В начале XIX века живопись на открытом воздухе, или пленэр, становилась все более популярной среди художников-импрессионистов. Эта практика живописи позволила импрессионистам передать более эфемерные качества окружающей среды. Существует несколько различных методов, которые используют художники пленэра, чтобы запечатлеть сцену в мельчайших деталях. Импрессионисты смогли отразить эффект естественного света, как никогда раньше, с помощью живописи на пленэре.
Оглавление
Краткая история живописи на пленэре: Что такое пленэрная живопись?
Живопись на открытом воздухе имеет долгую историю в мире искусства, но широко практиковаться она стала только в начале 19 века. До этого многие художники сами смешивали краски, используя сырые пигменты. Эти пигменты нужно было измельчать и смешивать с краской, поэтому их переноска была неудобной. Большинство занятий живописью было строго ограничено студией. Живопись на пленэре стала приемлемым вариантом для многих художников после того, как в 1800-х годах тюбики с краской стали широко доступны.
Французские импрессионисты и живопись на пленэре
Барбизонская школа искусства во Франции сыграла центральную роль в росте популярности живописи на пленэре. Такие барбизонские художники, как Теодор Руссо и Шарль-Франсуа Добиньи, были сторонниками этого стиля живописи. Рисуя на открытом воздухе, эти художники могли запечатлеть, как погода меняет вид света в окружающей среде.
В 1860-х годах Пьер-Агюст Ренуар, Клод Моне, Фредерик Базиль и Альфред Сислей познакомились во время обучения у Шарля Глейра. Эти четыре художника обнаружили общую страсть к написанию сцен из современной жизни и пейзажей. Эта группа часто выезжала в сельскую местность, чтобы писать картины на пленэре. Используя естественный солнечный свет и недавно появившееся разнообразие пигментов, эти художники разработали новый стиль живописи. Этот стиль импрессионистской живописи был ярче и светлее, чем реализм барбизонской школы.
Поначалу этот стиль живописи был радикальным, но к концу XIX века импрессионистские теории проникли в академические круги и повседневную художественную практику. По всей Европе стали появляться небольшие колонии художников, специализирующихся на импрессионистской технике и живописи на пленэре. Импрессионисты-пейзажисты Анри Ле Сиданер и Эжен Шиго были частью колонии художников на Кот-д’Опал.
Пленэрная живопись в Италии
Во второй половине XIX века в Тоскане группа итальянских художников Маккьяйоли ломала устаревшие традиции академий. Начиная с 1850-х годов, эти художники писали большую часть своих картин на открытом воздухе, где они могли точно передать цвет, тень и естественное освещение окружающей среды. Практика живописи на пленэре связывает эту группу художников с французскими импрессионистами, которые стали известны несколькими годами позже.
Пленэрная живопись в английском пейзаже
В Англии живопись на открытом воздухе также стала преобладающей практикой среди художников-пейзажистов. Многие в Англии считают, что Джон Констебл был первым первопроходцем в живописи на пленэре примерно в 1813 году. В Англии, в частности, живопись на пленэре была основополагающей частью развития натурализма. В конце XIX века школа Ньюлина была активным сторонником техники пленэра.
Менее известные колонии художников, пишущих на открытом воздухе, возникали по всей Англии, включая коллектив в Амберли. Этот коллектив из Западного Сассекса сформировался вокруг получившего образование в Париже пейзажиста Эдварда Стотта. Поздние викторианцы любили атмосферные пейзажи Стотта. Живопись на открытом воздухе часто доводилась до крайности. Например, есть фотография Стэнхоупа Форбса, который пишет картину во время сильного ветра на пляже, причем его холст и мольберт привязаны веревками.
The Watering Place (1879-1918) by Edward Stott; Edward Stott, Public domain, via Wikimedia Commons
Живопись на открытом воздухе в Северной Америке
Практика живописи на пленэре распространилась и в Северной Америке, начиная со школы реки Гудзон. Многие американские художники, такие как Гай Роуз, отправились во Францию, чтобы учиться у французских импрессионистов. Коллекции американских импрессионистов выросли в районах с потрясающими пейзажами и большим количеством естественного света. Части американского юго-запада, западного и восточного побережья стали популярны среди художников благодаря невероятному освещению. Рисование на открытом воздухе стало основополагающей частью художественного образования, и многие художники совершали бесстрашные путешествия, чтобы изучать и писать великолепные пейзажи.
При поездках в различные места, как для студентов, так и для преподавателей, целью живописи en Plein air было передать специфические цвета и свет каждого места. Чтобы запечатлеть яркий солнечный свет Род-Айленда, американский художник Филип Лесли Хейл позировал моделям в саду своей тети. Способность американских художников передать ощущение открытого воздуха и настоящего солнечного света, пожалуй, лучше всего олицетворяет Эдмунд Тарбелл. Известный художник пленэра Уильям Мерритт Чейз известен не только своими картинами морских побережий и парков, но и уроками живописи на открытом воздухе, которые он давал в Летней художественной школе Шиннекока и других учебных заведениях.
Трудности рисования на пленэре и оборудование для их преодоления
Рисование на открытом воздухе создавало несколько проблем для первых сторонников пленэра. Это не только требовало от художников транспортировки всего их оборудования, но и было связано с проблемой переноса мокрых холстов домой, а также с погодными условиями. Погода была, пожалуй, самой большой проблемой для художников пленэра. Все последние разработки в области оборудования для живописи не могли учесть дождь и ветер.
Коробчатый мольберт, или французский мольберт, — одно из самых значительных изобретений 19 века. Нет единого мнения о том, кто первым разработал этот ящик, но невероятно портативные мольберты со встроенным ящиком для красок и телескопическими ножками значительно облегчили рисование на пленэре. Эти мольберты складываются до размеров портфеля, что делает их удобными для транспортировки и хранения, и они по-прежнему популярны среди художников.
Другой разработкой в области оборудования для живописи является ящик Pochade Box. Компактная коробка, в которой художники могли хранить свои принадлежности для рисования, также вмещала холст в крышке. В зависимости от конструкции, художники могли закреплять на крышке большие холсты, а некоторые конструкции имели встроенные отделения для хранения мокрых холстов. Хотя эти коробки изначально были предназначены для рисования на открытом воздухе, многие художники продолжают использовать их сегодня дома, в классе или студии.
Некоторые из самых известных художников, работающих на пленэре
Мы широко обсудили некоторых наиболее влиятельных художников, которые использовали технику пленэра. Такие художники пленэра, как Констебль, Моне и Ренуар, остались в анналах истории как одни из самых влиятельных представителей этого движения. Давайте рассмотрим их стили и практику более подробно.
Джон Констебл (1776-1837)
Многие искусствоведы считают Джона Констебла первым пионером живописи на открытом воздухе. Английский художник родился в Саффолке и прославился своими пейзажными картинами. Констебл обладал врожденной способностью точно и с чувством передавать цвета, свет, климат и безыскусный романтизм английской сельской местности. Изучая работы одного из величайших пейзажистов эпохи барокко Клода Лоррена, Констебл писал безукоризненно размеренные реконструкции пейзажей.
Картины Констебла отличаются характерной легкостью прикосновения. Он с поразительной точностью передает игру света и цвета на фоне английской сельской местности. Используя мелкие и ломаные мазки, подобные тем, что будут характерны для импрессионистов в более позднем веке, Констебл улавливал свет и движение так, что они искрились и танцевали на холсте.
В течение своей карьеры Констебл написал несколько портретов. Хотя эти портреты превосходны, Констебл не получал удовольствия от портретной живописи, поскольку она не была такой захватывающей, как пейзажи. Религиозная живопись была одним из жанров, в котором Констебл не преуспел. В течение года Констебл много перемещался по Англии. Летом он писал картины в Ист-Бергхольте, а на зиму уезжал в Лондон. Констеблу особенно нравился Солсбери, и он посещал его при каждом удобном случае. Его акварельная картина «Стоунхендж» считается одной из лучших.
Значительные работы
Только в возрасте 43 лет Констебл продал свою первую крупную картину. Белая лошадь» проложила путь для будущих крупномасштабных картин, длина которых часто превышала шесть футов. Возможно, самой известной картиной Констебла является «Вьюк сена», которую он написал в 1821 году. На картине изображена лошадь с телегой, пересекающая широкую реку на фоне больших холмов. Увидев эту картину на выставке в Академии, влиятельный французский художник Теодор Жерико похвалил Констебла. Именно благодаря Жерико арт-дилер Джон Эрроусмит впервые познакомился с «Вьюком сена», который он впоследствии приобрел. В 1824 году на выставке в Парижском салоне «Соломенный вьюк» получил золотую медаль.
The Hay Wain (1800), John Constable; Ernst Ludwig Kirchner, CC0, via Wikimedia Commons
Клод Моне (1840-1926)
Из всех французских художников-импрессионистов Моне, наверное, самый известный. Моне родился в Париже и начал рисовать еще в детстве. В юности Моне продавал карикатуры и портреты за карманные деньги. В подростковом возрасте Моне начал писать пейзажи на пленэре. Отслужив два года в армии, Моне вернулся в Париж и завязал крепкую дружбу с другими молодыми художниками. Именно из этой группы художников возникло движение французских импрессионистов. Одержимость Моне рисованием на открытом воздухе стала обычной практикой импрессионистов.
В отличие от многих художников своего времени, Моне полностью посвятил себя живописи вне студии. Игра естественного света и тени на любой поверхности была главной темой многих работ Моне, и он считал, что живопись на открытом воздухе — лучший способ передать это. В результате своего интереса к свету и цвету Моне рисовал многие предметы, которые другие художники не рассматривали. Будь то стог сена или красное кимоно, Моне находил красоту в том, как свет играет на них.
Моне не только бросил вызов условностям сюжета, но он также бросил вызов традиционному пониманию того, что значит закончить картину. Моне и другие ранние художники-импрессионисты работали быстро, чтобы поймать конкретный момент света. Многие традиционные художники высмеивали стиль Моне за то, что он был не более чем грубыми набросками.
Значительные работы
Самая известная серия работ Моне — «Водяные лилии». Эта коллекция из около 250 картин маслом, изображающих его сад водяных лилий в Живерни, известна во всем мире. Моне писал «Кувшинки» бесчисленное количество раз, запечатлевая свет на воде в постоянно меняющемся климате и цвете. Эти картины полностью сосредоточены на воде, без какого-либо изображения неба или земли. Любой намек на небо или землю — не более чем отражение в воде. Прежде чем приступить к созданию этой серии картин, Моне посадил кувшинки в своем саду в Живерни. Расположение цветов в этом саду было очень похоже на композицию картины. Последние 30 лет своей жизни Моне посвятил тому, чтобы запечатлеть постоянно меняющийся мир своего пруда с кувшинками.
Еще одна влиятельная серия из нескольких картин Моне — «Стога сена». В этой серии 25 основных картин, каждая из которых изображает стог собранной пшеницы. Моне начал писать эту серию в конце 1890 года и продолжил в следующем году. Значение этой серии заключается в том, как Моне смог передать изменения в атмосфере, свете и цвете. Эта серия является шедевром импрессионизма и выставляется по всему миру.
Водяные лилии (1906), Клод Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919)
Еще один великий французский художник-импрессионист, Пьер-Огюст Ренуар нашел влияние в творчестве ранних художников Барбизонской школы. Рисуя пейзажи на протяжении всей своей карьеры, Ренуар был вдохновлен натуралистическим подходом этих художников к изображению пейзажей. Чистые пейзажи, или пейзажи без каких-либо признаков человеческой деятельности, были наиболее распространенными темами для этих барбизонских художников и Ренуара.
Ренуар последовал примеру барбизонских художников и писал преимущественно на открытом воздухе, или en Plein air. Рисуя на открытом воздухе, Ренуар часто создавал небольшие этюды для будущих работ и завершал картины за один присест. Во многих картинах Ренуара можно увидеть быстрые мазки кисти, нечетко очерченные формы и грубую фактуру поверхности, характерные для раннего импрессионистского стиля. Ренуар использовал эти приемы, чтобы передать атмосферные условия и изменения света, которые занимали центральное место в живописи импрессионистов.
Значительные работы
Быстрые и несмешанные мазки, характерные для стиля Ренуара, очевидны в «Порыве ветра». Эта картина полна противоречий. Мазки создают пейзаж, который кажется почти эскизным, и этот эффект только усиливает ощущение атмосферы ветреного дня. Напротив, то, как Ренуару удается передать световые блики и движение воздуха, невероятно живо. Считается, что Ренуар завершил эту картину на пленэре за один присест.
В 1877 году Ренуар среди прочих выставил картину «Сена в Шампрозе». Когда он посетил Шампрозе, чтобы написать заказной портрет, Ренуар был очарован сельской местностью. На этой картине мы видим быстрые мазки кисти и смелые, несмешанные цвета, характерные для импрессионистского стиля.
Берега Сены в Шампрозе (1876), Пьер-Огюст Ренуар; Пьер-Огюст Ренуар, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Некоторые рекомендуемые материалы по живописи на пленэре
Живопись на пленэре имеет долгую и красивую историю. Начиная с ранних художников-натуралистов, таких как Констебл, и продолжая во многих частях мира сегодня, живопись на открытом воздухе имеет определенное очарование, которое не может заменить студия. Если вы хотите узнать больше об истории живописи на пленэре, мы рекомендуем вам три книги.
The Work of Art: Пленэрная живопись и художественная идентичность во Франции XIX века
В этой потрясающей книге в твердом переплете автор Антея Каллен исследует развитие художественной идентичности среди ранних французских художников-импрессионистов. Благодаря анализу портретов коллег-художников, автопортретов, гравюр, фотографий и студийных изображений выдающихся художников-импрессионистов, вы получите представление о развитии авангардной живописи во Франции. Эта книга со 180 черно-белыми и цветными иллюстрациями рассказывает о том, как пейзажная живопись и, в частности, картины пленэра стали движущей силой импрессионистской революции.
- Анализ выдающихся французских художников-импрессионистов 19 века
- Влияние живописи «пленэра» на импрессионистскую революцию
- Изучение самопрезентации и методов живописи художников.
Эта книга предлагает больше, чем простую историю художественного движения. Каллен тщательно исследует социальные, перформативные и эстетические элементы живописи на пленэре. Она также внимательно изучает материалы и техники, которые способствовали росту популярности живописи на открытом воздухе, и предлагает вдумчивый комментарий к растущему движению импрессионистов.
В свете Италии: Коро и ранняя живопись под открытым небом
Мы лишь вскользь коснулись практики живописи на открытом воздухе в Италии, поэтому если вы хотите глубже изучить эту часть истории искусства, мы не можем не порекомендовать вам эту книгу. Хотя практика рисования на открытом воздухе чаще всего ассоциируется с импрессионистами, ранняя живопись под открытым небом имеет долгую историю в Италии.
- Выдающиеся историки искусства обсуждают историю возникновения живописи на открытом воздухе.
- ранняя история, теория и практика, а также места, где была создана живопись под открытым небом
- Обсуждается и воспроизводится богатый выбор соответствующих картин
Эта книга представляет собой собрание дискуссий выдающихся искусствоведов Сары Фаунс, Питера Галасси, Филипа Конисби, Джереми Стрика и Винсента Помареде. Вместе они рассматривают раннюю историю итальянской живописи под открытым небом, ее значение, теорию и практику. Книга содержит богатый выбор репродукций картин и фотографий. Вы сможете увидеть, как прекрасный итальянский пейзаж вдохновлял художников из Франции и других европейских стран.
Балтийский свет: Ранняя живопись под открытым небом в Дании и Северной Германии
В начале 19 века многие художники из Германии и Дании, учившиеся в Риме и Париже, привезли домой концепцию живописи на пленэре. Атмосферные условия и свет на севере страны идеально подходили для этого стиля пейзажной живописи, особенно в долгие летние дни. В этой книге рассматриваются работы нескольких голландских и немецких художников-пейзажистов 19 века. Каспар Давид Фридрих, наиболее известный как создатель романтического стиля, рассматривается подробно.
- Основное внимание уделяется художникам и картинам периода «пленэра».
- Представлены топографические пейзажи, панорамы и многое другое.
- Включает эссе выдающихся авторитетов для обсуждения этого движения
В дополнение к целому ряду эссе искусствоведов, обсуждающих различные аспекты северогерманского и датского движения живописи под открытым небом, эта книга содержит множество потрясающих пейзажей, портретов и панорам. Из этой книги вы узнаете о том, как стиль живописи en Plein air отвергал моральный и интеллектуальный подтекст неоклассических пейзажей. Если вы интересуетесь голландским и немецким искусством или живописью под открытым небом, мы настоятельно рекомендуем вам эту книгу.
Художники, пишущие под открытым небом сегодня
До сих пор в этой статье мы рассматривали преимущественно художников 19 века, но практика рисования на открытом воздухе жива и сегодня. Ниже мы приводим опыт нескольких художников, которые продолжают рисовать на открытом воздухе в различных техниках.
Брайан Шилдс
Для Брайана Шилдса рисование на открытом воздухе — это исследование того, как вы представляете природные элементы. Живопись на пленэре может быть сложной, и для Шилдса самым сложным аспектом является представление на одном небольшом холсте всех своих чувственных впечатлений от окружающей среды — запахов, звуков, эмоций и видения. Шилдс часто считает, что ему нужно сделать быстрый набросок или сфотографировать сцену, а затем вернуться в свою студию, чтобы сгустить воспоминания с помощью живописи. После почти 30 лет работы на открытом воздухе Шилдс предпочитает собирать образы во время долгих прогулок, а затем возвращаться в свою студию, чтобы скомпилировать их.
Дэвид Гроссманн
Дэвид Гроссманн родился в Колорадо, но его детство прошло в Чили. Карьера художника помогла ему объехать весь мир, но сейчас он живет в Колорадо со своей женой. Пейзажные картины Гроссманна невероятно выразительны, они стирают границы между памятью, реальностью и воображением. Гроссманн всегда был художником, и свое формальное образование он получил в Академии искусств Колорадо и у Джея Мура, известного пейзажиста.
Для Гроссмана живопись — это способ общения с людьми. Его картины с изображением безмятежных пейзажей и тихого, бдительного неба отражают стремление найти убежище и покой. Он надеется, что его картины передают это чувство убежища, чтобы другие могли разделить его с ним.
Гроссманн объединяет различные старинные техники с современной эстетикой, и таким образом его работы преодолевают разрыв между старым и новым. Как правило, Гроссманн наносит светящиеся слои пигмента с тщательно проработанной текстурой поверхности на деревянные панели ручной работы. Для Гроссманна этот трудоемкий процесс является в высшей степени медитативным.
Работы Гроссманна были отмечены такими наградами, как Southwest Art Award of Excellence и Artists Choice Award. На протяжении многих лет Гроссманн выставлял свои работы по всей Европе и Северной Америке.
Фрэнсис Б. Эшфорт
Выросшая в семье художников, Фрэнсис Б. Эшфорт всегда тяготела к цвету и линиям. На ферме своих дедушки и бабушки в Нью-Гэмпшире Эшфорт культивировала свое увлечение линией горизонта, которая часто встречается в ее пейзажах, написанных на пленэре. Своими работами Эшфорт надеется почтить наследие своей семьи как художников и землевладельцев.
Для завершения своих работ Эшфорт использует сочетание живописи на открытом воздухе и студийной живописи. Иногда она завершает рисунок полностью в поле, а иногда создает рисунки на природе, чтобы вернуть их в студию. Вода и горизонт между водоемами и сушей всегда были любимой темой для Эшфорт. Камень — еще одна тема, которой Эшфорт не может насытиться. Для нее камень так же прекрасен, как и кустарник, который покрывает его в летние месяцы. Эшфорт говорит, что наши индивидуальные воспоминания определяют наше восприятие мира, поэтому ее искусство — это прямая связь ее прошлого, настоящего и будущего.
Джейн Шонфельд
Джейн Шонфельд предпочитает работать на пленэре пастелью. Большую часть своей жизни Шонфельд занимается творчеством на открытом воздухе, и ее абстрактные работы часто отражают свет, цвета и ритмы мира природы, который она очень любит. Большая часть работ Шонфельд полностью абстрактна, но ее игра с цветом и формой передает определенный уровень эмоциональности.
Когда Джейн рисует на улице, она чувствует волнение и напряжение по мере того, как прощупывает открывающийся перед ней пейзаж. Часто в этих работах запечатлена не сцена, а скорее ощущение места. Для Шонфельд энергия, которую она испытывает в конкретном месте, гораздо важнее и гораздо больше влияет на конечную работу, чем то, что она видит глазами.
Живопись на пленэре имеет долгую международную историю. Начиная с первых натуралистов и французских импрессионистов и заканчивая современными художниками, живопись на открытом воздухе была популярной техникой. Рисование пейзажа изнутри, кажется, захватывает его сущность очень реальным способом, который является уникальным для этого метода.
