Караваджо - знакомство с жизнью одного из лучших итальянских художников эпохи барокко

Содержание

Микеланджело Меризи да Караваджо считается одним из самых значительных и революционных художников итальянского барокко своей эпохи. Картины Караваджо порвали с условностями, которые привели к появлению поколения художников, прославлявших как индивидуальный, так и духовный опыт. Произведения Караваджо широко известны благодаря невероятному проявлению таких живописных техник, как тенебризм и кьяроскуро.

Оглавление

Творчество и жизнь Караваджо

Микеланджело Меризи да Караваджо переехал в Рим, где он стал известен благодаря своей технике тенебризма, которая использовала темноту для подчеркивания светлых участков. Караваджо был первым из итальянских художников эпохи барокко, кто принял кьяроскуро как выдающуюся эстетическую характеристику, усиливая тени и используя четко очерченные лучи света для подчеркивания и усиления сюжетной линии картины. Этот подход стал заметным в его поздних работах, и с тех пор его связывают с его более зрелыми образами.

Национальность	Итальянец
Дата рождения	29 сентября 1571 года
Дата смерти	18 июля 1610 года
Место рождения	Караваджо, Ломбардия

Детство

Биографические материалы Караваджо скудны, а то, что имеется, было собрано из судебных и провинциальных записей, а также других сохранившихся источников. Семья Караваджо имела аристократические связи, несмотря на свой низкий социально-экономический статус. Тетя Караваджо была кормилицей потомства аристократов Сфорца и родственников династии Сфорца.

В августе 1576 года, когда Караваджо было около пяти лет, Милан охватила эпидемия бубонной чумы. Несмотря на то, что семья Караваджо сбежала на холмы, многие из его родственников умерли от чумы к октябрю 1577 года. Караваджо переехал на постоянное место жительства в Милан, где он зарабатывал на жизнь портретной живописью, когда семейное поместье было разделено и продано между другими детьми.

Раннее обучение и творчество

Вполне вероятно, что Караваджо начал свой творческий путь со знакомства с художниками эпохи Возрождения. Моретто, Савольдо, Лотто, Пальма Векки, Джорджоне, Тициан и Леонардо да Винчи — все они оказали влияние на творчество Караваджо. Караваджо определенно имел классическое образование и был знаком со значительными книгами того времени. Караваджо наверняка читал слова Вазари и черпал из них вдохновение и мотивацию для некоторых своих работ. Милан конца XVI века был пугающим, жестоким городом, что делало его идеальным местом для искушения и провокации молодого, лишенного корней, поврежденного и, возможно, вспыльчивого художника.

После участия в убийстве художник отправился в Рим примерно в 1592 году, где он оставался примерно до 1606 года.

Здесь Караваджо в течение нескольких месяцев служил подмастерьем у художника Джузеппе Чезари, известного фрескиста. Работая у Чезари, Караваджо в основном создавал фоновые фрукты и цветы; благодаря этой практике он приобрел внимательность к деталям и понимание тонкостей натюрморта, что можно увидеть в тщательном изображении фруктов и растительности в его более поздних работах.

После ученичества у Чезари Караваджо встретил своего последующего сторонника, кардинала Франческо Марию дель Монте. Дель Монте предоставил Караваджо кров, пропитание и творческую работу, а также связал его с группами коллекционеров живописи. Других престижных римских покупателей живописи, таких как маркес Винченцо Джустиниани, привлекали темы первых работ Караваджо, такие как музыкальные праздники, натюрморты и соблазнительные образы молодых людей, например, Amor Vincit Omnia (1602), изображающая обнаженного купидона на фоне икон битвы, научных знаний, музыки и литературных произведений.

Эти религиозные и светские композиции обеспечили ему значительное римское спонсорство и принесли ему творческое признание.

Amor Vincit Omnia («Купидон как победитель», 1602), Караваджо; Караваджо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Зрелый период

Кардинал дель Монте помог ему получить свой первый значительный официальный проект — украшение капеллы Контарелли в 1599 году. Вскоре последовало второе задание — украсить боковые стены капеллы Черази в Санта-Мария-дель-Пополо. С этих работ художник начал драматическое переосмысление небесных фигур, которое стало определяющим в его карьере.

Караваджо очеловечил небесные фигуры, изобразив их в виде простых людей.

Караваджо использовал эту технику для критики и разрушения безупречных, идеалистических образов эпохи итальянского Возрождения, а также римского классического стиля. Юдифь, обезглавливающая Олоферна (ок. 1602) и Смерть девы (1606) — два примера этого стиля.

Юдифь, обезглавливающая Олоферна (ок. 1602), Караваджо; Caravaggio, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Последняя картина оказала большое влияние на других художников, в частности на Артемизию Джентилески, которая написала несколько картин на ту же тему. Натурализм религиозных работ Караваджо, а также контраст святых существ с современными интерьерами 17 века, привел в ярость некоторых критиков. Многие из работ Караваджо были отклонены подрядными организациями из-за профанного или аморального изображения.

Смерть девы (1606) Караваджо; Караваджо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Пребывание Караваджо в Риме завершилось трагически. Судебные протоколы показывают, что Караваджо был вовлечен в целый ряд все более жестоких стычек и несчастных случаев, и что его часто укрывали от наказания свидетели, которые не решались рассказать об участии художника, опасаясь последствий со стороны влиятельных и уважаемых клиентов художника. В 1604 году Караваджо вступил в конфронтацию с официантом из-за заказанных им артишоков, в ходе которой художник в одном из наиболее ярких случаев ударил жертву тарелкой по лицу.

Ярость Караваджо, юридические проблемы и агрессивное поведение достигли пика 28 мая 1606 года, когда он убил своего старого компаньона Рануччо Томассони, предположительно в ходе ссоры.

Караваджо покинул Рим до предъявления ему официального обвинения в убийстве; он был приговорен к вечному изгнанию из города, осужден как убийца и приговорен к смертной казни, которая позволяла любому представителю папской власти получить денежное вознаграждение за его убийство.

Меловой портрет Караваджо (ок. 1621 г.) работы Оттавио Леони; Оттавио Леони, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Поздний период

После этого художник пробыл девять месяцев в Неаполе, начиная с сентября 1606 года. В это время Караваджо начал работать с красками, черпая вдохновение у венецианских художников, таких как Тициан. Примерно в 1607 году Караваджо переехал на Мальту, и, скорее всего, безопасный выезд ему обеспечил Фабрицио Сфорца Колонна, сын его опекуна Костанцо Колонна. За время пребывания на Мальте Караваджо добился огромного успеха и дурной славы, а 14 июля 1608 года он был посвящен в рыцари Мальтийского ордена.

Его картины этого времени примечательны тем, что он начал творить все более быстрыми мазками и все шире использовал красновато-коричневые тона.

Крупный план детали картины Караваджо «Мадонна Розария» (1607), иллюстрирующей использование его фирменной цветовой палитры; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Картина Томаса Гейнсборо "Голубой мальчик" - углубленный анализ

Через месяц после получения титула Караваджо был вовлечен в жестокую ссору со смертельным исходом в квартире органиста Конвентуальной церкви Святого Иоанна. Уголовное заключение Караваджо, побег из тюрьмы и отъезд в Сиракузы осенью 1608 года стали следствием этих потрясений. 1 декабря 1608 года рыцари Мальты отменили награды художника в его отсутствие.

Караваджо переехал из Сиракуз в Палермо, а затем вернулся в Неаполь в 1609 году. В Неаполе вооруженные бандиты по невыясненным причинам порезали лицо художника, в результате чего Караваджо получил почти смертельные травмы.

После этого случая он находился на излечении во дворце Констанцы Колонна до июля 1610 года. Узнав, что один из его знаменитых благодетелей добился для него папской амнистии, Караваджо попытался вернуться в Рим. По прибытии в Пало его поймали и посадили в камеру на два дня. Караваджо умер от лихорадки, возможно, малярии, вскоре после освобождения, 18 июля 1610 года.

Наследие

Караваджо называют либо образцом позднего маньеризма, либо предтечей эпохи барокко. Караваджо оказал значительное творческое влияние как в свое время, так и сейчас, несмотря на то, что ему определенно приписывают только двадцать одно произведение. Другие римские художники начали копировать его характерную технику к 1605 году, а вскоре после этого художники за пределами Италии, включая Рембрандта и Диего Веласкеса, использовали драматические световые эффекты Караваджо в своих собственных, знаковых работах.

Стиль Караваджо сразу же привлек преданных поклонников, известных как «караваджисты», которые наполняли свои творения атрибутами Караваджо.

Подпись Микеланджело Меризи да Караваджо; Michelangelo Merisi, Public domain, via Wikimedia Commons

Картины Караваджо оказали влияние на известных поэтов того времени, таких как кавалер Джамбаттиста Марино. Несмотря на похвалу при жизни и вскоре после нее, наследие Караваджо было практически забыто к XVIII веку, за исключением скромного внимания со стороны художников-неоклассиков, таких как Жак-Луи Давид. Современное увлечение этим художником отчасти объясняется работой Роберто Лонги, чья миланская выставка 1951 года и монография 1952 года о Караваджо вновь представили и укрепили нынешнюю известность художника.

Театральные черты работ Караваджо, а также его кинематографическое освещение позволяют легко перенести их на кинопленку, и такие режиссеры, как Мартин Скорсезе и Дэвид ЛаШапель, упоминали его как источник вдохновения в своей работе.

Они впитали в себя силу и прямоту фотографий Караваджо, используя его изображения несовершенных тел и его способность плести историю с точки зрения кульминации, чтобы вовлечь зрителей в свои собственные средства повествования. Караваджо сегодня считается одним из великих мастеров, который наиболее явно «современен». Помимо композиционных достижений, наследие Караваджо также связано с якобы педерастическим содержанием его работ, которое рассматривается как символ его собственной вероятной гомосексуальности.

Христос у колонны (ок. 1607) Караваджо; Караваджо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Изображение андрогинных, чувственных, частично одетых или обнаженных молодых людей Караваджо через призму гомосексуального желания является спорной темой в исследованиях Караваджо. Некоторые авторы, такие как Грэм Л. Хэммилл и Дональд Познер, прямо заявляют, что подобные работы отражают гей-чувственность и соблазнение.

Другие ученые, такие как Дэвид Карриер, утверждают, что современные интерпретации гомоэротической субстанции творца идиосинкразически приписывают ее 16 и 17 векам, а также правилам и представлениям 20 века о педерастии и визуальной интерпретации.

Картины Микеланджело Меризи да Караваджо

Популярные изображения религиозных людей Караваджо были новаторскими, изображая фигуры из Священного Писания в неидеализированной манере, включая свидетельства старения и нищеты, а также использование современных нарядов. Это помогло демистифицировать священное и сделать его более доступным для широких слоев населения. Таким образом, искусство Караваджо воплощало своего рода религиозный эгалитаризм.

Автопортрет в образе больного Вакха (1594)

Дата завершения	1594
Средство	Масло на холсте
Размеры	67 см x 53 см
Текущее местонахождение	Галерея Боргезе, Рим

Портрет Караваджо, скорее всего, был написан под руководством художника-фрески Джузеппе Чезари, и искусно выполненные компоненты натюрморта отражают влияние Чезари. Неудобное положение фигуры, как будто повернутой для обеспечения лучшего обзора зеркальной поверхности, подтверждается тем, что историк Караваджо XVII века Джованни Бальоне определил эту картину как один из множества ранних автопортретов художника, созданных с помощью выпуклого зеркала.

Больной Вакх» — название, казалось бы, подходящее для цвета лица и темных, запавших глаз, — приписывается историку искусства Роберто Лонги, который утверждает, что художник создал его после выписки из больницы, получив ужасные раны после того, как его лягнула лошадь.

Автопортрет больного Вакха (1594), Караваджо; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Зеленоватый оттенок изображения также можно объяснить ночной обстановкой, которая подходила бы для вакханалии, которая должна была произойти. Вакх был подходящим альтер-эго для Караваджо, поскольку он был богом вина, театра и ритуальных демонстраций экстаза, а также вдохновения и разрушения. Картина, с другой стороны, контрастирует с типичными изображениями Вакха, которые показывают его в разгар дикого веселья, часто на фоне прекрасного окружения.

Картина следует традициям многих ранних работ Караваджо, показывая легендарную фигуру в минималистском интерьере.

Кроме того, цвет лица и пассивная позиция художника подразумевают последствия чрезмерного потребления, а не бога в расцвете сил, празднующего преимущества вина и пиршества. Листья плюща вокруг головы художника начали увядать, несколько фруктов в его руках уменьшились, а два сочных абрикоса на переднем плане картины начали портиться.

Мальчик, укушенный ящерицей (ок. 1594)

Дата завершения	c. 1594
Средство	Масло на холсте
Размеры	65 см x 52 см
Текущее местонахождение	Национальная галерея, Лондон

Мальчик вздрагивает от боли и удивления после того, как потянулся за одним из фруктов на столе, но был атакован ящерицей, спрятавшейся среди кучи вишен. Это пример неопрятного, курчавоволосого подростка, который заполнил многие из ранних светских картин Караваджо. Несмотря на то, что Караваджо осуждал классическую скульптуру, эмоции мальчика могут быть основаны на выражении ужаса, обнаруженном в памятнике «Лаокоон и его сыновья», а рептилия напоминает рептилию, изображенную на древнеримской статуе «Ящер Аполлона», которая должна была находиться в Риме во времена Караваджо.

Караваджо демонстрирует свою способность изображать движение света над и через многие материалы на столе.

Мальчик, укушенный ящерицей (ок. 1594), Караваджо; Караваджо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Искусство гравюры на дереве - изучение искусства рельефной печати

Юноша находится в безвременной комнате с пустыми стенами, акцентированными только резким диагональным источником света, выходящим из верхнего левого угла и за пределы рамы картины, что соответствует более широкому стилю Караваджо. Это подчеркивает обнаженное правое плечо мальчика, приподнятое, когда он вздрагивает от удара; его нахмуренный лоб и губы раскрываются в придыхании, усиливая эмоциональную экспрессию произведения.

Потрясающая сексуальная подоплека произведения является одной из его наиболее примечательных особенностей.

В эпоху Караваджо укушенные пальцы были символом поврежденного фаллоса, а использование художником жасмина, классического символа сексуального желания, наряду с рептилией, томящейся под свежими фруктами, которые являются символами соблазна, подразумевает, что картина изображает опасности, связанные с роскошью сексуальных аппетитов.

Музыканты (1595)

Дата завершения	1595
Средство	Масло на холсте
Размеры	92 см x 118 см
Текущее местонахождение	Музей искусств Метрополитен

Эта картина представляет собой «концерт» — венецианский живописный жанр, представленный более ранним шедевром Тициана «Пасторальный концерт» 1510 года, в котором художники чествовали исполнение музыки. Эта картина бросает вызов классическим объяснениям поджанра в нескольких отношениях: она изображает скорее репетицию, чем живое выступление, а включение традиционных одежд музыкантов и купидона в левой верхней части изображения предполагает символическое намерение соединить музыку, романтику и спиртное (символизируемое фруктами в пальцах купидона).

Толпа людей на картине, похоже, была набросана по отдельности, а затем включена в композицию.

Музыканты (1595), Караваджо; Caravaggio, CC0, via Wikimedia Commons

Центральным музыкантом является соратник Караваджо Марио Миннити, а другой человек, обращенный к зрителю, возможно, является автопортретом. Музыканты исполняют мадригалы, а лютнист в центре зациклен на музыке, его туманные глаза и мечтательный взгляд наводят на мысль о меланхолии и безответной любви.

На присутствие еще одного музыканта указывает скрипка на переднем плане.

Кардинал дель Монте, покровитель Караваджо и человек, заказавший это произведение, был музыкантом, который воспитывал музыкантов и поощрял музыкальное творчество. Зона «Музыканты» может напоминать о музыкальной атмосфере, царившей в доме дель Монте.

Медуза (1598)

Дата завершения	1598
Средство	Масло на холсте
Размеры	60 см x 55 см
Текущее местонахождение	Флоренция, Уффици

На этой картине изображена Медуза, чудовище Горгона из греческой мифологии, чьи волосы состояли из змей, а взгляд превращал зрителей в камень. В конце концов Медуза была уничтожена героем Персеем, который обезглавил ее, используя зеркало своего щита в качестве направляющей. Караваджо изобразил Медузу, испускающую последний вздох, вскоре после ее обезглавливания.

Картина необычно написана на круглом холсте, натянутом на выпуклый деревянный фон. Он создан по образцу щита Персея, и на его полированной поверхности изображены предсмертные мгновения Медузы.

Медуза (1598), Караваджо; Караваджо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Это также относится к практике рисования Медузы на щитах перед боем в знак триумфа над превосходящими силами. Предполагается, что Караваджо использовал себя в качестве источника для этой работы, и Медуза, как автопортрет, является прекрасной иллюстрацией игры художника с сексуальностью и андрогинностью. Караваджо использовал настоящих змей, обычных водяных змей, обитающих в реке Тибр, для изображения извивающихся гадюк Медузы, что соответствовало его стремлению запечатлеть мир таким, каким он выглядит, и рисовать с натуры. Зелень листьев и заднего плана резко контрастирует с алой кровью отрубленной головы, подчеркивая жестокий и вязкий характер изображения.

Картина была отправлена в подарок спонсором создателя Фердинанду I Медичи, великому герцогу Тосканы, и была благосклонно принята семьей Медичи, которая выставила ее на видном месте.

Призвание Святого Матфея (1600)

Дата завершения	1600
Средство	Масло на холсте
Размеры	60 см x 55 см
Текущее местонахождение	Сан Луиджи дей Франчези, Рим

Первой значительной общественной работой Караваджо была роспись боковой стены капеллы Контарелли в римском соборе Сан Луиджи деи Франчези. К ней прилагаются две картины-компаньона, представляющие различные происшествия из жизни святого Матфея, одна из которых — «Мученичество святого Матфея». Караваджо представляет сцену из Евангелия от Матфея, в которой Христос, вместе со святым Петром, приглашает мытаря Матфея стать последователем Христа.

Личность Матфея была определена по-разному. Большинство интерпретаций относят Матфея к бородатому ключевому персонажу, чье движение — рука с вытянутым пальцем, жестикулирующая в сторону его груди, — кажется, спрашивает «кто, я?». Другие предполагают, что Матфей — это молодой человек с опущенной головой на дальнем конце стола, что может быть намеренной двусмысленностью. Этому произведению также придали политический подтекст.

Грэм-Диксон видит в запоздалом пробуждении Святого Матфея от «божественного сна приходом Христа» ссылку на преображение французского короля, завершенное около 1600 года, в год женитьбы французского монарха Генриха IV на Марии Медичи.

Призвание святого Матфея (1600), Караваджо; Караваджо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Эта картина демонстрирует две стилистические особенности художника: изображение святых людей в облике современных римлян и характерное использование света. Люди за столом одеты как представители среднего класса начала XVII века, а Иисус и Святой Петр одеты более скромно и босиком; черты лица натуралистичны и неидеальны.

Единственным иконографическим намеком на священный фон сцены является тонкий, укороченный золотой нимб над головой Христа, который частично скрыт диагональным лучом ослепительного света.

Из-за этих особенностей критики были возмущены произведением и обвинили художника в святотатстве. Хотя Караваджо включил в картину открытое окно на видном месте, оно не дает света; скорее, сияние исходит за пределы рамы картины и подразумевается как неземной спутник небесного присутствия Христа и Святого Петра.

Караваджо использовал этот драматический источник света, чтобы включить помещение часовни в атмосферу картины. Хотя его источник не виден на картине, правый верхний источник света был предназначен для связи с естественным освещением часовни и являлся продолжением света, выходящего из стекла, расположенного непосредственно над алтарем церкви. В результате художник установил соответствие между сценарием призыва Матфея и церковью, в которой он происходит.

Как нарисовать леопарда - лучший самоучитель для реалистичного рисования леопарда

Погребение (ок. 1604)

Дата завершения	c. 1604
Средство	Масло на холсте
Размеры	300 см x 203 см
Текущее местонахождение	Ватикан

Картина «Погребение» была создана для ораторского собора Санта-Мария-ин-Валличелла в Риме. Скорбящие несут тело Христа к месту погребения, причем Иоанн Евангелист держит туловище Христа, а Никодим — ноги Христа. Расстроенная Мария из Клопаса, плачущая Мария Магдалина и склонившаяся Дева Мария сопровождают Христа к месту погребения.

Лица изображены с реализмом, раскрывающим их религиозную значимость, как и в предыдущих работах Караваджо, и это усиливается красными и коричневыми тонами изображения (характерными для палитры Караваджо того периода), которые помогают подчеркнуть земную нормальность участников.

На дизайн, вероятно, повлияла «Пьета» Микеланджело XV века в базилике Святого Петра, поскольку безжизненное тело Христа, опущенная рука, укороченные торс и голова отражают позу Христа, которая видна спереди статуи. Композиция картины построена по яркой диагонали, люди выстроены по капле от правого верхнего угла к левому нижнему.

Погребение (ок. 1604) Караваджо; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Каждая фигура изображает развитие чувства пропорционально своему месту в произведении. Вытянутые руки и широкие ладони Марии из Клопаса занимают вершину диагонали, выражая ее непосредственную эмоцию недоверия и страдания по поводу убийства Христа. Затем композиция спускается к рыдающей Марии Магдалине, ее лицо скрыто от глаз; склоненной голове Девы Марии; и Никодиму, труждающемуся под тяжестью Христа. Он поворачивается лицом к зрителям, как бы спрашивая: «Что дальше?».

На этот вопрос отвечает евангелист Иоанн, который концентрируется на самом Христе, чей лик безмятежности, спокойствия и неизбежности смерти завершает эмоциональную дугу картины.

Картину предполагалось повесить над алтарем, и каменная гробница в сцене имеет форму и кажется похожей на алтарь. В результате Караваджо растягивает сцену погребения в зону поклонения, а фронтальный источник света, находящийся далеко за плоскостью картины, кажется исходящим из самого алтаря — небесный свет воскресения, заряжающий энергией и дающий надежду сцене погребения, расположенной выше.

Усекновение главы святого Иоанна (1608)

Дата завершения	1608
Средство	Масло на холсте
Размеры	370 см x 520 см
Текущее местонахождение	Кафедральный собор Святого Иоанна, Валетта, Мальта

Этот алтарный образ для оратория Сан-Джованни Деколлато часто считается лучшей работой Караваджо. Пассаж Караваджо, подарок, который обычно преподносился при вступлении в Мальтийский орден рыцарей, считается одним из его величайших произведений. Эта картина примечательна тем, что это единственная подписанная работа Караваджо. Подпись художника «Fra Michael Angelo», центрированная подпись, обозначающая новый социальный ранг художника как Микеланджело, рыцаря Мальты, просачивается в кровь, текущую из черепа Джона.

Ученые интерпретируют кровавый след Караваджо как акт раскаяния, когда художник признает свою вину и признает свою роль в смерти своего компаньона, инцидент, который стал причиной его побега и изгнания из Рима.

Усекновение главы Святого Иоанна (1608), Караваджо; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Персонажи сгруппированы плотно, как и в других картинах его мальтийского времени, оставляя широкие полосы незанятого или менее заполненного пространства над центром действия и рядом с ним. В результате, несмотря на то, что художник наделяет каждого исполнителя отдельным чувством или реакцией, индивидуальность подчинена коллективному изображению кульминационного момента. Старуха — единственная фигура на фотографии, которая выражает значительную эмоцию. Тенебризм художника отбрасывает большую часть ее лица в тень, но Караваджо подчеркивает ее руки, которые в страхе хватаются за голову.

Пожилая женщина — эмоциональный аналог мирного, ушедшего святого Иоанна и, по косвенным признакам, спокойствия актов свидетельства, характерных для остальных персонажей.

Часто задаваемые вопросы

Чем были знамениты картины Караваджо?

Караваджо поразил своих современников тем, что представил мучеников и героинь христианства с телами и лицами своих соратников и любовников. Он выразил свои личные желания и духовные трудности в такой степени, в какой никто никогда не считал возможным. Он был хорошо известен благодаря использованию таких техник, как тенебризм и кьяроскуро.

Какое искусство создал Караваджо?

Он создавал как духовное, так и светское искусство. Караваджо был первым из итальянских художников эпохи барокко, кто принял кьяроскуро как выдающуюся эстетическую характеристику, усиливая тени и используя четко очерченные валы света для интенсивности и усиления сюжетной линии картины. Эта техника стала более распространенной в его поздних работах, и с тех пор ее связывают с его более зрелыми образами.

Караваджо — знакомство с жизнью одного из лучших итальянских художников эпохи барокко