Что означает «возвышенное» и как определить возвышенное в искусстве? История возвышенного искусства уходит корнями в эпоху итальянского Возрождения, но именно публикации Эдмунда Берка в 1750-х годах стали настоящим толчком к развитию движения возвышенного искусства. В этой статье мы рассмотрим возвышенных художников и возвышенные картины, которые составляют основу этой увлекательной художественной философии.
Оглавление
Введение в историю возвышенного искусства
Именно в эпоху итальянского Возрождения зародилась эта концепция. Изображения безжизненного и страдающего Христа Андреа Мантеньи и Масаччо, а также наброски и анализ скелетов Рафаэля говорят нам об уверенности в смертности и непознаваемости — основных элементах возвышенного. Однако только в эпоху романтизма Возвышенное как художественное понятие получило широкое распространение в Европе.
Все началось с перевода Николя Буало «О возвышенном» (1674) древнегреческого Лонгина. Лонгин утверждал, что оратор должен стремиться вызвать эмоции и тронуть аудиторию, а не просто убедить ее. Лонгин, который в первую очередь интересовался языками, все же немного говорил об эстетическом Возвышенном как в живой природе, так и в рукотворных артефактах; по его мнению, огромные масштабы и разнообразие могут породить чувство Возвышенного.
«Возвышенное — это не совсем то, что установлено или доказано, а удивление, которое пересиливает человека, поражает его и заставляет переживать», — заявил Буало в своей книге об эстетике.
Портрет Николя Буало-Депрео (1636-1711); после Жана-Батиста Сантерра, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эдмунд Берк, философ, опубликовал первое значительное эссе о Возвышенном в 1757 году, в котором он попытался рационально изучить человеческие импульсы. Тезис Берка, как логического Рационалиста, основан на сенсорном вводе, и он перебирает множество эмоций, включая приятные, привлекательные и величественные. Для Берка радость не была такой сильной эмоцией, как страдание, и он предположил, что Возвышенное, которое он считал нашей самой глубокой эмоцией, основано на ужасе, особенно страхе, вызванном перспективой смерти.
«Эмоции, порождаемые огромным и величественным в природе, когда эти причины действуют наиболее сильно, — это изумление, — писал Берк, — а изумление — это состояние психики, при котором все ее действия приостанавливаются с чувством ужаса».
Портрет Эдмунда Берка (1729-1797); Джеймс Норткот, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Подобным образом Иммануил Кант, немецкий философ, исследовал реакцию участника на Возвышенное, находя источник ощущений в человеческом разуме. В своей «Критике способности суждения» (1790) он утверждает два вида возвышенного: логическое возвышенное и кинетическое возвышенное. Когда человек сталкивается с логическим возвышенным, он сталкивается с огромностью природы, и его разум не может полностью постичь ее необъятность. Однако, по словам Канта, наша способность разума вступает в дело и помогает нам понять ощущение вечности перед нами.
Логическое Возвышенное, таким образом, — это впечатление господства разума над творением и человеческим воображением.
Кинетическое Возвышенное — это тоже ощущение господства разума над природой, но через другой канал. «Непреодолимость силы природы, конечно, заставляет нас, рассматриваемых как существа природы, признать свою физиологическую слабость, но она также открывает потенциал для оценки себя как отдельного от среды и более великого, чем она, благодаря чему душа в нашем индивиде продолжает оставаться неэродированной даже тогда, когда жизненная форма должна подчиниться этому влиянию и контролю», — объяснял Кант.
Портрет Иммануила Канта (1768); Беккер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Кант говорил о «беспокойстве», которое испытывает человек при обоих трансцендентных переживаниях; оно потрясает душу, по сравнению с безмятежным чувством, возникающим при созерцании прекрасного. Как отмечал Кант, Возвышенное также вызывает чувство неудовлетворенности, «возникающее из-за неспособности зрения в эстетической оценке размера подняться до его логической оценки».
Концепции Канта о Возвышенном не были широко приняты философами, но они оказали значительное влияние на более поздние труды и эстетическую мысль.
Различные движения, которые использовали возвышенные пейзажи
Движение возвышенного искусства состояло из множества небольших школ, которые можно было найти в различных регионах по всему миру. Художники-романтики приняли возвышенные пейзажи. Так же, как и французы, англичане и американцы.
Европейские романтики
Возвышенное Канта, основанное на наших отношениях с творением и нашей логической реакции на него, было преобразовано как своего рода «теология искусства» в немецкий романтизм. Это было началом эпохи, в которой «Я и мир разделились». Художники-романтики часто использовали свои встречи с окружающей средой или природными явлениями для выражения чувства Возвышенного.
Каспар Давид Фридрих пытался передать ощущение безграничного в своих работах, изображающих туман, дымку и мрак, создавая подавляющее впечатление небытия.
Странник над морем тумана (ок. 1817), Каспар Давид Фридрих; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons
Картины Фридриха, изображающие одиноких людей на фоне смелого и величественного неба, произвели широкий эффект, и он стал легендой романтической живописи. Примерно в тот же период Теодор Жерико и Эжен Делакруа исследовали возвышенное через такие страшные и ужасные темы, как самоубийства, убийства, катастрофы и гильотинированные трупы во Франции. Их произведения искусства, как правило, были огромных размеров, окружали зрителя и отличались нагромождением множества элементов, которые атаковали чувства зрителей.
Англичане и французы
Британские художники-пейзажисты реагировали на потребность в возбуждении и удивлении, когда посетители отправлялись в дикие места, такие как Швейцарские Альпы и другие дикие места, чтобы встретить Возвышенное. Дж. М. У. Тернер создавал сильные морские пейзажи, виды реки Темзы и завораживающие небеса, в которых прослеживалась мимолетность человеческих усилий посреди творения, а Джон Констебл изображал впечатляющие английские пейзажи, призванные вызвать изумление и удивление у наблюдателя.
Действительно, Тернер обычно считается одним из самых эффективных художников-романтиков, выражающих видение Возвышенного, предложенное Кантом и Берком.
Вход в Мёз: Оранжевый купец на барной стойке, собирающийся на куски; церковь Бриль, несущая С. Е. от С., Мазенслуйс Е. от С. (1819) Дж. М. У. Тернер ; Дж. М. У. Тернер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Барбизонская школа, к которой относятся Жан-Батист-Камиль Коро, Жан-Франсуа Милле и Теодор Руссо, придерживалась во Франции более промежуточного стиля. В пейзажной живописи эти художники пытались передать ощущение покоя, или то, что было известно как «интроспективное возвышенное». Возвышенные пейзажи использовались художниками этого региона скорее как средство от зла современной промышленности, чем как сильное исследование человеческого опыта.
Школа реки Гудзон
Под влиянием Тернера и его сверстников такие художники, как Томас Коул и Томас Моран, обнаружили возвышенное в нетронутых местах Северной Америки, таких как Большой каньон и долина Йосемити, и воспроизвели его на огромных полотнах, передающих масштаб и величие.
Возвышенные художники стремились создать искусство, передающее удивление, страх, безграничность и величие этих впечатляющих мест, которые многие американцы никогда не видели воочию.
После путешествия по регионам и сельской местности и восприятия полноты американского пейзажа Фредерик Эдвин Черч, Альберт Бирштадт и впоследствии Ашер Б. Дюран исследовали концепции Возвышенного в период развития западного направления, и их картины Возвышенного стали воплощением того, как выглядела Америка в воображении многих жителей Восточного побережья.
Аврора Бореалис (1865), Фредерик Эдвин Черч ; Фредерик Эдвин Черч, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Знаменитые произведения возвышенного искусства
Многие художники определяют возвышенное искусство совершенно уникальным образом. Благодаря широкому определению понятия «возвышенное», возвышенные художники не стеснялись выражать свои концепции с помощью всего: от традиционных возвышенных пейзажей на масляной основе до более экспериментальных средств и материалов. Сейчас мы рассмотрим некоторые важные произведения искусства, созданные представителями движения Возвышенного искусства.
Плот Медузы (1819) Теодора Жерико
| Дата завершения | 1819 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 490 см x 716 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей Лувра, Париж |
Это жестокое и ужасающее произведение широко считается высшим достижением Теодора Жерико и повлияло на ход развития современного искусства. На полотне размером почти 23 на 16 футов изображены выжившие и менее удачливые обитатели спасательной шлюпки, которая была спущена с искалеченного военного корабля, затонувшего по вине неумелого командира. Люди, умирающие или мертвые, создают ужасающую картину, когда их швыряет по бурным водам Западной Африки. Только 15 человек остались в живых, когда через 13 дней лодка была поднята на поверхность. Еще пять человек погибли во время путешествия, и этот инцидент вызвал современный скандал о колониальных амбициях Франции.
Картина поразила зрителей, поскольку художники никогда прежде не изображали современные события, и ее ужасающее изображение еще больше разъярило их.
Плот Медузы (1818-1819) Теодора Жерико; Théodore Géricault, Public domain, via Wikimedia Commons
Жерико приложил немало усилий, чтобы достоверно изобразить трагедию этого события, посещая морги, чтобы изучить цвет кожи умерших, и даже приносил домой части тела для работы над картиной. Пирамидальная конструкция, состоящая из бортов плота и шаткой мачты, придает трагичности сцене. Он также использует кьяроскуро, чтобы подчеркнуть макабрический цвет иссохших трупов и придать напряженность пугающему небу.
Художник приглашает наблюдателя на опасный пол лодки, позволяя бортам плота выйти за пределы основания картины, а поворачивая головы и конечности страдающих жертв в сторону горизонта, он еще больше втягивает наблюдателя в ужасную сцену, когда они беспомощно ищут спасения.
Тема ужаса и смертности является центральной в исследовании Возвышенного. «Все, что так или иначе способно стимулировать мысли об агонии и опасности, то есть все, что так или иначе по-настоящему ужасно, является основой Возвышенного, то есть порождает самые глубокие чувства, которые способна испытывать душа», — заявил Эдмунд Берк.
Солсберийский собор с лугов (1831), автор Джон Констебл
| Дата завершения | 1831 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 153 см x 97 см |
| В настоящее время находится в музее | Тейт Британия, Лондон |
Возвышенное становится очевидным в мрачном небе и обильной символике этой картины «Возвышенное». Констебл, видный участник романтического движения, получил признание за своеобразную работу с освещением и использование ярких, реалистичных оттенков, однако это огромное полотно имеет мрачный и предчувствующий характер, вызывая тревогу за судьбу англиканской церкви.
Башня Солсберийского собора пробивается сквозь разорванные молниями облака в центре изображения, однако противоположное освещение картины наводит на мысль о метафорическом толковании этого сооружения.
Солсберийский собор с лугов (1831), Джон Констебл; John Constable, Public domain, via Wikimedia Commons
Левый нижний треугольник, разделенный по диагонали посередине, изображает сельскую местность с человеком на лошади и телеге, пробирающимся через ручей в мягких коричневых и оранжевых тонах. Большое дерево слева создает длинную тень над пейзажем. Несмотря на появление радуги, пересекающей верхний треугольник композиции, небо выглядит мрачным и унылым. Лучи света сталкиваются с ливневыми дождями, а серые небесные розы используются со зловещей эффективностью.
Многие также связывают противоречивые эмоции с душевным состоянием самого Констебла после смерти его жены.
По мнению искусствоведов, произведение изображает Возвышенное. Когда произведение было представлено в Королевской академии в 1831 году, рецензенты отметили отличия от предыдущих работ художника, но не смогли дать более точного определения. Произведение было названо «завышенным», «драматичным» и «ненормальным». Однако биограф Констебла, Чарльз Роберт Лесли, заявил, что художник считал, что эта работа передает «всю идею масштаба его работы» и что когда-нибудь она «вероятно, будет считаться его лучшим» изображением.
Невольничий корабль (1840) Дж. М. У. Тернера
| Дата завершения | 1840 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 91 см x 123 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей изящных искусств, Бостон |
В своих картинах природы и морских пейзажах Дж. М. У. Тернер обращался к темам смертности, смерти и насилия. На этой драматической и эмоциональной картине Тернер изобразил опасный океан, используя палитру огненно-желтых и красных цветов. В нижней части картины изображено бушующее море, поглощающее рабов и животных. Когда хрупкий, хрупкий корабль уплывает, море, похожее на пламя, лижет пылающее небо. Горизонт кажется наклоненным, подчеркивая ужас и смятение утопающих.
В этой картине задействовано множество возвышенных понятий: солнце, богоподобное, но равнодушное, в центре полотна вызывает метафизическое чувство, нависает угроза погружения и смерти, а творение показано как всемогущее и ужасное.
Невольничий корабль (1840) Дж. М. У. Тернер; Дж. М. У. Тернер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта работа была вдохновлена историей о невольничьем корабле, капитан которого выбрасывал умирающих и страдающих рабов за борт, чтобы получить полис на тела, выброшенные в море. Тернера интересовали вопросы человечности и первобытной агрессии, и вода стала прекрасной декорацией для его великолепного этюда. Картины Тернера воспринимались как усиливающие и вдохновляющие видение зрителя. Тернер использовал искусную кисть и эффекты окраски, чтобы напугать зрителя.
«Если бы я был вынужден возлагать надежды на долголетие Тернера на какое-либо одно произведение, я бы выбрал это», — заметил критик Джон Рёскин.
Бездна Колорадо (1874) Томас Моран
| Дата завершения | 1874 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 213 см x 365 см |
| В настоящее время находится в музее | Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия. |
В центре холста этой блестящей и драматичной картины открывается огромная пропасть, в которую затягивает небо и облака. Красная каменная кладка Гранд-Каньона окружает пропасть, возвышаясь в левой части картины. Сила сцены подчеркнута мощными красными и черными цветами, а дальний горизонт, изображенный в пастельных желтых, голубых и оранжевых тонах, расширяет протяженность пейзажа. Тяжелые дождевые облака падают на пол, а влажный туман поднимается от земли. Возвеличивание величия и силы в этой работе почти апокалиптично.
Добавление радуги завершает образ и намекает на ветхозаветный грандиозный потоп в конце дней.
Бездна Колорадо (1873-1874) Томас Моран; Томас Моран, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Моран создал картину, которая говорит о неподвижной, неподвижной и безразличной истории планеты и одновременно придает жизненную силу динамичному погодному пейзажу с его точки зрения на плато Пауэлла, северной возвышенности Гранд-Каньона. Это противоречие передает чувство незначительности наблюдателю, который смотрит на абсолютно пустую местность. Моран сотрудничал с искателем приключений и геологом Джоном Уэсли Пауэллом для создания композиции, которую он написал, используя рисунки, фотографии и аранжировки, а не увиденную воочию сцену.
Моран изобразил уровни, величины, диапазоны, формы, оттенки и образования с максимальной точностью.
Черный квадрат (1913) Казимир Малевич
| Дата завершения | 1913 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 79 см x 79 см |
| В настоящее время находится в музее | Государственная Третьяковская галерея, Москва |
Эта работа представляет собой черный квадрат, расположенный слегка смещенным от центра на белом фоне. Мир искусства был перевернут с ног на голову этим маленьким и, казалось бы, простым полотном. Первоначально планировавшаяся как декорация к последней сцене авангардной оперы, эта картина «Возвышенное» является примером супрематизма Малевича, типа абсолютной абстракции, которая была полностью лишена описаний.
Малевич утверждал, что «освободил искусство от обременения вещью», создав произведение без оттенка, формы, смысла или высказывания. Он считал, что опыт должен быть лишен рационального мышления и что чистый факт может быть достигнут только через эмоции.
Малевич намеренно создавал у наблюдателя чувство неуверенности в поисках смысла.
Черный квадрат (1930/1932) Казимир Малевич ; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Подсознание могло бы увидеть, что творец показывает всю вселенную и все живое в ней в своей маленькой, квадратной, простой картине после того, как она освободилась из своей логической клетки. трансцендентное величие; искусство переносит зрителя за фиксированные, разумные границы понимания.
Эта картина передает ощущение неудовлетворенности, возникающее от недостаточности разума, когда предпочтение отдается плоскости, а не размеру.
Художник «Возвышенного» преуспел в передаче Возвышенного чисто абстрактными методами, в нашей неспособности найти разумную интерпретацию для «Черного квадрата» и в неудовлетворенности, которую человек испытывает в этих обстоятельствах, — достижение, которое поднимет последующих художников, таких как американцы Марк Ротко и Ад Рейнхардт, к разработке своих собственных вариантов этого понятия.
Vir Heroicus Sublimis (1951) Барнетт Ньюман
| Дата завершения | 1951 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 242 см x 541 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Эта большая картина «Возвышенное» выполнена в насыщенном, ярком, матовом красном цвете. Пять вертикальных полос, так называемых «молний», прерывают красное полотно размером почти 18 на 8 футов. Двигаясь слева направо, мы видим несколько матовую оранжевую молнию, за которой следует более широкая, блестящая белая молния. Глубокая бордовая молния снова разделяет картину сбоку, а еще одна мандариновая молния расположена справа от нее. Через год после этого художник добавил последнюю молнию — широкую полосу цвета загара.
Это была самая большая работа Ньюмана в тот период, и она была призвана пересмотреть границы между творцом и зрителями, которых призывали пристально вглядываться в полотно.
Vir Heroicus Sublimis (1951), Барнетт Ньюман; User:BevinKacon, Public domain, via Wikimedia Commons
Если расположиться на правильном расстоянии, оттенки и линии сливаются и поглощают зрителя, а освещение красного холста проецируется на него, преображая его собственный взгляд — работа визуально и, предположительно, духовно преображает зрителя, как и задумывал Ньюман.
Ньюман утверждал, что Европа боролась за достижение Возвышенного в современном искусстве, но художники могут достичь Возвышенного в Америке, освободившись от бремени европейских традиций. Он сказал: «Мы освобождаем себя от препятствий памяти, связи, сожаления, мифа и легенды, придуманных западноевропейским искусством. Вместо того чтобы строить храмы из Христа, человечества или «существования», мы строим их из самих себя, из наших собственных чувств».
Мы надеемся, что эта статья помогла вам глубже понять историю возвышенного искусства и движение возвышенного искусства. Мы узнали о возвышенных художниках и их произведениях, которые донесли эту концепцию до масс, создав возвышенные картины, излучающие ощущение величия и ужасающего благоговения. Эти возвышенные пейзажи открыли двери для более возвышенных выражений экстремальных эмоций и ужасных проявлений силы природы.
Часто задаваемые вопросы
Что значит возвышенное?
Эдмунд Берк создал теорию возвышенного в середине 18 века, определив возвышенное искусство как «искусство, которое намекает на великолепие, превосходящее все возможности измерения, оценки или воспроизведения». Он описал Возвышенное как эстетическое воздействие, которое вызывает самые сильные ощущения, которые только может испытать интеллект. «Все, что так или иначе ужасно, знакомо с ужасными объектами или действует в манере, сравнимой с ужасом, является источником Возвышенного», — писал он.
Где зародилось возвышенное искусство?
Самые первые примеры можно найти в эпоху итальянского Возрождения. Публикации Эдмунда Берка в 1750-х годах оказали большое влияние на мир искусства и привели к возникновению движения Возвышенного искусства. Оттуда оно широко распространилось в таких регионах, как Европа, Великобритания, Франция и Америка.
