Спорное искусство, также называемое «оскорбительным искусством», на протяжении многих лет находило множество способов вызвать отвращение, возмущение и ужас в обществе. Многие произведения искусства, начиная с 16 века и до наших дней, считаются примерами спорных картин из-за реакции, которую они вызвали в обществе. Однако провокационные произведения искусства также сильно заинтриговали общество, а некоторые работы обсуждались и дебатировались на протяжении многих лет. Ниже мы рассмотрим некоторые из самых провокационных произведений искусства, когда-либо созданных.
Оглавление
Что такое спорное искусство?
Общая цель спорного искусства, как правило, заключается в том, чтобы как можно больше спровоцировать аудиторию. Некоторые художники, в частности, приложили немало усилий для достижения этой цели в своих работах и, как считается, способствовали росту полемики вокруг того, что является приемлемым по традиционным стандартам искусства. Так как некоторые произведения искусства считались действительно оскорбительными, когда их показывали обществу, происходили ответные действия, такие как публичное уничтожение и цензура произведений искусства, что только увеличивало популярность работ.
Независимо от эпохи, всегда находились художники, которые смело шли против господствующих традиций своего времени и изображали темы, которые считались запретными и по существу запрещенными.
Поскольку эти произведения искусства обычно подвергались публичному осуждению и часто запрещались, это способствовало проведению важных дискуссий о свободе творчества и самовыражения художников. Благодаря тому, что противоречивое искусство оказало большое влияние на общество, появившиеся произведения вдохновляли бесчисленное множество людей на протяжении веков.
Le Déjeuner sur l’herbe («Обед на траве», 1863) Эдуарда Мане, нагота которого вызвала много споров в свое время; Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Несмотря на то, что спорное и оскорбительное искусство вызывает бурное негодование, оно является ценной средой для важных разговоров. Известно, что искусство служит не только для визуального восприятия, оно давно используется для создания сообщений, которые преодолевают языковые барьеры. Конкретные произведения, которые считаются провокационным искусством, послужили столь необходимой искрой для стимулирования важных дискуссий на определенные темы. Даже если аудитория не разделяет высказывания, мнения, собранные в этих произведениях искусства, дают представление о другой стороне спора.
По сути, спорное искусство позволяет нам заглянуть внутрь себя и оценить подлинность наших собственных убеждений, поскольку эти произведения служат отражением мышления художников и общества. В 21 веке мы уже не чужды появлению противоречивых картин и произведений искусства.
По мере развития других эпатажных направлений искусства, таких как дадаизм, кубизм, фовизм и современное искусство, в дополнение к различным политическим и социальным изменениям, это в конечном итоге проложило путь к появлению провокационного искусства, которое существует и сегодня.
Известные противоречивые художники и их работы
Ирония провокационного искусства заключается в том, что, несмотря на его спорность, большинство этих произведений искусства считаются величайшими работами, созданными в истории. То же самое можно сказать и о художниках, которые являются одними из самых известных и обсуждаемых творческих личностей сегодня. Включая изображения полностью обнаженных тел, открытое проявление сексуальности и даже вопиющее использование замаскированных готовых произведений искусства, спорное искусство продолжает расширять границы во всех сферах.
Ниже мы рассмотрим 15 самых противоречивых произведений искусства за всю историю человечества.
Страшный суд (1536 — 1541) Микеланджело
| Дата | 1536 — 1541 |
| Средство | Фреска |
| Размеры | 13,7 м x 12 м |
| Где находится в настоящее время | Сикстинская капелла, Ватикан |
Первое спорное произведение искусства в нашем списке — легендарный «Страшный суд», написанный великим Микеланджело. Созданная между 1536 и 1541 годами, когда Микеланджело было 67 лет, эта великолепная фресковая картина занимает всю алтарную стену Сикстинской капеллы в Ватикане. Написанная почти через 25 лет после завершения строительства Сикстинской капеллы, «Страшный суд» представляет Второе пришествие Христа и окончательный суд Божий над всем человечеством. После завершения работы эта фреска сразу же вызвала споры.
Состоящая из более чем 300 лиц, «Страшный суд» вызвала массовую ссору между католической церковью и поклонниками творчества Микеланджело. Церковь была потрясена тем, что он решил изобразить в таком святом месте в основном обнаженные мужские фигуры, поскольку в то время этот вид искусства больше подходил для таверн и общественных бань.
Религиозные чиновники высказались по поводу работы Микеланджело и заявили, что он не изобразил Иисуса в правильном и наиболее уважаемом виде, так как он изобразил его без бороды, что было очень непривычно для того времени.
Страшный суд (1536-1541) Микеланджело; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons
В довершение ко всему, Микеланджело включил в «Страшный суд» фигуры из языческой мифологии, что было некорректным отображением для 16 века. Говорят, что церемониймейстер Папы Римского Бьяджо да Чезена назвал работу Микеланджело «позором», поскольку в то время считалось очень постыдным выставлять фигуры напоказ в таком священном месте.
Эти замечания возмутили Микеланджело, и в ответ он скопировал лицо Чезены на Миноса, правителя подземного мира, с ослиными ушами.
Пытаясь пожаловаться, Чезена довел это до сведения Папы, который шутливо ответил, что его власть и контроль «не распространяются на ад». Из-за вызванного этим шума после смерти Микеланджело на обнаженную анатомию были наклеены кусочки ткани и флоры. Однако позже, в ходе реставрации 20 века, эти добавления были удалены. После завершения работы над «Страшным судом» о фреске продолжали спорить на протяжении веков.
Святой Матфей и ангел (1602) Караваджо
| Дата | 1602 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 292 см x 186 см |
| Где находится в настоящее время | Сан Луиджи деи Франчези, Рим |
Еще одна картина, попавшая в список оскорбительного искусства, — «Святой Матфей и ангел», написанная художником эпохи барокко Караваджо в 1602 году. Хотя эта картина была известна как довольно скандальная, личная жизнь Караваджо оказалась более противоречивой, чем все его произведения искусства, поскольку он скончался в изгнании после подозрения в убийстве. По заказу для капеллы Контарелли в Риме Караваджо попросили изобразить традиционную религиозную картину Святого Матфея с ангелом, что он сделал совсем не так.
Перевернув традицию с ног на голову, Караваджо решил использовать нищего крестьянина в качестве модели для Святого Матфея.
Святой Матфей и ангел (1602), Караваджо; Караваджо, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя само это представление расстроило критиков, общество и религиозных лидеров, еще больше людей обеспокоило то, что Караваджо изобразил святого Матфея с грязными ногами, которые торчали из холста под заметным углом. Хотя угол наклона ступни был хорошо известным визуальным приемом, часто используемым Караваджо, тот факт, что он решил изобразить ступни святого Матфея грязными, практически не вызывал уважения к очень святой теме.
Однако еще больше споров вызвало то, как Караваджо выстроил свою картину.
Картина «Святой Матфей и ангел» намекала зрителям, что святой на самом деле неграмотен и ему читает ангел над его головой. Эта картина была отвергнута церковью по причине богохульства и заменена картиной «Вдохновение святого Матфея» (1602), которая считалась более традиционным изображением этой сцены.
Обнаженная Майя (1799 — 1800) Франсиско Гойя
| Дата | 1799 — 1800 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 97 см x 190 см |
| Где находится в настоящее время | Национальный музей Прадо, Мадрид |
Написанная Франсиско Гойей между 1797 и 1800 годами, «Обнаженная Майя» была первой картиной из серии, которую он создал для премьер-министра Мануэля де Годоя, который был одним из его главных покровителей. Известная также под названием «Обнаженная Майя», Гойя изобразил неизвестную обнаженную женщину, откинувшуюся на спинку зеленого бархатного шезлонга с легко скрещенными за головой руками. Несмотря на то, что личность женщины оставалась в тайне, предполагалось, что это либо Пепита Тудо, любовница Годоя, либо герцогиня Альба, которая была предполагаемой любовницей Гойи.
Картина «Обнаженная Майя», написанная во время тяжелого религиозного и политического климата в Испании, считалась невероятно противоречивым произведением искусства.
Обнаженная Майя (1799-1800), Франсиско де Гойя; Франсиско де Гойя, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В то время открытое изображение обнаженной женщины, лобковых волос и всего остального, считалось очень оскорбительным, и Гойя нарушил дальнейшие традиции, изобразив реальную женщину, а не богиню или аллегорическую фигуру. Гойя также был одним из первых художников, изобразивших обнаженную модель, прямо и без стеснения смотрящую на зрителей, что впоследствии повлияло на Эдуарда Мане при создании его «Олимпии» (1863).
Смелое выражение лица, которым Гойя наделил свою модель в «Обнаженной Майе», было воспринято как важная деталь этого провокационного произведения искусства. Поскольку эта деталь совершенно шокировала зрителей, она также послужила основой для других противоречивых художников, так как многие другие современные художники вдохновлялись этой работой. Несмотря на его новаторство, испанская инквизиция отклонила и конфисковала работу в 1815 году и приказала Гойе написать новую версию с полностью одетой женщиной.
Сегодня обе работы стоят рядом друг с другом в самом престижном музее Испании.
Происхождение мира (1866) Гюстава Курбе
| Дата | 1866 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 46 см x 55 см |
| Где находится в настоящее время | Музей д’Орсэ, Париж |
Если рассматривать все оскорбительные произведения искусства, созданные в 19 веке, то «Происхождение мира» Гюстава Курбе, возможно, является самым провокационным из всех. Если мы подумаем о том, насколько спорным было создание картин, изображающих обнаженную натуру, мы можем только представить, насколько невероятно смелым и прогрессивным был Курбе, создавая «Происхождение мира».
Нарисовав исключительно реалистичное изображение обнаженных женских бедер, влагалища и торса, противоречивая работа Курбе была расценена как совершенно революционная для своего времени.
Происхождение мира (1866), Гюстав Курбе; Гюстав Курбе, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Что сделало «Происхождение мира» таким оскорбительным, так это то, что Курбе решил сосредоточиться на гениталиях и обнаженном теле женщины, не показывая ее лица и не называя ее личность. Таким образом, основным акцентом картины стали ее влагалище, лобок и грудь, что было крайне возмутительно для 19 века. В это время Курбе отверг идеалы академической живописи и ее гладкие, романтические обнаженные натуры.
Он бросил вызов социальным условностям, согласно которым эротика и порнография были приемлемы только в мифологических картинах.
Уровень реализма, присутствующий в картине «Происхождение мира», раздвинул границы того, что считалось приемлемым и респектабельным в искусстве. Его реалистичная и интенсивная нагота шокировала многих зрителей, что вызвало цензуру произведений искусства. В 1994 году французская полиция изъяла из книжных магазинов книгу, на обложке которой было изображение этой картины. В 2011 году картина снова вызвала большой ажиотаж, и Facebook пришлось отключить аккаунты, разместившие на своей странице изображения «Происхождения мира», что снова привело к цензуре.
Авиньонские демуазели» (1907) Пабло Пикассо
| Дата | 1907 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 243,9 см x 233,7 см |
| Где находится в настоящее время | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Знаменитый художник Пабло Пикассо также попал в список самых противоречивых художников за свою картину «Авиньонские демуазели», созданную в 1907 году. Написанная во время движения протокубизма, картина Пикассо продемонстрировала крайний отход от использования традиционной перспективы и композиции в живописи. В этом противоречивом произведении искусства Пикассо изобразил пять обнаженных женщин, чьи фигуры состояли из плоских и изломанных плоскостей.
Считается, что их лица были вдохновлены африканскими масками, так как они приобрели очень стилизованный вид.
Это произведение искусства считается очень оскорбительным, поскольку в то время, когда оно было написано, женщины обычно изображались округлыми и чувственными. Использование остроконечных линий для изображения женщин создавало очень грубое представление, так как их тела были представлены в виде простых фрагментов. Однако наибольшие споры в «Авиньонских демуазелях» вызвало то, что Пикассо решил изобразить пять проституток из публичного дома в Барселоне.
Название картины также отсылает к проституции, так как она была названа в честь популярной улицы, которая была известна своей секс-торговлей.
Эта тема привела к тому, что картина была плохо принята, когда она впервые была выставлена в Париже в 1916 году. Когда картина была представлена публике, многие зрители были в ужасе от наглой тематики Пикассо и его грубых изображений обнаженных проституток, чьи лица и тела выглядели слишком конфронтационными и разбитыми, чтобы быть человеческими. Даже друзья Пикассо были шокированы содержанием и исполнением его работ, поскольку, хотя использование обнаженных женщин не было необычным в то время, агрессивные сексуальные позы, которые он придавал своим фигурам, были нетрадиционными.
Фонтан (1917) Марселя Дюшана
| Дата | 1917 |
| Средство | Готовый |
| Размеры | Размеры писсуара |
| Где находится в настоящее время | Потерянный |
Возможно, самым известным спорным произведением искусства, которое когда-либо существовало и которое принято считать вехой в появлении провокационного искусства, является культовый «Фонтан» Марселя Дюшана. Считающийся первым в истории искусством «readymade», Дюшан приобрел обычный фарфоровый писсуар, положил его лицевой стороной вверх, подписал псевдонимом «Р. Матт» и выставил в качестве скульптуры в Общество независимых художников. Несмотря на то, что эта группа была известна тем, что принимала любого художника, который мог заплатить гонорар, они быстро отклонили работу Дюшана для выставки.
Ирония в том, что Дюшан был соучредителем и членом правления общества, показывает, что отклонение его работы имело очень большое значение.
Фонтан (1917) Марселя Дюшана; Марсель Дюшан, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя он заявил, что эта работа ознаменовала собой переход к более концептуальному способу выражения, другие были возмущены тем, что он попытался выдать ничем не примечательный предмет за престижное произведение искусства, хотя в нем не было ничего экстраординарного. Критики считали, что Фонтейн полностью пренебрег всеми идеалами, на которых было построено традиционное искусство.
Поскольку «Фонтан» высмеивал систему и установленные ею стандарты, его не допустили к участию в выставке, а Дюшан в знак протеста вышел из совета директоров. Являясь важной вехой в искусстве 20-го века, она вызвала большой скандал по поводу правил изобразительного искусства и положила начало современным дискуссиям о том, что представляет собой настоящее искусство. Скульптура также помогла перенаправить цель искусства от физической практики к высокопарной интерпретации.
После ее дебюта многие другие художники заявляли о своей победе над этим произведением, мочась в него, что в итоге вызвало еще большее возмущение.
Урок игры на гитаре (1934) Бальтус
| Дата | 1934 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 161,3 см x 138,4 см |
| Где находится в настоящее время | Частная коллекция |
Французский художник Бальтус вошел в список самых противоречивых художников после того, как представил картину «Урок игры на гитаре», написанную им в 1934 году. Считающийся одним из величайших художников 20 века, Бальтус был чрезвычайно спорным художником, который создавал столь же сомнительные картины. На картине «Урок игры на гитаре» Бальтус изобразил гитару, небрежно брошенную на пол, в то время как учительница дергает за волосы свою несовершеннолетнюю ученицу, чья юбка поднята, держа ее так, словно она инструмент, на котором собираются играть.
Однако провокационной эту картину делает тот факт, что учительница гитары трогает свою ученицу в крайне неподобающей области, ее рука находится очень близко к обнаженному влагалищу ученицы. Поскольку девушка лежит на коленях учительницы, создается впечатление, что она перебирает невидимые струны гитары, а ее рука находится внутри бедер ученицы.
Еще одна особенность, которая придает этому произведению искусства оскорбительный характер, заключается в том, что грудь учительницы обнажена, а ее одежда выглядит растрепанной, как будто ее разорвали.
Учитель игры на гитаре» существовал как чрезвычайно тревожное изображение педофилии, так как картина вызывала у зрителей чувство глубокого дискомфорта. Кроме того, использование Бальтусом молодых девушек в качестве сексуальных объектов в своих работах было не менее тревожным. После того, как картина «Учитель гитары» была представлена на одной из его ранних выставок в Париже, она вызвала множество дискуссий.
Поскольку это произведение искусства считалось действительно тревожным и противоречивым, оно не выставлялось с 1977 года и до сих пор просто переходит из рук в руки музеев и коллекционеров.
Стертый рисунок де Кунинга (1953) Роберта Раушенберга
| Дата | 1953 |
| Средство | Следы рисунка на бумаге с этикеткой и в позолоченной раме |
| Размеры | 64,1 см x 55,2 см x 1,2 см |
| Где находится в настоящее время | Музей современного искусства Сан-Франциско, Сан-Франциско |
В начале 1950-х годов Роберт Раушенберг задумался об ограничениях искусства, создав «Стертый рисунок де Кунинга». Поскольку Раушенберг экспериментировал с идеей, что произведение искусства можно создать, просто удаляя знаки с листа, а не создавая их, он начал использовать свои собственные рисунки для практики.
Однако он решил, что для того, чтобы работа была эффективной, стертый рисунок должен представлять собой огромную ценность, в результате чего он попросил легендарного художника Виллема де Кунинга дать ему одну из своих работ.
После долгих уговоров, поскольку де Кунинг сначала счел эту идею «банальной», Раушенберг приобрел одну из его знаковых и тщательно проработанных картин, на стирание которой у него ушло два месяца. После завершения работы он представил этот чистый холст, на котором когда-то находилась работа де Кунинга, как искусство. Его спорное произведение искусства было встречено с большим несогласием, поскольку большинство критиков осудили его метод как зверство. Люди заходили так далеко, что говорили, что то, что он сделал, было, по сути, преступлением, и называли это разрушением собственности.
Поскольку де Кунингу не очень нравилась эта идея, он специально дал Раушенбергу сильно разрисованный рисунок, представлявший собой смесь жирного карандаша и угля, в надежде, что он будет сильно сопротивляться.
Даже после того, как Раушенберг закончил стирание, следы оригинальной работы де Кунинга все еще были видны. Потребовалось около десяти лет, чтобы весть о стертом рисунке де Кунинга распространилась, и когда это произошло, работа Раушенберга вызвала два противоречивых мнения: была ли это работа гения, или это был чистый вандализм?
Ритм 0 (1974) Марины Абрамович
| Дата | 1974 |
| Средство | Стол с 72 предметами и слайд-проектор со слайдами перформанса и текстом |
| Размеры | Общие размеры экспозиции переменные |
| Где находится в настоящее время | Видео размещено в Тейт, Лондон |
Известная своими интенсивными перформансами, Марина Абрамович попала в список самых противоречивых художников благодаря своему перформансу «Ритм 0». В 1974 году в Неаполе Абрамович поставила длинный стол, покрытый белой скатертью, 72 различных предмета и 96 слайдов, которые были спроецированы на стену галереи.
Объекты варьировались от мягких предметов, таких как перо, шарф и носовой платок, до более интенсивных, таких как пистолет, пуля, скальпель, хлыст и ножницы.
Работа Абрамович была направлена на то, чтобы пригласить зрителей в перформанс и использовать любой из 72 объектов на ее теле так, как они захотят, что давало им полный контроль над ней. В описании своей работы Абрамович заявила, что признает себя объектом и что она возьмет на себя всю ответственность, если с ней что-то случится.
«Ритм О» продемонстрировал ее веру в то, что непосредственное столкновение с физическим ущербом и усталостью важно для того, чтобы человек полностью осознал себя в данный момент.
Что сделало «Ритм 0» таким провокационным произведением искусства, так это то, что Абрамович вовлекла зрителей в динамичный обмен силой. Пока шло представление, зрители подсознательно разделились на тех, кто хотел навредить Абрамович (приставив заряженный пистолет к ее голове и взяв кровь из ее шеи), и тех, кто пытался защитить ее (вытирая ее слезы).
Простояв без движения шесть часов, обеспокоенные участники потребовали прекратить выступление, так как окружающие становились все более агрессивными.
После окончания перформанса Абрамович отметила, что в какой-то момент она была готова умереть, когда на нее наставили пистолет, и в галерее разгорелась драка из-за того, как далеко люди готовы зайти. Однако в момент окончания представления все мгновенно разбежались, чтобы избежать столкновения с тем, что они только что сделали и что произошло. После дебюта «Ритма 0» Абрамович провозгласили «крестной матерью перформанса».
Званый ужин (1974 — 1979) Джуди Чикаго
| Дата | 1974 — 1979 |
| Средство | Керамика, фарфор, текстиль и стекло |
| Размеры | 1463 см x 1463 см |
| Где находится в настоящее время | Бруклинский музей, Нью-Йорк |
Эта монументальная скульптура, созданная Джуди Чикаго, существует как произведение искусства, которое столкнулось с бесчисленными спорами и дискуссиями. Скульптура «Званый ужин», созданная в 1974-1979 годах, была призвана способствовать признанию часто забываемых женщин на протяжении всей истории человечества, и в итоге Чикаго сама вошла в историю искусства. Создав сложную инсталляцию, состоящую из сотен различных компонентов, готовое произведение напоминало воображаемый банкетный стол, за которым сидели 39 самых знаковых женщин из мифологии и истории.
Среди знаменитых почетных гостей были Соджорнер Трут, Сакаджавея, Вирджиния Вульф, Сьюзен Б. Энтони, Маргарет Сэнгер, императрица Византии Феодора и другие.
Это произведение искусства вызвало столько споров, потому что Чикаго решил представить место каждой женщины за столом с помощью замысловатой сервировки, состоящей из стилизованных вульв. Смешивая различные анатомические изображения и формы, а также различные ремесленные техники, вульвы имели очень китчевый вид, что привело к появлению множества пародийных контрвыставок.
Однако, несмотря на то, что работы были названы вульгарными и грубыми, за «Званым ужином» последовали споры и по поводу его расовой изоляции. Некоторые критики осудили работу Чикаго за то, что в ней откровенно не упоминаются такие важные латиноамериканские женщины, как Фрида Кало, а также за то, что Соджорнер Истина изображена только с тремя лицами, а не с вульвой, как все остальные.
Говорили, что, несмотря на то, что Чикаго считалась феминисткой, многим белым женщинам в то время было трудно представить, что у цветных женщин такие же вагины, как у них.
Мочащийся Христос (1987), Андрес Серрано
| Дата | 1987 |
| Средство | Печать на цибакроме |
| Размеры | 150 см x 100 см |
| Где находится в настоящее время | Неизвестно |
Одним из самых громких скандалов в современном искусстве является «Мочащийся Христос» Андреса Серрано, который он сфотографировал в 1987 году. Поместив небольшое пластиковое распятие с фигуркой Иисуса в стеклянный резервуар, наполненный его собственной мочой и кровью, Серрано сфотографировал работу и представил ее как искусство. В 1989 году эта работа получила премию за изобразительное искусство на конкурсе Юго-Восточного центра современного искусства, но, несмотря на это, «Христос в моче» был встречен в основном неоднозначно. Серрано получал угрозы смерти и письма ненависти в течение нескольких лет после дебюта своей работы.
Поскольку Серрано получил более $15 000 из гранта на искусство, финансируемого налогоплательщиками, его работа вызвала интенсивные дебаты о публичном искусстве.
Мочащегося Христа многие сочли неуважительным по отношению к христианам, что в итоге подверглось критике со стороны консервативных сенаторов США. Серрано, сам христианин, лишь заявил, что его работа была религиозным высказыванием, демонстрирующим неясную связь между божественным и профанным. Он также подчеркнул продолжающееся удешевление Христа теми, кто искажает его слова в угоду собственным целям.
Несмотря на то, что Серрано говорил, что «Мочащийся Христос» — это всего лишь отражение его самого как христианина, его работа была понята не так, как он надеялся. И процесс создания, и название работы продолжали вызывать возмущение многих католических общин, несмотря на то, что Серрано пытался объяснить причину своего творчества.
Спустя 24 года после создания работы, гнев вокруг этого произведения искусства достиг своего апогея в 2011 году, когда отпечаток фотографии был разгромлен до неузнаваемости молотками стаей христианских фундаменталистов.
Должны ли женщины быть голыми, чтобы попасть в музей Метрополитен? (1989 г.), автор — Guerrilla Girls
| Дата | 1989 |
| Средство | Плакат |
| Размеры | 280 мм x 710 мм |
| Где находится в настоящее время | Музей Тейт, Лондон; Центр искусств Уокера, Миннеаполис |
Одним из самых знаковых художественных плакатов, когда-либо созданных, был «Должны ли женщины быть голыми, чтобы попасть в музей Метрополитен», распространенный печально известной группой Guerrilla Girls в 1989 году. Изначально плакат был придуман как рекламный щит для Фонда общественного искусства в Нью-Йорке, но был отклонен из-за своей расплывчатости. Вместо того чтобы разработать что-то другое, Guerrilla Girls арендовали рекламные места в нью-йоркских автобусах и сами рекламировали свою работу, пока автобусная компания не расторгла с ними контракт из-за того, что плакат был «слишком наводящим на размышления».
Известная как анонимная и революционная группа художников-женщин, Guerrilla Girls возникла в 1984 году после того, как опрос в Музее современного искусства показал, что из 169 художников было только 13 женщин.
Группа начала движение плакатов, чтобы привлечь внимание к недостатку женщин-художников, представленных в важных учреждениях современного искусства. Выпуск этих плакатов рассматривался как противоречивый шаг, поскольку использование смелых статистических данных означало, что никто не мог отрицать недостаточное представительство.
Заявив, что 85% обнаженных натур, висящих в музее Метрополитен, были женщинами, но менее 5% всех художников, представленных в секциях современного искусства, были женщинами, «Партизанки» представили прямолинейное наблюдение, которое вызвало много споров.
Фраза «Должны ли женщины быть голыми, чтобы попасть в музей Метрополитен?», сопровождаемая измененным изображением La Grande Odalisque (1814) в маске гориллы, должна была навлечь на музей большое смущение и позор.
Все, с кем я когда-либо спала 1963 — 1995 (1995) Трейси Эмин
| Дата | 1995 |
| Средство | Аппликация палатки, матраса и светильника |
| Размеры | Неизвестно |
| Где находится в настоящее время | Уничтожено |
Художница-инсталлятор Трейси Эмин также создала несколько спорных оскорбительных произведений искусства в течение своей карьеры, наиболее известным из которых является «Все, с кем я когда-либо спала» 1963 — 1995 гг. Перечисляя имена всех людей, с которыми она когда-либо спала, работа Эмин изначально вводит в заблуждение, поскольку она включила имена всех, кто имел как сексуальные, так и платонические отношения.
Сшив 102 имени в палатку, работа Эмин стала одной из самых высмеиваемых и по-разному принимаемых работ 1990-х годов, поскольку в основном она вызывала споры из-за своего сексуального содержания.
Когда Эмин спросили об этой работе, он заявил, что сексуальный подтекст был лишь частью концепции, поскольку идея лечь с кем-то в постель была гораздо сложнее. Представленная с открытыми створками палатки, как бы приветствуя зрителей внутри, работа Эмин была раскритикована как скорее демонстрация, чем настоящее произведение искусства, поскольку список сексуальных завоеваний рассматривался свысока.
Нюанс этой работы заключается в формулировке названия, поскольку «спал с» означало просто разделить с кем-то постель, и не всегда в сексуальном смысле.
Картина «Все, с кем я когда-либо спала» (1963 — 1995) быстро приобрела культовый статус, и Чарльз Саатчи захотел купить эту работу. Однако Эмин отказалась продавать свои работы Саатчи из-за его работы в рекламе, но ему все равно удалось приобрести палатку на вторичном рынке за 40 000 фунтов стерлингов. К сожалению, в 2004 году работы Эмин были уничтожены во время пожара на складе. Поскольку большинство публики недолюбливало ее, это событие было встречено скорее с насмешками, чем с сочувствием, в результате чего Эмин отказалась от страховки в 1 миллион фунтов стерлингов, поскольку отказалась воссоздать работу.
Святая Дева Мария (1996) Криса Офили
Еще одна из самых противоречивых картин всех времен — «Святая Дева Мария», написанная Крисом Офили в 1996 году. Изображающая черную Деву Марию, окруженную женскими гениталиями и ягодицами, работа Офили была встречена с большим презрением, когда она впервые была выставлена в Бруклинском музее в 1999 году. На первый взгляд, окружающий коллаж напоминает бабочек, но при ближайшем рассмотрении оказывается, что эти изображения были вырезаны из порнографических журналов, что лишает их красоты.
Однако самым спорным аспектом этого провокационного произведения искусства было то, что Офили изобразил Деву Марию, используя слоновий навоз, причем ее обнаженная грудь полностью состояла из шарика навоза.
Эта блестящая картина вызвала такое возмущение после того, как многие СМИ ошибочно сообщили, что полотно «забрызгано» экскрементами, что привело к тому, что мэр Нью-Йорка пригрозил лишить музей финансирования в размере 7 миллионов долларов на проведение художественной выставки. Религиозные лидеры присоединились к дебатам и назвали картину «больной».
Сочетая возмутительные черты, Офили создал поистине шокирующее произведение искусства.
Используя образ, который является центральным в католицизме, Офили включил в картину Деву Марию, чтобы шокировать и бросить вызов зрителям. Однако даже он не мог предвидеть бурных протестов, которые вспыхнут в ответ на его произведение. 72-летний старик в конце концов повредил картину белой краской, так как его оскорбила ее ненормативная лексика. Несмотря на это, «Святая Дева Мария» была продана в 2015 году за 4,6 миллиона долларов.
Ради любви к Богу (2007) Дэмиена Херста
| Дата | 2007 |
| Средство | Платина, бриллианты и человеческие зубы |
| Размеры | 171 мм x 127 мм x 190 мм |
| Где находится в настоящее время | Галерея White Cube, Лондон |
Последний художник в нашем списке противоречивых произведений искусства — Дэмиен Херст, создавший в 2007 году картину «Ради любви к Богу». Его работа, представляющая собой человеческий череп, украшенный 8601 чистым и безупречным бриллиантом огранки «паве», стоила более 4 миллионов фунтов стерлингов и весила 1 106,18 карата. Название работы было взято из фразы, которую регулярно использовала мать Херста, когда слышала о его возмутительных и поистине шокирующих идеях для своих ранних работ. Впервые выставленная в Лондоне в 2007 году, «Во имя любви к Богу» привлекла множество посетителей и была тщательно охраняема.
Когда Херст впервые представил свои работы, две вещи поразили зрителей как совершенно шокирующие и противоречивые.
Во-первых, Херст использовал человеческий череп XVIII века, который он купил у таксидермиста и который, как предполагалось, принадлежал мужчине европейского и средиземноморского происхождения. Во-вторых, чрезмерность черепа, инкрустированного тысячами бриллиантов, была признана совершенно возмутительной при просмотре. Цель картины «Ради любви к Богу» заключалась в том, чтобы стать своего рода memento mori и напомнить зрителям о неизбежности смерти.
Как и большинство других работ Херста, его череп вызвал немедленную и острую полемику. Вдобавок ко всему, Херст назначил цену за свое произведение искусства в размере около 50 миллионов долларов, что многие сочли совершенно смехотворным. Однако в результате самого шокирующего поступка Херста его украшенное драгоценностями произведение искусства попало в заголовки международных газет, когда оно было куплено инвестиционной группой за 100 миллионов долларов в том же году, когда было сделано. С тех пор она считается самым дорогим произведением современного искусства из когда-либо созданных.
Хотя все эти произведения искусства в какой-то момент были высмеяны, их провокационный и дерзкий характер помог сделать их одними из самых знаковых произведений искусства всех времен, что еще больше разъярило их критиков. Поскольку мир искусства добился огромных успехов в своем развитии, произведения искусства, которые раньше считались оскорбительными, сегодня рассматриваются в ином свете. Хотя цензура произведений искусства все еще применяется к некоторым работам, которые считаются спорными в нынешний прогрессивный век, это происходит не так часто.
Часто задаваемые вопросы
Кто является самым известным спорным художником?
Хотя большинство спорных художников относительно известны, самым знаменитым из них, по общему мнению, является Марсель Дюшан. Считающийся самым провокационным художником, появившимся за последние 100 лет, Дюшан закрепил свое имя в истории, создав культовый «Фонтан» (1917) и познакомив общество с искусством readymade.
Могут ли эти спорные произведения искусства рассматриваться сегодня?
Помимо тех произведений искусства, которые, к сожалению, были утеряны или уничтожены до неузнаваемости, большинство спорных картин и провокационных произведений искусства можно увидеть в соответствующих музеях.
Существует ли в мире искусства понятие «слишком спорный»?
Основная цель искусства, независимо от его носителя, — передать послание и вызвать определенную реакцию и понимание со стороны зрителей. Поскольку многие люди не разделяют одинаковый интерес и оценку искусства, от зрителя полностью зависит, считает ли он произведение искусства слишком противоречивым или нет. Субъективная природа людей позволяет им, по сути, самим решать, что думать о том или ином произведении искусства. Однако большинство людей, как известно, находятся под влиянием мнений и мыслей окружающих, чтобы соответствовать обществу.
