Эпоха Возрождения — это одно из самых обсуждаемых направлений в искусстве и мировой истории. Считаясь самым влиятельным периодом в развитии искусства, эпоха Возрождения породила несколько выдающихся художников, о влиянии и творчестве которых говорят и восхищаются до сих пор. В наши дни этот период времени известен в основном своими потрясающими и динамичными произведениями искусства, а некоторые художники эпохи Возрождения считаются самыми выдающимися из когда-либо существовавших.
Оглавление
Что представляло собой художественное движение эпохи Возрождения?
Ренессанс, датируемый 14-17 веками, был, возможно, самым крупным периодом культурного развития в Европе после Средневековья. Означающее «возрождение», Ренессанс получил такое название благодаря возобновлению интереса и возрождению традиционного обучения и ценностей древней греко-римской культуры.
Начавшись в Италии, это художественное движение достигло своего пика в XV и XVI веках благодаря появлению выдающихся художников, каждый из которых продолжил распространение идеалов Возрождения по всей Европе.
Это обновление древнегреческой и древнеримской культуры показало возвращение к классическим стилям, что заставило художников Возрождения предложить совершенно новый подход к живописи и скульптуре. Подстегнутое другими великими событиями, такими как изобретение печатного станка, астрономия, открытие и исследование новых континентов, искусство Ренессанса стремилось передать опыт отдельного человека. В дополнение к этому, великолепие и таинственность мира природы заняли видное место в создаваемых произведениях искусства.
Дева с младенцем и святой Анной (ок. 1503), Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Будучи золотым веком для итальянского искусства, архитектуры и культуры, эпоха Возрождения привела к огромным изменениям в этих областях, которые оказали огромное и постоянное влияние на последующее развитие западной цивилизации. Несмотря на то, что Ренессанс положил начало прогрессу в различных сферах, он наиболее примечателен своими художественными достижениями в живописи.
Художники эпохи Возрождения овладели элементами цвета, формы и перспективы в своих произведениях, что помогло превратить их в одни из самых выдающихся и признанных произведений искусства в мире.
Влияние, которое оказали художники эпохи Возрождения на европейское искусство, не имеет аналогов в последующих художественных течениях. Ренессанс, продолжавшийся более 300 лет, является одним из самых выдающихся произведений искусства, которые когда-либо были созданы. Создание таких элементов, как линейная перспектива, в сочетании с отказом от символизма, по сути, приветствовало современные формы выражения и гуманизм в искусстве. Это привело к необратимым изменениям в мире искусства, которые можно наблюдать и ощущать и сегодня.
Основные характеристики эпохи Возрождения
Вступив в новую эру просвещения, эпоха Возрождения породила несколько избранных художников, которые прославились на всю историю благодаря своему вкладу в кажущийся «золотым век» Европы. Типы картин и скульптур, которые обычно создавались в эпоху Возрождения, изображали религиозные фигуры и сцены, которые следовали протестантской теологии. Эти произведения искусства считались более реалистичными, поскольку в них отсутствовал аспект идолопоклонства.
Рассматриваемые как столь необходимое возрождение искусства и культуры, знаменитые художники эпохи Возрождения также проявляли большой интерес к красоте природы и человеческого тела.
Флагелляция Христа (1460) Пьеро делла Франческа, в которой использованы многие характерные черты искусства Ренессанса; Пьеро делла Франческа, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В то время как большинство итальянских художников опирались на эстетику классического греческого и римского искусства, художники Северного Возрождения предпочитали сохранять готическое чувство в своих произведениях. Это было продемонстрировано продолжающимся использованием ксилографии и иллюминированных рукописей, поскольку создаваемое ими мрачное настроение было предпочтительным для произведений с более темными психологическими инсинуациями.
Другой ключевой характеристикой эпохи Возрождения стало развитие линейной перспективы, которая полностью изменила искусство, созданное в этот период. Это позволило использовать новый стиль в живописи и фресках, который преимущественно фокусировался на аспектах реализма. Художники и скульпторы эпохи Возрождения использовали новые техники, которые делали их произведения более реалистичными, чем раньше.
Эти техники включали в себя переработку цвета, света, деталей, пропорций, перспективы и гармонии, чтобы придать произведениям искусства беспрецедентный «вау»-фактор.
10 самых знаменитых художников эпохи Возрождения всех времен
Несмотря на то, что на дворе 21 век, о многих великих художниках эпохи Возрождения говорят и восхищаются ими и сегодня. Кроме того, некоторые произведения искусства остаются заметными и по прошествии времени, так как считаются самыми знаковыми картинами и скульптурами, когда-либо созданными. Хотя существует множество выдающихся художников, мы расскажем о 12 самых известных художниках эпохи Возрождения, чьи имена вам, скорее всего, уже знакомы.
Джотто ди Бондоне (1267-1337)
| Период жизни | 1267 — 1337 |
| Национальность | Итальянец |
| Художественные направления | Поздняя готика, проторенессанс и ренессанс |
| Наиболее известные произведения искусства | Поклонение волхвов (1305) |
Плач (Оплакивание Христа) (1306)
Итальянский живописец и архитектор Джотто ди Бондоне был значительным художником эпохи Возрождения в период расцвета этого движения и создал несколько самых знаковых картин, появившихся в ту эпоху. Известный в основном только под своим именем, Джотто считался одним из самых важных художников во всем развитии западного искусства.
Это произошло потому, что он был первым из многих выдающихся художников, которые внесли свой вклад в эпоху Возрождения благодаря своему уникальному стилю привнесения чувства человечности в традиции средневекового искусства.
Художник раннего Возрождения» width=»848″ height=»855″ /> № 18 Сцены из жизни Христа: Поклонение волхвов (1304-1306) Джотто ди Бондоне; Джотто ди Бондоне, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Считается, что Джотто предвосхитил появление, размышления и проблемы Ренессанса более чем на столетие. Это произошло потому, что стиль его картин помог ввести новую эру в живописи, которая объединила религиозную древность и растущее понятие гуманизма эпохи Возрождения. Таким образом, созданные им произведения доминировали в европейском искусстве и, как говорят, оставались непревзойденными до тех пор, пока великий Микеланджело не начал создавать подобные работы два столетия спустя.
На протяжении примерно семи веков Джотто называли «отцом европейской живописи», он был широко известен тем, как он исследовал потенциал перспективы и живописного пространства.
Благодаря своему тщательно разработанному стилю Джотто смог привнести новое чувство реализма в свои религиозные аллегории. Это привело к тому, что более прогрессивные художники того времени считали кажущиеся «плоскими» христианские картины безжизненными и лишенными каких-либо человеческих чувств, поскольку реализм Джотто представлял такой разительный контраст.
№ 36 «Сцены из жизни Христа»: Плач (Оплакивание Христа) (1304-1306) Джотто ди Бондоне; Джотто ди Бондоне, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Интерес Джотто к гуманизму побудил его исследовать напряженность, которая существовала между библейской иконографией и верующими, поскольку его произведения искусства приближали людей к Богу, делая искусство более актуальным для их повседневной жизни. Работы Джотто также обычно были проникнуты эмоциональностью, которой еще не было в высоком искусстве, поскольку его фигуры были изображены в трехмерном пространстве, что подчеркивало их значимость в дополнение к значимости Христа.
Как один из великих художников эпохи Возрождения, Джотто был прославлен еще при жизни. Ему приписывают начало решительного отхода от византийского стиля в искусстве благодаря его технике, которая позволяла ему точно рисовать с натуры.
Картины Джотто были первыми работами, в которых были искусно переданы жесты, лица, душевные страдания и восторги людей и их жизни, и некоторые искусствоведы считают, что ни один другой художник никогда не мог сравниться с ним в мастерстве живописи.
Донателло (1386-1466)
| Период жизни | 1386 — 1466 |
| Национальность | Итальянец |
| Художественные направления | Раннее Возрождение |
| Наиболее известные произведения искусства | Святой Георгий (1415 — 1417) |
Давид (ок. 1440 — 1443)
Итальянский художник эпохи Возрождения Донато ди Никколо ди Бетто Барди, более известный как Донателло, был мастером-скульптором, чьи произведения были созданы для того, чтобы их можно было увидеть со всех возможных сторон. Его творческая карьера началась после того, как он прошел обучение в мастерской ювелира, а затем поступил в ученики к печально известному Лоренцо Гиберти и начал работать с металлом и скульптурой. Донателло считался новаторским скульптором своего времени, он создал первую со времен античности свободно стоящую статую, известную как Давид (ок. 1440 — 1443 гг.).
Бронзовый Давид Донателло (между 1430 и 1469 гг.); Донателло, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Донателло стал известен как самый значительный скульптор, воскресивший традиционные скульптуры классических времен. Используя стиль, который демонстрировал явное отклонение от готической техники, Донателло использовал форму линейной перспективы для создания реалистичных и чрезвычайно эмоциональных скульптур, которые были способны показать точное отображение страданий и несчастий.
Его работы помогли ввести в мир искусства новую эстетику линии, поскольку художники эпохи Возрождения стремились глубже погрузиться в гуманитарный аспект искусства.
Его фирменный стиль создания очень реалистичных и страстных работ позволил ему стать одним из самых влиятельных художников в Италии 15 века, а его работы привели к тому, что его стали считать прародителем эпохи Возрождения. Проявляя интерес к классической скульптуре и линейной перспективе в своих работах, Донателло обращался к сохранившимся произведениям античности для вдохновения своих собственных скульптур, что способствовало популяризации стиля Ренессанса.
Статуя Святого Георгия (ок. 1416-1417 гг.), Донателло; Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Будучи одним из первых художников, вновь представивших обнаженную натуру в своих скульптурах, Донателло использовал реалистичные пропорции, эмоциональность и экспрессию в своих фигурах, независимо от того, были ли они мифическими, историческими или реальными личностями. Его скульптуры казались настолько живыми и выразительными, что приглашали зрителей исследовать различные взгляды на произведение, обходя его, что демонстрировало важность перспективы.
По сути, его работы передавали подлинное чувство реальности, которого не было в идеализированных работах и образах прошлого.
Перемещаясь между Римом, Флоренцией и Падуей на протяжении всей своей жизни, Донателла помог распространить эти новые идеи перспективы среди других живописцев и художников эпохи Возрождения. Реализм, который он смог создать в своих скульптурах, ознаменовал собой полный разрыв с жесткими и неестественными статуями, распространенными в Средние века. Донателла продолжал заниматься скульптурой, пока не скончался в возрасте 79 лет, оставив свою последнюю скульптуру незаконченной.
Ян ван Эйк (1390-1441)
| Период жизни | 1390 — 1441 |
| Национальность | Голландия |
| Художественные направления | Ранняя нидерландская живопись и Северное Возрождение |
| Наиболее известные произведения искусства | Гентский алтарь (1432) |
Человек в красном тюрбане (1433)
Голландский художник Ян ван Эйк считался гением в мире масляной живописи, некоторые утверждают, что его мастерство никогда не было превзойдено. Известный своим стилем раскраски, натуралистическими сценами и острым вниманием к деталям во всех своих картинах, ван Эйк использовал масляные краски ради эффекта, который они давали. Он считал, что это лучший инструмент для создания максимально реалистичных сцен, и все его картины выглядели невероятно реалистично. Несмотря на восхищение, ван Эйку было очень трудно подражать из-за уровня его мастерства в живописи.
В своих культовых произведениях ван Эйк сумел достичь невероятно сложного и изысканного уровня реализма, который ранее был неслыханным в искусстве живописи.
Изображая такие вещи, как сверкающие драгоценности, отражающие металлы, роскошные ткани и нежную человеческую кожу с такими деталями, ван Эйк придал своим работам особые качества. Это помогло ему создать совершенно новую художественную среду, поскольку высокая степень натурализма стала нормой в живописи эпохи Возрождения.
Гентский алтарь (1432), Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Произведения ван Эйка оказали большое влияние на художников эпохи Возрождения, особенно во второй половине 15 века. На протяжении всей истории искусства техническая сложность его картин оставалась беспрецедентной, что породило множество гипотетических теорий о предполагаемом превосходстве его материалов, инструментов и техник. Поиски рецепта смешивания его глянцевых и стойких масляных красок продолжаются на протяжении веков. Однако как только находится ответ на один вопрос, сразу же возникает множество других.
Помимо того, что ван Эйк подписывал свои картины своим именем, он также известен тем, что вместе со своим именем включал в них свой личный девиз «als ich kan».
Картины ван Эйка высоко ценились и нехудожниками и регулярно коллекционировались богатыми бенефициарами, такими как флорентийская семья Медичи. Однако ван Эйку приписывают создание только 20 картин в эпоху Возрождения, а это значит, что несколько других его работ остаются неизвестными и потерянными для истории.
Портрет мужчины в тюрбане (1433), Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ван Эйк считается ведущей фигурой ранней нидерландской живописи, ему приписывают титул «отца масляной живописи». Считается, что ван Эйк изобрел современный портрет своим загадочным «Человеком в красном тюрбане» (1433 г.), создав основу для своего восхождения от обычного ремесленника к знаменитому художнику. Его технический стиль вдохновил многих других художников, в первую очередь Сандро Боттичелли.
Сандро Боттичелли (1445-1510)
| Период жизни | 1445 — 1510 |
| Национальность | Итальянец |
| Художественные направления | Ренессанс |
| Наиболее известные произведения искусства | Поклонение волхвов (1475 — 1476) |
Примавера (1477 — 1482)
Одним из самых обсуждаемых художников эпохи Возрождения является Сандро Боттичелли, который считался экспертом по работе с красками и переосмыслению классических образов. Считающийся величайшим художником-гуманистом эпохи Возрождения, Боттичелли был выдающимся художником, чьи картины были посвящены как религиозным сюжетам, так и мифологическим сценам. На протяжении всей своей карьеры он был известен в основном своими религиозными алтарными образами, но некоторые из его самых знаковых работ были посвящены мифическим фигурам. Его самая известная картина «Рождение Венеры» (1484 — 1486) демонстрирует это.
Рождение Венеры (1485) Сандро Боттичелли; Сандро Боттичелли, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Сочетая цвет, форму и перспективу для создания религиозных произведений, которые создали замечательную форму визуальной поэзии, Боттичелли по-новому интерпретировал сцены с традиционными фигурами и классической мифологией. Это привело к тому, что его произведения искусства часто подвергались многочисленным интерпретациям, так как Боттичелли обычно смешивал различные сцены и идеи.
Еще одной отличительной чертой его работ было то, что он заставлял зрителей не верить, так как Боттичелли использовал перспективу таким образом, что его фигуры приобретали искусственное качество, не совсем соответствующее реальности.
Боттичелли поступил в ученики к Фра Филиппо, где он начал учиться рисовать фрески. Это привело к тому, что он писал картины для многих церквей, а благодаря связям Филиппо, Боттичелли получил финансовую поддержку от ведущих семей Флоренции. Роспись для церквей позволила Боттичелли завоевать большую репутацию, вплоть до того, что он был приглашен Папой Римским написать фреску на стенах легендарной Сикстинской капеллы.
Стремясь передать в своих картинах как можно больше красоты и добродетели, Боттичелли был постоянно востребован на протяжении всей своей карьеры. При жизни Боттичелли был признан гением живописи, поскольку он мастерски передавал анатомию, перспективу, эмоции. Он также работал над созданием гармоничного эффекта, ощущаемого при просмотре его работ, что добавляло им визуального блеска и декоративности. Его выход за рамки классического искусства послужил источником вдохновения для более поздних художников эпохи Возрождения, которые также обращались за вдохновением к мифологии.
La Primavera («Весна», ок. 1480), Сандро Боттичелли; Сандро Боттичелли, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Вдохновленные возрождением интереса к греческим и римским идеям в искусстве, картины Боттичелли представляли собой вершину культурного расцвета, произошедшего в эпоху Возрождения.
Он был одним из первых западных художников со времен античности, изображавших на своих картинах нерелигиозные сюжеты, поскольку считал, что искусство может создаваться просто для удовольствия, а не только в религиозных целях. Несмотря на его взлет к славе, репутация Боттичелли начала падать после его смерти. Сегодня его картины снова стали цениться как критиками, так и публикой.
Иероним Босх (1450-1516)
| Период жизни | 1450 — 1516 |
| Национальность | Голландия |
| Художественные направления | Ранний нидерландский ренессанс |
| Наиболее известные произведения искусства | Страшный суд (1482 — 1505) |
На протяжении всей истории искусства мастером триптиха считается Иероним Босх. Известный своими богатыми повествованиями панно, на которых изображалась иконография от причудливой до гротескной, Босх до сих пор остается одним из первых провидцев в искусстве, несмотря на то, что появился более 500 лет назад. Его самые знаковые произведения искусства сочетают в себе коллекцию сюрреалистических существ с библейскими сюжетами, а также его типично сложный стиль и технику.
Босх был первым из знаменитых художников эпохи Возрождения, изображавшим воображаемых существ и миры, которые были совершенно непостижимы для человека.
Его высоко детализированные и символические произведения искусства были известны своими гротескными фигурами людей, животных, монстров и мифических существ, которые, как правило, отображали его представление о тонкой грани, разделяющей рай и ад. Это привело к появлению темы уязвимости человека при искушении злом или похотью, так как Босх обычно показывал на своих картинах судьбу тех, кто поддался искушению.
Триптих «Искушение святого Антония» (1505-1506) Иеронима Босха; Иероним Босх, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Используя пейзажи на библейские темы, Босх сопоставлял макабрические и мистические существа с невероятно религиозными сюжетами. Он также был первым художником, который визуально выразил существ и области, неизвестные человечеству, а обильное использование и изображение ада выделяется в его работах. Босх включил Ад в большинство своих картин как метафору величайших страхов и желаний общества, поскольку его картины работали над пониманием баланса, существующего между естественным и духовным миром.
Его картины, как правило, представляли собой древние истории о морали, которые оказались неподвластны времени, когда были изображены его безупречно твердой рукой. Из-за мрачной тематики картины Босха часто воспринимались как жуткое предупреждение о непрерывной борьбе человека за существование. Это привело к тому, что его работы долгое время не ценились, поскольку зрители и критики отмечали, что на них неприятно смотреть.
Сегодня Босх считается одним из первых гениев изобразительного искусства, который глубоко понимал тоску и страхи человечества.
Сад земных наслаждений (ок. 1495-1505) Иеронима Босха; Иероним Босх, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Помимо того, что Босх является выдающимся художником эпохи Возрождения, он также широко считается первым современным художником-сюрреалистом, несмотря на то, что движение сюрреализма возникло десятилетиями позже. Смелый отход Босха от изображения простой реальности к тонкостям жизни и ее бессознательному разуму придал его картинам убедительное ощущение сюрреализма. Его использование триптиха добавило размерности его работам, так как три панели разделяли различные сферы, которые он решил включить в свои произведения.
Леонардо да Винчи (1452-1519)
| Период жизни | 1452 — 1519 |
| Национальность | Итальянец |
| Художественные направления | Высокое Возрождение |
| Наиболее известные произведения искусства | Витрувианский человек (ок. 1490) |
Тайная вечеря (ок. 1492 — 1498 гг.)
Самым известным художником эпохи Возрождения и, возможно, самым известным художником всех времен является Леонардо да Винчи. Считающийся воплощением гуманистических идеалов эпохи Возрождения, да Винчи был невероятным новатором во всех областях искусства и полностью изменил изучение предметов. Хотя он был мастером в различных видах искусства, да Винчи прославился в основном своими картинами. На протяжении веков сохранилось лишь несколько его картин, две из которых — культовая «Тайная вечеря» (1492-1498) и «Мона Лиза» (1503-1506).
Тайная вечеря (ок. 1492-1498) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Несмотря на то, что да Винчи получил очень мало формального образования, его огромное художественное мастерство позволило ему стать одним из самых талантливых живописцев всех времен.
Именно он стал вдохновителем термина «человек эпохи Возрождения», поскольку его таланты и увлечения не ограничивались только живописью, но и рисованием, скульптурой, математикой, инженерным делом и изобретениями. В возрасте 12 лет да Винчи начал учиться в подмастерьях, где он изучал такие предметы, как обработка металла и скульптура, что помогло развить его уникальный талант изображать человеческое выражение с юных лет.
Его растущее знание человеческой формы позволило ему передать тонкости и глубины человеческой сущности, и да Винчи продолжил развивать свои собственные техники перспективы, кьяроскуро, натурализма и эмоционального экспрессионизма в своих работах. Точная эстетика да Винчи намного превосходила стиль многих художников, пришедших до него, так как он продолжал внедрять новые методы живописи, что сделало его работы выдающимися.
Портрет Моны Лизы дель Джокондо (1403-1406) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Уровень гениальности да Винчи как интеллектуала во многих областях дополнял его способность точно и глубоко рассматривать и схватывать природу, научные явления и человеческие эмоции. Все его шедевры демонстрировали мастерство владения светом и перспективой, а также общий эффект, который эти два аспекта оказывали друг на друга.
Его мастерство оказало большое влияние на других художников эпохи Возрождения, однако некоторые элементы его работ были настолько тонкими и искусными, что мало кто из художников надеялся когда-либо адекватно скопировать их.
И тогда, и сегодня большинство произведений да Винчи вызывают восхищение, но не все их понимают. Считаясь одним из величайших умов в истории, который намного опередил свое время, да Винчи приписывают создание первых чертежей невероятно сложных механизмов, таких как парашют и вертолет. Однако последние пять веков да Винчи запомнился прежде всего как художник, хотя перед смертью он обратился к более научным занятиям.
Альбрехт Дюрер (1471-1528)
| Период жизни | 1471 — 1528 |
| Национальность | Немец |
| Художественные направления | Высокий Ренессанс |
| Наиболее известные произведения искусства | Автопортрет в отороченном мехом халате (1500) |
Праздник Розария (1506)
Одним из величайших граверов и знатоков деталей, света и реализма считался Альбрехт Дюрер. Наибольшее художественное влияние в эпоху Возрождения он оказал на развитие гравюры, вдохновителем которой он стал после того, как в начале своей карьеры прошел стажировку у столяра. Дюрер завоевал свою репутацию еще в двадцатилетнем возрасте, так как стал известен во всей Европе благодаря своим невероятно качественным гравюрам на дереве.
Праздник Розария (1506), Альбрехт Дюрер; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Говорят, что без влияния Дюрера гравюра в том виде, в каком мы знаем ее в истории искусства, не существовала бы. На протяжении многих лет Дюрер работал над совершенствованием своих гравюр на дереве, чтобы они соответствовали определенному уровню художественной сложности, что помогло революционизировать мысли и идеи, лежащие в основе печати на дереве. Несмотря на то, что Дюрер создавал свои произведения более пяти веков назад, он остается одним из самых известных и важных художников-граверов на протяжении всей истории человечества, поскольку ему удалось ввести большие ксилографии в сферу изобразительного искусства.
Прославившийся своими живописными навыками, Дюрер при жизни был относительно знаменит как у себя на родине, так и за рубежом благодаря своим картинам маслом, рисункам, гравированным гравюрам и алтарным образам.
Он обладал замечательным вниманием к деталям, поскольку его стиль живописи имел тенденцию смешивать тенденции итальянского и североевропейского искусства в его работах эпохи Возрождения. Таким образом, Дюрер стал первым неитальянским художником, который использовал в своих картинах такие темы, как современная философия и различные теологические идеи.
Автопортрет (1500) Альбрехта Дюрера; Альбрехт Дюрер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Большинство работ Дюрера были посвящены религиозным сюжетам, хотя он также создал множество портретов. Его религиозные работы высоко ценились за превосходные технические навыки и использование цвета, что привело к тому, что эти типы картин стали самыми известными и обсуждаемыми. Позже в своей жизни Дюрер стал очень интересоваться различными научными темами и дошел до того, что написал несколько книг по теории человеческих пропорций, которые были опубликованы только после его смерти.
Дюрер остался самым известным художником Северного Возрождения, который смог успешно объединить сложный северный стиль с идеалами итальянского Возрождения. Благодаря его популярности, гравированные оттиски его работ распространились по всему миру, что позволило его репутации продолжать расти и после его смерти.
Хорошо осознавая собственную гениальность, Дюрер оказал сильное влияние на художников его поколения, а его вклад в гравюру до сих пор не превзойден.
Микеланджело (1475-1564)
| Период жизни | 1475 — 1564 |
| Национальность | Итальянец |
| Художественные направления | Высокий Ренессанс |
| Наиболее известные произведения искусства | Пьета (1498 — 1499) |
Давид (1501 — 1504)
Еще одним квинтэссенцией «человека эпохи Возрождения», который был искусен как в живописи, так и в скульптуре, был Микеланджело. Как и его современник Леонардо да Винчи, Микеланджело проявил себя как мастер в различных художественных ремеслах, а его картины стали самыми знаковыми произведениями искусства. Он написал две самые впечатляющие фрески в истории западного искусства в Сикстинской капелле в Ватикане, которые можно увидеть и сегодня. Благодаря своей детализации, его потолочные работы в течение многих лет оказывали влияние на многих потолочных художников эпохи барокко.
Фреска «Сотворение Адама», написанная Микеланджело, потолок Сикстинской капеллы (1508-1512) Рим, Ватикан; Йорг Биттнер Унна, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Урожденный Микеланджело Буонаротти, он называл себя только по имени и считался гением в живописи, архитектуре и скульптуре. Он экспериментировал с различными другими видами искусства, но живопись и скульптура оставались неизменными на протяжении всей его карьеры. Большинство его работ было посвящено людям и религии, о чем свидетельствуют его фрески в Сикстинской капелле и различные заказанные скульптуры. Микеланджело утвердился в качестве важного художника после того, как завершил работу над «Давидом» (1501 — 1504), несмотря на то, что был очень молод.
Считаясь одним из настоящих «героев» истории искусства, Микеланджело стал одним из величайших художников эпохи Возрождения, несмотря на свою вспыльчивость, непостоянство и упрямство.
Несмотря на свою репутацию, Микеланджело смог создать значительные скульптуры и картины, которые и сегодня пользуются большим уважением и почитанием. Его ранние занятия скульптурой, а также изучение трупов позволили Микеланджело стать экспертом в изображении анатомии, что придало его произведениям непревзойденную реалистичность. Кроме того, его мастерство в вырезании целой скульптуры из одной глыбы мрамора до сих пор не имеет себе равных в истории искусства, поскольку Микеланджело, как говорят, был способен вызвать реальную жизнь из камня.
Статуя «Давид» Микеланджело, 1501-1504; Микеланджело, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Хотя он был частью возрождения древнегреческого и римского искусства, уникальный вклад Микеланджело пошел дальше простого подражания классическому искусству. Его работы отличались такой интенсивностью и эмоциональным реализмом, что в итоге вызвали немало споров, поскольку произведения такой страсти еще не видели.
Сегодня великие произведения Микеланджело продолжают вызывать восхищение, удивление и благоговение у любителей искусства при просмотре его работ.
Как художник, он считался не иначе как божественным и был признан величайшим скульптором всех времен. Его вклад в эпоху Возрождения пролил яркий свет на западное искусство и архитектуру, который сохранился еще долгое время после его смерти. Хотя многие пытались подражать его стилю, стало просто невозможно создавать произведения искусства в том же стиле, что и Микеланджело.
Рафаэль (1483-1520)
| Период жизни | 1483 — 1520 |
| Национальность | Итальянец |
| Художественные направления | Высокий Ренессанс |
| Наиболее известные произведения искусства | Афинская школа (1509 — 1511) |
Сикстинская Мадонна (1512)
Еще одним плодовитым художником эпохи Возрождения был Рафаэль, который занимал последнее место в святой троице мастеров Возрождения, состоящей из Леонардо да Винчи и Микеланджело. Рафаэль считался мастером колорита и гармонии в своих картинах, поскольку ему удавалось создавать иллюзию пространства во всех своих работах. Несмотря на короткую жизнь Рафаэля, который трагически ушел из жизни в возрасте 37 лет, в его картинах очень ярко проявилась жажда жизни. Его гуманистические идеалы красоты и реализма также поражали воображение.
Преображение (1516-1520), Рафаэль; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
За свою короткую карьеру Рафаэль создал несколько картин, фресок и гравюр. Благодаря его требовательной рабочей этике, сохранилось большое количество его работ, при этом Рафаэля хвалили за его мастерство в построении и понимании человеческой формы в этих работах. Большинство его работ содержали религиозную тематику и часто заказывались Папой Римским и католической церковью. Кроме того, Рафаэль даже был нанят Папой в качестве главного архитектора для строительства дворцов для церкви после его переезда в Рим.
Известный своими гармоничными композициями и яркими красками, Рафаэль считался вундеркиндом в живописи.
Он начал рисовать еще ребенком и в 11 лет возглавил мастерскую своего отца. Став взрослым, Рафаэль руководил крупнейшей художественной мастерской того времени, что помогло ему создать репутацию одного из самых продуктивных художников эпохи Возрождения. Работы Рафаэля были высоко оценены при его жизни, многие из его произведений попали в частные коллекции по всему миру.
Афинская школа (1511), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Слава Рафаэля распространилась далеко и широко во время его карьеры, а его доброжелательный и дружелюбный характер укрепил его престиж. Его общительный и приятный характер оказался большим преимуществом, поскольку помог Рафаэлю добиться признания и редких карьерных возможностей, которые продвинули его вперед по сравнению с его сверстниками того времени.
Благодаря этому, а также его искусным работам, Рафаэля стали считать еще одним настоящим «человеком эпохи Возрождения», поскольку он доказал свое мастерство в самых разных областях искусства.
Как никто другой, Рафаэль считался мастером реалистичного изображения эмоций, что помогало оживить его картины. Хотя его творчество восхищает весь мир своей четкостью, композицией и визуальным блеском, некоторые критики клеймили его работы как слишком сентиментальные. Несмотря на это, Рафаэль внес такой большой вклад в эпоху Возрождения, что его смерть долгое время считалась одним из официальных признаков окончания периода Высокого Возрождения.
Тициан (ок. 1490-1576)
| Период жизни | c. 1488/1490 — 1576 |
| Национальность | Итальянец |
| Художественные направления | Ренессанс |
| Наиболее известные произведения искусства | Успение Богородицы (1518) |
Вакх и Ариадна (1523)
Последний художник эпохи Возрождения, которого мы включили в наш список, — это плодовитый Тициан, основатель венецианской школы живописи эпохи Возрождения. Тициан считался величайшим венецианским художником 16 века, поскольку он был известен прежде всего тем, что мастерски использовал цвет.
Его многогранность в живописи проявилась в различных работах, поскольку он играл как с портретами и пейзажами, так и с религиозными и мифологическими сюжетами.
Тициан начал свою карьеру подростком, прежде чем его репутация выросла. В итоге он стал писать картины для королевских особ и ведущих деятелей Европы, таких как испанский король Филипп II и папа Павел III. Его работы были известны своей адаптивностью с точки зрения глубины и эмоций, поскольку Тициан обладал способностью одинаково убедительно изображать буйный восторг и катастрофическую потерю. Он также был известен своим экстремальным использованием эротических понятий и идеалов в своих картинах, что показывало, как легко он переключался с одной темы на другую.
Венера Урбинская (1538), Тициан; Тициан, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Тициан стремился изобразить свои фигуры как можно более реалистично, его масляная техника позволяла ему писать с точностью, деликатностью и мягкостью. Считалось, что это добавляет чувственности его работам, которые были основаны на изображениях Тицианом обнаженных женщин. Некоторые из его картин были чрезвычайно сексуальными для эпохи Возрождения, поскольку говорили, что Тициан отражал в своих картинах собственные желания. В связи с этим Тициану приписывают то, что он позволил королям и князьям церкви заказывать сексуальные соблазны так же легко, как и распятия.
Сочетая идеи Высокого Возрождения и маньеризма для создания собственного стиля, Тициан невероятно опередил свое время.
Это привело к его могуществу в венецианском искусстве, поскольку его творчество позволило городу соперничать с другими великими художественными центрами, такими как Флоренция и Рим. К концу карьеры Тициана его картины стали мрачными и более импрессионистичными. Эти работы отличались свободными мазками и очень выразительным нанесением краски, что позволило Тициану создать текучесть, которая способствовала большей эмоциональности его работ.
Вакх и Ариадна (1520-1523) Тициана. На картине изображен Тесей, корабль которого виден вдали, только что покинувший Ариадну и Наксос, когда прибывает Вакх, спрыгивающий со своей колесницы, запряженной двумя гепардами, сразу же влюбляясь в Ариадну. Вакх возносит ее на небо. Ее созвездие показано на небе; Тициан, общественное достояние, через Wikimedia Commons.
В течение 60 лет Тициан считался лидером венецианской живописи. Хотя сюжеты его картин менялись на протяжении всей его жизни, Тициану всегда удавалось сохранить уникальное ощущение ярких красок в своих произведениях. Названные его современниками «Солнцем среди маленьких звезд», картины Тициана стали известными предтечами эмоционального движения эпохи барокко. Сегодня его считают величайшим художником всех времен, поскольку его стиль и техника оказали значительное влияние на западное искусство.
Ренессанс оказался очень плодотворным периодом в искусстве, так как многие художники и произведения искусства, созданные в этот период, до сих пор оказывают влияние на современный художественный климат. Просмотрев наш список знаменитых художников эпохи Возрождения, становится ясно, какое глубокое влияние каждый из них оказал на развитие этого движения на протяжении трех столетий. Для такого важного периода искусства ни один список никогда не будет по-настоящему полным, поскольку к нему можно добавить еще много художников. Если вы получили удовольствие от знакомства с этими художниками, мы призываем вас к дальнейшим исследованиям!
