Картины Альбрехта Дюрера считаются одними из лучших произведений искусства эпохи Северного Возрождения в Германии. Работы Альбрехта Дюрера демонстрируют его многосторонние способности: он умело гравировал, писал акварелью, маслом, а также создавал рисунки тушью. Самой известной работой Альбрехта Дюрера является «Молящиеся руки», но есть много других его работ, которые стоит изучить и оценить.
Оглавление
Введение в Альбрехта Дюрера
Можно с уверенностью утверждать, что печать в том виде, в котором мы знаем ее в истории искусства и в современном искусстве, не существовала бы, если бы не Альбрехт Дюрер. Несмотря на то, что он жил почти 500 лет назад, он до сих пор признан одним из самых известных и влиятельных печатников в истории искусства, особенно за то, что ввел в сферу изобразительного искусства ксилографию большого тиража. Популярность Альбрехта Дюрера была основана в основном на его гравюрах и визуальной эстетике, но его денежная поддержка была гарантирована контрактами на написание картин на теологические темы и портретов, и эти работы до сих пор высоко ценятся за их рисовальное мастерство и применение цвета.
Он был и остается величайшим художником Северного Возрождения, эффективно сочетая широко развитую северную манеру с ценностями итальянского Возрождения — равновесием, единством и величием.
Гравюра 1818 года с автопортрета Альбрехта Дюрера, 1500 год; Карл Георг Энслен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
До начала XVI века итальянское искусство эпохи Возрождения (сосредоточенное на пропорциональности, перспективах и изображении человека в его окружении) было почти полностью отделено от искусства средних веков в Северной Европе, которое было сосредоточено на натуралистических интерпретациях. Работы Альбрехта Дюрера объединили эти два способа художественного выражения и стали первыми неитальянскими произведениями искусства, включающими современные философские, научные и религиозные концепции.
Знаменитые картины и гравюры Альбрехта Дюрера
Несмотря на свои явные ренессансные интересы в области гуманизма и арифметики, Дюрер продолжал создавать невероятно полные исследования природной среды, особенно фауны — как недавно появившейся в Европе, например, носорога, так и широко распространенных местных животных, например, кролика Альбрехта Дюрера, известного под названием «Молодой заяц». Дюрер остро осознавал собственную творческую гениальность, которая одновременно мучила и восхищала его. Автопортреты Дюрера были печально известны своим самовосхвалением, и он часто выступал в качестве фигуры в своих нарисованных заказах.
Он был одним из первых знаменитых художников, имевших подражателей, поклонников и последователей, в парадигме, которая сохранилась до наших дней.
Четыре всадника Апокалипсиса (1498)
| Дата завершения | 1498 |
| Средство | Гравюра на дереве |
| Размеры | 39 см x 28 см |
| В настоящее время находится | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Четыре апокалиптических всадника, предсказанные в Ветхом Завете, изображены на этой картине. Чума, Война, Голод и Смерть скачут на своих конях и наступают на собрание незадачливых людей. Ангел наблюдает за пейзажем, обрамленным величественными облаками и лучами света. Три всадника узнаются в Писании прежде всего по цвету их коней.
Дюрер, вынужденный работать в полутонах из-за ограничений техники гравюры на дереве, четко изобразил их оружие — трезубец, меч, весы и лук — как определяющие черты. Смерть также идентифицируется как старая изможденная фигура с бородой, скачущая на истощенном жеребце.
Эти четыре человека скачут галопом недалеко друг от друга, но их расположение несколько перекрывает друг друга, что указывает на последовательность их представления в тексте.
Четыре всадника Апокалипсиса (между ок. 1496 и ок. 1498 гг.) Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В качестве последнего персонажа, выходящего на сцену, Смерть несет с собой Аида, изображенного в виде широкомордого существа, проглатывающего человека в воротнике и шляпе священника. Священники и дворяне, как и большинство населения, уничтожены Апокалипсисом. Их современное одеяние позволяет наблюдателю XVI века легко представить себе их собственные грядущие страдания. Покрыв практически всю панель тщательной проработкой деталей, Дюрер великолепно передает ужас и суматоху последних времен. Диагональный рисунок мотоциклистов, расположенный поверх тонких горизонтальных линий, составляющих черный фон, придает изображению ощущение движения вперед.
Эта работа, как и другие, входящие в эту серию, демонстрирует непревзойденное мастерство художника создавать в грубой и громоздкой гравюре на дереве такую же изысканную текучесть и интенсивность эмоций, как и в живописи.
Автопортрет в отороченном мехом халате (1500)
| Дата завершения | 1500 |
| Средство | Смешанные материалы на панели |
| Размеры | 67 см x 48 см |
| В настоящее время находится | Альте Пинакотека, Мюнхен |
Автопортрет Дюрера в образе Христа может показаться кощунством, но гораздо более вероятно, что это декларация преданности в сочетании с убежденностью в способности художника как творца. На нем изображен Альбрехт Дюрер — творец, его дары дарованы Небесным отцом. Художник обращен прямо к зрителям и находится на простом фоне. Его правая рука поднята к сердцу, два пальца разведены в стороны, как бы в жесте благословения. Его волнистые волосы ниспадают на плечи, а справа от него четко виден знак отличия.
Слева от него — латинский текст: «Так я, Альбрехт Дюрер из Нюрнберга, изобразил себя с неизменными оттенками в 28 лет».
Автопортрет (1500) Альбрехта Дюрера; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Традиция портретной живописи эпохи Возрождения заключалась в изображении объекта в перспективе в три четверти, обычно на фоне натуралистического окружения. Дюрер обращается к средневековым набожным картинам, в частности к религиозным изображениям Христа Пантократора, используя фронтальный аспект и темный общий фон. На этой картине художник определенно представляет себя в роли Христа, с его благословляющим движением, длинными темно-каштановыми волосами (на самом деле Дюрер был темноватым блондином) и идеалистическими характеристиками.
Учитывая апокалиптический год произведения, оно могло бы рассматриваться как мощное представление личности создателя как горячо верующего человека.
Молодой заяц (1502)
| Дата завершения | 1502 |
| Средство | Акварель и гуашь на бумаге |
| Размеры | 25 см x 23 см |
| В настоящее время находится | Альбертина, Вена |
Удивительная глубина и внимание в этом исследовании маленького дикого существа является предтечей тщательных научных изображений, которые оно вдохновило, и продолжает оставаться исключительно точным и сочувственным изображением одного из самых вездесущих видов природы. На картине изображен заяц в перспективе в три четверти, задние лапы которого подогнуты под тело, а передние слегка вытянуты вперед.
Несмотря на то, что картина Альберта Дюрера с изображением зайца обычно называется «Молодой заяц», это существо, вполне возможно, является полностью взрослым диким зайцем. Природные картины Дюрера отличаются вниманием к деталям. С другой стороны, «Молодой заяц» — это не просто научное исследование существа.
Сопоставление темы и ее изображения создает драматизм, присущий этому произведению: заяц — типично гиперактивное животное, убегающее при слишком близком рассмотрении.
Молодой заяц (1502), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Заяц был пойман художником в короткий момент спокойствия. Крошечный наклон его уха и пристальное внимание к зрителю, с другой стороны, показывают, что это существо наблюдало за нами. Его задние лапы согнуты и готовы к прыжку. Неясно, нарисовал ли он зайца в пустыне и закончил картину с умершим образцом, или же держал живого зайца в своей мастерской. Левый глаз кажется зеркальным отражением окна.
Это было истолковано как намек на то, что Дюрер сохранил и нарисовал зайца внутри.
Помещение перекладины на зрачке глаза — частая характеристика произведений Альбрехта Дюрера, и это может быть просто практическим средством создания живости глаза. Это также может быть свидетельством большого внимания Дюрера к деталям, поскольку он запечатлел отражение стекла своей мастерской в зрачке своего объекта.
Адам и Ева (грехопадение человека) (1504)
| Дата завершения | 1504 |
| Средство | Гравюра |
| Размеры | 24 см x 19 см |
| В настоящее время находится | Музей искусств, Бостон |
Изображение Дюрером «нисхождения», того момента в христианской доктрине, когда два первых человека, Адам и Ева, бросили вызов Богу и начали вкушать от Древа познания, отличается сильным представлением человечества и земли. Эта гравюра была создана вскоре после того, как молодой Дюрер вернулся из Италии, и отражает скорее его личное увлечение эпохой Возрождения, а также патриотизм по отношению к собственной стране, нежели сказку из «Истоков».
Персонажи этой картины смоделированы на основе традиционной наготы, а также идеализированных физических пропорций и поз, представленных греко-римскими художниками и строителями того времени.
Адам и Ева (1504), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Дикая растительность позади пары напоминает немецкие леса, с которыми художник был знаком, и поэтому он фактически вписывает итальянских особей в местное окружение. Каждое животное, за исключением змеи, которая, согласно Писанию, на самом деле является Сатаной, имеет свое собственное значение. Три из четырех гуморов представлены зайцем, кошкой, лосем и быком.
Согласно древнеримским и древнегреческим врачам и интеллектуалам, каждый человек имеет четыре различные физиологические жидкости, и избыток или недостаток любого из этих «гуморов» напрямую связан с характером и состоянием.
Праздник Розария (1506)
| Дата завершения | 1506 |
| Средство | Масло на панели |
| Размеры | 161 см x 192 см |
| В настоящее время находится | Национальная галерея, Прага |
Путешествие Дюрера в Венецию в 1506 году привело к созданию одного из его самых заметных масштабных полотен — «Праздник Розария». На ней изображена Дева Мария в сопровождении роя мужских персонажей и путти. Два ангельских существа украшают Марию цветочной гирляндой, а она держит на коленях младенца Христа.
Эта картина является одним из наиболее ярких результатов художественного обмена, который происходил между Венецией XVI века и творческими центрами к северу от Альп.
В этой картине Дюрер использовал уникальные венецианские цвета, включая большое количество лазурита. К северу от Альп лазурита было гораздо больше, и Дюрер никогда не использовал лазурит ни в одной из своих нюрнбергских картин. Он эффективно преодолевает разрыв между итальянским и северным стилями живописи, смешивая материалы, методы и визуальные компоненты как итальянской, так и северной школ искусства, объединяя венецианскую привязанность к свету и цвету с немецкими традициями священного алтарного образа.
Праздник Розария (1506), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Включение венецианских черт в произведение немецкого производства приобретает актуальность, поскольку позволяет заказчикам продемонстрировать свою преданность городу Венеции и одновременно проявить свой национализм. Несомненно, сыграло свою роль желание Дюрера превзойти своих венецианских коллег, переняв их технику, способности и черты и возведя их в более высокую степень.
Будучи известным художником у себя на родине, но не имея такой же репутации в Италии, он прилагал все усилия, чтобы продемонстрировать свою значимость на итальянском рынке.
Молящиеся руки (1508)
| Дата завершения | 1508 |
| Средство | Тушь и карандаш на бумаге |
| Размеры | 29 см x 19 см |
| В настоящее время находится | Исторический музей Кунста, Вена |
Картина Альбрехта Дюрера «Молящиеся руки», пожалуй, одна из самых перепечатываемых фотографий в мире, и она остается универсальной эмблемой набожности и христианства вплоть до наших дней. Эта фотография присутствует на религиозных книгах, футболках, рукоделии и даже на могиле Энди Уорхола, благодаря возможностям печати, которые Дюрер не мог себе представить, когда создавал этот рисунок более 500 лет назад.
Этот эскиз был создан тушью и карандашом на голубой бумаге, изготовленной художником, и не был задуман как самостоятельное произведение, а скорее как подготовительный проект для алтарного образа, заказанного в 1507 году Якобом Хеллером.
Молящиеся руки (1508), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В 1930-х годах возник миф о руках на этом изображении, в котором говорилось, что это руки брата создателя, обветренные от тяжелого труда и сохранившиеся на этом изображении. Тем не менее, гораздо более вероятно, что художник взял за основу изображения свои собственные руки, так как похожие руки можно увидеть во всех его работах.
Эти дрейфующие, молящиеся руки невероятно важны в истории христианской иконографии и остаются привлекательными, потому что они могут принадлежать практически любому человеку — грубые рукава рубашки скорее указывают на рабочего или простого человека, чем на выдающегося священнослужителя или академика.
Святой Иероним в своем кабинете (1514)
| Дата завершения | 1519 |
| Средство | Гравюра |
| Размеры | 25 см x 19 см |
| В настоящее время находится | Британский музей |
Святой Иероним изображен сидящим за столом, погруженным в работу. Стол с распятием в одном углу характерен для эпохи Возрождения. Как бы сопоставляя смерть с Вознесением, воображаемая линия от головы Иеронима проходит через крест и останавливается на черепе на подоконнике.
Лев на переднем плане — часть традиционного образа святого Иеронима, а рядом с ним — отдыхающая собака, существо, которое часто появляется в работах Дюрера и символизирует верность.
Оба существа появляются в «Золотой легенде» Иеронима (около 1260 года), содержащей фантастические воспоминания о святых. Несмотря на то, что расположение является персональным, зрителю трудно поместить себя в пространство изображения.
Святой Иероним в своем кабинете (1514), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя обстановка находится совсем рядом со зрителем, Томас Путтфаркен считает, что Дюрер не хотел, чтобы наблюдатель чувствовал себя видимым:
«Близость не наша, а святого, поглощенного изучением и созерцанием».
Размещение небольшого стыка, который находится очень далеко от центра, усиливает восприятие изображения, рассчитанного не по беспристрастным законам дизайна, а по субъективной точке зрения зрителя, который только что вошел — изображение, которое обязано значительной частью своего отличительно «личного» эффекта именно этой конфигурации точки зрения.
Меленколия I (1514)
| Дата завершения | 1514 |
| Средство | Гравюра |
| Размеры | 24 см x 18 см |
| В настоящее время находится | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Эта картина — очень раннее изображение печали или меланхолии, и она является важным образом в развитии мифологии «страдающего художника», а также в истории изображения художниками их собственного психологического здоровья и мучений.
Меленколия I» — одна из трех пластин 1514 года, известных как «Мейстерштихе».
На этой картине крылатая женская фигура погружена в размышления, рассеянно держа в правой руке компас. Она носит венок и окружена несколькими предметами, каждый из которых имеет определенное символическое значение. Позади нее сидит путто с удрученным видом, а у ее ног лежит истощенная собака.
Меленколия I (1514), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В эпоху Возрождения меланхолия также рассматривалась в тесной связи с художественным блеском. Множество вещей, представленных на гравюре, подтверждают мысль о том, что Дюрер использовал их для отражения своего собственного творческого душевного состояния. Беспорядочно разбросанные и выброшенные инструменты представляют геометрию, одно из гуманитарных искусств и, вероятно, самое важное для Дюрера как печатника, и его неспособность работать. Песочные часы, популярная метафора непостоянства жизни, лестница без очевидного начала и завершения, а также незаполненные весы — все они представляют безразличие и бесцельность.
Многогранник, похоже, сбивает с толку хорошо известную творческую идею Ренессанса — линейную перспективу.
Носорог (1515)
| Дата завершения | 1515 |
| Средство | Гравюра на дереве |
| Размеры | 23 см x 29 см |
| В настоящее время находится | Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия. |
Картина Дюрера «Носорог» сохраняет статус одной из самых любимых с момента ее первоначального выпуска в 1515 году. На гравюре на дереве изображен индийский носорог, стоящий на небольшом клочке земли сбоку. Носорог, изображенный на картине, был подарен султаном Музафаром II управляющему португальской Индии. Затем управляющий передал его королю Португалии Мануэлю I, который, в свою очередь, подарил его папе Льву X из Рима.
Носорог был перевезен на борт корабля, но после короткой остановки в Марселе для осмотра королем Франции Франциском I, судно затонуло во время шторма, и носорог утонул. Дюрер так и не смог лично увидеть животное.
Его образ был известен ему только по письменным рассказам, поэтому неудивительно, что на картине Дюрера изображен не настоящий носорог. Существо изображено с толстыми пластинами, похожими на доспехи. Поверхность покрывает узор из круговых отметин.
Носорог (1515), Альбрехт Дюрер; Национальная галерея искусств, CC0, via Wikimedia Commons
Помимо рога на морде, у носорога есть второй рог, расположенный между плечами. У него чешуйчатые ноги, чем-то напоминающие крокодильи. Как самый первый носорог, появившийся в Европе после III века н.э., появление этого практически мифологического зверя было воспринято в рамках эпохи Возрождения как символ нового открытия древности и вызвало огромное внимание. Изображение Дюрером этого существа на гравюре на дереве стало известным во всей Европе.
Выбор ксилографии вместо более трудоемкой и дорогой гравюры на меди позволил получить более быструю и простую репродукцию.
Портрет императора Максимилиана I (1519)
| Дата завершения | 1519 |
| Средство | Масло на панели |
| Размеры | 74 см x 62 см |
| В настоящее время находится | Исторический музей Кунста, Вена |
На этой картине, написанной маслом в 1519 году, император Максимилиан I изображен в перспективе в два и три четверти на зеленом фоне. Он обращен лицом вправо, а в левой руке держит гранат, знак процветания, а также своего королевства, с косточками, символизирующими его народ. Император одет в отороченную мехом мантию поверх черного одеяния. Его черная шляпа с большим околышем и брошью. Герб династии Габсбургов, а также эмблема ордена Золотого руна изображены в левом верхнем углу картины.
Над монархом расположен текст, написанный заглавными буквами, в котором перечислены его почести и достижения.
Портрет императора Максимилиана I (1519), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Максимилиан не скрывал, что использовал художественные проекты для своего продвижения. Он был озабочен своей репутацией короля, а также воспоминаниями о своей жизни и достижениях. На картине Дюрера монарх изображен в пышном одеянии, причем массивный меховой воротник его одежды занимает большую часть изображения.
Его седые волосы говорят о его старшинстве и опыте, а гранат на его ладони напоминает наблюдателю о его обязанностях монарха. На его лице жесткое и решительное выражение. Позднее Дюрер превратил картину в гравюру на дереве, которая получила широкое распространение и в итоге была признана самым известным изображением императора.
Как мы узнали сегодня, Альбрехт Дюрер считается одним из самых одаренных художников Германии, а также одним из главных участников Северного Возрождения. Как и многие его коллеги в Италии, он был многосторонне одаренным художником, владевшим не только маслом и акварелью, но и тушью, гравюрами, а также писавшим на такие темы, как математика, строительство и технология.
Часто задаваемые вопросы
Каковы несколько известных примеров картин Альбрехта Дюрера?
Картина Альбрехта Дюрера «Молодой заяц» — довольно известное произведение искусства, которое ценится за реалистичное изображение животных. Автопортрет Дюрера под названием «Автопортрет в отороченном мехом халате» является примером его самовозвеличивающего портрета. Произведения Альбрехта Дюрера были известны тем, что в них сочетались как северный, так и итальянский стили.
Какое самое известное произведение Альбрехта Дюрера?
Самым известным произведением Альбрехта Дюрера является «Молящиеся руки». Она использовалась в самых разных местах — от кофейных чашек до обложек Библии. Картины Альбрехта Дюрера способствовали распространению религиозной доктрины христианства, а также добились успеха благодаря своим реалистичным интерпретациям природы.
