На протяжении многих веков чернокожие художники вносили огромный вклад в мир искусства, формируя визуальную культуру, но когда мы думаем о великих художниках на протяжении всей истории человечества, то часто вспоминаем имена преимущественно белых художников. На протяжении всей истории во всем мире знаменитые чернокожие художники и произведения искусства игнорировались, и это привело к тому, что популярная история искусства почти исключительно признает таланты только белых художников. В этой статье мы рассмотрим некоторых известных чернокожих художников, которые внесли значительный вклад в мир искусства.
Оглавление
Наш список знаменитых чернокожих художников, о которых вы должны знать
Визуальное искусство, созданное чернокожими художниками, невероятно разнообразно. Оно часто служит вместилищем самовыражения, отображающим социальные, политические и экономические реалии опыта этих художников, а также выступает в качестве формы мощного культурного протеста. На протяжении всей истории влияние и воздействие черных художников регулярно игнорировалось, а их таланты, вклад и достижения не признавались.
Поэтому в этой статье мы перечислим некоторых известных чернокожих художников, о которых, по нашему мнению, вы должны знать, и которые внесли значительный вклад в мир искусства.
Джошуа Джонсон (ок. 1763 — ок. 1824)
| Художник | Джошуа Джонсон |
| Национальность | Американец |
| Место рождения | Балтимор, Мэриленд, Соединенные Штаты Америки |
| Когда они жили? | c. 1763 — c. 1824 |
| Ассоциированные направления искусства | Наивное искусство |
Джошуа Джонсон жил и работал в Балтиморе как художник-портретист в XVIII-XIX веках. Хотя о его биографии мало что известно, поскольку он был рабом, он получил свободу в 1782 году и в 1796 году стал художником-портретистом. Джонсон признан одним из самых важных художников в истории чернокожих, поскольку он является первым задокументированным афроамериканским художником, работавшим профессионально.
Его прославляют за вклад, который он внес в развитие известных чернокожих художников, так как он проложил путь для бесчисленных творцов, которые последовали за ним.
Дети Вествуда (1807), Джошуа Джонсон; Национальная галерея искусств, CC0, via Wikimedia Commons
За свою жизнь Джонсон создал более 100 портретов. Он называл себя «гением-самоучкой», а его картины были выполнены в характерном стиле наивного искусства. Большинство его картин, посвященных истории чернокожего населения, отличались четкой композицией и строгой манерой, когда объект сидел и прямо смотрел в три четверти перед простым фоном, с набором реквизита, который мог включать все, что угодно, от зонтиков и манежей до цветов и фруктов. Объектами его картин были преимущественно выдающиеся белые жители Мэриленда.
Джонсон проложил путь для знаменитых чернокожих художников и произведений искусства, которые последовали за ним, поскольку, несмотря на свой бывший статус раба и множество непреодолимых барьеров, которые ему пришлось преодолеть, он был самым первым афроамериканцем, который, как известно, сделал собственную карьеру художника. Он прибыльно работал более 30 лет и смог сделать карьеру, в которой было отказано афроамериканцам в других местах.
Сейчас его картины, посвященные истории чернокожих, находятся в музеях по всей территории США и служат напоминанием о его достижениях и влиянии на других художников, занимающихся историей чернокожих.
Несколько известных работ художника
- Грейс Эллисон МакКерди и ее дочери, Мэри Джейн и Летиция Грейс (ок. 1804 г.)
- Дети Вествуда (ок. 1807 г.)
- Джон Джейкоб Андерсон и сыновья, Джон и Эдвард (ок. 1812)
Джейкоб Лоуренс (1917 — 2000)
| Художник | Джейкоб Лоуренс |
| Национальность | Американец |
| Место рождения | Атлантик-Сити, Нью-Джерси, Соединенные Штаты Америки |
| Когда они жили? | 1917 — 2000 |
| Ассоциированные направления искусства | Модернизм |
Если рассматривать известных чернокожих художников и произведения искусства, Джейкоб Лоуренс является одним из самых уважаемых чернокожих американских художников 20-го века. В детстве Лоуренс посещал художественные мастерские и музеи, а в 1937 году поступил на стипендию в Американскую школу художников. К моменту окончания школы он уже разработал свой собственный взгляд на модернизм, в котором он иллюстрировал жизнь афроамериканцев, используя яркие цвета.
В 25 лет он стал известен на всю страну, что позволило ему утвердиться в качестве одного из самых известных чернокожих художников своего времени.
Портрет Джейкоба Лоуренса, 1941; Карл Ван Вехтен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На протяжении многих лет он создавал заказные работы и предоставлял произведения искусства таким некоммерческим организациям, как NAACP и Фонд защиты детей. Он выставил свою самую заметную серию картин «Миграция» (1940 — 1941) в галерее «Даунтаун», став первым афроамериканцем, присоединившимся к заведению Эдит Халперт. Она изображала массовый исход, когда более шести миллионов афроамериканцев бежали с Юга, который все еще был сегрегирован, в урбанизированные районы на другой стороне Соединенных Штатов.
Работы Лоуренса были в первую очередь вдохновлены яркими цветами и формами Гарлема.
Панель 1 из серии «Миграция»: Во время Первой мировой войны произошла великая миграция южных негров на север (1941), Джейкоб Лоуренс; Национальный архив в Колледж-Парке, Общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Он называл свой стиль «динамическим кубизмом», который он использовал, чтобы оживить афроамериканский опыт, сопоставляя коричневые и черные цвета с яркими красками. Его вклад в мир искусства был широко признан, он получил признание критиков и достиг нескольких вех, например, стал первым афроамериканцем, чьи работы стали постоянной экспозицией Музея современного искусства (MoMA), а в 1990 году был награжден Национальной медалью искусств США.
Работы Лоуренса непосредственно отражали время, в которое он жил, и были исключительно влиятельными. Он шокировал современную публику своими модернистскими изображениями повседневной жизни, а также афроамериканских исторических фигур и повествований. Его картина 1947 года «Строители» висит в Белом доме с 2009 года.
Несколько известных работ художника
- Серия «Генерал Туссен Л’Овертюр» (1986)
- Серия «Миграция» (1940 — 1941)
- Серия «Война» (1946)
Самба Чери (1956 — настоящее время)
| Художник | Чери Самба |
| Национальность | Конголезский |
| Место рождения | Демократическая Республика Конго |
| Когда они жили? | С 1956 года по настоящее время |
| Ассоциированные направления искусства | Современное африканское искусство |
Чери Самба известен своими произведениями современного африканского искусства. Его картины передают его восприятие жизни в Демократической Республике Конго. Карьера Самбы началась во время работы художником комиксов и рекламных щитов. Затем он перешел к живописи, но поскольку холсты были слишком дороги, он использовал в качестве основы ткань из мешковины.
Вскоре в его работах появилась так называемая «подпись Самбы», в которую он включал словесные пузыри для размещения своих письменных комментариев, что провоцировало зрителей взаимодействовать с его работами.
Картины Самбы прямо говорят о том, чего он хочет, в них нет свободы интерпретации. При создании своих убедительных произведений искусства он тщательно продумывает их. Пытаясь сохранить авторский контроль, Самба блестяще управляет повествованием своих работ и защищает себя, избегая любых навязанных политических интерпретаций, а главное, он не дает зрителю приложить к своим работам свою собственную точку зрения, которая зачастую слишком нормативна и недостаточно децентрирована.
Работы Самбы передают его восприятие политических, социальных, культурных и экономических реалий Демократической Республики Конго. Он затрагивает такие темы, как культурные обычаи, СПИД, социальное неравенство, коррупция, сексуальность и то, как выглядит повседневная жизнь в Киншасе. Самба объяснил, что его цель — взывать к совести людей и заставлять их думать.
Будучи одним из значительных черных поп-артистов Африки, Самба создает сложную визуальную вселенную в своих работах.
Популярность картин Самбы вышла за пределы Киншасы в середине 1980-х годов, где он завоевал международную аудиторию. Самба стал одним из самых известных черных поп-артистов, работающих с современным африканским искусством. Его коллекции выставлялись в таких галереях, как MoMA и парижский Центр Жоржа Помпиду.
Несколько известных работ художника
- J’aime la couleur (2003)
- Les Ombres Multicolores (2011)
- Problème d’eau. Où trouver l’eau (2004)
Жан-Мишель Баския (1960 — 1988)
| Художник | Жан-Мишель Баския |
| Национальность | Американец |
| Место рождения | Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки |
| Когда они жили? | 1960 — 1988 |
| Ассоциированные направления искусства | Неоэкспрессионизм |
Жан-Мишель Баския начал с того, что в 1970-х годах рисовал на поездах метро в Нью-Йорке под своим граффити-именем «SAMO». Он работал с близким другом, оставляя загадочные афоризмы на поездах и зданиях вокруг Манхэттена. Он был художником-самоучкой, который начал рисовать на листах бумаги, которые приносил домой его отец, бухгалтер. При поддержке матери он продолжил свои художественные занятия. Он бросил среднюю школу, проучившись год, и начал продавать открытки и толстовки со своими работами, чтобы свести концы с концами, живя в родном Нью-Йорке.
Баския был широко известен благодаря своему ярко выраженному неоэкспрессионистскому стилю. Его фирменный мотив короны присутствовал в его ранних работах, символизируя восприятие чернокожих людей как королевских особ.
Жан-Мишель Баския, Нью-Йорк, 1984; галерея Бруно Бишофбергера, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons
После трех лет борьбы его гений, наконец, был признан. В 1980 году его работы были выставлены на групповой выставке, где он получил признание критиков. Любящая искусство публика обожала и восхищалась его слиянием символов, животных, фигурок и слов; его работы продавались по цене до 50 000 долларов за оригинал.
Формирование нового художественного движения совпало с ростом его славы, и в середине 1980-х годов он сотрудничал с Энди Уорхолом, создавая работы, на которых были изображены персонажи мультфильмов и корпоративные логотипы.
Баския выставлял свои работы по всем Соединенным Штатам и всему миру, от Берега Слоновой Кости, Абиджана, в Африке до Ганновера, Германия. В 1986 году Баския стал самым молодым художником, выставившим свои работы в немецкой галерее Kestner Gesellschaft в возрасте всего 25 лет.
К сожалению, наряду с огромным признанием, Баския боролся с наркотической зависимостью и умер от передозировки в 1988 году в возрасте 27 лет. Хотя его творческая карьера была недолгой, он оказал неизгладимое влияние на мир искусства, его заслуга в том, что он пролил свет на афроамериканский и латиноамериканский опыт и создал место для этого опыта в элитном художественном пространстве. Его картина 1982 года «Без названия» с изображением черепа была продана в 2017 году на аукционе Sotheby’s за рекордные 110,5 миллиона долларов японскому миллиардеру.
Несколько известных работ художника
- Ирония негра-полицейского (1981)
- Без названия (1982)
- Голливудские африканцы (1983)
Иона Розеаль Браун (1966 — настоящее время)
| Художник | Иона Розеаль Браун |
| Национальность | Американец |
| Место рождения | Вашингтон, округ Колумбия, Соединенные Штаты Америки |
| Когда они жили? | С 1966 года по настоящее время |
| Ассоциированные направления искусства | Современное искусство |
Изучая знаменитых чернокожих художников и произведения искусства, следует обратить внимание на Иону Розеаль Браун — современную художницу. Повествовательные полотна Браун демонстрируют ее высказывания о культурной идентичности. Она черпает вдохновение в современном хип-хопе и японском жанре гравюры укиё-э. Браун начала рисовать только в двадцатые годы, так как сначала она получила формальное образование — степень бакалавра искусств в Художественном институте Сан-Франциско и степень магистра искусств в Йельском университете.
С 2004 по 2014 год она принимала участие в различных персональных выставках по всей территории США.
Браун была очарована фигурой гейши, и она тщательно исследовала эту тему в своих работах. Она умело сочетает, казалось бы, несовместимые культуры. В своих знаменитых работах Блэк использует стилизованные и фантастические смешанные материалы для создания своих картин, где она сочетает различные стили граффити, хип-хопа и японских гравюр.
Когда она училась в Сан-Франциско, она познакомилась с японской культурой Гангуро, которая присваивает культуру чернокожих. Это побудило ее посетить Японию, чтобы узнать об этой субкультуре. Эта поездка вдохновила ее на создание знаменитой серии «Картины с черным лицом» (2003), которая положила начало ее карьере. В своих работах Браун исследует проблемы присвоения афроамериканской культуры и влияние консьюмеризма на глобальное формирование культурной идентичности.
Браун играет с формами, цветами и текстурой в плоских, узорчатых работах, которые она создает с помощью коллажа на бумаге, что указывает на культурное наложение ее работ.
Ее провокационные работы ставят под сомнение силу образа и соблазн преобладания поверхности над сущностью, когда речь идет о культурных формах. Ее работы призывают зрителей принять во внимание несколько вещей, а именно: понимание, подлинность, собственность и идентичность при понимании влияния глобализации.
Несколько известных работ художника
- a3 blackface #62 (2003)
- Browndemics: Уроки от нас (2007)
- умер, Т. (2011)
Крис Офили (1968 — настоящее время)
| Художник | Крис Офили |
| Национальность | Британец |
| Место рождения | Манчестер, Англия |
| Когда они жили? | С 1968 по настоящее время |
| Ассоциированные направления искусства | Панк-арт |
Из всех известных чернокожих художников и произведений искусства Крис Офили выделяется своим инновационным подходом к живописи, то есть использованием слоновьего навоза в качестве одного из своих средств. Вдохновляющие работы Офили привлекли много внимания и похвалы. В 1998 году Офили получил британскую премию Тернера. Искусство Офили было описано как «панк-арт», в котором используются различные средства, включая бисер, смолу, масляную краску, блестки, вырезки из порножурналов и слоновий помет.
Офили отмечает влияние, которое оказал на его творчество вышеупомянутый Жан-Мишель Баския.
Офили получил формальное образование в различных учебных заведениях, включая колледж Тамесайд в Манчестере, Школу искусств Челси и, наконец, Королевский колледж искусств в Лондоне. В 23 года он получил стипендию, которая позволила ему отправиться в Зимбабве, где он провел время, изучая наскальные рисунки. Эта поездка оказала огромное влияние на его стиль, там же он впервые увлекся слоновьим навозом. Включая его в некоторые свои картины или используя его в качестве основы, на которой стояли его картины, он побуждал зрителей задуматься о ценности, которую они придают вещам.
Офили был особенно вдохновлен джазом и хип-хопом, которые он рассматривал как торжество черной культуры. Он рисовал то, что музыка заставляла его чувствовать. В некоторых своих картинах он использовал вырезанные изображения чернокожих музыкантов, чтобы отметить их таланты и признать, что его искусство связано с их творчеством. Его работы подчеркивают самобытность чернокожих.
Хотя большая часть его работ — это празднование черной культуры и опыта чернокожих, он также использовал свое искусство, чтобы увековечить травму, стоящую за опытом чернокожих, затрагивая такие вопросы, как расизм.
Когда Офили был выбран в группу «Молодые британские художники», это стало революционным событием, поскольку в ней было не так много художников африканского и карибского происхождения. Офили — сила в мире искусства, в 2017 году он был удостоен королевой звания Командора Превосходнейшего ордена Британской империи (CBE) за свои заслуги и вклад в искусство. В 2019 году он вошел в список 100 самых влиятельных людей африканского или афро-карибского происхождения в Великобритании по версии Powerlist.
Несколько известных работ художника
- No Woman No Cry (1998)
- Поклонение капитана Дерьма и легенда о черных звездах (1998)
- Верхняя комната (2002)
Кара Уокер (1969 — настоящее время)
| Художник | Кара Уокер |
| Национальность | Американец |
| Место рождения | Стоктон, Калифорния, Соединенные Штаты Америки |
| Когда они жили? | С 1969 по настоящее время |
| Ассоциированные направления искусства | Современное искусство |
Кара Уокер — одна из знаменитых чернокожих американских художниц, чьи работы исследуют гендер, расу, сексуальность, идентичность и насилие. Уокер — современная художница, мастер гравюр, силуэтист, режиссер и профессор. В 1994 году ее работы получили мгновенный успех, когда она приняла участие в конкурсе талантов Центра рисования в Нью-Йорке. В 1997 году Уокер была удостоена стипендии Макартура и получила «грант гения».
С этого момента она создала ряд произведений искусства, ее работы выставлялись в музеях и галереях по всему миру.
Кара Уокер во время интервью в Камденском центре искусств в Лондоне, 2013 год; studio international, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Уолкер с трех лет знала, что хочет стать художником. На протяжении многих лет она экспериментировала с различными авангардными стилями, но художественные намерения ее работ оставались неизменными. Уокер стремится создавать искусство, которое делает заявление или рассказывает историю; ее больше волнует смысл, стоящий за искусством, чем стремление к совершенству или красоте.
С началом карьеры Уокер стала одним из главных художественных голосов, затрагивающих тему расы и расизма.
Художественный подвиг Уокер заслужил множество похвал. Журнал TIME включил Уокер в свой уважаемый список «TIME 100» благодаря ее мастерству и способности погружать зрителей в грандиозные проекты, не жалея тончайших деталей. Уокер берется за стереотипы и переворачивает их с ног на голову, разбирая их на части, для нее нет ничего недоступного, она наслаждается смехом и жестокостью. Ее не трогают банальности. Ее смелость проявляется в том, что она, кажется, бросает свои силуэты в стену.
Вид на скульптуру Кары Уокер «Утонченность, или Чудесная сахарная малышка», 2014, Нью-Йорк; Adjoajo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Хотя творчество Уокер было отмечено за ее инновационный подход к детализации истории в своих картинах, она получила много критики в свой адрес. Другие афроамериканские художники даже пытались бойкотировать ее работы. Тем не менее, ее работы, безусловно, сложны и вызывают сильную реакцию, поскольку она иллюстрирует исторические повествования, которые преследуют порабощение, сексуальность и насилие.
Ее работы раскрывают психологические травмы, нанесенные наследием рабства, и критически рассматривают современные гендерные и расовые стереотипы.
Несколько известных работ художника
- Gone: An Historical Romance of a Civil War as It Occurced Between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart (1994)
- No Place (Like Home) (1997)
- Бунт в Дарктауне (2001)
Вангечи Муту (1972 — настоящее время)
| Художник | Вангечи Муту |
| Национальность | Кениец |
| Место рождения | Найроби, Кения |
| Когда они жили? | С 1972 по настоящее время |
| Ассоциированные направления искусства | Современное африканское искусство, афрофутуризм |
Кенийская художница Вангечи Муту продолжает создавать искусство, которое одновременно завораживает и шокирует. Работы Муту относятся к современному движению и афрофутуризму, поскольку она объединяет ссылки на африканскую культуру с компонентами научной фантастики, создавая персонажей, которые одновременно интригуют и вызывают тревогу. В ее работах смешиваются раса, пол, личная идентичность и история искусства.
Она мастерски создает сложные коллажи, скульптуры, перформансы и видео. В работах Муту повторяются такие мотивы, как змееподобные усики и женщины в масках.
Работы Муту отражают пастишеподобное сочетание различных текстур и исходных материалов, чтобы исследовать консюмеризм и излишества. Ее работы признаны за то, что она предлагает нестандартный ход истории африканского народа. Она критически исследует влияние западного коммерциализма и американского влияния на современную африканскую культуру, будь оно коварным, безобидным или невидимым, но оно определенно присутствует. В центре ее работ — искаженное представление чернокожих женщин в современном обществе.
Вангечи Муту на фоне «Спящей Венеры» Эсташа Ле Сюра, Музей Почетного легиона, Сан-Франциско, 2021; Stevensaylor, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Муту изображает различные иллюстрации женственности в рамках афрофутуризма. Потусторонние женские фигуры, которые она изображает, привлекают зрителя и вызывают дискуссии об объективации женщин; в частности, гипер-объективации чернокожих женщин.
Изображение Муту женщин в виде потусторонних фигур повторяет вымышленное представление общества о чернокожих женщинах.
Муту сделала карьеру, которая длится уже более 20 лет, и сейчас она живет в Нью-Йорке. Ее работы выставлялись по всему миру, включая Музей Тейт в Лондоне, Художественный музей Майами, Музей Кунстпаласт в Дюссельдорфе, Музей современного искусства Сан-Франциско, Центр Жоржа Помпиду и многие другие. В 2014 году Муту основал благотворительную организацию «Africa’s Out!», цель которой — поддержка художников, институтов и инициатив из Африки и ее диаспоры и содействие радикальным изменениям с помощью искусства и активизма.
Несколько известных работ художника
- Рак матки (2005)
- Зеленые соски кактуса (2009)
- Homeward Bound (2010)
Пежу Алатизе (1975 — настоящее время)
| Художник | Пежу Алатизе |
| Национальность | Нигериец |
| Место рождения | Лагос, Нигерия |
| Когда они жили? | С 1975 по настоящее время |
| Ассоциированные направления искусства | Современное африканское искусство |
Пежу Алатизе — многопрофильный художник, создающий социально-политическое искусство, которое подчеркивает уникальные проблемы и борьбу, с которыми сталкиваются женщины в Нигерии и других странах Африки. Первоначально она получила образование в области архитектуры, но затем сменила направление, сосредоточившись на изобразительном искусстве, где она черпала вдохновение в древней мифологии йоруба и работах Дэвида Х. Дейла, своего коллеги, нигерийского художника. Ее работы сложны, экспериментальны и трудоемки. Алатизе является одним из ведущих представителей современного искусства в Африке.
Искусство Алатизе расширилось до более обширных тем, касающихся широко распространенного сознания и перемен.
Ее творчество и художественная практика определяются поиском истины, поскольку она решает религиозные и политические проблемы, с которыми сталкиваются женщины и которые находятся в самом сердце Нигерии. Алатизе пытается визуализировать социальные проблемы своей страны и свой личный опыт. Учитывая социальные взгляды Нигерии на гендер, большая часть ее работ посвящена правам женщин и гендерному неравенству.
Ее работы стремятся сломать мужскую форму современной африканской культуры.
Работы Алатизе выставлялись во Флоренции, Нью-Йорке, Лондоне и Марокко. За свои знаменитые черные работы она получила несколько наград и признание, в том числе FNB Art Prize в Йоханнесбурге и от Смитсоновского национального музея африканского искусства. Алатизе основала некоммерческую организацию Alter Native Artists Initiative (ANAI), которая действует как коллектив художников и инкубатор, способствующий развитию изобразительного искусства в Нигерии. Алатизе использует свои произведения искусства в целях творческого активизма.
Несколько известных работ художника
- Оритамета (Перекресток) (2008)
- See Me (I) (2015)
- Летающие девушки (2017)
Кехинде Уайли (1977 — настоящее время)
| Художник | Кехинде Уайли |
| Национальность | нигерийский американец |
| Место рождения | Лос-Анджелес, Калифорния, Соединенные Штаты Америки |
| Когда они жили? | С 1977 года по настоящее время |
| Ассоциированные направления искусства | Современное искусство |
Если говорить об известных чернокожих художниках и произведениях искусства сегодня, то Кехинде Уайли (Kehinde Wiley) создает волны благодаря своему новаторскому подходу к портрету. Уайли создает яркие, политические и чувствительные портреты афроамериканцев, начиная от подростков, которых он может встретить на улице, до своих коллег по современному творчеству, не говоря уже о бывшем президенте США Бараке Обаме.
Уайли переосмыслил традиционный портрет, включив в него современную культуру и отсылки к истории искусства, например, соединение французского рококо с современным видением.
Кехинде Уайли, лауреат Государственной медали США 2015 года, перед началом церемонии в Государственном департаменте США в Вашингтоне, округ Колумбия; Государственный департамент США, Общественное достояние, via Wikimedia Commons
Уайли завоевал уважение за свои натуралистичные и яркие портреты молодых афроамериканских мужчин, которые обычно имеют довольно драматичные фоны, заполненные цветами. Он сознательно бросает вызов черной мужественности, которая в Америке часто характеризуется как синоним насилия и страха. Своими яркими и пышными портретами он бросает вызов вам как зрителю и любым предубеждениям, которые вы можете иметь о его объектах.
Уайли использует свое искусство, чтобы привлечь молодых людей и людей с цветным цветом кожи в мир искусства, поскольку они так мало представлены в его музеях и галереях.
Конный портрет Филиппа IV (2017), Кехинде Уайли; Музей искусств Фил Рук, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Театральность портретов Уайли основана на знакомых образах выдающихся деятелей западного искусства XVII-XIX веков. Уайли придает авторитет этих известных личностей своим объектам 21 века. Журнал TIME признал Уайли одним из 100 самых влиятельных людей 2018 года. Сила его портретов заключается в их героическом представлении афроамериканских мужчин, которое критически относится к тому, как эти люди часто изображаются в современной культуре.
Несколько известных работ художника
- Пасхальная реальность (2004)
- Айс Ти (2005)
- Президент Барак Обама (2018)
Наш список только царапает поверхность некоторых из невероятных чернокожих художников, которые жили на протяжении всей истории и по сей день, он, конечно, не является исчерпывающим! Как вы можете видеть из нашего списка, существует широкий спектр известных чернокожих художников и произведений искусства. Существует гораздо больше чернокожих художников, которые не входят в наш список; интересуют ли вас чернокожие исторические художники, или чернокожие поп-художники, или чернокожие современные художники — список бесконечен, и все они достойны внимания! Если вам понравилась эта статья, мы советуем вам продолжить исследование и заглянуть на остальную часть нашего сайта, где мы рассматриваем самые разные темы искусства!
Часто задаваемые вопросы
Что такое афро-американская история искусства?
Афро-американское искусство — это обширный термин, который в основном относится к изобразительному искусству, созданному чернокожими американскими художниками. Искусство чернокожих художников варьируется от черных поп-артистов до черных исторических художников и всего, что между ними. Творчество чернокожих американских художников и их произведения охватывают более двух столетий, и созданное ими искусство столь же разнообразно и многолико, как и сами художники.
Кто был первым задокументированным афроамериканским художником?
Джонсон признан одним из самых важных художников в истории черной Америки, поскольку он является первым задокументированным афроамериканским художником, работавшим профессионально. Джонсон был одним из чернокожих американских художников, который жил и работал в Балтиморе в качестве портретиста в 18-19 веках. Хотя о его биографии мало что известно из-за его статуса раба, он получил свободу в 1782 году и в 1796 году стал художником-портретистом. Джонсон — один из многих важных художников, чьи картины, посвященные истории чернокожих, и вклад в мир искусства проложили путь для бесчисленных творцов, которые последовали за ним.
Почему важно приобщаться к черному искусству?
Визуальное искусство чернокожих художников используется для иллюстрации опыта чернокожих. Знаменитые произведения чернокожих художников часто служат сосудом, который изображает социальные, политические и экономические реалии, с которыми сталкиваются эти художники. На протяжении всей истории влияние и воздействие чернокожих художников регулярно игнорировалось, а их таланты, вклад и достижения не признавались. Это привело к тому, что популярная история искусства почти исключительно признает таланты только белых художников. Важно познакомиться с творчеством чернокожих художников, потому что это побуждает признать разнообразие искусства, которое существует, и подчеркивает таланты чернокожих художников на протяжении всей истории и по сей день.
