Российский художник-абстракционист Василий Кандинский популяризировал абстрактную живопись в последние годы XIX века и в начале XX века. Кандинский-художник подчеркивал интеграцию визуального и слухового в своей уникальной точке зрения на форму и цель искусства. Он воспринимал шумы как цвета, и эта странная перспектива повлияла на создание произведений Кандинского. Художник Кандинский считал, что целью искусства является передача уникальности и внутреннего видения художника, что требует возвышения объективной реальности. Картины Кандинского стремились продемонстрировать, что абсолютная абстракция позволяет достичь более глубокого, возвышенного понимания, а подражание природе лишь препятствует этому стремлению.
Оглавление
Биография и творчество Василия Кандинского
Творчество художника Кандинского прошло три этапа, начиная с ранних реалистических картин и их небесной символики, затем экстатических и театральных композиций и, наконец, поздних геометрических и биоморфных плоских цветовых поверхностей. Работы и идеи Кандинского оказали влияние на несколько поколений художников, начиная с его студентов Баухауса и заканчивая абстрактными экспрессионистами после Второй мировой войны. Прежде всего, работы Кандинского были глубоко духовными.
Фотография Василия Кандинского; 未知上傳者, Public domain, via Wikimedia Commons
Художник Кандинский стремился передать глубокий мистицизм и глубину человеческих эмоций через всемирную визуальную среду геометрических форм и цветов, которые выходят за пределы культурных границ. Абстрактные работы Кандинского стали кульминацией длительного периода серьезных размышлений, основанных на его творческом опыте.
Это стремление к внутренней привлекательности, духовному рвению и душевной тоске он назвал «внутренней потребностью», и это было главной составляющей искусства Кандинского.
| Дата рождения | 16 декабря 1866 года |
| Дата смерти | 13 декабря 1944 года |
| Место рождения | Москва, Россия |
| Ассоциированные движения | Абстрактное искусство , Экспрессионизм |
Ранняя жизнь
Русский художник-абстракционист Кандинский родился в Москве, сын чайного торговца Василия Сильвестровича Кандинского и Лидии Тихеевой. Находясь в Москве, Кандинский учился под влиянием множества факторов. В школе он изучал различные предметы, в том числе бизнес и право. Позднее он вспоминал, что в юности был заинтригован и увлечен цветом. С возрастом его интерес к символам и психоанализу усилился. В 1889 году он был членом антропологической исследовательской группы, которая отправилась в Вологодскую область к северу от Москвы.
Дома и церкви были расписаны такими сверкающими красками, что ему казалось, что он находится внутри картины, когда он входил в них.
Портрет Василия Кандинского, 1923 год; Хуго Эрфурт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта встреча, а также изучение традиционного искусства региона (особенно использование ярких цветов на темном фоне) оказали влияние на многие его первые исследования. Через несколько лет после этого он впервые сравнил живопись с тем типом музыкальной композиции, которым он прославился, заявив:
«Клавиатура — это цвет, глаза — молоточки, а сердце — фортепиано с несколькими струнами. Музыкант — это рука, которая играет, чувствуя ту или иную ноту, чтобы создать вибрацию в душе».
В возрасте 30 лет Кандинский оставил работу, читая лекции по праву и бизнесу, и поступил в Мюнхенскую академию, где среди его наставников был Франц фон Штук. Его приняли не сразу, и ему пришлось самостоятельно учиться живописи. Перед отъездом из Москвы в 1920 году он осмотрел выставку работ Моне. Его особенно привлекла импрессионистическая техника «Стога сена», в которой он увидел яркое чувство цвета практически независимо от самих вещей.
Стога сена (1885), Клод Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Впоследствии он вспоминал об этой встрече: «В брошюре мне сказали, что это стог сена. Я понятия не имел, что это такое. Это неузнавание было для меня мучительно неприятным. Художник, по моему мнению, не имел права изображать бессвязно. У меня было отчетливое впечатление, что тема картины отсутствует. И я с удивлением и недоумением обнаружил, что изображение не только заворожило меня, но и оставило неизгладимый след в моем сознании. Картина обрела сказочную силу и великолепие».
В это время на Кандинского также повлияла опера Рихарда Вагнера «Лоэнгрин» (1850), которая, по его мнению, расширила границы мелодии и песни за пределы обычной лирики.
Мадам Блаватская, самая известная сторонница теософии, также оказала на него духовное влияние. Согласно теософской философии, существование — это геометрическая последовательность, которая начинается с одной точки. Падающая последовательность сфер, квадратов и треугольников выражает генеративную природу формы.
Эмблема Международного теософского общества, 1875; Адьяр, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Карьера
Летом 1902 года Кандинский попросил Габриэле Мюнтер сопровождать его на летних художественных семинарах в Альпах, расположенных недалеко от Мюнхена. Она согласилась, и их связь перешла от деловой к личной. Кандинский нашел художественную школу, которую обычно считают сложной, простой.
В этот период он начал утверждаться как теоретик искусства и художник.
В начале 20 века количество его оставшихся работ возросло; сохранилось много его пейзажей и городов, в которых он использовал обширные цветовые пространства и узнаваемые черты. На картинах Кандинского, в большинстве своем, не было людей; аномалией является картина «Воскресенье, старая Россия» (1904), в которой Кандинский реконструирует оживленную сцену с сельскими жителями и дворянами перед главными стенами города.
Воскресенье, Старая Россия (1904), Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Метаморфозы
Пара на лошади» (1907) изображает мужчину на лошади, нежно обнимающего женщину, когда они проезжают мимо русской деревни со светящимися стенами через бирюзовую реку. Лошадь приглушена, но листва на деревьях, деревня и отражение в реке сверкают всплесками цвета и яркости. То, как поле зрения сгущается в плоскую, светящуюся поверхность на этой картине, демонстрирует влияние пуантилизма. Фовизм также можно увидеть в этих ранних работах. Цвета используются для представления перспективы Кандинского по отношению к предмету, а не для изображения объективной природы.
Пара верхом на лошади (1907) Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Картина «Синий всадник» (1903), изображающая маленького зачехленного человека на мчащейся лошади, скачущего по скалистому ландшафту, стала одной из его самых значительных работ первого десятилетия 20-го века. Плащ всадника — умеренно-голубого цвета с более глубокой синей тенью. Противоположностью осенним деревьям на заднем плане являются более туманные голубые тени на переднем. Синий всадник заметен (хотя и не полностью определен) на картине, а лошадь движется в необычной манере (о чем Кандинский, несомненно, знал). Некоторые искусствоведы сходятся во мнении, что всадник держит на руках второго человека (возможно, ребенка), однако это может быть тень, отбрасываемая одиноким всадником.
Этот преднамеренный разрыв, позволяющий зрителям участвовать в построении произведения, стал более продуманным методом, который Кандинский использовал в последующие годы, достигнув кульминации в абстрактных работах 1911-1914 годов.
Синий всадник (1903) Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Кандинский изобразил всадников на лошадях в «Синем всаднике» в виде потока цветов, а не в конкретных деталях. По сравнению с современными художниками, эта картина не является уникальной в этом смысле, но она указывает на путь, по которому Кандинский пойдет всего несколько лет спустя. С 1906 по 1908 год русский художник-абстракционист Кандинский много путешествовал по Европе (он был членом московского символистского движения «Голубая роза»), а затем поселился в маленьком баварском городке Мурнау.
В 1908 году он приобрел экземпляр книги Чарльза Вебстера Лидбитера и Анни Безант «Формы мысли». В 1909 году он вступил в Теософское общество. В этот период он создал картину «Голубая гора» (1909), иллюстрирующую его движение к абстракциям.
Синяя гора (1909), Василий Кандинский; д-р Алексей Яковлев, CC BY-SA 2.0, через Wikimedia Commons
Синяя гора обрамлена двумя широкими деревьями, одно из которых красное, а другое желтое. У основания горы группа из трех велосипедистов и еще множество крестов. Лица, одежда и седла велосипедистов выполнены одним цветом, и ни они, ни прогуливающиеся персонажи не имеют никаких реальных деталей. Вдохновение фовистов также можно увидеть в плоских поверхностях и изгибах. Широкое использование цвета в «Синей горе» свидетельствует о том, что Кандинский предпочитал произведения искусства, в которых цвет изображается независимо от формы и каждому оттенку придается равное значение.
Композиция более плоская, с четырьмя разделами: желтое дерево, красное дерево, небо и синяя гора с тремя всадниками.
Период «Синего всадника
Картины Кандинского этого периода представляют собой огромные, эмоциональные цветные массы, которые оцениваются независимо от форм и линий; они больше не служат для их разграничения, но вместо этого свободно накладываются друг на друга, создавая картины огромной энергии. Поскольку музыка абстрактна по своей сути, она не стремится изобразить внешний мир, а мгновенно передает внутренние ощущения души, она сыграла важную роль в формировании абстрактного искусства.
Работы Кандинского иногда обозначались музыкальными терминами; свои самые импульсивные полотна он называл «импровизациями», а более сложные — «композициями».
Композиция V (1911) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Кандинский-художник был также теоретиком искусства; его теоретические труды, возможно, оказали большее влияние на историю западного искусства, чем его произведения. Он был одним из основателей Мюнхенского объединения новых художников и занимал пост его президента в 1909 году. Однако группа не смогла объединить нетрадиционное отношение Кандинского с традиционными эстетическими представлениями, и в конце 1911 года организация была распущена.
Затем Кандинский основал группу «Синий всадник», в которую вошли такие художники, как Франц Марк, Август Макке, Альберт Блох и Габриэле Мюнтер.
Альманах «Синий всадник» был опубликован в 1912 году, и было проведено два показа. Планировалось провести еще по одной, но Первая мировая война в 1914 году положила конец этим амбициям, отправив Кандинского обратно в Россию через Швейцарию, а затем в Швецию.
Обложка альманаха Der Blaue Reiter. (ок. 1912 г.), дизайн Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Его работы в альманахе «Синий всадник» и диссертация «О духовном в искусстве» (1910) были одновременно защитой и пропагандой абстрактного искусства, а также заявлением о том, что все художественные средства одинаково компетентны в достижении той или иной степени духовности. Он считал, что цвет может быть использован в художественном произведении отдельно от видимого изображения предмета или другой формы. Эти концепции почти мгновенно получили международное влияние, особенно в англоязычном сообществе.
Майкл Сэдлир из лондонской газеты «Арт Ньюс» оценил его работу в 1912 году. Когда в 1914 году Сэдлир выпустил английскую версию статьи Кандинского, интерес к нему резко возрос.
Книжный знак Майкла Сэдлира, 1882 год; Сэдлир, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В том же году отрывки из текста были опубликованы в журнале Blast и еженедельном художественном ежедневнике The New Age . Однако Кандинский и раньше привлекал внимание в Великобритании; в 1910 году он участвовал в выставке союзных художников (организованной Фрэнком Раттером) в Королевском Альберт-холле. Увлечение Кандинским привело к тому, что в 1913 году, после поездки отца и сына к Кандинскому в тот год в Мюнхен, старший Майкл Сэдлир приобрел множество гравюр на дереве и абстрактную работу «Фрагмент для композиции VII». Между 1913 и 1923 годами эти картины были показаны в Лидсе, либо в университете, либо в Лидском клубе искусств.
Возвращение русского абстрактного художника в Россию
Кандинский познакомился с Ниной Андреевской в 1916 году и женился на ней 11 февраля 1917 года. Кандинский интересовался российской культурной политикой и с 1918 по 1921 год работал над вопросами преподавания искусства и реформирования институтов. В этот период он мало производил, но посвятил свое время творческому обучению, в учебной программе которого основное внимание уделялось изучению формы и цвета; он также участвовал в создании Московского института художественной культуры. Его мистическая, вызывающая концепция искусства в конечном итоге была осуждена крайними приверженцами Института как слишком личная и материалистическая.
В 1921 году Кандинский был вызван в Германию его создателем, архитектором Вальтером Гропиусом, чтобы присоединиться к Баухаузу в Веймаре.
Вернуться в Германию и Баухаус
Кандинский преподавал полный курс проектирования для начинающих и интенсивные теоретические занятия в Баухаузе, а также мастерские живописи и семинар, в котором он дополнил свою теорию цвета новыми компонентами психоаналитической теории форм. В 1926 году вышла его вторая концептуальная книга (Point and Line to Plane), ставшая результатом продвижения его работ по изучению форм, в частности, точечных и линейных образований.
Обложка книги «Точка и линия на плоскости» (1926) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Его исследования влияния давления на прямые линии, в результате которого получались противоположные тона изогнутых и наклонных линий, соответствовали работе гештальт-психологов, чьи исследования также обсуждались в Баухаузе. Геометрические элементы, в частности круг, полукруг, углы, прямые линии и изгибы, занимали все более важное место в его рисунках и картинах.
Это было действительно плодотворное время.
В его работах эта гибкость проявляется в работе с плоскостями, насыщенными цветами и градиентами, как, например, в «Желто-красно-синей» (1925), в которой Кандинский демонстрирует свою независимость от выдающихся тенденций супрематизма и конструктивизма того периода. Желто-красно-синий (1925) — двухметровое произведение с множеством основных элементов: наклонный красный крест, желтый прямоугольник и большой мрачный синий шар; множество резких черных линий, дуг, монохромных колец и рассеянных разноцветных шашечных досок придают ему чувствительную утонченность.
Желто-красно-синий (1925) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Это базовое визуальное распознавание форм и основных цветовых масс, присутствующих на картине, является лишь первой стратегией к внутреннему миру произведения, восхищение которым требует более глубокого утверждения, не только форм и цветов, задействованных в произведении искусства, но и их взаимодействия, расположения по отношению друг к другу на полотне, а также их общей гармонии.
Больший синтез
Кандинский создавал свои работы в гостиной-студии, живя в парижской квартире. В его работах появляются биоморфные формы с плавными, негеометрическими краями — фигуры, напоминающие формы жизни и в то же время раскрывающие внутреннее существование творца. Кандинский использовал уникальные цветовые сочетания, напоминающие славянское народное искусство. Он также иногда смешивал песок с пигментом, чтобы придать своим работам зернистый, деревенский характер.
Этот этап относится к синтезу предыдущих работ Кандинского, в котором он использовал и обогатил все компоненты.
В 1936 и 1939 годах он завершил две свои последние большие работы, огромные картины, которые он не создавал в течение многих лет. Композиция IX (1936) имеет сильно контрастные, мощные диагонали, а основная форма напоминает зародыш в утробе матери.
Композиция IX (1936) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На черном фоне Композиции X (1939) выделяются звездные фигуры или маленькие цветные квадраты и цветные полосы, а загадочные иероглифы с оттенками покрывают массивный бордовый объем, который, кажется, парит в левом верхнем углу картины. Некоторые черты в творчестве Кандинского очевидны, другие же более тонкие и скрытые; они проявляются лишь постепенно у тех, кто глубже относится к его работам.
Его формы (которые он мягко гармонизировал и располагал) должны были соединиться с духом наблюдателя.
Композиция X (1939) Василия Кандинского; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Уникальный художественный стиль Кандинского-художника
Искусство Василия Кандинского сочетает в себе музыку и мистицизм. Картины Кандинского в ранние годы его творчества демонстрируют явный экспрессионизм, что объясняется его увлечением современной музыкой и тактильной склонностью. Однако он принял все творческие тенденции своего периода и предшественников, такие как модерн, фовизм и «Синий всадник», сюрреализм и Баухауз, только затем, по мере изучения духовности в искусстве, эволюционировал ближе к абстракционизму.
На его беспредметных полотнах изображена духовная абстракция, вызванная музыкой и чувствами через единство смысла. В его работах присутствует неопределенность формы, изображенной в цветовой гамме, а также оппозиция против традиционных эстетических норм мира искусства, мотивированная его христианской верой и внутренними потребностями личности. Это можно увидеть в его ранних работах, таких как «Импровизация 10» (1910) и «Композиция IV» (1911).
Импровизация 10 (1910) Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На протяжении всей творческой карьеры Кандинского его фирменный стиль можно разделить на три категории: импульсивные эмоциональные реакции, изобразительные элементы и конечные произведения. Произведения Кандинского становились более яркими и эмоциональными по мере того, как он отходил от влияния раннего импрессионизма, с более четкими контурами и выраженными линейными чертами.
Но в конечном итоге Кандинский отказался от графического изображения, перейдя к более мультисенсорным тифониям цветов и узоров, отказавшись от традиционных образцов в пользу сложности и прозрачности различных абстрактных форм.
Но что оставалось неизменным, так это его божественные начинания, связанные с изображением и цитированием христианства. Поздние картины Кандинского также отличаются эмоциональной согласованностью. Он доказал единообразие форм в своих работах, открыв путь для еще большей абстракции, с различными масштабами и яркими оттенками, гармонизированными точным контрастом пропорций и цветов. Василий Кандинский часто использовал черный цвет в своих работах, чтобы подчеркнуть эффект ярких цветных форм, а его формы часто представляли собой биоморфные техники, чтобы ввести сюрреализм в свои работы, такие как «Последняя акварель» (1944).
Последняя акварель (1944) Василия Кандинского; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Замысел произведений Кандинского
Кандинский начал первые семь из 10 своих композиций, написав, что «музыка — высший учитель». Первые три сохранились только в черно-белых изображениях, сделанных другим художником и коллегой Габриэле Мюнтер. Хотя существуют этюды, рисунки и риффы, в частности, Композиция II (1910), первые три композиции Кандинского были конфискованы во время нацистской облавы на Баухаус в 1930-х годах. Они были показаны на спонсируемой государством выставке «Дегенеративное искусство», после чего были сожжены.
Захваченный христианскими пророчествами и концепцией новой эры, конец света — частая тема во всех первых семи работах Кандинского.
Эскиз к композиции II (1909) Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В годы, предшествовавшие Первой мировой войне, Кандинский писал работы, изображающие надвигающийся апокалипсис, который изменит личную и общественную реальность, как он писал о «художнике как оракуле» в своей книге «О духовном в искусстве» (1912). Кандинский черпал из библейских легенд, таких как воскресение Христа, Ноев ковчег, Иона и кит, четыре всадника Апокалипсиса, русские мифы и легенды, а также общие мифические ощущения смерти и воскресения.
Не стремясь представить себе ни одну из этих историй в виде рассказа, он использовал их окутанный пеленой символизм как эмблемы мотивов разрушения и смерти, которые, по его мнению, надвигались в обстановке перед Первой мировой войной.
Обложка книги Василия Кандинского «О духовном в искусстве» (1910); Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Кандинский считал, что настоящий художник, создающий искусство из «внутренней потребности», живет на вершине восходящей пирамиды, как он выразился в своих трудах. Эта восходящая пирамида пронзительна и движется вперед. На вершине пирамиды современный художник стоит один, создавая свежие прорывы и предвещая завтрашние реалии. Кандинский был осведомлен о научных достижениях, а также о вкладе современных художников в принципиально новые способы видения и выражения окружающей среды.
Композиция IV (1911) и последующие произведения искусства в основном сосредоточены на том, чтобы вызвать духовное пробуждение как у зрителя, так и у художника. Кандинский, как и в своей картине «Судный день у воды», например, Композиция VI (1913), ставит наблюдателя в ситуацию столкновения с этими эпическими повествованиями, интерпретируя их в современных терминах с ощущением отчаяния, срочности и растерянности).
Композиция IV (1911) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В рамках языка и визуальных средств можно сформулировать эту духовную связь зрителя и произведения искусства. Кандинский также описывал связь между художником и зрителем как открытую как для чувств, так и для мышления, о чем свидетельствуют его записи в альманахе Der Blaue Reiter и гипотезы музыканта Арнольда Шенберга. Кандинский теоретизировал, что (для примера) желтый цвет — это цвет середины C на духовом рожке; черный цвет — это цвет законченности и конца всего; и это сочетание цветов создает резонанс, подобный нотам, исполняемым на фортепиано.
Кандинский начал учиться играть на клавишных и виолончели в 1871 году.
Кандинский также создал философию геометрических форм и их связей, предположив, например, что сфера является самой спокойной формой и воплощает человеческий дух. Знаковая декорация Кандинского к «Картинкам с выставки» Мусоргского служит примером его синестетического представления о глобальной взаимосвязи форм, оттенков и музыкальных нот. Василий Кандинский создал сценическую версию «Картинок с выставки» в Дессау в 1928 году. Оригинальные рисунки сценических компонентов были воссозданы с помощью современных видеотехнологий и синхронизированы с саундтреком в 2015 году на основе подготовительных документов Кандинского и режиссерского сценария Феликса Клее.
Кандинский работал над «Композицией VI» (1913) во время очередного сеанса с Мюнтером в годы баварского абстрактного искусства. По его замыслу, эта работа, на которую ушло почти шесть месяцев исследований и планирования, должна была представлять собой потоп, крещение, разрушение и возрождение одновременно.
Композиция VI (1913) Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Он застрял после того, как сделал набросок произведения на деревянных панелях размером с фреску, и не смог продолжить работу. Мюнтер сообщила ему, что он застрял в своей голове и не может добраться до настоящего объекта фотографии. Она посоветовала ему просто произнести фразу «потоп» и сосредоточиться на тоне, а не на содержании.
Кандинский создал и закончил огромную работу за три дня, произнося это слово как мантру.
Выставки Кандинского
В галерее Ленбаххаус в Мюнхене хранится самая большая коллекция картин Кандинского в Европе. Среди наиболее заметных выставок Кандинского на сегодняшний день можно назвать следующие:
- Кандинский», значительная выставка произведений Кандинского, проходила в Музее Соломона Гуггенхайма с 2009 по 2010 год. В 2017 году в музее Гуггенхайма была выставлена коллекция произведений Кандинского под названием «Визионеры: Creating a Modern Guggenheim.
- С 11 июня по 4 сентября 2011 года в коллекции Филлипса в Вашингтоне проходила выставка «Кандинский и гармония тишины», в которую вошли «Картина с белой каймой» и ее предварительные этюды.
- Василий Кандинский: Around the Circle» будет экспонироваться в Музее Соломона Гуггенхайма с 8 октября 2021 года по 5 сентября 2022 года, одновременно с чередой персональных выставок, посвященных работам современных художников Энни К. Джонс, Этель Аднан и Сесилии Викуна.
Примечательные произведения искусства
На художественные произведения Кандинского большое влияние оказала музыка. В названиях произведений часто использовались музыкальные темы. Вот некоторые из самых известных работ художника.
- Маленькие миры (1922)
- На белом II (1923)
- Круги по кругу (1923)
- Мягкий твердый (1926)
- Коричневый с дополнением (1935)
- Композиция IX (1936)
- Композиция X (1939)
- Круг и квадрат (1943)
Круги в круге (1923) Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Дальнейшее чтение
Василий Кандинский — русский художник-абстракционист, проживший интересную жизнь. Если вы хотите узнать больше о биографии и творчестве Василия Кандинского, то обратите внимание. Мы составили список отличных рекомендаций по чтению на случай, если вы захотите изучить этого художника еще глубже.
О духовном в искусстве (Kindle version 2012) Василия Кандинского
Эта книга — один из самых важных текстов в истории современного искусства, поскольку она стала новаторской работой в стремлении освободить искусство от привычных связей с практической реальностью. Она была написана знаменитым художником-беспредметником Василием Кандинским и описывает собственную философию живописи Кандинского, а также кристаллизует концепции, которые повлияли на многих других современных художников того времени.
Эта публикация, наряду с его собственными новаторскими работами, оказала значительное влияние на эволюцию современного искусства.
Первый раздел, озаглавленный «Об эстетике», призывает к метафизической трансформации искусства, позволяя художникам изображать свою внутреннюю жизнь в бесплотных, нематериальных терминах. Художники никогда не должны полагаться на физическую вселенную для творческого искусства, так же как музыканты не полагаются на материальный мир для своих песен. Кандинский рассматривает неврологию цвета и лексику формы во втором разделе «О живописи».
