Рафаэль, урожденный Раффаэлло Санцио, в течение 37 лет своей жизни проложил кометный путь в искусстве итальянского Высокого Возрождения. Произведения искусства Рафаэля — это средство, через которое проявилась его настоящая любовь к жизни. Его мастерство в передаче эстетических идей эпохи гуманизма Ренессанса считалось поразительно свежим. Картины Рафаэля относятся к той же престижной категории мастерства, что и работы Микеланджело и да Винчи.
Оглавление
Введение в творчество и жизнь Рафаэля
Огромный талант Рафаэля как художника, учитывая его сравнительно короткую жизнь, был результатом обучения, начавшегося еще в детстве. С юности, проведенной в мастерской отца-художника, и до зрелых лет, когда он возглавлял одну из величайших студий своего рода, он зарекомендовал себя как один из самых плодовитых живописцев своего поколения. Картины Рафаэля были признаны одними из величайших примеров гуманистического импульса эпохи, направленного на изучение ценности человека в мире через произведения искусства, подчеркивающие абсолютную элегантность.
Рафаэль не только овладел такими навыками живописи Высокого Возрождения, как точка зрения, точная анатомическая точность, подлинное эмоциональное выражение и артикуляция, но и создал уникальную особую манеру, признанную за ее чистоту, яркую палитру, простоту расположения и великолепие.
Предположительный автопортрет Рафаэля в возрасте около 23 лет, между 1504 и 1506 годами; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя славу Рафаэлю принесли его картины, несколько из которых в настоящее время можно увидеть в Ватиканском дворце, где фрески Комнаты Рафаэля были его самым амбициозным проектом, он также был инженером, печатником и блестящим чертежником. Другими словами, он был настоящим человеком эпохи Возрождения. По сравнению с одним из своих главных конкурентов, Микеланджело, художник был известен как человек сердечный, широко популярный, дружелюбный, а также большой поклонник женщин.
Его социальные способности и приятный характер давали ему преимущество перед современниками того времени в плане приемлемости и профессиональных перспектив.
Самые известные картины Рафаэля
Что же такого нарисовал Рафаэль, что сделало его таким известным деятелем искусства? Такие произведения искусства, как «Афинская школа» Рафаэля, а также «Мадонна» Рафаэля, считаются важными, но есть много картин Рафаэля, которые заслуживают внимания. Давайте окунемся в некоторые из самых известных картин Рафаэля и узнаем больше об этом мастере эпохи Возрождения.
Брак Девы Марии (1504)
| Дата завершения | 1504 |
| Средство | Масло на панели |
| Размеры | 174 см 121 см |
| Текущее местонахождение | Пинакотека ди Брера, Милан |
На этой картине изображено бракосочетание Иосифа и Марии. Один из двух недовольных соперников-поклонников изображен разбивающим свой жезл, когда Иосиф надевает обруч на руку Марии. Тем не менее, жезл Иосифа расцветает, что говорит о том, что хотя все претенденты несли деревянные посохи, только жезл избранного жениха мог расцвести. На заднем плане можно увидеть святилище, построенное в манере архитектора Браманте.
Сочетание ярких оттенков и эмоций персонажей придает картине прекрасный настрой, передавая ощущение сверхъестественной благосклонности сцены, а не приятного преходящего праздника.
Панно, созданное ранним наставником Рафаэля Перуджино, оказало влияние на художественное оформление картины.
Брак Девы Марии (1504), Рафаэль; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта работа знаменует собой переломный момент в развитии Рафаэля как художника, объединяя эстетический подход его наставника Перуджино с его собственным растущим авторитетом. Мы видим, как он начинает применять свой собственный подход, используя расположение, перспективы и смелое использование сильных тональных оттенков, которые будут отличать его последующие картины.
Это произведение демонстрирует смелость Рафаэля в заявлении о себе как о художнике, поскольку является одной из его ранних отмеченных работ.
Она также демонстрирует его владение методами, созданными в эпоху Возрождения, включая трехточечный аспект, поскольку мы видим, как пропорции людей уменьшаются по мере их удаления от картины, а также тротуар, который приводит нас к святилищу.
Видение рыцаря (1504)
| Дата завершения | 1504 |
| Средство | Темпера |
| Размеры | 17 см x 17 см |
| Текущее местонахождение | Национальная галерея |
На картине Рафаэля «Видение рыцаря» изображен юноша в доспехах, спящий под деревом в сопровождении пары женщин. Одна из них несет учебник и оружие, а другая — полевой цветок. Эта небольшая картина является метафорическим произведением.
Наиболее вероятное происхождение — метафора на основе раздела в «Пунике», культовой поэме латинского автора Силиуса Италика, повествующей о Второй Пунической войне.
Сципион, молодой воин, отдыхает в тени лаврового дерева, когда ему является видение двух женщин, между которыми он должен сделать выбор: Венеры (страсть) и Минервы (нравственность). Минерва была божеством обучения и покровительницей ремесел, торговли и безопасности. За ее спиной — чистая дорога, которая символизирует усердный труд и ведет ко дворцу. Венера, облаченная в распущенные одежды, — божество любви, за ней — более высокая, грубая дорога, ведущая в далекие места или к океану, где Венера родилась, через реку.
Видение рыцаря (ок. 1504) Рафаэль; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Материалы, которые эти двое держат в руках, отражают их принципы: книги и оружие символизируют идеи знания, справедливости и защиты соответственно. Цветок олицетворяет стремления возлюбленной, о которых рыцарь мог бы подумать, фантазируя.
Из растения лавр делали лавровую гирлянду — знак высокого ранга в классической античности.
Наградой в пифийском спорте была гирлянда из лавровых листьев, потому что эти соревнования проводились в честь Аполлона, а венок был одной из его эмблем. Лавровый венок или лавр на шлемах был знаком отличия.
Святой Георгий с драконом (1505)
| Дата завершения | 1505 |
| Средство | Картина маслом |
| Размеры | 28 см x 21 см |
| Текущее местонахождение | Музей Лувер |
Картина «Святой Георгий с драконом», одна из двух интерпретаций художника на эту тему, была частью коллекции небольших панно, изготовленных во Флоренции для знаменитого двора Урбино. Святой Георгий, католический римский рыцарь, спасает принцессу языческого короля, победив копьем дракона; принцесса затем сопровождает чудовище в город, где герой убивает его своим клинком, вдохновляя монарха и его последователей принять христианство. В результате битвы оружие Святого Георгия разбито, но доблестный рыцарь собирается убить дракона клинком и тем самым освободить девушку, которая убегает вправо. К середине XVI века это панно стало парным к «Святому Михаилу» Рафаэля.
Хотя вторая картина была создана немного раньше, тот факт, что они одинаковой высоты и имеют схожую иконографию, говорит о том, что Рафаэль хотел, чтобы святые были изображены рядом друг с другом.
Святой Георгий с драконом (1505), Рафаэль; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Основным визуальным эталоном для сражающегося всадника является да Винчи, чье внимание к такому конному коллективу восходит к его миланским годам, а возможно, и раньше, и достигло кульминации во Флоренции именно в тот момент, когда там находился Рафаэль: Да Винчи тогда работал над «Битвой при Ангиари». Рафаэль был очарован этим произведением, и он мог видеть некоторые из многочисленных набросков, которые да Винчи сделал для него, согласно документам в форме эскиза.
Однако конечный результат в этой небольшой картине принадлежит Рафаэлю, он основан на сбалансированной перспективе, движении, энергии и целостности точной композиции.
Три грации (1505)
| Дата завершения | 1505 |
| Средство | Масло на панели |
| Размеры | 17 см x 17 см |
| Текущее местонахождение | Музей Конде, Шантийи |
На картине изображены три Грации, греческие мифологические богини, которые должны воплощать элегантность, изобретательность и процветание. Рафаэль изобразил трех дам в обнаженном виде (предполагается, что это самое раннее изображение художником обнаженной женской фигуры в переднем и заднем ракурсах, нежно ласкающих друг друга).
Три дамы несут шарообразные предметы, на двух из них надеты украшения. Хотя некоторые считают, что это фрукты, при ближайшем рассмотрении оказывается, что идеальные сферы скорее всего являются позолоченными шарами. Считается, что Рафаэль ассоциирует Грации с лунным светом, богиней Венерой, чтобы подчеркнуть значение грации, женственности и детородных качеств.
Поскольку картина является одной из самых ранних работ художника, неудивительно, что в ней отсутствуют некоторые прекрасные детали, встречающиеся в его более поздних работах.
Три грации (между 1503 и 1508 гг.) Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Действительно, современные эксперты по искусству отмечают, что картина упускает некоторые из последующих творений художника, отмечая, что «Три грации» страдают от некоторой грубости кисти, особенно в сравнительно некачественных характеристиках Грации, стоящей в центре картины. Тем не менее, это ключевое произведение в его ранней карьере. Иногда картину приписывают поврежденной мраморной фигуре, выставленной в Сиенском соборе, однако это спорно.
Говорят, что на картину повлияла Феррарская школа — собрание художников, чьи работы отличаются сочетанием вдохновения из таких мест, как Флоренция и Венеция, и не имеют никакого сходства ни с одной известной скульптурой.
Погребение (Изложение Христа) (1507)
| Дата завершения | 1507 |
| Средство | Масло на дереве |
| Размеры | 184 см x 176 см |
| Текущее местонахождение | Галерея Боргезе, Рим |
Сохранилось более 15 эскизов к этой картине, что делает ее наиболее тщательно изученной из всех картин Рафаэля и позволяет увидеть некоторые подлинные проблески эволюции мышления Рафаэля в процессе изучения определенной темы. Эта нотариально заверенная работа, предназначенная для церкви Сан Франческо аль Прато в Перудже, была написана Аталантой Бальони через несколько лет после того, как ее ребенок, Грифонетто Бальони, убил своих партнеров в попытке получить власть над перуджийским правительством — только для того, чтобы через несколько дней после этого подвергнуться нападению и покончить с собой, согласно лучшим из имеющихся доказательств.
Таким образом, произведение одновременно изображает и память о горе скорбящей матери.
Погребение (Низложение Христа) (1507), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Скорбящая Мария, падающая справа, — очевидная аллюзия на Аталанту Бальони, с предположительной аллюзией на Марию как соискупительницу Иисуса, повторяющую его Страдания, — является одной из двух основных и уникальных причин изображения. Другой мотив, изображенный крайним слева, изображает перенос трупа Христа для погребения.
В эпоху Возрождения погребение Христа было чрезвычайно популярной темой. Помимо Рафаэля, произведения на ту же тему были у Микеланджело и Караваджо.
Среди метафорических элементов, полученных в результате флорентийского обучения Рафаэля, элементы, полученные от Микеланджело, кажутся наиболее распространенными в его последних флорентийских работах. Погребение» — это произведение, в котором значение Микеланджело для Рафаэля наиболее очевидно.
Святое семейство Каниджани (1508)
| Дата завершения | 1508 |
| Средство | масляная краска |
| Размеры | 131 см x 107 см |
| Текущее местонахождение | Альте Пинакотека |
В первые годы XVI века Рафаэль, Микеланджело и да Винчи были озабочены тем, чтобы включить тему Мадонны с младенцем в новаторские творческие группы. Вскоре эта тема была расширена и стала включать не только юного Иоанна Крестителя, но и святого Иосифа. Рафаэль в значительной степени опирался на прецедент двух старших флорентийских художников, как он это делал во многих произведениях этой эпохи, но конечный продукт получился очень своеобразным и характерно рафаэлевским.
В этой картине Рафаэль сочетает мотивы Леонардо и Микеланджело с явно северной сценой и изысканным колористическим периодом, характеризующимся переливами красок.
Святое семейство Каниджани (1508), Рафаэль; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Пирамида, в которую заключены персонажи, по-прежнему основана на эскизах да Винчи, но взаимодействие между людьми, формируемое их взглядами и выражаемыми ими спокойными чувствами, поднимает композицию на уровень нежного описания. Настроение картины так непохоже на напряженный и неистовый стиль да Винчи.
Непревзойденные выразительные способности Рафаэля позволяют ему создать образ, насыщенный человеческим общением и ясным спокойствием.
Диспут о Святых Таинствах (1510)
| Дата завершения | 1510 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 500 см x 770 см |
| Текущее местонахождение | Апостольский дворец, Ватикан, Рим |
Эта фреска является одной из четырех фресок в зале Рафаэля Ватиканского дворца, на которых изображены по отдельности логика, литература, религия и законодательство. Члены католической религии изображены под просторами небес над их освященным алтарем в этом знаменитом произведении Рафаэля.
На картине изображена победа христианства над логикой, которая показана на другой стене в картине Рафаэля «Афинская школа» (1511).
Иисус находится посреди небес, по бокам от него — Дева Мария, а по другую сторону — Иоанн Креститель. Над Христом изображен Бог, председательствующий на небесах, по бокам от него Иаков и Адам. Моисей несет камни с десятью заповедями, а Святой Дух изображен у ног Иисуса. Ангелы держат четыре Священных Писания по обе стороны от Святого Духа.
Диспут о Святых Таинствах (1510), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Первый крупный контракт Рафаэля на ремонт личных покоев папы Юлия II был заключен, когда ему было всего 27 лет, и он создал эту картину во время выполнения этого контракта. К сожалению, для этого пришлось переписывать фрески других великих художников эпохи Возрождения, таких как Перуджино и Пьеро делла Франческа.
Рафаэль получил контракт на роспись четырех комнат напротив Микеланджело, который в тот момент занимался росписью Сикстинской капеллы, а также Леонардо да Винчи.
Утверждается, что это привело в ярость Микеланджело, который позже обвинил Рафаэля в копировании, распространяя сообщения о том, что Рафаэль пробрался в Сикстинскую капеллу, чтобы воочию увидеть работу Микеланджело. Между тем, генезис вражды, скорее всего, был не более чем соперничеством двух исключительно способных специалистов, борющихся за одобрение одного и того же заказчика.
Афинская школа (1511)
| Дата завершения | 1511 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 500 см x 770 см |
| Текущее местонахождение | Апостольский дворец, Ватикан |
Несмотря на название, «Афинская школа» относится к интеллектуалам классической эпохи, а не к конкретной школе мысли. Движения философов, изображенных на картине, стали предметом многочисленных научных анализов и дискуссий, хотя неясно, с каким количеством их идей мог быть знаком Рафаэль.
Важно то, что Рафаэль собрал всех самых выдающихся античных мыслителей в великолепном сооружении эпохи Возрождения, что намекает на идеи Браманте относительно будущего собора Святого Петра.
Многих интеллектуалов можно узнать по их изображениям, которые были хорошо известны в то время и основаны на бюстах, найденных при археологических раскопках. Аристотель и Платон изображены в центре, держа в руках свои известные книги «Этика» и «Тимей» соответственно.
Афинская школа (1511), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Пифагор стоит на переднем плане, Евклид — сбоку, Зороастр несет небесную сферу, Птолемей — земную, а Диоген стоит на ступеньках и несет блюдо. Утверждается, что академик, склонившийся над Пифагором, — это арабский мыслитель Аверроэс, которому приписывают знакомство западных людей с учениями Платона и Аристотеля.
Согласно истории, Рафаэль насмехался над своим величайшим противником Микеланджело, изобразив его образ в виде визави ученого Гераклита, покоящегося на каменной глыбе.
Из-за меланхоличного тона его интеллектуальной философии Гераклита иногда называют плачущим философом, что соответствует статусу Микеланджело как гигантского младенца. На картине также изображен автопортрет Рафаэля в темном берете, позирующего рядом с Иль Содомой, который был в числе художников, чьи работы Рафаэль был вынужден перерисовывать.
Сикстинская Мадонна (1512)
| Дата завершения | 1512 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 265 см x 196 см |
| Текущее местонахождение | Гемальдегалерия Альте Мейстер, Дрезден |
Младенец и Мадонна находятся в центре «Сикстинской мадонны» Рафаэля, по обе стороны от них сидят святая Варвара и святой Сикст. Поскольку ее останки почитались в церкви, святая Варвара была включена в картину. Святой Сикст вступает от имени зрителей, что видно по его правой руке, жестикулирующей вниз, в то время как он смотрит вверх на Мадонну. Два ангела в нижней части изображения смотрят вверх, им не хватает почитания святых, серьезности Девы Марии и чистоты младенца Иисуса. В левом нижнем углу картины видна папская корона папы Сикста.
В этом религиозном произведении Рафаэль вновь соединил темы эпохи Возрождения со своей личной техникой.
Сикстинская Мадонна (1512), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Рафаэль использовал пирамидальную структурную форму, которая была популярна в то время. Портьеры, которые, кажется, откинуты назад, чтобы открыть небесный вид, способствуют единству произведения искусства с алтарем, для которого оно было создано. Иллюзорное пространство, в котором расположены небесные формы, усиливает небесный смысл молитвы благословения, призванной вызвать благоговение у собравшихся внизу. Добавление шапки Папы Римского и террасы, на которой возлежат ангелы, — единственный земной штрих, на который намекает изображение.
Эта работа значима по целому ряду причин: она была последней из созданных Рафаэлем «Мадонн», а также имеет интригующую родословную и влияние в Германии.
Триумф Галатеи (ок. 1512)
| Дата завершения | c. 1512 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 300 см x 220 см |
| Текущее местонахождение | Вилла Фарнезина, Рим |
Эта картина повествует о Галатее, дитя морского божества Нерея, которая безумно влюбилась в крестьянина по имени Ацис. Считается, что циклоп Полифем, дитя Посейдона, обожал Галатею, а когда он увидел ее и ее любовника Ациса в объятиях, то в порыве гнева убил его. Галатея плывет по волнам на повозке, запряженной двумя дельфинами, и пытается уплыть. В этом захватывающем путешествии мифические морские животные и нимфы окружают главную героиню. Триумф Галатеи» был создан для украшения виллы Фарнезина финансиста и коллеги Рафаэля Агостино Чиги и является единственной работой художника, основанной на греческой мифологии.
Эта картина Рафаэля была написана по мотивам поэмы Анджело Полициано «Станца о Джостре». В поэме рассказывается о том, как, несмотря на любовную песнь Полифема, Галатея отвергает его и уплывает со своей свитой морских спрайтов.
Триумф Галатеи (ок. 1512), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Несмотря на то, что ни его лирическая последовательность, ни предполагаемые фрески, которые должны были украсить поместье, не были завершены, нам повезло, что в этом произведении мы имеем великолепный образец точного творческого таланта Рафаэля, а также его творческих интерпретаций.
Способность Рафаэля так эффектно создавать представления о великолепии проявляется в сырой эмоциональности картины.
Все персонажи в композиции связаны друг с другом, создавая единое целое. Каждое движение приветствуется соответствующим движением, направляя наше внимание на центральную прелесть черт Галатеи, которая, как утверждает художник, возникла из его разума, а не из человека. Струящееся платье Галатеи, ныряющие дельфины и великолепное телосложение других людей создают бешеную плавность движений, демонстрируя изысканные манипуляции с фигурой.
Женщина с вуалью (La Donna Velata) (ок. 1514)
| Дата завершения | c. 1514 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 82 см x 60 см |
| Текущее местонахождение | Палатинская галерея, Палаццо Питти, Флоренция |
Пожалуй, ни одно другое произведение Рафаэля не демонстрирует его энтузиазм в изображении красоты во всех ее идеалистических формах в большей степени, чем портрет обожаемой им Маргериты Лути, первоначально названный по-итальянски La Donna Velata. Жемчужина в ее локонах — это намек на ее имя, которое означает «жемчужина». Картина была создана из любви к натурщице, а не по заказу.
Черты лица Маргериты напоминают лица нескольких мадонн Рафаэля, и она излучает красоту, дарованную мужским видением.
Безупречное совершенство цвета лица, соблазнительный миндалевидный изгиб глаз, тонко смоделированный лик в недосягаемо изысканной позе делают эту работу незабываемым памятником любви. В этой работе проявилось мастерское владение Рафаэлем методом сфумато Леонардо да Винчи, позволяющим создать туманное размытое слияние оттенков.
Женщина с вуалью (La Donna Velata) (ок. 1514), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Рафаэль также позаимствовал у да Винчи идею создания портретов в полный рост, что позволило ему сосредоточиться на своем мастерстве в изображении богатого блестящего материала одежды своего объекта. Подобно тому, как другие отмечают роскошную чувственность цветочных работ Джорджии О’Кифф, художественный критик Джулия Эддисон заметила аморфную чувственность в свободе, с которой они представлены. Эта картина по-прежнему занимает значительное место в общем творчестве Рафаэля.
Будучи картиной большой элегантности, это произведение Рафаэля примечательно тем, что на нем изображена реальная женщина, а не просто абстракция элегантности.
Рафаэль представляет нам не только безупречную преданность привлекательности и свою знаменитую любовь к женщинам, но и отображает свою страсть к предмету, которая делает его таким доступным, создавая портрет, пропитанный такой интимной историей.
Христос, падающий на пути на Голгофу (ок. 1515)
| Дата завершения | c. 1515 |
| Средство | масляная краска |
| Размеры | 318 см x 229 см |
| Текущее местонахождение | Национальный музей Прадо |
На картине изображена повторяющаяся тема Христа, несущего распятие на казнь, в тот момент, когда он падает, а его родители испытывают мучительный припадок. Все страсти картины сосредоточены на переднем плане, а задний план напоминает декорации, с удаленными группами людей и распятием. Человек на переднем плане слева — это перевернутая версия человека на картине Рафаэля «Суд Соломона».
Несение распятия часто отводилось в итальянской живописи под пределлу, поскольку творческая структура неизбежно имела горизонтальное направление.
Христос, падающий на пути на Голгофу (ок. 1515), Рафаэль; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Рафаэль выстроил композицию вертикально, отступив от общепринятого изображения этой темы, что объясняется ее повышенной значимостью и назначением произведения как алтарной композиции. Христос остановился, выйдя из рамы влево; дорога, по которой он вскоре пойдет, изгибается обратно в раму, направляясь к холму, где в центре уже установлены два креста.
Рафаэль сам написал значительную часть этой работы, и она является одной из самых смелых за всю его карьеру.
Бальдассаре Кастильоне (1515)
| Дата завершения | 1515 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 82 см x 67 см |
| Текущее местонахождение | Лувр, Париж |
Портрет его хорошего знакомого Бальдассаре Кастильоне, написанный Рафаэлем, наполнен теплом и страстью в изображении культурного человека. Его взгляд волевой, но скромный, выражающий почтение к силе, достигнутой без тщеславия и показухи. Он выглядит человеком, уверенным в своем интеллекте и, следовательно, преданным величайшим целям гуманизма, который был самой выдающейся идеологией того времени. Коричневый фон придает серьезность произведению, смягчая оттенки дублета, отороченного мехом и темными лентами. Эмоциональная хрупкость сидящего скрывается в безмолвном пространстве его присутствия.
Кастильоне был политиком и автором труда о королевском этикете и грациях, который стал значительным культурным влиянием в XVI веке.
Портрет Бальдассаре Кастильоне (1515), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Картина Рафаэля с ее изысканной чувствительностью стала примером контролируемой утонченности придворного, которую он пропагандировал в своей книге. Бальдассаре был настолько восхищен этим произведением искусства, что включил его в стихотворение, написанное им своей жене, восхваляя его удивительное сходство и человеческую сущность, которую оно излучает. Картина, на которой натурщик изображен в профиль в три четверти, смотрящим на зрителя внутри пирамидального узора, популярного в эпоху Возрождения, похожа на Мону Лизу, с которой, как утверждают, Рафаэль познакомился перед отъездом Леонардо да Винчи во Францию.
Это произведение искусства является одним из самых известных портретов Высокого Возрождения и получило широкое признание на протяжении многих лет.
Ла Форнарина (1520)
| Дата завершения | 1520 |
| Средство | Масло на дереве |
| Размеры | 85 см x 60 см |
| Текущее местонахождение | Галерея Национале д’Арте Антика, Рим |
Картина «Форнарина», одна из самых известных работ Рафаэля, выполненных без заказа, является спутником «Донны Велаты» и свидетельствует о сильной привязанности художника к Маргерите Лути. На картине изображена сидящая полуобнаженная женщина в расстегнутом одеянии, скрывающем нижнюю половину ее фигуры, которая смотрит на наблюдателя.
Ее правая рука поглаживает грудь, а левая лежит на коленях. Хотя вуаль является признаком скромности, она не скрывает ее роскошную верхнюю часть тела. Темная местность на заднем плане добавляет качество тональной передачи картины и красоту головного убора, который она носит.
С ее идеальным цветом лица и сияющим лицом она смотрит прямо сквозь нас, ухмыляясь кому-то справа, и, учитывая ее дружбу с Рафаэлем, мы не сомневаемся, что она смотрела на него, когда он ее изображал.
La Fornarina (1520), Рафаэль; Galleria Nazionale d’Arte Antica, Public domain, via Wikimedia Commons
Рафаэль начертал это изображение на кольце на ее запястье, возможно, намекая на то, что она принадлежит ему. Согласно последующим реставрациям, ранее на женщине было обручальное кольцо. Поскольку обручальное кольцо было закрашено, предполагалось, что Рафаэль незаметно женился на Маргарите. Однако из-за их уровня и того, что он уже был предан Марии Биббиене, пара должна была наслаждаться своими отношениями в тайне.
Использование движения для выражения смысла в этом произведении демонстрирует влияние Леонардо да Винчи на Рафаэля. Оно также символизирует цель художника — изображать только величайшие концепции совершенства.
Преображение (1520)
| Дата завершения | 1520 |
| Средство | Темпера на дереве |
| Размеры | 410 см x 279 см |
| Текущее местонахождение | Пинакотека Ватикана, Ватикан, Рим |
Это была последняя картина Рафаэля. Контракт вновь разжег соперничество между двумя художниками. Работы Рафаэля не были завершены к моменту его смерти, несмотря на то, что большая их часть была выполнена его собственной рукой. Джулио Романо, его ученик, и Джанфранческо Пенни, его помощник, позже завершат ее. Картина представляет собой вершину творческого успеха Рафаэля за его короткую жизнь, и она начала получать популярное и научное признание после смерти Рафаэля.
Произведение было выставлено в мастерской Рафаэля, пока он лежал в больнице, и его несли во время церемонии погребения, которую сопровождала огромная толпа скорбящих.
Преображение (1516-1520), Рафаэль; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта картина, названная Джорджо Вазари «самым изысканным и святым шедевром Рафаэля», служит постоянным источником знаний и влияния для художников. Тернер ссылался на нее в курсе композиции, а Караваджо восхищался ее использованием кьяроскуро (впечатление контраста теней и освещения), метод, который Караваджо впоследствии усовершенствовал.
Сильное эстетическое напряжение в нижней половине картины, которое часто связывают с маньеризмом, школой европейского искусства, возникшей примерно в период смерти Рафаэля и процветавшей до конца XVI века, также напоминает стиль барокко, пришедший на смену маньеризму.
На этом мы подошли к концу нашего списка самых известных картин Рафаэля. Произведения Рафаэля считаются одними из самых почитаемых картин в истории. Картины Рафаэля были признаны одними из величайших примеров гуманистического импульса эпохи, направленного на изучение ценности человека в мире через произведения искусства, подчеркивающие абсолютную элегантность.
Часто задаваемые вопросы
Что рисовал Рафаэль?
Рафаэль писал произведения искусства эпохи Возрождения. Картины Рафаэля «Афинская школа» и «Мадонна Рафаэля» — одни из самых известных его произведений. Он также был инженером, печатником и блестящим рисовальщиком. Другими словами, он был настоящим деятелем эпохи Возрождения.
Почему Рафаэль был знаменит?
Почему Рафаэль так значителен? Рафаэль был великим художником эпохи итальянского Возрождения. Его искусство ценится за чистоту замысла и плавность расположения, а также за визуализацию неоплатонической концепции человеческого великолепия. В течение своей карьеры он также был известным архитектором. Его работа в качестве художника папского дворца получила высокую оценку, и он позиционировал себя как самый популярный художник Рима. Его нанимали для изображения портретов, религиозных тем, личных апартаментов Папы, а также для создания гобеленов. Рафаэль оказывал влияние на художников вплоть до 1900-х годов, а его работы заставляли людей задумываться о личностях. Рафаэль наполнял картины искренними чувствами, меняя восприятие искусства людьми.
