиль | Рисунок, живопись, гравюра на дереве |
| Используемые средства | Ксилография |
| Доминирующие темы | Городские пейзажи, природа, мифология, фольклор, рабочие люди, эротика |
Биография Кацусика Хокусая
Кацусика Хокусай, чье детское имя было Токитаро, родился в 1760 году, почти 300 лет назад. В середине 18 века в столице Японии Эдо, которая сейчас называется Токио, наступил период Эдо. Большую часть своей жизни он прожил в центральной части города на восточном берегу реки Симиюла. Его родная семья жила в рабочих кварталах Эдо, но он был усыновлен своим дядей Накадзима Исэ, который был официальным мастером зеркал при сёгуне.
В то время усыновление детей мужского пола было обычной стратегией для укрепления своей родословной и социального положения.
Близость к королевскому двору дала Хокусаю прекрасное образование, и он получил хорошую возможность сделать карьеру в искусстве. Еще в детстве у него появился интерес к рисованию. К шести годам он уже использовал акварель.
Портрет Кацусики Хокусая работы Кейсая Эйзена, до 1848 года; Кейсай Эйзен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хокусай учился расписывать декоративные рамы для зеркал с расчетом на то, что со временем он присоединится к семейному бизнесу. В подростковом возрасте он стал подмастерьем у гравера, после чего решил, что хочет стать художником. Но его художественные начинания продолжали отражать его интерес к зеркалам, микроскопам и телескопам.
Хокусай был воспитан как буддист, поэтому божественность была для него невероятно важна. Позже в жизни он окрестил себя Хокусаем в честь богини Миокен, что означает Северная звезда. Единственный неподвижный свет в небесах, который художник считал источником духовной силы. Одна из его ранних работ была подношением для храма Миокен.
Несмотря на успешную профессиональную деятельность, в середине жизни Хокусая началась длинная череда несчастливых событий.
Его первая жена, с которой у него было трое детей, умерла в 1790-х годах. Молния буквально поразила его, когда ему было 50 лет. Затем он перенес небольшой инсульт, из-за которого ему пришлось заново учиться художественному мастерству. Он снова женился, у него родилось еще трое детей, но в 1828 году умерла и его вторая жена. Двое из его детей также ушли из жизни. Затем он был вынужден использовать свои сбережения, чтобы оплатить игорные долги своего внука.
Автопортрет старика (1839), Кацусика Хокусай; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons
В конце концов, Хокусай потерял свой дом и был вынужден переехать в храм. Там он прожил много лет со своей дочерью, которая также была художницей. Но в 1839 году их жилище сгорело во время пожара в соседнем доме. Хокусай и его дочь спаслись из дома через окно, прихватив с собой только кисти. Считается, что в огне погибли тысячи его работ.
К счастью, Хокусай был знаменит при жизни, а доступность печати означала, что большинство людей могли позволить себе купить его работы. Это помогло Хокусаю выжить в условиях постоянной бедности и лишений.
На протяжении своей жизни он много раз менял свое имя. Японские художники были известны тем, что меняли свои имена, когда менялся их стиль или социальное положение.
Укиё-э (1615 — 1905)
Период Эдо, также известный как период Токугава, начался в 1603 году, когда высокопоставленный сёгун по имени Токугава основал династию, которая просуществовала более 200 лет. Сёгун Токугава держал Японию под жестким контролем. В 1639 году сёгун закрыл границы Японии, изолировав страну от внешнего мира. Иностранцы были изгнаны, христианство было запрещено, а иммиграция или эмиграция каралась смертью. Была разрешена лишь ограниченная торговля с Китаем и голландцами, которые не были столь агрессивны в отношении христианства.
До своего краха в 1860-х годах период Эдо был процветающим для Японии. Многие отрасли промышленности процветали, и в этих условиях сформировалось квинтэссенциально японское искусство. Примерно в 1680 году книгоиздатели начали делать графические гравюры на одном листе, которые стали известны под названием укиё-э.
Термин «укиё-э» означает «картины плавающего мира», включая картины, книги и гравюры. Это каламбур на буддийский термин, означающий «печальный мир».
Ласточка и сорока над земляникой и бегонией (ок. 1834), Кацусика Хокусай; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons
В период Эдо существовало множество различных стилей живописи, одним из которых был «Плавающий мир». Образы «Плавающего мира» были вдохновлены повседневной жизнью знаменитостей и жителей Эдо в 17 и 18 веках.
Это было время, когда центр Эдо служил двором для сёгуна, привлекая вельмож и самураев со всей Японии. Сюжетами для этих художников были актеры, борцы сумо, гейши, куртизанки и эротические сцены, заполнявшие театры кабуки и бордели на северной окраине города Эдо.
Возросшая торговля создала атмосферу разврата, которая, должно быть, казалась несколько эфемерной, отсюда и термин «Плавучий мир».
Тонкая завеса скромности, которую обеспечивает термин «куртизанка» в западном контексте, подразумевает уровень безнравственности. Но в эпоху Эдо в секс-работе не было ничего постыдного. Она была легальной и чрезвычайно популярной. По мере развития укиё-э в квартале красных фонарей в Эдо, он мог похвастаться здоровым сочетанием откровенных и не откровенных гравюр.
Кацусика Хокусай чистит ухо воина (ок. 1798-1810 гг.); I, Sailko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Коллекционные ксилографии стали сенсацией, подобно современным торговым картам. Существовал постоянный спрос на новые гравюры для коллекционирования. Хотя они печатались вручную, массовое производство делало их очень выгодными для издателей. Из-за массового производства они считались низко престижными в обществе, в то время как традиционная живопись оставалась престижной.
Тем не менее, Укиё-э сделало искусство понятным и доступным для всех классов, поскольку эти гравюры можно было купить по цене миски лапши.
Эстетика Укиё-э отличалась от западного искусства по нескольким параметрам. Первым из них была перспектива. Яркие цвета укиё-э контрастировали с безграничной гаммой серых и коричневых оттенков, которые были характерны для западного искусства того времени. Период Эдо также выделялся своим уникальным использованием форм и очертаний. Художники не стремились к реализму, а предпочитали структурированные рисунки, подчеркивающие атмосферу и энергию.
Ранняя карьера
К моменту рождения Хокусая в 1760 году движение существовало уже более ста лет. Однако он родился в эпоху больших перемен. В середине 18 века Эдо стал самым большим городом в мире с миллионным населением. Он превратился в изысканное общество потребителей.
Хотя когда-то купцы считались самым низким социальным классом, по мере развития экономики города они поднимались по карьерной лестнице. Теперь они могли позволить себе образование, путешествия, книги и искусство.
В возрасте 14 лет он стал учеником резчика по дереву, чтобы изучить этот важный аспект производства укиё-э. Все начиналось с того, что издатель заказывал изображение у художника, который делал рисунок на тонкой бумаге. Затем оригинальный рисунок переворачивался, наклеивался на блок и растирался инструментом, называемым барен.
Затем резчик счищал большую часть бумаги, пока она была еще влажной от клея, оставляя на поверхности блока линии оригинального изображения. Затем линия кисти вырезалась на дереве. Оригинальный рисунок при этом разрушался, поэтому резчики должны были обладать огромным мастерством и точностью, чтобы сымитировать его.
В 1778 году, когда Хокусаю было 18 лет, он начал учиться у мастера гравюры Кацукава Сюнсё, который оказал влияние на школу популярного искусства «Плавающий мир», создав тысячи цветных ксилографий с изображением суперзвезд кабуки того времени.
Через год после начала обучения Хокусай опубликовал первую серию собственных гравюр в стиле укиё-э, изображающих актеров кабуки. Эти ранние гравюры соответствуют стилю Кацукавы. Ранние работы Хокусая были выполнены под именем Сюнро, которое ему дал его мастер.
Итикава Эбидзо в образе святого Монкаку, переодетого разбойником (1791), Кацусика Хокусай. Это гравюра с изображением актера кабуки, подписанная «Сюнро»; Хокусай, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Наставник Хокусая Сюнсё умер в 1793 году, и его преемник Сюнко освободил Хокусая от обязанностей в студии. Эта неудача привела к прорыву в творческом пути Хокусая. Теперь, когда он больше не был занят созданием повторяющихся изображений куртизанок и знаменитостей, он смог расширить тематику своих работ.
Он обратил свое внимание на природу и повседневную жизнь простых японцев.
Манга
Хокусай начал использовать имя, под которым мы его знаем, примерно в 1800 году. Хокусай означает «северная студия», что является отсылкой к Полярной звезде, важному божеству в буддизме Ничирен. С 1804 по 1815 год он иллюстрировал популярные романы Такидзавы Бакина.
Его успех умножился в 1811 году, когда он начал путешествовать и делать случайные рисунки своих наблюдений. Во время посещения друга и коллеги в Мэгории издатель увидел его рисунки и предложил собрать их и опубликовать книгу.
Название книги «Хокусай Манга» принадлежит самому Хокусаю, хотя его смысл совершенно отличается от популярных сегодня комиксов. «Манга» во времена Хокусая означало случайные или неформальные рисунки или наброски. Хотя в ней нет сюжета, опыт Хокусая в иллюстрировании романов повлиял на его «Мангу».
P возраст взят из Кацусика Хокусай Манга том 8: Приемы самообороны (ок. 1817); Кацусика Хокусай (1760-1849), Original uploader? Nataraja, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Первой в серии «Хокусай манга» была книга «Быстрые уроки упрощенного рисования» (1812). Ксилографические книги с рисунками содержали множество моделей для копирования в качестве тренировки. Среди изображений — пейзажи, архитектура, рабочие, животные и вымышленные персонажи.
В книге есть целый раздел прекрасно нарисованных и снабженных этикетками изображений различных видов рыб.
Примерно в то же время он также опубликовал широко популярную книгу эротических изображений Kinoe no Komatsu. Знаменитый «Сон жены рыбака» (1814) изображает женщину, охваченную сексуальным экстазом с парой осьминогов.
Сон жены рыбака (1814) Кацусика Хокусай; Кацусика Хокусай, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Опубликованные примерно в одно и то же время, эти книги пользовались огромной популярностью и оказали огромное влияние. Манга Хокусая может рассматриваться как основа современной манги. При жизни Хокусай опубликовал 12 томов «Потерянной манги Хокусая», еще три тома были опубликованы после его смерти.
Стиль живописи Кацусика Хокусая
Хокусай уже некоторое время работал с европейской перспективой, но уроки, полученные им в средние годы, начали проявляться в более поздние годы. В картине «Тридцать шесть видов горы Фудзи» (ок. 1829-1832 гг.) он объединил ярко выраженный японский стиль с ярко выраженным западным стилем, доведя свои новоприобретенные приемы до оптимального разрешения.
Конверт для серии «36 видов горы Фудзи» Кацусики Хокусая, 1890 год; Кацусика, Хокусай, 1760-1849, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Перспектива
Традиционные стили живописи, такие как Ямато-э, который предшествовал Укиё-э, использовали традиционную японскую перспективу отсутствующих крыш. Классическая азиатская перспектива изображала предметы выше, чтобы показать, что они находятся на расстоянии. Западные художники контролировали точку зрения зрителя, в то время как японские пейзажисты не предлагали никакой обозначенной точки доступа.
Время также определялось в западном искусстве, но японское искусство имело более подвижное чувство времени, которое включало в себя несколько измерений.
Голландским купцам разрешалось иметь два торговых корабля в год. Это была практически единственная прямая связь между Эдо и Европой. При условии, что в них не было следов христианства, западные книги и картины были приняты в Эдо.
Гравюра Ямато-э под названием «Иллюстрированные легенды святилища Китано» (1219) неизвестного художника; Неизвестный художник Неизвестный художник, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Японцы были знакомы с точкой исчезновения с 1740-х годов. Ее появление там не превозносили, как это было в Европе эпохи Возрождения. Вместо этого японцы воспринимали ее как новинку. Они использовали забавную оптическую иллюзию для декораций и игрушек.
В 1780-х годах низкопробные изображения укиё-э стали привлекать внимание европейцев.
К началу 1800-х годов Хокусай ответил на высокий спрос на эти перспективные картины рядом небольших гравюр, исследующих западную перспективу. Искусство Хокусая изображало Эдо через голландский объектив, одновременно имитируя тени, глубину и линейную перспективу, характерные для европейского искусства, и нарушая их, чтобы включить классическую азиатскую систему.
Прусская синь
В период Эдо японцы были самодостаточны, но им нравились экзотические товары. Новый пигмент очень заинтересовал бы японских художников. В 1829 году в Германии была изобретена такая синтетическая синька. Японцы называли ее берлинской лазурью, но мы знаем ее как прусскую лазурь.
Сначала ее импортировали в Японию голландские торговцы, но в конце 1820-х годов ее начали импортировать и китайцы, что сделало ее гораздо более доступной. Это позволило использовать прусскую синь в гравюрах Укиё-э.
Цветной триптих на дереве, изображающий группу куртизанок из района Син-Ёсивара, играющих музыку на верхнем этаже ресторана с видом на реку Сумида; Нанабито играет на кото, Сугатано — на кокю, в сопровождении проституток низшего ранга и подмастерьев. С берлинской лазурью и небольшим количеством красного на губах. Разработано Кейсаем Эйсе и напечатано Цутая Китидзо, ок. 1830 г.; Британский музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons
По сравнению с предыдущими синими красками, прусская синяя имела больший тональный диапазон, но пигмент был особенно популярен, поскольку не выцветает, как предыдущие синие краски. В ранних гравюрах Укиё-э редко использовалась синяя краска, потому что ранние синие краски выцветали иногда в течение нескольких недель.
Радикальное изменение цвета было результатом того, что художники Укиё-э впервые смогли исследовать небо, горы и воду с помощью улучшенного синего цвета.
В 1822 году, когда Хокусаю было уже за 60, голландцы, прекрасно понимавшие, что Хокусай был новатором, дали ему большой заказ на серию картин, изображающих типичные сцены Японии. Он выполнил эти работы в своем гибридном японско-европейском стиле с новообретенным синим цветом.
Художественные работы Хокусая
Хотя в конце XVIII века пейзажные гравюры все еще не были столь прибыльными, как гравюры кубуки укиё-э, продажи увеличились в результате роста внутренних путешествий по Японии. Купцы, паломники и искатели удовольствий, посещавшие гору Фудзи, создали потребность в новом жанре сувениров в виде ксилографий с изображением японских гор. Работы Хокусая открыли новое окно в японские пейзажи и людей.
Автопортрет в возрасте восьмидесяти трех лет (1843), Кацусика Хокусай; общественное достояние, ссылка
Тридцать шесть видов горы Фудзи (ок. 1829-1832 гг.)
Под новым псевдонимом Иицу, Хокусай получил заказ на тридцать шесть видов горы Фудзи (ок. 1829-1832 гг.), первоначально для того, чтобы использовать новый цвет. Первые пять гравюр серии были напечатаны почти полностью в оттенках берлинской лазури, включая немного индиго. Все, включая контуры, которые обычно печатались черным цветом, было окрашено в синий.
Гора Фудзи — самая высокая точка на японском острове, хотя это не гора, а действующий вулкан. Долгое время она считалась божеством, ей было посвящено более 800 святилищ. Она также была местом религиозного паломничества. Считалось, что гора является источником бессмертия и местом пребывания богов.
Она олицетворяла стабильность и силу Японии, которая все еще была погружена в свою собственную культуру и сделала японские горы центральным объектом искусства.
Конверт для серии «36 видов горы Фудзи» Кацусики Хокусая, 1890 год; Кацусика, Хокусай, 1760-1849, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В идиллической серии блок-гравюр под названием «Тридцать шесть видов горы Фудзи» Хокусай почти со всех сторон потворствует своей одержимости этой священной достопримечательностью. На 36 пейзажах гора Фудзи показывается сквозь облака, над городом и на горизонте.
Все, что он узнал о стиле, цвете и перспективе за последние шесть десятилетий, Хокусай вложил в свои «Тридцать шесть видов на гору Фудзи».
Хокусая интересовала связь между деятельностью человека и горой. Он изображал людей в пейзаже, путешествующих, срывающих шляпы на ветру или обрабатывающих землю. В одной из сцен путешественники попадают в грозу. Вспышка молнии на заднем плане картины вызывает эффект стробоскопа в темном грозовом небе.
Гроза под вершиной (1830), Кацусика Хокусай, номер 32 из серии Тридцать шесть видов горы Фудзи ; Кацусика Хокусай, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Большая волна (1830)
| Название | Под волной у берегов Канагавы |
| Год | 1830 |
| Размер | 25 см x 37 см |
| Медиум | Ксилография |
1830 г. Хокусай начал создавать то, что станет его самым известным изображением, когда ему было уже более 70 лет. Картина «Большая волна у берегов Канагавы» (1830) на самом деле называется «Под волной у берегов Канагавы», хотя люди обычно называют ее «Большая волна». Цветная ксилография «Великая волна» была выпущена тиражом около 8000 оттисков. Благодаря демократической форме искусства укиё-э, массовое производство гравюр размером с плакат было недорогим и доступным.
Эта гравюра считается квинтэссенцией японского искусства, но она представляет собой гибрид японского и европейского стилей. Хокусай расположил картину так, что гора Фудзи, которая находится в центре композиции и является самой высокой точкой Японии, кажется карликовой по сравнению с огромной волной на переднем плане.
Использование Хокусаем нового в то время прусского синего цвета передает яркость моря с гармонией контрастов. Динамично движутся похожие на когти фигуры волны, которая занимает две трети изображения. Пена от «Большой волны» опускается на гору, как снег на вершину горы Фудзи, которая остается покрытой круглый год.
Большая волна у берегов Канагавы (1830-1832), Кацусика Хокусай; Кацусика Хокусай, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На картине «Большая волна» запечатлен момент, когда волна вот-вот обрушится на три хрупкие лодки, стоящие под ней. Три быстроходных лодки пытаются доставить улов живой рыбы из рыболовецкой флотилии на рынки Эдо.
В типичном стиле Хокусая он изображает героических рабочих людей и очеловечивает их через их столкновение с природой и неуверенность в том, что они доберутся до берега.
Его ранние попытки изобразить волны, такие как «Грузовая лодка, проходящая сквозь волны» (1805), на которой изображена большая волна, готовая вот-вот обрушиться на лодку, и другая картина «Весна в Эносиме» (1797), на которой изображена волна, разбивающаяся о берег, были довольно статичными по сравнению с этим. Его более ранние волны, появившиеся за несколько десятилетий до этого, не были эффективно зарегистрированы как вода.
ВВЕРХУ: Грузовая лодка, проходящая через волны (1805) Кацусика Хокусай; Кацусика Хокусай, Общественное достояние, через Wikimedia Commons | НИЖНИЙ: Весна в Эносиме (1797) Кацусика Хокусай; Кацусика Хокусай, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Канагава, которая находится к югу от Эдо, показывает расстояние до горы Фудзи, на котором виден намек на ужас. Несмотря на то, что Япония оставалась изолированной, страх перед морским вторжением был ощутимым. Остальной мир индустриализировался, и японцы были обеспокоены иностранными вторжениями. Океан, который на протяжении двух столетий защищал мирную изоляцию Японии, стал ее гибелью.
В картине Хокусая «Великая волна» воплощен страх Японии перед неопределенным будущим.
Красная Фудзи (ок. 1830 г.)
| Название | Красная Фудзи |
| Год | c. 1830 |
| Размер | 25,4 x 36,5 см |
| Медиум | Ксилография |
Картина «Прекрасный ветер, ясное утро» более известна как «Красная Фудзи» (1830). В первых впечатлениях Хокусая красный цвет довольно светлый, почти блеклый. Однако синий контур на краю горы показывает, что такая окраска не была случайной. Более нюансированный оттенок красного было труднее печатать по разным причинам, и издатели начали сокращать расходы, что привело к появлению яркого «Красного Фудзи».
Прекрасный ветер, ясное утро (Красная Фудзи) (ок. 1830) Кацусика Хокусай; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons
Оригинальный светло-красный цвет показывает качество света перед самым рассветом. Ярко-красный цвет в этой популярной гравюре восхваляется за монументальность и абстрактность. Но тонкость упускается. Треугольные деревья горного леса кажутся напечатанными из трех разных блоков. Они придают глубину благодаря различным оттенкам зеленого, в которых они были напечатаны.
Интересно, что самой важной гравюрой Хокусая в Японии является не «Большая волна», а «Красная Фудзи». Поскольку гора Фудзи является важной частью японской национальной идентичности, искусство японских гор было популярным. Японцы хотели видеть Фудзи не на расстоянии, а вблизи, во всей ее красе.
Современное искусство
8 июля 1853 года самоизоляции Японии пришел конец, когда вооруженные корабли без приглашения вошли в гавань Токио от имени правительства Соединенных Штатов, требуя, чтобы японцы начали торговать с ними. Японское искусство, которое развивалось независимо в течение более двух столетий, наконец-то было открыто остальному миру.
Одна из причин, по которой японское искусство стало первым незападным видом искусства, «открытым» Западом, заключается в том, что оно было отчасти западным. Изображения имели свою собственную эстетику, но западному зрителю они казались довольно знакомыми.
Французы увлеклись японскими гравюрами в 1800-х годах, и это увлечение японским искусством стало известно как японизм. Это произошло вскоре после смерти Хокусая в 1849 году. Одержимость произведениями Хокусая и других известных японских художников, таких как Китагава Утаморо, Утагава Хиросигэ и Утагава Куниёси, повлияла на европейское современное искусство.
Винсент Ван Гог создал картину «Звездная ночь» (1889), которая была сильно вдохновлена «Большой волной» Хокусая. В одном из писем Ван Гог писал: «Все мое искусство в той или иной степени находится под влиянием Японии». Моне — один из многих художников, которые выражали восхищение японским искусством. Моне владел 23 гравюрами японских художников. На картине Мане «Портрет Золя» (1867-1868) на заднем плане хорошо видна гравюра Утагавы Куниаки II «Борец сумо Омаруто Надаэмон из провинции Ава» (1860).
Портрет Эмиля Золя (1868) Эдуарда Мане; Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Японское влияние присутствует в картинах Поля Гогена «Волна» (1888), Клода Моне «Японка» (1876), Эдгара Дега «Мадам Камю» (1869-1870), Густава Клинта «Посмертный портрет Риа Мунк III» (1917-1918), Джеймса Эббота Макнилла Уистлера «Каприз в пурпуре и золоте: Золотой экран» (1864), «Женщина, принимающая ванну» Мэри Кассатт (1890-1891), «Зима» Альфонса Мухи (1896) и «Женщина в клетчатом платье» Пьера Боннара (1890-1891).
Хотя японские гравюры вдохновляли художников-модернистов, именно модернизм в конечном итоге положил конец японской ксилографии. Она продолжала существовать после того, как в Японию пришли западные методы печати, дожив примерно до 1905 года, когда ксилография окончательно уступила место новым средствам массовой информации, таким как литография и фотография.
Однако в 1910-х годах гравюры укиё-э были несколько возрождены как классическая форма искусства.
«Старик, помешанный на живописи»
В 1834 году Хокусай стал называть себя Гакё Родзин, что означает «старик, помешанный на живописи». В эти последние десятилетия Хокусай создал одни из своих лучших работ. Он начал работу над «Тридцатью шестью видами горы Фудзи» только в возрасте 70 лет. Как он сам сказал: «До 70 лет ничто из того, что я рисовал, не заслуживало внимания. В 73 года я был не в состоянии понять рост растений, деревьев и строение птиц, животных, насекомых и рыб».
Голова старика (начало 1840-х годов), Кацусика Хокусай; общественное достояние, ссылка
Хокусай переехал в Обусе, когда ему было 83 года, и его эксцентричность усилилась. Он работал с рассвета до заката, посвятив свою жизнь искусству. Он начинал свой день с экзорцизма, для чего рисовал китайского льва на листе бумаги, а затем выбрасывал его в окно, чтобы отогнать злых духов. Он перестал убираться и позволял своей студии зарастать грязью и беспорядком, а когда это становилось невыносимым, он просто переезжал, что, как говорят, он делал 93 раза.
Количество картин, набросков и гравюр Хокусая превышает десятки тысяч.
В 88 лет он начал уделять особое внимание живописи, подписывая свои работы иероглифом 100 и красной печатью как талисманом бессмертной жизни. Он был убежден, что доживет до 110 лет, которые он считал своим творческим расцветом. Он писал: «Если небеса дадут мне еще пять лет жизни, тогда я стану настоящим художником».
Дракон, летящий над горой Фудзи (1849), Кацусика Хокусай; Кацусика Хокусай, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Последняя из картин Хокусая, «Дракон, летящий над горой Фудзи» (1849), стала его настоящей вершиной. Хотя он рисовал драконов на протяжении десятилетий, в свои 90 лет он, наконец, кажется, достиг успеха. Это изображение синтезировало уроки его долгой карьеры. Используя тон бумаги в качестве бликов, он не оставил себе места для ошибок. Его упрощенная гора Фудзи установлена дрейфующим драконом, возносящимся в небеса. Это похоже на автопортрет. Как будто он окончательно прощается со зрителем.
В надписи Хокусай написал: «…Я родился в год дракона, я пишу это в день дракона в свой 90-й год». Биография Кацусики Хокусая закончится в том же году, что доказывает, что он продолжал экспериментировать и творить до самой смерти. На его надгробии был написан его последний псевдоним Гакё Рёдзин, «Старик, помешанный на живописи».
Часто задаваемые вопросы
Сколько гравюр содержится в «Тридцати шести видах на гору Фудзи»?
Это вопрос с подвохом, поскольку серия была настолько популярна, что Хокусай в итоге создал еще 10 картин, так что всего их 46. Кроме того, серия «Тридцать шесть видов горы Фудзи» была настолько успешной, что на ее основе было заказано «100 видов горы Фудзи».
Был ли Хокусай также артистом?
Да. Он был известен тем, что поражал зрителей уличными представлениями, во время которых рисовал огромные картины, простирающиеся на сотни футов, используя ведра с тушью и метлу. Он также развлекал королевский двор сёгуна Токугавы, когда нарисовал большую синюю кривую, а затем обмакнул куриные лапки в красный пигмент и прогнал их по холсту.
Работал ли Хокусай в одиночку?
Нет. Художники только разрабатывали первоначальное изображение и не участвовали в процессе печати. Сначала издатель заказывал работу, затем художник, затем резчик блоков и печатник. Учитывая тот факт, что у него также были последователи, ученики и студенты, Хокусай, скорее всего, работал с преданной командой квалифицированных мастеров.
Создавал ли Хокусай эротику?
Да. На одной из самых известных гравюр Хокусая изображена женщина, занимающаяся сексом с осьминогом.
Можно ли определить количество использованных блоков, глядя на гравюру Хокусая?
Это может быть сложно, но обычно, если вы можете различить количество цветов, то это говорит о том, сколько блоков было использовано. Печатники часто рисковали использовать один и тот же блок, если не было вероятности смешения двух цветов. Они также использовали градацию и наслоение, что может затруднить определение количества использованных блоков.
