Картины Викторианской эпохи передают надежды и желания могущественной Англии, переосмысливающей себя в изменчивых временах. Викторианское искусство охватывает такие направления, как классицизм и неоклассицизм, а также романтизм и импрессионизм. Каждое из этих направлений развивало свой собственный эстетический стиль произведений искусства викторианской эпохи.
Оглавление
Введение в живопись Викторианской эпохи
Уильям Холман Хант основал Братство прерафаэлитов в 1848 году. Их целью было создание ярких фотографических картин, вдохновленных природой. Они опирались на письменные тексты Шекспира и других писателей, чтобы преобразовать реальность в типологические символы. Группа выступала против творческих идей художественного обучения в Королевской академии, а также против обычаев. Другие жанры и направления искусства Викторианской эпохи включают пейзажи и морские пейзажи, картины фей, портреты и ориентализм.
Туризм в Индию, деловой и политический интерес к Ближнему Востоку, известность британской газеты Illustrated London News, религиозный пыл и ряд других причин — все это способствовало росту ориентализма в живописи викторианской эпохи.
Обретение Спасителя в Храме (1854/1855), Уильям Холман Хант; William Holman Hunt, Public domain, via Wikimedia Commons
Восток будоражил воображение художников викторианской эпохи, потому что предлагал форум для христианского искусства. Хотя были определенные художники, которые интересовались текущей исламской жизнью, они привлекали большое внимание публики. Картины фей не могли быть исключены из выставок Королевской академии в 19 веке.
Темы сказочных произведений в викторианской живописи часто брались из произведений Шекспира. В результате возник большой интерес к иллюстрированным изданиям. Выставки сказочного искусства в Королевской академии продолжались и в 20 веке.
Мастерский удар феи (1855-1864) Ричард Дэдд; Richard Dadd, Public domain, via Wikimedia Commons
Знаменитые картины викторианской эпохи
Викторианские произведения искусства представляли все христианские и имперские представления эпохи. Они включали в себя историческую живопись, многие стили жанровой живописи, такие как пейзажная живопись, и, естественно, портретное искусство всех видов. Темы о феях были распространены, а аспекты женского начала всегда занимали видное место в искусстве викторианской эпохи. Давайте посмотрим на некоторые из самых известных примеров произведений искусства викторианской эпохи.
Офелия (1852) Джона Эверетта Милле
| Размеры | 76 см x 1,12 м |
| Дата создания | 1852 |
| Средство | масляная краска |
| В настоящее время хранится в музее | Тейт Британия, Лондон |
Одна из самых известных картин из шекспировской пьесы «Гамлет» — изображение Милле ужасной гибели Офелии, когда она падает в воду и тонет. Прерафаэлиты отличались тем, что изображали сюжеты из современных литературных произведений в исторических нарядах. Они работали непосредственно с натуры, настолько достоверно, насколько это было возможно, и с удивительной точностью.
Милле создавал «Офелию» в двух местах между 1851 и 1852 годами. Пейзаж он создал на открытом воздухе, у реки Хогсмилл, а образ Офелии — в помещении, в своей лондонской студии. Это было типично для художников, которые работали на открытом воздухе, создавая рисунки примерно в то время, когда творил Милле. Затем они возвращались в свою студию и использовали их в качестве референсов для создания более крупного окончательного произведения искусства.
Милле и его современники-прерафаэлиты, с другой стороны, завершали свои работы на открытом воздухе, что было уникальным для того времени.
Офелия (1851-1852), Джон Эверетт Милле; John Everett Millais, Public domain, via Wikimedia Commons
Милле посвятил не так много времени изображению Офелии, как написанию сельской местности. Исторически сложилось так, что окружающая среда считалась наименее важным аспектом картины и поэтому писалась в последнюю очередь. Милле и прерафаэлиты считали, что окружение так же важно, как и человек, поэтому для Офелии оно было создано первым. Моделью Милле была 19-летняя девушка по имени Элизабет Сиддалл. Элизабет стояла в ванне, наполненной водой, чтобы Милле создал видимость того, что Офелия тонет в реке. Под воду были поставлены масляные лампы, чтобы согреть ее.
Милле был так увлечен работой, что даже не заметил, когда в одном случае погас свет!
Козел отпущения (1856) Уильяма Холмана Ханта
| Размеры | 86 см x 140 см |
| Дата создания | 1856 |
| Средство | Масло на холсте |
| В настоящее время хранится в музее | Художественная галерея Леди Левер, Порт Санлайт |
Эта известная картина изображает «козла отпущения», указанного в книге Левит. В День искупления посылали козла с рогами, покрытыми алой тканью, что означало преступления общины. Хант начал работу над картиной на берегу Мертвого моря и продолжил в своей лондонской мастерской. Это произведение существует в двух вариантах: крошечная версия в ярких тонах с темноволосым козлом и радугой, которая находится в Манчестерской художественной галерее, и большая копия в более приглушенных тонах со светловолосым животным, которая находится в художественной галерее Lady Lever в Порт-Санлайт.
Обе работы были выполнены в один и тот же период времени, причем меньшая манчестерская копия характеризуется как «предварительная» по отношению к большей версии, выставленной в галерее Леди Левер.
Козел отпущения (1854) Уильям Холман Хант; Уильям Холман Хант, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Картина была создана в Содоме, на окраине покрытых солью отмелей Мертвого моря. Вершины впереди — это вершины Эдома. Он создал большую часть картины на месте в 1854 году, но закончил ее в Лондоне в следующем году, добавив незначительные штрихи в 1856 году, прежде чем выставить ее в Академии.
Это произведение стало единственной значительной работой Ханта, созданной во время его первого путешествия в Святую землю, которое он предпринял после дилеммы религиозной веры.
Хант стремился решить проблему связи между религией и фактами, прочувствовав реальное место действия отрывков из Священного Писания. В Иерусалиме Хант познакомился с Генри Уэнтуортом Монком, провидцем с уникальными взглядами на значение козла отпущения и приближение Страшного суда. В частности, Монк был увлечен сионизмом.
Элейна (1865), автор Эмма Сэндис
| Размеры | 36 см x 39 см |
| Дата создания | 1865 |
| Средство | Масло на панели |
| В настоящее время хранится в музее | Поместье Уайтвик, Уэст-Мидлендс |
Элейн» Эммы Сэндис — это картина маслом на панно. Элейна, жена Ланселота, женский персонаж мифологии, повернута вправо, рука поднята к левой щеке, в средневековом платье, жемчужные украшения, длинные струящиеся локоны на фоне цветов. Она — героиня «Идиллии короля» Теннисона (1859), чье увлечение Ланселотом сводит ее с ума. Тема основана на артурианских историях, популяризированных в романе Теннисона «Идиллии короля», который был опубликован в 1859 году. Элейна влюбилась в Ланселота, но ее чувства не были взаимными.
В середине викторианской эпохи ее считали фигурой печали, и она была излюбленной темой для художников, особенно женщин.
Элейн (1865), автор Эмма Сэндис; Эмма Сэндис, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Сэндис создала по меньшей мере три различных варианта этого изображения. Женский объект из книги, на уровне плеч, с лицом, наклоненным в одну сторону, а не прямо к зрителю, в средневековом одеянии и с плоским декоративным фоном, похож на работы других художников-прерафаэлитов. Этот формат был придуман Россетти, на которого повлияла венецианская живопись начала XVI века, но Сэндис изменил его под Элейн, расположив фигуру по диагонали, а не вертикально.
Ясность и точность изображения характерны для ее величайших работ.
Леди Шалотт (1888) Джона Уильяма Уотерхауса
| Размеры | 1,53 м х 2 м |
| Дата создания | 1888 |
| Средство | масляная краска |
| В настоящее время хранится в музее | Тейт Британия, Лондон |
Одним из самых известных произведений Джона Уильяма Уотерхауса является эта классическая картина викторианской эпохи. На ней изображен эпизод из поэмы Теннисона, в котором автор описывает затруднительное положение и дилемму молодой леди, в основе которой лежит фигура Элейны Астолатской из артурианского фольклора Средних веков, охваченной запретной любовью к сэру Ланселоту, который был уединен под неизвестным недугом в здании неподалеку от Камелота короля Артура. Уотерхаус изобразил эту фигуру трижды.
Викторианская картина отличается характерными для прерафаэлитов тонко прорисованными деталями и яркими цветами.
На ней изображена заглавная фигура из поэмы «Леди Шалотт» (1842). Согласно тексту, Леди была заточена в своих покоях под заклятием, которое запрещало ей выходить на улицу или даже смотреть прямо в окна; ее единственный вид на внешний мир был через отражение. Она сидела под стеклом, сплетая лоскутное одеяло из сцен, которые она видела в своем отражении.
The Lady of Shalott (1888) by John William Waterhouse ; John William Waterhouse, Public domain, via Wikimedia Commons
Женщина добралась до крошечной лодки после того, как нарушила заклинание, глядя с балкона в сторону Камелота. Именно эта сцена изображена на картине Уотерхауса, когда женщина отправляется навстречу своей судьбе. Она изображена сидящей на созданной ею ткани. Лодка женщины оснащена лампой на носу и крестом на корме. Рядом с крестом установлены три свечи.
Свечи являются символом жизни — две из них уже догорели, что говорит о скорой смерти.
Помимо метафорических хитросплетений, это произведение искусства ценится за реалистичное мастерство Уотерхауса. Наряд леди резко контрастирует со значительно более глубокими тонами фона. Детализация и цвет, акцент на великолепии, реалистичность и изображение ее нежного, тоскливого выражения лица — все это примеры творческого блеска Уотерхауса.
Розы Гелиогабала (1888), автор — сэр Лоуренс Альма-Тадема
| Размеры | 132 см x 214 см |
| Дата создания | 1888 |
| Средство | Масло на холсте |
| В настоящее время хранится в музее | В частном владении |
Эта известная работа викторианской эпохи изображает молодого римского императора Элагабала на пиру. На картине изображен обед римских гостей, который заливают потоки розовых лепестков роз, спускающихся с фальшивого потолка. Элагабал, молодой римский император в золотом одеянии из шелка и тиаре, наблюдает за этим зрелищем со сцены позади них, вместе с другими украшенными гирляндами гостями.
Дама играет на двойных трубах рядом с мраморной колонной на заднем плане, надев леопардовую шкуру перед бронзовой скульптурой Диониса по образцу Диониса Лудовизи и с видом на далекие холмы.
Розы Гелиогабала (1888) Лоренс Альма-Тадема ; Лоренс Альма-Тадема, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На картине изображено (скорее всего, вымышленное) событие из «Истории Августа» Элагабала, римского императора. Несмотря на латинскую ссылку на «фиалки и другие цветы», Альма-Тадема показывает, как Элагабал душит своих невольных посетителей лепестками роз, падающими с фальшивого потолка.
Однажды он задушил своих гостей полевыми цветами в пиршественном зале с перевернутой крышей, так что некоторые задохнулись насмерть, не сумев выбраться на поверхность.
Леди Агнью из Лохноу (1892), Джон Сингер Сарджент
| Размеры | 127 см x 101 см |
| Дата создания | 1892 |
| Средство | Масло на холсте |
| В настоящее время хранится в музее | Шотландская национальная галерея |
Леди Агню откинулась на французском стуле XVIII века, и спинка стула используется как «изогнутая, поддерживающая структура для фиксации тела, создавая особую, неторопливую грацию», по словам искусствоведа Ричарда Ормонда. Сарджент изобразил ее в позе в три четверти длины, одетую в белое платье с шелковым лавандовым поясом вокруг талии в качестве акцента. Стена позади нее обтянута голубым шелком.
Она смотрит на картину прямо и оценивающе, ее лицо передает идею, что она ведет «интимную беседу» с другими, кто смотрит на нее.
Портрет леди Агнью из Лохноу (1892), Джон Сингер Сарджент; Джон Сингер Сарджент, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ормонд и Килмюррей отмечают, что в тот период она выздоравливала после гриппа, что может объяснить ее вялую позу. Ее взгляд описывается как «спокойный требовательный», а также «что-то сдержанное и манящее в ее пытливой полуулыбке». Портрет был «не только техническим достижением, но и лучшим образцом портрета в прямом смысле этого слова, который здесь видели за долгое время». — говорится в статье в «Таймс».
Мистер Сарджент не пожертвовал ни одним из своих деликатесов, но он отказался от своих идиосинкразий и удовлетворился тем, что создал прекрасную картину с приятным объектом в спокойных обстоятельствах».
Флора (1894) Эвелин де Морган
| Размеры | 199 см x 88 см |
| Дата создания | 1908 |
| Средство | Акварель |
| В настоящее время хранится в музее | Галерея Маас, Лондон |
Флора — римская богиня цветов, особенно связанная с весной; ее празднества Флоралия проводились с 28 апреля по третье мая. Свиток в углу картины написан на итальянском языке и гласит следующее:
«Флора, я из Флоренции, и этот город был назван в честь цветка. Я родилась среди цветов и теперь живу среди гор Скотии, благодаря смене места жительства. Добро пожаловать, и, пожалуйста, держите мой дар в северных туманах близко к сердцу».
Флора изображена перед растением Loquat, которое приносит плоды в весеннее время. В ветвях растения можно увидеть мелких птиц, таких как чиж и зяблик. Платье Флоры украшено флорентийскими цветами, а лепестки каскадом сыплются из ее муфты и падают к ее ногам.
Флора (1894) Эвелин Де Морган; Эвелин Де Морган, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Картина была полностью создана во Флоренции и является данью уважения городу и его художникам эпохи Возрождения — в ней определенно чувствуется влияние «Примаверы» Боттичелли. Уильям Имри, один из немногих частых клиентов Де Моргана, купил ее, возможно, привлеченный аллюзией на Скотию. Он также заказал у Де Моргана еще две картины. Прекрасная рама выполнена из резного дерева с масляной позолотой. Она вдохновлена дизайном рамы «тондо» эпохи раннего итальянского Возрождения.
Вероятно, она появилась одновременно с картиной и украшена лентой и цветком на области «тора» портрета.
Пламенный июнь (1895) Фредерика Лейтона
| Размеры | 1,2 м x 1,2 м |
| Дата создания | 1895 |
| Средство | масляная краска |
| В настоящее время хранится в музее | Музей искусства Понсе, Понсе |
Эта картина часто рассматривается как шедевр Лейтона, демонстрирующий его классицистические тенденции. Считается, что изображенная на ней дама связана с часто вырезанными греками изображениями спящих нимф. Пламенный июнь» исчез в начале 1900-х годов и был найден в 1960-х годах.
Вскоре после этого она была выставлена на аукцион, в то время, когда произведения искусства викторианской эпохи было трудно продать.
Поза сидящей женщины частично основана на знаменитой статуе Микеланджело «Ночь» (1531), которую Лейтон считал «одним из величайших триумфов западного искусства». Поза отдыхающей женщины вызвала у Лейтона много проблем. Он нарисовал множество ранних эскизов, чтобы понять, как она должна лежать; особенно он старался, чтобы угол ее правой руки выглядел органично.
Пламенный июнь (1895) Фредерик Лейтон ; Фредерик Лейтон, 1-й барон Лейтон, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Его исследование показывает, что изображение прошло по меньшей мере через четыре черновых варианта, прежде чем Лейтон пришел к окончательной форме. Четыре из этих изображений обнажены, а одно — покрыто. Задрапированная женщина кажется наименее реалистичной, что указывает на необходимость Лейтона делать наброски с обнаженного человека, чтобы достичь реализма натуры.
Смертоносный стебель олеандра в правом верхнем углу может символизировать опасную связь между смертью и сном.
Натурализм полупрозрачной одежды отдыхающей женщины, великолепно насыщенные цвета и точно воспроизведенный мраморный фон — все это отличительные черты работ Лейтона, как и использование им естественного дневного света. Закат вдали кажется ему расплавленным золотом.
Любовь и пилигрим (1897), автор — сэр Эдвард Коли Берн-Джонс
| Размеры | 157 см x 304 см |
| Дата создания | 1897 |
| Средство | Масло на холсте |
| В настоящее время хранится в музее | Галерея Тейт |
Этот прекрасный образец викторианской готической живописи стал последней завершенной большой картиной маслом Берн-Джонса, хотя начата она была гораздо раньше. Он взял за основу «Розу» Чосера, в которой бог Любви помогает пилигриму в его путешествии за страстью, и посвятил ее другому человеку с той же миссией, своему дорогому другу Алджернону Суинберну.
Любовь, наполовину ангел, наполовину Купидон, выводит встревоженного путника из колючих зарослей на ступеньки с гораздо более терновыми кустами, если, конечно, на них смотрит крошечная малиновка (даже при этом предание гласит, что грудь птицы была забрызгана кровью Христа, когда он прилетел успокоить его во время крестной смерти). Она сурова и строга, а незаполненный бассейн и пустынные горы на заднем плане усиливают впечатление одиночества.
Кроме птиц и рук, взаимодействующих в центре композиции, здесь мало нежных деталей, отвлекающих взгляд от главной темы — настойчивости.
Любовь и пилигрим (1897), Эдвард Берн-Джонс ; Edward Burne-Jones, Public domain, via Wikimedia Commons
Несмотря на часы, потраченные на оттачивание тонкостей и тональных качеств, картина даже не была продана, что заставило Берн-Джонса в частном порядке сетовать на то, что его картины теперь не соответствуют зарождающемуся увлечению импрессионистской живописью, которое набирало обороты среди покупателей. Берн-Джонс был обеспокоен этой работой еще в процессе ее написания, несмотря на то, что он потратил на нее «целую вселенную мыслей». Он чувствовал, что его жизненные силы иссякают, и был подавлен смертью старых друзей: «Кажется, будто ничего не происходило, кроме смерти художников».
Это трагическое завершение карьеры Берн-Джонса. Тем не менее, конечный эффект широко признан как сильный и трогательный.
Канун середины лета (1908) Эдвард Роберт Хьюз
| Размеры | 88 см x 119 см |
| Дата создания | 1908 |
| Средство | Акварель |
| В настоящее время хранится в музее | Галерея Маас, Лондон |
Эдвард Роберт Хьюз начал свою профессиональную деятельность как художник-прерафаэлит. Его искусство находилось под влиянием символизма, и большинство его работ были акварелями. Он был прилежным перфекционистом, который делал несколько точных предварительных подготовительных эскизов, прежде чем приступить к окончательной работе над картиной.
На творчество Хьюза оказали сильное влияние шекспировские мотивы.
Картина «Канун середины лета» напоминает о пьесе Шекспира «Сон в летнюю ночь», в которой речь идет о несовпадении влюбленных в прекрасную летнюю ночь. Господи, какие идиоты эти люди», — говорит фея Пак в этой драме. Глядя на изображение, можно представить, как маленькие феи делают такие замечания женщине, которая вполне может быть Гермией, одной из несчастных влюбленных, которая застряла в лесу, восстав из сна, чтобы обнаружить себя в кругу фей, кружащихся вокруг нее.
Канун середины лета (1908), Эдвард Роберт Хьюз; Edward Robert Hughes, Public domain, via Wikimedia Commons
Картина обладает сильным ощущением мистицизма. Но, в странном смысле, это почти как если бы женщина ожидала увидеть фей или не была удивлена их существованием. Она наклоняется к ним, чтобы получить хороший обзор, как будто ей любопытно, о чем они говорят. Она ничуть не напугана. Возможно, она даже пожелала, чтобы они материализовались, судя по тому, как она одета.
Канун середины лета — исторически вечер, когда молодые девушки танцуют у костров и выражают желания, чтобы их возлюбленные явились к ним. Это прекрасная ночь для произнесения заклинаний. Кроме того, это самый короткий вечер в году, и освещение на картине подразумевает, что, хотя еще не стемнело, вечер уже поздний.
На этом мы завершаем обзор викторианской готической живописи и произведений искусства викторианской эпохи. Викторианская живопись выражает мечты и желания сильной Англии, переделывающей себя перед лицом меняющихся волн. Классицизм и неоклассицизм, а также романтизм и импрессионизм являются примерами направлений викторианского искусства. Каждая из этих групп разработала свой собственный визуальный стиль для произведений искусства викторианской эпохи.
Часто задаваемые вопросы
Что отличает картины викторианской эпохи?
Что касается тематического содержания, то викторианское искусство стало отказываться от реалистических черт более ранних произведений в пользу фантазии и мифологии. Многие произведения поздневикторианской эпохи разнообразны и неоднозначны по своей природе. В большинстве произведений викторианского искусства использовались яркие и жизнерадостные цвета, а также пристальное внимание к чрезвычайно мелким деталям в предмете. В викторианской живописи популярными были английские пейзажи с холмами и маленькими фермами.
Каковы были темы произведений искусства викторианской эпохи?
В значительной части произведений викторианского искусства, созданных на протяжении 19 века, фигурировали женщины. Особенно популярными были нагота, нимфы и пейзажи. Некоторые эксперты в области искусства того времени осуждали викторианское искусство за отсутствие тонкого подтекста. Другие рецензенты осуждали викторианское искусство из-за его типично жестких линий, которые, по их мнению, скрывали композиционную элегантность.
