Минималистское искусство, или искусство минимализма, — это направление изобразительного искусства и дизайна, в котором основное внимание уделяется главным элементам произведения искусства. Оно фокусируется на заполнении пространства вокруг произведения искусства и на том, как оно взаимодействует со зрителем и наоборот, убирая лишние элементы. Минимализм зародился, прежде всего, в Нью-Йорке в начале 1960-х годов, как движение после Второй мировой войны, в ответ на субъективный характер абстрактного экспрессионизма.
Оглавление
Введение в минималистское искусство
Художественное движение минимализма включает в себя множество различных направлений искусства, таких как минималистская скульптура, дизайн интерьера и, конечно же, живопись. Оно зародилось в Америке в Нью-Йорке в 1960-х и 1970-х годах, когда некоторые художники почувствовали, что субъективность абстрактного экспрессионизма была слишком сложным способом изображения искусства.
Абстрактный экспрессионизм считался слишком личным и выражающим эмоциональное состояние и внутренний мир художника, а буквальное применение кисти отображало его внутреннее состояние. Примеры этого стиля искусства можно найти, глядя на таких художников, как Джексон Поллок, Франц Клайн и Виллем де Кунинг, которые были предшественниками абстрактного экспрессионизма в 1940-х и 1950-х годах.
Более молодая группа художников возглавила движение минималистического искусства. Они отвернулись от несколько напряженной самовыразительной природы абстрактного экспрессионизма, намеренно «включив» в свое искусство меньше, создав таким образом более минималистичное произведение абстрактного искусства. Известная поговорка «меньше — значит больше» описывает искусство минимализма — больше или меньше, однако в этом направлении искусства, безусловно, есть еще много чего интересного.
Слова, которые лучше всего описывают идеи минимализма, — это редукционизм, простота, чистота, гладкость и почти все, что передает фундаментальные аспекты произведения искусства.
Фрэнк Стелла — известный художник, гравер и скульптор, он известен как один из предшественников художественного движения минимализма. После окончания Принстонского университета Стелла переехал в Нью-Йорк в 1958 году. Он увлекся абстрактным экспрессионизмом, но был не согласен с его субъективными и метафорическими аспектами. В свои 20 лет Стелла работал маляром и начал использовать краски и кисти для создания своего минималистского искусства.
Он считал, что минималистская живопись — это «плоская поверхность с краской на ней — и ничего больше», которая изображает буквальный цвет и форму на поверхности без какого-либо другого «скрытого» смысла или символизма, который можно увидеть в произведениях предшествующих направлений искусства. Его серия под названием «Черные картины» (1959) отражает эту идею: она состоит из холста с линиями или полосами черной краски, нанесенными на него в виде различных узоров, причем белый фон холста изображен в виде линий или полос между черными.
Фрэнк Стелла был вдохновлен работами других художников-минималистов, таких как Джаспер Джонс и Барнетт Ньюман, чьи произведения выглядели более плоскими в своих пространствах. Дональд Джадд, еще один художник из движения минимализма, в 1965 году опубликовал статью под названием «Конкретные объекты». Наряду с Джаддом, другие художники публиковали различные статьи, например, Роберт Моррис, который написал «Заметки о скульптурах» в 1966 году, и Сол ЛеВитт, который написал «Параграфы о концептуальном искусстве» в 1967 году.
Все вышеупомянутые публикации стремились описать стиль и природу Минимализма и то, как создавать минималистское искусство, начиная с эстетики и формы, как конкретное произведение искусства интерпретируется в зависимости от условий и контекста, и как процесс формирования идей и концептуализации не менее важен, чем эстетическая привлекательность.
Основы искусства минимализма
Хотя минимализм стал доминирующим художественным течением в Америке в 1960-х годах, его принципы и характеристики можно найти в художественных движениях и произведениях искусства 1900-х годов, а другие источники связывают его с художественной выставкой Incoherents в Париже в 1882 году. На выставке была представлена картина французского поэта и драматурга Поля Билло под названием Combat de Nègres dans un Tunnel («Негры дерутся в туннеле», 1884), полностью черная по цвету и композиции.
Картина Казимира Малевича под названием «Черный квадрат» («Black Square») 1915 года также намекает на идеи раннего минимализма, поскольку представляет собой черный квадрат на белом фоне. Черный квадрат» был первым дополнением к серии из четырех различных адаптаций, выполненных Малевичем. О своем конкретном произведении, «Черном квадрате», Малевич заявил, что «именно с нуля, в нуле, начинается истинное движение бытия», полностью переходя к фундаментальной природе, присущей созданию произведения искусства.
Черный квадрат (1915) Казимир Малевич; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Другие художественные движения, такие как Баухаус и Де Штиль, оказали влияние на художников-минималистов, особенно когда произведения этих направлений выставлялись в Нью-Йорке. Движение Баухаус зародилось в Германии в 1919 году. Как художественная школа, оно изучало различные идеи минимализма в живописи, ремесле, дизайне, а позже и в архитектуре, сосредоточившись на идеях функциональности в сравнении с эстетикой.
Голландское художественное движение De Stijl, возникшее в Нидерландах в 1917 году, сосредоточилось на основах создания искусства, придерживаясь основных цветов, включая только черный и белый. Кроме того, художники в основном использовали наиболее фундаментальные формы и очертания на горизонтальной и вертикальной плоскостях.
Важные концепции минималистского искусства
Одной из важнейших характеристик минималистского искусства является то, что оно представляет собой бунт против экспрессивной и абстрактной природы экспрессионистского искусства, некоторые даже называют его бунтарским по своей природе, поскольку оно стремится полностью передать самые простые и фундаментальные значения цветов и форм, другими словами, оно не ставит своей целью придать какой-либо другой смысл, кроме того, что видно глазом — нет никакой метафоры или высшего смысла в искусстве или дизайне.
Объективное и субъективное
Объективная природа искусства противопоставляется субъективной; личная интерпретация художника отходит, так сказать, «на второй план», а врожденное качество картины, формы является главной причиной существования минималистского искусства. Такие слова, как «отказ» или «бунт», являются четкими идентификаторами минималистского искусства, указывая на его радикальный подход как одного из направлений искусства 20-го века.
Монохроматические цвета
Еще одним отличительным признаком минималистского искусства является использование цвета, приверженность монохроматическим и основным цветовым палитрам. Это делает произведение искусства более нейтральным в своем подходе, и цвет не становится чем-то большим, чем он есть. Другими словами, цвета используются не для передачи личного самовыражения, а для передачи воздействия и работы как она есть.
The Gathering Anguish Strikes Beneath… (1982-1983) by John Francis Murphy; John Francis Murphy, Public domain, via Wikimedia Commons
Геометрические формы и очертания
Искусство минимализма определяется геометрическими формами, будь то картина на холсте или скульптура. Формы часто абстрагированы и не всегда эстетически приятны или осмысленны, но все это способствует минимализму и его отходу от более традиционной манеры создания произведений искусства и скульптуры, которые часто рассказывают историю, или, как некоторые называют это, повествование.
Здесь же форма или очертания не ставят перед собой цель рассказать историю, и ее определяет зритель.
Коммерческие материалы в сравнении с художественными
Часто минималистическое искусство создается с помощью обычных коммерческих красок, кистей и других промышленных материалов. Это еще больше подчеркивает постулаты минимализма: «что видишь, то и видишь», как метко сказал Фрэнк Стелла о своем искусстве и, в конечном счете, о самом движении минимализма.
Представление минималистского искусства в стилях и средствах массовой информации
Минималистское искусство представлено в различных стилях, начиная от визуального искусства, скульптуры, дизайна интерьера, инсталляций и заканчивая архитектурой. Ниже мы рассмотрим, как это художественное движение представлено в этих стилях, включая упоминание о выдающихся художниках.
Визуальное искусство
Визуальное искусство, или живопись, прошло через сотни лет своего существования, но когда речь заходит о картинах минимализма, вы увидите мир плоской двухмерности и геометрических форм, как будто трехмерный объект был расплющен на холсте. Часто эти картины просты в своих цветовых схемах, но они создают иллюзию глубины и пространства, что в свою очередь создает совершенно новое представление об искусстве. Вам захочется предположить, что в композиции есть какой-то смысл, но это будет исходить исключительно из ваших собственных предвзятых представлений об искусстве.
По иронии судьбы, хотя минималистское искусство было бунтарской реакцией на абстрактный экспрессионизм, многие художники участвовали в нем и черпали вдохновение из картин различных художников абстрактного экспрессионизма. Примером такого художника-минималиста является Барнетт Ньюман, который создавал композиции с плоским нанесением цвета. Его кисти также не следовали тем же узорам, что и во многих абстрактных картинах того времени.
Ньюман также был одним из предшественников живописи Color Field в 1940-х и 1950-х годах в Нью-Йорке. Этот подход использовал цвет в другой манере, нанося краску большими, непрерывными узорами или формами вместо эмоциональных мазков кисти, наполняющих работу. Художники-минималисты, такие как Фрэнк Стелла, также опирались на сторонников движения «Цветное поле», поскольку в ту эпоху эти направления тесно пересекались.
Васко, Человек в ночи (к Барнетту Ньюману) (1988), Рышард Васко; Рышард Васко, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Скульптура
Минималистская скульптура является большой частью этого движения, и трехмерность объектов является хорошим примером того, что представляет собой это движение. Основная характеристика этого направления заключается в том, что объекты просты и совершенно фундаментальны в своих формах. Например, куб есть куб, и художники-минималисты стремились изобразить объект исключительно таким, каким он был, и не придавать ему никакого другого значения. Кроме того, художники играли с представлением о том, как зритель будет рассматривать объект с точки зрения его частей и того, как они составляют целое.
Когда вы смотрите на пример куба, на ум приходит цитата минималиста Сола ЛеВитта из одной из его работ, где он сказал: «Самая интересная характеристика куба — это то, что он относительно неинтересен». Кроме того, минималистская скульптура — это объект, который не зависит от художников, которые его создают; другими словами, он может стоять сам по себе и не нуждается в художнике, чтобы придать ему смысл.
Минималистские объекты бывают разных форм и размеров, и для их создания используется огромное количество материалов. Художники часто используют пластик, металлы, например, алюминий, дерево, например, фанеру, стекловолокно и даже бетон. Скульптура не становится сентиментальной, и использование широко доступных материалов способствует этому факту.
Однако есть одна связь, которая выделяет минималистскую скульптуру, — это ее связь с пространством, которое она занимает. Некоторые источники утверждают, что минималистские скульптуры часто стоят на полу или мешают. Таким образом, каким бы безличным ни было минималистское искусство, в нем есть намек на намеренное размещение некоторых художников, и, возможно, это просто желание заявить о себе и не более того? Есть и интерактивность: некоторые работы можно перемещать в различные положения.
Бетонная скульптура без названия (1984) Дональда Джадда в Фонде Чинати; Фото: Emanue3Скульптура: Дональд Джадд, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мы можем найти это в примерах из «Рычага» Карла Андре (1966), который представляет собой линию из 137 огнеупорных кирпичей, расположенных квадратом рядом друг с другом и, кажется, прикрепленных к одной стороне стены. Зеркальные кубы Роберта Морриса (1965) — еще один пример минималистской скульптуры, которая занимает пространство и позволяет зрителю взаимодействовать с ней. Четыре куба Морриса расположены на равном расстоянии друг от друга, достаточно места, чтобы зритель мог пройти через них и вокруг них, и, несомненно, отражения, создаваемые зеркалами, усиливают эффект.
Это еще раз показывает, что минималистское искусство — это просто набор форм, материалов, цветов и текстур, не имеющих никакого внутреннего значения, кроме того, что они есть в пространстве, которое они занимают. Когда зритель взаимодействует с ним, возникает вопрос, создается ли смысл.
Дизайн интерьера
Исходя из вышесказанного, минималистское искусство и скульптура становятся частью пространства, в котором они находятся. Таким образом, с помощью этого качества можно улучшить пространство в сфере дизайна интерьера. В зависимости от формы и размера произведения искусства, или, как его еще называют, объекта, оно может разместиться практически в любом месте комнаты, гостиной или офиса — на полу, на стене или у стены, в углу или даже на холодильнике.
Поскольку минималистское искусство универсально и придерживается простоты форм и цветов, оно может дополнить атмосферу помещения, сделав его спокойным или более агрессивным, в зависимости от использования цветов и форм. В основном, минималистские скульптуры имеют четкие, чистые и гладкие линии, края и текстуры, которые в равной степени могут дополнить другие произведения искусства в интерьере.
Инсталляции
Инсталляции в минималистском искусстве можно увидеть в основном в виде световых инсталляций, где художники играют с тем, как свет влияет на пространство, в котором он находится. Используя флуоресцентные лампы, художники делали акцент на свете, а не на самой трубе, чтобы создать эффект. Художник Дэн Флавин использовал эту технику в своей серии под названием «Иконы» в 1961 году, состоящей из неглубоких коробок с флуоресцентными лампами по бокам и краям.
Это видно и во многих других его инсталляциях, где он использует пространство, чтобы определить, где и как будет располагаться его инсталляция. Флавин обсуждает свои световые инсталляции в документальном фильме «Американское искусство 1960-х годов», он говорит: «Хотя инсталляция должна выглядеть очень устойчивой, она легко воспринимается с легким парадоксом, поскольку лампы работают из углов и вместе с углами».
Без названия (Дону Джадду, колористу) 1-5 (1987) Дэн Флавин; Гранд Парк — Бордо, Франция от Франция, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Архитектура
Минимализм также применим к архитектуре, и, как уже говорилось, на него повлияли такие движения, как De Stijl, которые фокусировались на использовании прямых вертикальных и горизонтальных линий, максимально простых по форме и очертаниям, будь то живопись или архитектура. Таким образом, минималистское искусство следует идеям, которые мы видим, в частности, у De Stijl. Минималистская архитектура стремится исключить все элементы здания, которые кажутся «лишними», и остаться только с основными элементами, которые делают структуру и придают ей качество.
Минималистская архитектура часто имеет геометрические формы без украшений. Кроме того, в ней будет много повторений форм или очертаний, что часто называют «серийностью». Это просто означает расположение элементов произведения искусства или объекта в виде серии, где основной целью является передача простоты.
Это приводит к основному влиянию минималистской архитектуры: японской культуре. Архитектура минимализма опирается на многие понятия, которые можно найти в японской идеологии, которая исходит из таких понятий, как гармония, красота и неподвижность. Все они применяются в структурах и эстетике, сводясь к минимуму, но целенаправленно. Немецкий архитектор Людвиг Мис ван дер Роэ ввел термин «Меньше — значит больше», описывая способ создания своей архитектуры. Он использовал только самые необходимые аспекты здания, что в свою очередь достигало функциональной и визуальной цели.
Пожарная лестница в Копенгагене, Дания (1954-1955), автор — архитектр Арне Якобсен; seier+seier, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Известные художники-минималисты
Существует множество художников-минималистов, каждый из которых уникален в том, как они изображали и размещали свои картины, скульптуры и «объекты» в мире. Ниже мы рассмотрим лишь несколько выдающихся художников, которые проложили путь минимализму как художественному направлению. Эти художники известны не только своим минималистским абстрактным искусством, но и тем, что внесли радикально новые идеи и теории в искусство 21 века.
Дональд Джадд (1928-1994)
Дональд Джадд был американским художником, художественным критиком и теоретиком. После службы в армии он учился в многочисленных университетах с 1948 года, получив степень бакалавра по философии и продолжив теоретические исследования в магистратуре по истории искусств. Джадд горячо верил, что искусство должно быть независимым от художника, а взаимодействие произведения искусства с физическим пространством или окружающей средой было ключевой характеристикой его творчества и философии.
Для создания своих произведений Джадд использовал промышленные материалы, например, сталь, плексиглас, пластик и железо. Сочетание этих материалов создавало безличное ощущение от произведений искусства. Это также сильно отличалось от личного восприятия, наблюдаемого в абстрактном экспрессионизме. По иронии судьбы, Джадд не считал себя минималистом, но вместо этого стремился к важности объектов, помещенных в окружающую среду, и к тому, как сама среда влияет на объект.
Среди работ Джадда можно назвать его раннюю работу под названием «Без названия» (1968), которая представляет собой алюминиевый прямоугольник с коричневой эмалью, покрывающей его и придающей ему цвет. Хотя Джадд создавал картины, он больше тяготел к скульптуре, считая, что пространство важнее, чем пространство, созданное на холсте с помощью красок. Другая работа Джадда «Без названия» (1972) — это еще один ящик, сделанный из меди, внутренняя часть которого полностью окрашена в красный цвет. Помещенная на деревянный пол, холодность металла меняется на что-то более привлекательное и теплое благодаря отражению от дерева.
В работе Джадда «Без названия» (1973) он создал серию из шести ящиков из плексигласа и латуни, расположенных рядом друг с другом горизонтально и равноудаленных друг от друга. Последовательное размещение форм рядом друг с другом является повторяющейся темой в работах Джадда и подчеркивает его намерение создать определенное движение от взаимодействия форм, материалов и их цветов.
Без названия (DJ 85-51) (1985), скульптура из окрашенного алюминия, автор Дональд Джадд; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons
Джадд называл свои работы «конкретными объектами» — на самом деле, его эссе с аналогичным названием стремилось описать природу создания минималистского искусства и то, как объекты существуют между модальностями живописи и скульптуры, казалось бы, пересекаясь в своем использовании. Термин «специфические объекты» указывает на объект, который не называется скульптурой или картиной, а просто «объектом», созданным с определенной формой, выравниванием и размещением.
Этот сдвиг в номенклатуре является новаторским и четким заявлением в сторону от традиционных концепций наименования произведений искусства.
Сол ЛеВитт (1928-2007)
Сол ЛеВитт родился в Америке и получил степень бакалавра изящных искусств в Сиракузском университете в 1949 году. Кроме того, его путешествия в Европу позволили ему познакомиться с богатой историей искусства и художниками многовековой давности. После службы на войне он открыл собственную художественную студию в 1953 году в Нью-Йорке, одновременно обучаясь в Школе визуальных искусств. Его образование и карьера были преимущественно связаны с искусством: от работы клерком в Музее современного искусства (МОМА) до работы графическим дизайнером у И.М. Пея, известного архитектора.
ЛеВитт был заметным художником не только в движении минимализма, но и в концептуальном искусстве. Хотя он известен своими картинами, его скульптуры и инсталляции доминируют в художественном пространстве в прямом и переносном смысле. Его структуры различаются по размеру и форме, хотя его влияние исходит от формы куба, что легко заметить при просмотре его работ.
Настенная структура ЛеВитта «Синий» (1962) изображает маленький квадрат внутри большого квадрата, который также имеет форму холста. Используя масляную живопись для этой работы, ЛеВитт не злоупотребляет цветами и сохраняет форму как можно более простой. Эта работа считается игрой с традиционными произведениями искусства и идеей условности, что еще больше подчеркивается красным глазом в центре квадрата.
Стоящая открытая структура черного цвета (1964) — структурный пример из ранних инсталляций ЛеВитта. Она намекает на необходимый минимум в произведении искусства, показывая только каркас, или, как это принято называть, «скелет». Мы замечаем повторяющуюся тему формы куба в этой скелетной структуре, а также тот факт, что его работа напоминает человеческий рост — ее высота составляет 96 дюймов.
ЛеВитт часто использовал сталь или алюминий, но также применял шлак и бетон для создания других инсталляций. В качестве примера можно привести его работу под названием «Куб» 1985 года, выполненную из цемента в парке Базеля, Швейцария. ЛеВитт верил в процесс возникновения идеи произведения искусства и исследовал связь между идеей произведения искусства и тем, как она связана с художником. Более того, он считал, что идея является одной из основных частей произведения искусства.
Четырехгранная пирамида Сола ЛеВитта (1965) в саду скульптур Национальной галереи искусств; Дэвид из Вашингтона, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Роберт Моррис (1931-2018)
Роберт Моррис родился в Канзасе, но большую часть своей жизни прожил в Нью-Йорке. Он был многоплановым художником-минималистом и считался одним из ключевых теоретиков минимализма. Он специализировался на скульптуре, концептуальном искусстве, инсталляциях и различных других формах искусства, таких как ленд-арт и процесс-арт. Моррис получил образование, изучая инженерное дело, искусство и философию в различных университетах Канзаса и Орегона.
Скульптуры Морриса исследуют простые геометрические формы в больших масштабах, такие как кубы и различные прямоугольные формы. Зритель становился частью процесса в том, как он взаимодействовал с произведением искусства, особенно когда ходил вокруг большого произведения. Роберт Моррис написал в 1966 году эссе под названием «Заметки о скульптуре», в котором исследуется вышеупомянутый процесс просмотра и взаимодействия с конструкцией, а также то, как она «интуитивно» интерпретируется зрителем.
Лабиринт (1999), Роберт Моррис; Адриан Эстевес (Эстевоае), CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Ящик со звуком собственного изготовления (1961) представляет собой деревянный куб, или ящик, с записью звуков того, как он был сделан: Запись длится три с половиной часа. Эта конкретная работа иллюстрирует и демонстрирует простоту и фундаментальность произведения искусства в сочетании с процессом его создания.
Другая работа Морриса — «Без названия (L-образные балки)» 1965 года, которая состоит из трех L-образных структур, одинаковых по размеру и расположенных в разных местах. Эти три структуры просты и понятны по материалу и форме, не имеют никакого особого смысла, кроме того, что это просто три деревянные детали, расположенные рядом друг с другом, и, таким образом, являются примером природы минималистского искусства и отношений между художником и произведением.
Дэн Флавин (1933-1996)
Дэн Флавин родился на Ямайке, Нью-Йорк, рос в католической школе, а в 1954-1955 годах вместе со своим братом служил в ВВС США. В это время он изучал искусство в Мэрилендском университете в Корее, а в 1956 году продолжил обучение в Школе изящных искусств Ханса Хофмана в Нью-Йорке. Он также изучал историю искусства в Новой школе социальных исследований и изобразительное искусство (живопись и рисунок) в Колумбийском университете.
На Флавина также повлияли идеи абстрактного экспрессионизма, и он исследовал использование различных медиа, часто используя банки с улицы для своих коллажей. Флавин известен своими инсталляциями, в частности, с использованием флуоресцентных ламп и ламп накаливания. В его серии «Иконы» изображены восемь квадратных фигур, которые он сделал из различных пород дерева с лампочками по бокам.
Среди других ключевых работ — «Диагональ личного экстаза» (The Diagonal of May 25, 1963), на которой изображена желтая флуоресцентная лампа, почти выходящая из пола под диагональным углом на стену и, кажется, растущая как виноградная лоза, но в данном случае это свет. Эта работа была создана в честь Константина Бранкуши, румынского художника и скульптора, предшественника современной скульптуры.
Световые инсталляции Флавина исследуют взаимосвязь пространства, цвета и света, и он использовал это взаимодействие медиа в разных местах галереи, включая сборку различных форм. В качестве примера можно привести инсталляцию «Зелень пересекает зелень» (1966), изображающую ассамбляж, или, как говорил Флавин, «барьер», из флуоресцентных трубок, которые выглядят как большие зеленые заборы, пересекающиеся друг с другом.
Художественная инсталляция Дэна Флавина, Без названия (1980); Kmtextor, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Карл Андре (1935 — настоящее время)
Карл Андре — американский скульптор и художник. Он учился в Академии Филлипса в Андовере и после службы в армии переехал в Нью-Йорк в 1956 году. Он известен своими скульптурами, которые выглядят решетчатыми и линейными по структуре. Его геометрические узоры обычно создаются на полу, становясь платформой или цоколем произведения искусства, и привлекают зрителей к работе в иной манере, чем более традиционный способ разглядывания картины или хождения вокруг сооружения.
Андре называет себя «материалистом» из-за широкого использования различных материалов и изучения сущности каждого типа материи, которую он использует, варьируя между кирпичами, пластинами, слитками и различными промышленными материалами. Метод, который Андре использует для создания своих структур, больше напоминает процесс строительства, и он создает эти структуры в соответствии с окружающей средой, в которой они находятся, что, в свою очередь, определяет их размер и форму.
Скульптура Карла Андре «43 ревущих сорок» (1968) в КММ в Оттерло/ Нидерланды; Gerardus, Public domain, via Wikimedia Commons
Фрэнк Стелла (1936 — настоящее время)
Фрэнк Стелла — американский художник, специализирующийся на живописи, гравюре и скульптуре. Он окончил Принстонский университет по специальности «история». Он хорошо известен своим участием в минимализме, но также был частью постживописной абстракции Клемента Гринберга, которая подчеркивала более открытые и ясные поверхности в противоположность кажущимся перегруженным поверхностям, характерным для движения абстрактных экспрессионистов.
Несмотря на влияние таких абстрактных экспрессионистов, как Джаспер Джонс и Барнетт Ньюман, когда он переехал в Нью-Йорк в 1958 году, в абстрактных работах Стеллы не было того метафорического и метафизического смысла, который вкладывали в свои произведения многие абстрактные экспрессионисты. Одними из ключевых работ художника стали его серии «Черные картины» (1959), например, Die Fahne Hoch! (1959), что означает «Поднятое знамя».
В 1960-е годы Стелла ввел в свою палитру больше цветов, а также стал играть с различными изгибами и формами холстов. Он начал использовать медные и алюминиевые краски, а также холсты других форм, таких как U-образные или L-образные. Примером тому может служить его серия Irregular Polygon and Protractor, которая была вдохновлена круглыми городами на Ближнем Востоке, где он побывал.
Стальная скульптура Фрэнка Стеллы в форме цветка, Amabil (1995), расположенная у центра POSCO в Сеуле, Южная Корея; Ian Muttoo from Mississauga, Canada, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Минималистское искусство за пределами 20 века
Постминимализм возник в конце 1960-х — начале 1970-х годов, а сам термин был введен искусствоведом и историком Робертом Пинкусом-Виттеном. Будучи реакцией на некоторые принципы минимализма, он включил в себя элементы и влияние этого движения. Художники создавали разнообразные произведения искусства, некоторые из них намеренно делали акцент на традиционной, выразительной природе искусства, а некоторые были совершенно безличными в своем материальном представлении.
Как все приходит к концу, так и движение минималистического искусства на поздних этапах 1960-х годов. Многие художники продолжали развиваться по своему уникальному творческому пути и не стремились оставаться в рамках определенного направления. Однако это не остановило минимализм в искусстве, и в конечном итоге он создал новые основы и плацдарм для искусства и художников в 21 веке, охватив многие другие виды искусства, включая музыку, литературу и кино.
Взгляните на нашу веб-историю об искусстве минимализма здесь!
Часто задаваемые вопросы
Что такое минималистское искусство?
Минималистское искусство, иначе называемое минимализмом, возникло как художественное движение в начале 1960-х — начале 1970-х годов. Оно состояло из группы молодых художников, а также художников постарше, в основном базировавшихся в Нью-Йорке. Он возник как реакция на более экспрессивную, метафизическую природу своего предшественника, абстрактного экспрессионизма. Поэтому его также называют минималистским абстрактным искусством, поскольку многие художники также находились под влиянием абстрактного экспрессионизма.
Что означает минимализм в искусстве?
Минимализм в искусстве означает отход от традиционных представлений о том, что искусство должно означать нечто большее, чем то, чем оно является. Зрителям предлагается видеть произведение искусства таким, какое оно есть, и как оно занимает пространство. Зачастую минималистские произведения искусства создаются с помощью простоты и минимальных форм и линий, сводя работу только к ее основным качествам.
Какие качества определяют минималистское искусство?
Характерными чертами минималистского искусства является использование монохроматических цветов. Обычно это один или два цвета, включая доминирующее использование черного и белого. Включены различные геометрические формы, такие как квадраты и прямоугольники, расположенные рядом друг с другом в повторяющихся последовательностях, что известно как серийность. Другими качествами являются размещение «объектов» на вертикальных и горизонтальных плоскостях, часто включая пол вместо плинтусов, и использование промышленных материалов, таких как дерево, металлы, пластик, бетон, а также светильников.
