Картины Яна ван Эйка представляли собой ранние инновации в развивающемся Северном Возрождении и нидерландском движении. Несмотря на то, что он был весьма уважаемой фигурой, некоторые аспекты его жизни остаются окутанными тайной, например, дата его рождения. Масляные картины Яна ван Эйка считались одними из лучших образцов зарождающейся живописи, а некоторые историки утверждают, что он был пионером в технике использования масла в живописи. Он не был первым, однако он поднял планку и установил новые стандарты, которые помогли привнести его в массовое сознание.
Оглавление
Наш список важных картин Яна ван Эйка
Влияние работ Яна ван Эйка было настолько огромным, что говорить о масляной живописи без его упоминания практически бессмысленно. Художник XV века скончался в 1441 году, скорее всего, в возрасте около 50 лет, оставив после себя чуть более 20 работ маслом. Его искусство и сегодня восхищает людей, о чем свидетельствует тот факт, что антропоморфный ягненок, изображенный на его знаменитом Гентском алтаре, стал непредвиденным глобальным явлением в Интернете.
Ян ван Эйк — самый известный представитель живописной семьи, которая, как говорят, возникла в городе Маасейк.
Считается, что Хуберт, брат ван Эйка, взял на себя ответственность за художественное образование ван Эйка и сделал его своим младшим учеником у себя дома. Ван Эйк работал при двух дворах, получив видный пост у Филиппа Доброго и служа у Иоанна Баварского. Работа при дворе обеспечила ему редкое для художника видное социальное положение, а также творческую автономию от гильдии художников Брюгге.
Портреты Губерта (слева) и Яна (справа) ван Эйка после росписи Гентского алтаря, 1572 год; рис: Anonymous; стихи Domenicus Lampsonius, Public domain, via Wikimedia Commons
Многие компоненты его работ, несомненно, были призваны укрепить его собственное имя и таланты, особенно его привычка подписывать и датировать свои фотографии, что в то время считалось странным. Его творческая репутация отчасти основана на его непревзойденных способностях в визуальном иллюзионизме. Его способность контролировать характеристики масляной среды была решающей в достижении таких результатов.
Начиная с XIV века критики выражали удивление и восхищение его способностью воспроизводить реальность, особенно воздействие света на различные субстраты, начиная от тусклых отражений на непрозрачных поверхностях и заканчивая блестящими, меняющимися бликами на металлах или стекле.
Святой Франциск Ассизский, получающий стигматы (1430)
| Дата завершения | 1430 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 12 см x 14 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей искусств Филадельфии |
Ян ван Эйк считается пионером реализма не только за свои точные портреты, но и за захватывающие дух живописные пейзажи, которые, кажется, исчезают далеко на горизонте. Такие произведения искусства, как «Святой Франциск Ассизский», более чем на 50 лет предшествовали реалистичным пейзажам Леонардо да Винчи.
Эта картина маслом Яна ван Эйка является примером эйковской атмосферной точки зрения и предвосхищает более поздний стиль голландского пейзажного жанра барокко. Ян ван Эйк создал этот сценарий среди скалистых гор, изображенных в мифе, но он также вставил на задний план небольшой оживленный нидерландский город, используя свой стиль миниатюрной живописи, который был характерен для ранних нидерландских произведений, посвященных Священному Писанию.
Это крошечное произведение изображает важное событие во время 40-дневного поста Франциска Ассизского в уединении на горе Пенна, когда монаху было откровение и он получил стигматы.
Святой Франциск Ассизский, получающий стигматы (1430-1432), Ян ван Эйк; Музей искусств Филадельфии, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Стигматы, которые никогда не исчезают, стали зримым напоминанием о его святости. Распятый Христос смотрит вниз на священников, Лео и Франциска, которые одеты в серо-голубые одеяния, обозначающие их как францисканцев. Усталые люди, с другой стороны, считаются физически неказистыми, а два священника не вписаны должным образом в окружающую обстановку (возможно, они были выполнены помощниками в мастерской художника).
Миниатюры, подобные этой, создавались в честь плодотворного путешествия или в качестве передвижного религиозного предмета для сопровождения верующего в путешествии.
Хотя в изображении этой сказки ван Эйк полностью придерживается традиционного францисканского повествования, по словам одного историка, «сценарий изображен как чудо, наблюдаемое в рамках полного охвата человеческого и природного существования». Это одна из первых картин в искусстве Северного Возрождения, на которой изображена жизнь святого Франциска Ассизского. Впервые картина была повторно приписана ван Эйку в 1857 году, за несколько лет до того, как стало известно, что она упоминалась в завещании Ансельма Адорнеса от 1470 года.
Портрет мужчины с голубым шапероном (1430)
| Дата завершения | 1430 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 22 см x 16 см |
| В настоящее время хранится в музее | Национальный музей Черты, Бухарест |
Эта скромная картина маслом демонстрирует компоненты, характерные для нерелигиозных портретов ван Эйка: творческая поза в три четверти на черном, простом фоне, глубокое освещение, подчеркивающее характерные черты модели, и поразительная способность художника передавать множество текстур различных тканей.
Внимание зрителя устойчиво, но созерцательно, так как он смотрит прямо перед собой, почти не замечая присутствия зрителей.
Возможно, наиболее заметным является тщательная проработка ван Эйком тончайших оттенков телесного цвета на руках и лице мужчины, особенно шевелящейся щетины, отрастающей в течение одного-двух дней — повторяющийся элемент в ранних портретных картинах ван Эйка.
Портрет мужчины с голубым шапероном (ок. 1430), Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Левая рука человека, похоже, лежит на стене, которая раньше была украшена бордюром. В правой руке он сжимает ленту, которая выходит из рамы в пространство зрителя. Пустая рама находится там, где художник обычно датировал и подписывал свое произведение, что делает этот образец весьма вероятным, но не бесспорным примером его ранней живописной техники. На несколько крупной голове натурщика надет чрезвычайно популярный, если только на короткое время, бирюзово-голубой шаперон, который позволяет отнести картину примерно к 1430 году.
Подобные портретные картины создавались по разным причинам, включая празднование какого-либо события, занятия или в память о нем.
Это произведение, которое сначала считалось изображением ювелира, теперь принято считать стилем живописи, распространенным для предложения руки и сердца. Небольшой размер работы подтверждает это предположение, поскольку она могла быть упакована и доставлена в семью невесты. Работы Яна было трудно повторить из-за точности деталей и чрезвычайно тонкого разделения характеристик текстур и источников света. Каждый элемент бытия был тщательно продуман, чтобы продемонстрировать величие Божьего творения.
Гентский алтарь (1432)
| Дата завершения | 1432 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 350 см x 460 см |
| В настоящее время хранится в музее | Собор Святого Баво, Гент, Бельгия |
Гентский алтарь — это массивный полиптих, посвященный темам триумфа и искупления. Это также произведение с проблемным прошлым, поскольку оно является самой разграбленной картиной в мире. Кроме того, после почти 400 лет, в течение которых картина считалась шедевром Яна ван Эйка, открытие, сделанное в 1823 году, поставило это утверждение под сомнение. Парадоксально, но сомнение вызвал почерк самого ван Эйка, который написал посвящение, гласящее: «Художник Хуберт ван Эйк, лучше которого никто не видел, начал работу; Ян, второй брат, с мастерством завершил ее».
Последняя строка может быть альтернативно переведена как «Ян, следующий по мастерству, закончил ее».
Гентский алтарь (1432), работы Хуберта и Яна ван Эйков; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В 2016 году было подтверждено, что посвящение принадлежит Яну ван Эйку, а найденные позже документы связывают Губерта с двумя подготовительными проектами, представленными совету Гента, подтверждая, что он приступил к выполнению контракта в начале 1420-х годов. После смерти Хуберта в 1426 году работа над алтарным образом была возобновлена под руководством Яна ван Эйка, пока, согласно посвящению, «Йоос Вийд не покрыл расходы на проект». 6 мая вы призываете его рассмотреть это произведение искусства».
Большинство историков считают, что признание этого значительного достижения должно быть разделено между двумя мужчинами; тем не менее, вопрос о том, где проходит граница, разделяющая их индивидуальный вклад, продолжает оставаться предметом споров.
Полная версия картины Хуберта и Яна ван Эйка «Гентский алтарь» (1432); Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Сочетание бесконечной замысловатости и величественного величия в «Гентском алтаре» Яна ван Эйка — это потрясающее достижение. Алтарь состоит из 24 отдельных панелей, причем 12 панелей видны в зависимости от того, закрыт или открыт алтарь.
Благовещение — главная тема закрытого алтаря, которая изображена на многих экранах в среднем слое, внутри несколько аскетичной камеры, которую иногда называют монастырем. Ангел Гавриил только что произнес фразу, написанную золотом на панелях, которая переводится как «Радуйся, кто воистину благословение, Царь с нами», а ответ Девы Марии, написанный вверх ногами, как бы увиденный сверху, гласит: «Смотри, служанка Божественная».
Человек в красном тюрбане (1433)
| Дата завершения | 1433 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 26 см x 19 см |
| В настоящее время хранится в музее | Национальная галерея, Лондон |
Ван Эйк был одним из первых художников в Северной Европе, создавших большое количество нерелигиозных портретов благородных и средних клиентов — стиль, который традиционно ограничивался правящей элитой общества. Портреты Ван Эйка были не только чрезвычайно тщательными, но он также стал первопроходцем в распространенной ныне позе — перспективе в три четверти.
Обычно на религиозных картинах и изображениях монархии человек должен был смотреть прямо на зрителя. В Италии в гуманистической среде эпохи Возрождения наблюдался всплеск светского портрета; благодетели чаще всего изображались в профиль, предположительно как отсылка к античности.
Эта картина является самым ценным из существующих портретов, и широко распространено мнение, что она знаменует собой еще один зарождающийся в то время жанр — автопортрет, и что это автопортрет ван Эйка.
Портрет мужчины в красном тюрбане (1433), Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В пользу этого утверждения говорит не только местоположение, но и рама, на которой написан девиз «Как могу», взятый из пословицы. Таким образом, в этом послании гордость достижения сочетается со смирением. Включение жизненной мантры — черта, обычно ассоциирующаяся с благородной и правящей элитой, и она также указывает на возвышенное положение художника. Лишь в нескольких работах Яна ван Эйка, одной из которых был портрет его невесты, он включил свой девиз.
Это может означать, что объект картины — близкий член семьи или, возможно, сам художник.
В сочетании с тонкими деталями, прямой взгляд художника на зрителя показывает его серьезное внимание, когда он создает произведение по своему подобию, с вытянутыми руками, поглощенный самой работой. Начиная с эпохи Возрождения, поджанр автопортрета служит визитной карточкой для художников, позволяя им продемонстрировать свое мастерство и творческое чутье. Замысловатое расположение красного шаперона, по которому можно узнать художника на других автопортретах ван Эйка, позволяет художнику продемонстрировать свое безупречное мастерство.
Портрет Арнольфини (1434)
| Дата завершения | 1434 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 82 см x 60 см |
| В настоящее время хранится в музее | Национальная галерея, Лондон |
Портрет Арнольфини» Яна ван Эйка — одно из самых признанных произведений в истории европейского искусства. В то время как Гентский алтарь был признан во всем мире в момент его создания, это произведение получило широкое признание лишь спустя более ста лет после его завершения. Двойной портрет в полный рост, сам по себе странный, изображает богатого мужчину и молодую женщину, держащихся за руки в тени. Когда он смотрит немного влево, правая рука мужчины поднята, как бы в знак приветствия или клятвы. Женщина, слегка склонив голову, смотрит ему в глаза.
Тонкое взаимодействие света и тени создает мирную близость.
Регулируемое количество света, например, проникающего через стекло слева от зрителя, и тени служат для объединения композиции, что является отличительной чертой реализма ранней фламандской живописи. Огромное мастерство художника, особенно в золотом светильнике и изогнутом зеркале на задней стене, подтверждает, что Ян ван Эйк был назван «королем масляной живописи».
Портрет Арнольфини (1434) Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Портрет в полный рост был очень редким явлением в эпоху раннего Возрождения, но в итоге он оказал значительное влияние на художников многих эпох. Тем не менее, «Портрет Арнольфини» Яна ван Эйка остается источником споров среди исследователей и ученых относительно деталей того, как это произведение искусства было заказано.
Зафиксированная оценка коллекций Маргариты Венгерской в 1516 году упоминает: «Огромная картина, которая называется «Эрнульт ле Фин со своей невестой в спальне», создана художником Иоганнесом». Но, чей родственник из клана Арнольфини и имя женщины долгое время оставалось загадкой. Каждый элемент картины был пронизан аллегорическим смыслом. Термин «маскировка» не означал, что послание было скрыто от его нынешней аудитории.
Напротив, считалось, что они поймут двойной смысл изображения, но вместо обычной или классической иконографии художник использовал обычные вещи для выражения смысла, основанного на общепринятом понимании конкретных аналогий.
Мадонна канцлера Ролина (1435)
| Дата завершения | 1435 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 66 см x 62 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей Лувра, Париж |
На протяжении всей своей профессиональной жизни Ян ван Эйк создал большое количество произведений искусства. Николас Ролин, выдающийся человек и меценат Нидерландов, заказал это изображение получателя, явившегося приветствовать Мадонну с младенцем Христом. Ролин был канцлером Филиппа Доброго и владел несколькими винодельнями в Аутене.
Это произведение искусства является примером традиции «священной дискуссии», когда эта тема становилась все более модной. Его также можно интерпретировать как портрет благодетеля Николя Ролена.
Убедительный натурализм ван Эйка в портрете в три четверти, в полный рост, вытеснил жесткую фронтальность старой традиции. Картина была создана для здания церкви канцлера в Аутене, Нотр-Дам-дю-Шастель, где она висела до тех пор, пока здание не сгорело дотла в 1793 году. После недолгого пребывания в соборе в Аутене она была перенесена в Лувр в 1805 году. Символика «Мадонны Ролена» столь же сложна, как и у «Портрета Арнольфини», и понятие «скрытая аллегория» в равной степени применимо и здесь.
Существуют явные и тесные связи с Ветхим и Новым Заветами, что придает персонажам дополнительную значимость.
Мадонна канцлера Ролина (ок. 1435) Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мрачный канцлер изображен склонившимся в поклоне перед Младенцем Иисусом и Девой Марией, одетым в золотой шелковый халат, украшенный мехом норки. Важная роль Марии, матери Христа, подчеркивается ее роскошно украшенным бархатным платьем с вышивкой, повторяющей чудеса бытия, и великолепным шипованным королевским головным убором, который несет херувим с перьями цвета радуги, символизирующий связь между небом и землей.
Иисус благословляет Ролина, сжимая в руках серебряный шар, символизирующий землю, и золотое распятие как напоминание о его земном и метафизическом суверенитете над всем сущим. Три романские арки эстетически соединяют статуи, одновременно ссылаясь на Святую Троицу. Выгравированные скульптуры на капители колонны изображают эпизоды из Бытия до грехопадения человечества и изгнания из Эдема.
В результате история развивается от мирских пороков, примером которых является Николя Ролен, к небесному милосердию и искуплению, которые изображают святые фигуры, переходящие из стороны в сторону.
Благовещение (1436)
| Дата завершения | 1436 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 90 см x 34 см |
| В настоящее время хранится в музее | Национальная галерея искусств, Вашингтон |
Эта картина маслом Яна ван Эйка имеет долгую историю, насчитывающую более 580 лет. Первоначально произведение было выполнено на деревянной панели, а затем перенесено на холст. Затем, на протяжении долгого времени, было предпринято несколько попыток сохранить картину. В настоящее время картина выставлена в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, где она подверглась дополнительной консервации. Реставраторы должны принимать сложные решения о том, что нужно отремонтировать, а что оставить, чтобы отразить историю картины и сохранить произведения искусства.
Когда произведение столь значимо, процесс его сохранения становится частью его истории.
Когда мы анализируем эту картину, нам многое нравится в ее эстетических характеристиках, расположении, оттенках, освещении, мы можем отвлечься, но чтобы полностью понять, что сделал Ван Эйк, нам нужна историческая и теологическая основа. С их помощью мы можем поднять наше восхищение на совершенно новый уровень.
Многие знаки в этом произведении узнаваемы по более ранним работам, посвященным Благовещению, в то время как другие специфичны для этого произведения. Школьное образование ван Эйка очевидно в учении, которое он впихнул в картину. Мария одета в одежду божественного, голубого цвета. Это, по сути, подтверждение того, что Мария хранит в себе всемогущество (Христа).
Благовещение (ок. 1434) Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Благовещение — это событие зачатия в религиозной теологии, и Мария обычно одета в голубое платье, чтобы сообщить наблюдателю, что Господь пришел на земную равнину и принял человеческий облик. Ангел Гавриил одет пышно и носит нимб, чтобы подчеркнуть, что он небесный и не от мира сего. Головной убор и одежда Гавриила усыпаны бриллиантами.
Величие ткани контрастирует с простым голубым платьем Марии, подчеркивая разделение земли и неба. Также использован иератический масштаб, что означает, что Мария и Гавриил значительно больше, чем должны быть, учитывая размеры здания. Иератический масштаб — это механизм, используемый для демонстрации значимости конкретных фигур.
Метафорическое послание, передаваемое ангелом и Марией, превалирует над натурализмом в этой картине.
Святая Варвара (1437)
| Дата завершения | 1437 |
| Медиум | Рисунок на панели |
| Размеры | 34 см x 18 см |
| В настоящее время хранится в музее | Королевский музей изящных искусств, Антверпен, Бельгия |
Картина Яна ван Эйка «Святая Варвара» является поздним произведением, которое исключительно отличается от его признанных работ. Это эскиз в серебряном острие с использованием светлых цветов масла и темного пигмента на основе мела и конского клея, а не законченная картина. Серебряное острие — это классическая техника, которая использовалась со времен Средневековья и была особенно заметна в эпоху Возрождения. Его также трудно довести до совершенства, поскольку нельзя удалить линии и получить подлинный черный цвет. Поэтому его использовали не как материал для рисования, а скорее для более тонких контуров и в качестве начального слоя для художественных произведений.
Несмотря на то, что некоторые участки раскрашены, а другие просто набросаны, ван Эйк уже пометил картину, что создает еще одну загадку в его творчестве: Является ли это законченным или незаконченным эскизом… или картиной?
Святая Варвара Никодимская (1437), Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В любом случае, для художника это первый случай, как самый старый сохранившийся набросок не на пергаменте или бумаге, или самая старая незавершенная картина на панели, которая все еще цела. Эти данные свидетельствуют о том, что фламандцы считали искусство ценной вещью самой по себе. Возможно, это та самая работа, которую Карел ван Мандер, фламандский художник и художественный критик, которого некоторые считают северным аналогом Джорджо Вазари, в начале 1600-х годов оценил как «более точно и идеально созданную, чем когда-либо могли быть законченные произведения других художников».
Фридрих Винклер, немецкий эксперт по искусству, утверждает, что это законченная работа, поскольку ни один подготовительный набросок не включал бы в себя столь сложные детали, и ссылается на две картины Марии XV века, которые, несомненно, были незаконченными на момент смерти художника.
На картине изображена юная святая Варвара, женщина сирийского происхождения, жившая во времена императора Максимиана, незадолго до того, как христианство было принято римлянами под властью Константина. Согласно преданию, ее привлекательность была настолько ошеломляющей, что родители заточили ее в темницу, чтобы держать под защитой, разрешая доступ к ней только им и тем, кто находился под их судом. В конце концов, отец разрешил ей выйти из здания после долгих лет одиночества и отказа от всех поклонников.
Мадонна в церкви (1440)
| Дата завершения | 1440 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 63 см x 48 см |
| В настоящее время хранится в музее | Гемальдегалерия, Берлин |
Внутреннее пространство прекрасного готического собора освещено потрясающим зрелищем Девы Мадонны с младенцем. Большинство искусствоведов сходятся во мнении, что эта картина была левым крылом разобранного и ранее разграбленного диптиха; ее противоположная сторона, скорее всего, была посвятительным изображением.
В последнем кадре Мадонна представлена как Царица Небес, в величественном головном уборе, усыпанном драгоценными камнями, и в императорских регалиях — малиновом платье, свидетельствующем о предстоящих страданиях Христа, задрапированном королевским синим плащом, отделанным золотым шитьем. Она ласкает Младенца Иисуса, который ведет себя просто как ребенок в любящих объятиях матери, в манере, напоминающей символ Элевсины из византийских традиций XIII века.
На первый взгляд кажется, что ван Эйк превратил священную тему, Мадонну с младенцем, в практически либеральную, хотя и величественную фигуру. Однако более глубокий взгляд многое говорит о методе ван Эйка.
Мадонна в церкви (ок. 1438) Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Обсуждая художественную технику Яна ван Эйка, обычно говорят об удивительно высоком уровне натурализма, которого он достиг, что ранее было неслыханно для живописи. Тем не менее, не все в этих произведениях так, как кажется. Несмотря на кажущееся впечатление формы, большинство церковных интерьеров, изображенных на его религиозных картинах, полностью вымышлены.
Ван Эйк манипулирует видимой реальностью для достижения своих целей. Реалистичные предметы не изображаются, за исключением символизма. Его точное изображение тщательно отточено, тем не менее, оно совсем не является достоверно информативным.
Богатство метафорических черт в структурном декоре ван Эйка, таких как скульптурные изображения из жизни Девы Марии на экранах хоров, деревянная фигура Мадонны с младенцем и крылатые ангелы, поющие гимны из песенника в проходе справа от наблюдателя. Если рассмотреть уникальные особенности «Мадонны в церкви», то это становится понятным. Например, размер Мадонны с младенцем не соответствует ее окружению; она возвышается даже над великолепными сводами аркады.
Распятие; Страшный суд (1441)
| Дата завершения | 1441 |
| Медиум | Масло на панели |
| Размеры | 56 см x 19 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей Метрополитен |
Диптих «Распятие и Страшный суд», последний в нашем списке работ Яна ван Эйка, состоит из двух крошечных живописных панелей, части которых были выполнены коллегами по мастерской. Этот диптих известен своим сложным и чрезвычайно детализированным символизмом, а также техническими навыками, необходимыми для его завершения. Он был создан в небольшом масштабе и предназначался для личного посвящения. На оригинальных позолоченных рамах изображены латинские тексты из Библии.
Распятие изображено на крайней левой панели, с далекой перспективой Иерусалима.
Распятие» (1440-1441), левая часть диптиха, автор Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons.
На картине изображены плачущие ученики Христа на переднем плане, солдаты и зрители, окружившие крест на среднем плане, и три распятых трупа в верхней трети картины. Распятие было жестоким видом смертной казни, когда заключенного привязывали или прибивали к огромному деревянному кресту и оставляли мучиться в течение нескольких дней перед смертью. История распятия Иисуса Христа имеет большое значение для христианства, и распятие является главной религиозной эмблемой для многих христианских конфессий.
На картине справа изображены образы Страшного суда.
Страшный суд (1440-1441), правая часть диптиха, автор Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В нижней части картины изображен адский пейзаж, в центре — воскресший ожидающий приговора Христос, а в верхней трети — Христос в окружении апостолов, учеников, священников и аристократии. В верхней трети картины также можно увидеть стихи на латыни, греческом и иврите. Страшный суд является центральным понятием в трех основных авраамических религиях: исламской, иудейской и христианской. Он отражает основанную на судьбе точку зрения, согласно которой наша вселенная завершается воскрешением умерших и последним судом над каждым из нас.
На этом мы завершаем список важных картин Яна ван Эйка. Теперь легко понять, почему он был такой влиятельной и важной фигурой — не только при жизни, но и в течение сотен лет после нее. Способность ван Эйка визуализировать сложные религиозные темы сделала его знаменитым среди образованных людей своего времени.
Часто задаваемые вопросы
Действительно ли ван Эйк изобрел масляную живопись?
То, что Ян ван Эйк был изобретателем масляной живописи, является давно известным «фактом». Однако давнее мнение о том, что Ян ван Эйк изобрел масляную живопись, давно развенчано. Высыхающие масла использовались в качестве связующего пигмента в картинах на протяжении тысячелетий до того, как ван Эйк взял в руки кисть.
Почему масляные картины Яна ван Эйка были так знамениты?
Картины Яна ван Эйка были идеальным воплощением нового вида живописи — масляной. Его совершенствование этого средства стало важным фактором в распространении популярности масляной живописи. Принятие им этого средства значительно изменило направление развития искусства живописи.
