Движение кубизма, зародившееся в начале 20 века, отличалось интенсивной фрагментацией, абстракцией и приглушенной цветовой палитрой, которая прослеживалась в созданных работах. Считающийся одним из самых влиятельных стилей того века, кубизм оказал большое влияние на художников той эпохи, что привело к созданию множества выдающихся произведений искусства. Несмотря на свой успех, кубизм был относительно недолговечным движением, что впоследствии привело к появлению футуризма, дадаизма, конструктивизма и супрематизма.
Оглавление
Что представляло собой художественное движение кубизм?
В период с 1907 по 1914 год кубизм развивался в Париже на рубеже 20-го века как радикальное движение, которое оторвалось от устоявшихся традиций, определяющих современное искусство. Кубизм, основанный известными художниками Пабло Пикассо и Жоржем Браком, возник в ответ на шокирующую картину Пикассо «Авиньонские демуазели», которую он написал в 1907 году. Это привело к быстрым художественным экспериментам как Пикассо, так и Брака, причем последний решительно представил движение публике во время индивидуальной выставки в 1908 году.
Свое культовое название движение получило благодаря художественному критику Луи Вокселесу, который, увидев работы Брака, выставленные в 1908 году, описал их как сведение всех элементов к простым очертаниям и кубам. Знаменитое искусство кубизма подчеркивало двухмерную природу холста в противовес созданию впечатления глубины, на что раньше обращали внимание художники.
Это было достигнуто благодаря использованию аспектов перспективы и тона совершенно по-разному, а также созданию отдельных плоскостей для одновременного отображения различных точек зрения.
Обнаженная женщина читает» (1920), Робер Делоне; Робер Делоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Рассматриваемые как революционно новый способ отображения реальности, предметы и люди обычно изображались под разными углами до такой степени, что получалась калейдоскопическая картина. Это привело к тому, что движение стало рассматриваться как авангардное, поскольку художники решительно бросали вызов основным западным представлениям о графическом изображении. Созданные картины помогли открыть самую инновационную главу в истории искусства, которая наблюдалась в то время, так как произведения кубизма способствовали подлинному культурному пробуждению.
Пикассо и Брак, в частности, чувствовали, что устаревшие стандарты искусства исчерпали себя и что необходимо совершенно новое, новаторское движение. Последующее влияние кубизма было далеко идущим, и этот геометрический стиль был разделен на две различные фазы, известные как аналитический и синтетический кубизм.
Таким образом, несмотря на короткое время существования, кубизм оказался очень значимым благодаря различным ответвлениям, которые возникли, поскольку художники проявляли большой интерес к этому передовому стилю искусства.
Ключевые аспекты кубизма
Сосредоточившись на аспекте фрагментации, художники-кубисты рассматривали, разбивали и вновь собирали предметы и фигуры в новые абстрактные формы. Вместо того чтобы изображать предметы с одной точки зрения, что было стандартом в традиционном искусстве, картины кубистов использовали несколько точек зрения, чтобы представить предмет в более широком контексте. Показывая несколько точек зрения одновременно, художники намекали на возможную трехмерную природу своих работ, одновременно демонстрируя двухмерную плоскость холста.
Стол музыканта (1926), Хуан Грис; Хуан Грис, общественное достояние, через Wikimedia Commons
По мере того, как художники разрабатывали собственную терминологию конусов, кубов, сфер и цилиндров, их картины отказывались от элемента перспективы, который ранее использовался для определения живописного пространства. В дополнение к отказу от перспективы художники кубизма изображали и манипулировали светом и тенью различными способами, чтобы эффективно разбить объекты на несколько плоских плоскостей.
При просмотре картин кубистов не изображались реалистичные сцены, поскольку художники предпочитали исследовать пространство, в котором существовали фигуры и предметы.
Еще одним важным аспектом кубизма был акцент, сделанный на архитектуре, структуре и форме. Эти два элемента были ключевыми в картинах кубистов, поскольку при изображении предметов в этих работах использовался очень аналитический и геометрический подход. Вместо того, чтобы формировать фигуры и предметы в иллюзорном пространстве, они изображались как динамичные и живые композиции, состоящие из объема и плоскостей. Это позволило слить фон и передний план в картинах кубизма, что в то время считалось очень футуристичным.
Сидящий человек» (1914), Роже де Ла Френе; Роже де Ла Френе, общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Поскольку кубизм бросил прямой вызов изображению пространства в эпоху Возрождения, многие художники экспериментировали с идеей нерепрезентативности в создаваемых картинах. Это даже привело к тому, что художники стали включать в свои картины элементы коллажа и скульптуры, что наиболее ярко продемонстрировали Пабло Пикассо и Жорж Брак. Пикассо использовал скульптуру в своей работе «Макет для гитары» (1912), а Брак считается автором первого бумажного коллажа в своей работе «Compotier et verre» (Блюдо для фруктов и стакан) (1912).
Наш топ-10 самых известных картин кубистов
Несмотря на то, что кубизм просуществовал всего семь лет, он оказался невероятно влиятельным движением, о чем свидетельствуют картины, созданные в период его расцвета. Несмотря на то, что было создано множество работ, немногим удалось выделиться в качестве действительно знаковых картин кубизма. Зачастую эти картины были созданы одним и тем же художником, но несколько художников стали ведущими пионерами этого движения.
Ниже мы рассмотрим наш список из 10 самых известных произведений искусства кубизма.
Авиньонские демуазели» — Пабло Пикассо
| Художник | Пабло Пикассо |
| Дата написания | 1907 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 243,9 см x 233,7 см (96 дюймов x 92 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Из всех картин, которые Пабло Пикассо создал за свою карьеру, «Авиньонские демуазели» являются культовым произведением. Написанная в 1907 году, как раз когда началось движение кубизма, эта картина шокировала общественность и близких друзей Пикассо своим необычным содержанием и формальными экспериментами. Сюжет картины состоит из стилизованных и, казалось бы, абстрактных обнаженных женщин, Пикассо продемонстрировал свой интерес к искажениям и большое влияние, которое африканское искусство оказало на его технику живописи.
Что поразило зрителей в этой картине, так это не нагота, а тот факт, что Пикассо решил изобразить этих женщин как проституток в агрессивно-сексуальных позах. В то время это была новая идея, поскольку подобные темы обычно не изображались в традиционном художественном обществе. Вопиющая чувственность, увиденная в «Авиньонских демуазелях», была еще более подчеркнута похожими на маски лицами женщин, что подразумевало, что их сексуальность была невероятно примитивной, а также враждебной.
Отличительные черты кубизма проявились в необычных элементах и резких контрастах, созданных телами, что добавило картине шокирующую ценность.
Пикассо отказался от концепции глубины в этой картине, так как он представил резко сплющенную картину, разбитую на геометрические фрагменты, составляющие женские тела. Отказавшись от всех принятых форм традиционного искусства, Пикассо стал пионером в использовании необычных геометрических форм для изображения человеческой формы, что сделало «Авиньонских демуазелей» самым известным примером кубизма.
Дома в И’Эстаке — Жорж Брак
| Художник | Жорж Брак |
| Дата написания | 1908 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 40,5 см x 32,5 см (15,9 дюйма x 12,7 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей изобразительных искусств, Берн |
Важной работой, положившей начало кубизму, стали «Дома в I ‘Estaque», написанные Жоржем Браком в 1908 году. Работы, созданные Браком в период с 1908 по 1912 год, настолько похожи на работы Пикассо, что их картины кубизма часто невозможно было отличить друг от друга. Дом в I’Estaque вдохновил на название движения, так как художественный критик Луи Вокселес заметил, что Брак свел все элементы этой картины к простым «кубам», что впоследствии стало известно как кубизм.
В этой картине Брак продемонстрировал заметное влияние Пикассо через крайнее сокращение формы и использование геометрических фигур для определения объектов.
Просто рисуя внешнюю сторону домов и окружающий их пейзаж, Брак накладывал объект и фон так, что оба аспекта полностью занимали весь передний план холста. Из-за плоского и ровного пространства на картине «Дома в Истаке» не было видно ни линии горизонта, ни точки схода, что еще больше усиливало двухмерность произведения.
Кроме того, штриховка, использованная Браком, была крайне нетрадиционной, поскольку он не пытался придать объектам глубину и перспективу. При рассмотрении этого знаменитого произведения искусства кубизма решение Брака разбить изображение на части стало более понятным, а тонкая и землистая цветовая палитра еще больше разделила различные элементы в его работе. Хотя ведутся споры о том, можно ли считать «Дома в И’Эстаке» первым кубистическим пейзажем, элементы этой картины легли в основу стиля кубизма.
Время чая — Жан Метцингер
| Художник | Жан Мецингер |
| Дата написания | 1911 |
| Средство | Масло на картоне |
| Размеры | 75,9 см x 70,2 см (29,8 дюйма x 27,6 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Филадельфийский музей искусств, Филадельфия |
Жан Метцингер был известен тем, что привлек внимание общественности к кубизму во времена этого движения, причем его картины в большей степени относились к авангардному направлению стиля. Его картина 1911 года под названием «Время чая» была одной из самых известных работ этого движения, поскольку впоследствии она стала известна как «Мона Лиза кубизма». Изображая сидящую женщину, держащую чайную ложку между чашкой и ртом, Метцингер использовал различные кубистические техники, чтобы создать полностью фрагментированное изображение фигуры.
Портретная фотография французского художника-кубиста Жана Метцингера, 1912 год; Пьер Шумофф, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Что делает «Время чая» одной из самых интересных картин кубистов, так это то, что в то время как другие художники работали над дематериализацией фигур, Метцингер продемонстрировал стремление достичь некоторой точности и четкости в этой картине. Несмотря на использование нерегулярных осколков и плоскостей для изображения женщины, сюжет «Чаепития» легко узнаваем с первого взгляда, несмотря на геометрическое окружение.
Наиболее обсуждаемым аспектом этой картины является разделенный фокус, который Метцингер использовал для изображения чашки и лица женщины.
Отказавшись от популярной в эпоху Возрождения точки зрения, чашка изображена в профиль и сверху, чтобы продемонстрировать новую технику кубизма. Несмотря на разные ракурсы, Метцингер добился поразительного уровня реализма, несмотря на то, что работа состоит из аномальных форм и углов, а использованные более мягкие цвета делают больший акцент на обнаженной женской фигуре, попивающей чай.
Мужчина с гитарой — Жорж Брак
| Художник | Жорж Брак |
| Дата написания | 1911 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 116,2 см x 80,9 см (45,7 дюйма x 31,9 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Еще одна значительная картина Брака в стиле кубизма — «Человек с гитарой», написанная в 1911 году. Считается самой влиятельной его работой, она относится к периоду аналитического кубизма, поскольку Брак бросил вызов концепции иллюзорного пространства в этой работе. Чтобы создать это произведение искусства, Брак изобразил на холсте гвозди и веревки, чтобы изобразить контур человека, занятого игрой на гитаре. Однако результатом техники Брака стало почти неразборчивое изображение человека, так как внимание художника было сосредоточено на неровных и пересекающихся кубах.
Фотография Жоржа Брака, 1908 год; фотограф не идентифицирован, анонимный, общественное достояние, через Wikimedia Commons
По мнению большинства критиков и зрителей, «Человек с гитарой» едва узнаваем, но вместо этого его ценят за пространственные элементы, которые можно увидеть. Благодаря этому картина считается шедевром, способным играть на человеческом сознании так же, как музыкант играет на гитаре. В этой работе Брак оспаривает давно устоявшееся мнение о том, что искусство должно придерживаться определенных форм и очертаний, а «Человек с гитарой» целенаправленно бросает вызов зрителю, заставляя его понять смысл нечетко изображенных углов, оттенков и мелких деталей.
При просмотре этой работы многие отмечали, что она кажется постоянно движущейся.
Так как это была напряженная картина, каждый аспект требовал значительного внимания, чтобы быть правильно рассмотренным, чтобы смысл работы стал более ясным. Игнорируя традиционное использование перспективы, Брак смог бросить вызов зрителям, чтобы они попытались понять картину, которая была разбита на самые основные геометрические элементы.
Ма Жоли — Пабло Пикассо
| Художник | Пабло Пикассо |
| Дата написания | 1911 — 1912 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 100 см x 64,5 см (39,4 дюйма x 25,4 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Одной из других популярных картин кубизма, созданных Пикассо в 1911-1912 годах, была «Ma Jolie», что в переводе с английского означает «моя красавица». Вдохновившись после просмотра одноименного музыкального представления, Пикассо прозвал свою возлюбленную, Марсель Гумберт, Ma Jolie и изобразил ее на этой картине. Смутно выстраивая ее фигуру в этом произведении искусства с помощью фирменных смещающихся плоскостей, ставших знаменитыми благодаря аналитическому кубизму, Пикассо создал портрет, который совсем не похож на человека.
Портретная фотография Пабло Пикассо перед его картиной «Афисионадо» (Кунстмузеум Базель) на вилле ле Клошетт, Сорг, Франция, лето 1912 года; анонимный неизвестный автор, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В этой работе Пикассо, опираясь на пересекающиеся и геометрические формы, создал чрезвычайно фрагментарное изображение человека, в центре композиции — свободные очертания струн гитары. Двигаясь в направлении абстракции, Пикассо ограничил свою цветовую палитру в «Ма Жоли», чтобы создать впечатление низкорельефной скульптуры, что еще больше подчеркивается светлыми и темными тонами кубов.
Угловатые формы и их мрачные цвета, кажется, выражают более глубокий смысл, поскольку центральная фигура практически исчезает в глубине произведения.
Опираясь на свои предыдущие кубистические картины, Пикассо продемонстрировал более явный переход к фрагментации и абстракции через приглушенные цвета, которые сопоставлены с, казалось бы, напористыми формами. Таким образом, несмотря на то, что «Ма Жоли» задумывалась как портрет, она представляет собой переход Пикассо к более нерепрезентативному контексту, так как сквозь сеть кубов и угловатых линий невозможно создать четкий образ.
Натюрморт с тростью для стула — Пабло Пикассо
| Художник | Пабло Пикассо |
| Дата написания | 1912 |
| Средство | Масло на салфетке по холсту, окантованному веревкой |
| Размеры | 29 см x 37 см (11,4 дюйма x 14,6 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей Пикассо, Париж |
Последняя в нашем списке картина Пабло Пикассо — «Натюрморт с тростью для стула», созданная в 1912 году. Эта картина считается одним из самых легко узнаваемых произведений движения кубизма и считается первым в современном искусстве коллажем. В этом произведении Пикассо вновь ввел цвет в свое искусство и продолжил экспериментировать с несколькими перспективами. Прикрепив несколько предметов к холсту, Пикассо воплотил в этом произведении игривый, но четкий замысел, поскольку оно напоминало стул.
При взгляде на «Натюрморт со стулом» на ум приходит образ столешницы кафе. Такие предметы, как фрукты, винные бокалы и ножи, видны с разных точек зрения в верхней правой части работы, которые Пикассо изобразил с помощью красок и коллажа. Хотя стул для битья, изображенный внизу, был сделан из куска набивной ткани, а не из настоящего куска битья, веревка, окружающая холст, была настоящей.
Благодаря использованию найденного предмета, его цель заключалась в том, чтобы представить зрителям резной бордюр столика кафе.
Как единственное печатное слово в «Натюрморте с креслом», «JOU» выступает в качестве центрального элемента произведения. Его включение было задумано как написание первых трех букв французского слова, означающего «газеты», так Пикассо пытался сослаться на акт чтения, который обычно совершался в парижских кафе. Будучи первым произведением, в котором элементы коллажа были включены в произведение высокого искусства, «Натюрморт с креслом» ссылался на нестабильную и шаткую политическую ситуацию в Европе того времени, а также на революционные наклонности самого Пикассо.
Покорение воздуха — Роже де Ла Френе
| Художник | Роже де Ла Френе |
| Дата написания | 1913 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 235,9 см x 195,6 см (92,8 дюйма x 77 дюймов) |
| Где находится в настоящее время | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Одним из других известных художников кубизма был Роже де Ла Френе, который в 1913 году написал культовую картину «Покорение воздуха». Считающаяся одной из самых запоминающихся картин кубизма, эта работа оказалась невероятно популярной среди французских художников того времени.
Это произошло потому, что яркие и оптимистичные картины Ла Френе способствовали популяризации кубистических портретов и картин перед началом Второй мировой войны.
На картине «Завоевание воздуха» Ла Френе изобразил себя и своего брата Анри, сидящими за столом на улице. На дальнем плане в левом верхнем углу виден желтый воздушный шар. Считалось, что это отсылка к кубку Гордона Беннета, который в то время был самой старой гонкой на воздушных шарах в мире. В 1912 году гонку выиграл француз, что объясняет включение слегка раздробленного, но праздничного французского флага в правой части полотна. Используя разбитые блоки для создания флага, Ла Френе придал материалу элемент движения, так как флаг кажется мягко развевающимся на ветру.
La Conquête de l’Air (Завоевание воздуха) (1913), Роже де Ла Френе; Roger de La Fresnaye, Public domain, via Wikimedia Commons
Проявляя влияние как традиционного кубизма, так и орфизма, разработанного коллегой художника Робером Делоне, Ла Френе изобразил фигуры в своей работе с помощью ярких и красочных геометрических форм. Ощущение круга можно заметить благодаря расположению фигур в центре холста, что вполне соответствует характеристикам орфизма.
Эта картина играла на вере в то, что каждый природный элемент придерживается смутного геометрического совершенства, поскольку каждый аспект в этой картине изображен острыми и треугольными качествами.
Электрические призмы — Соня Делоне
| Художник | Соня Делоне |
| Дата написания | 1914 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 250 см x 250 см (98,4 дюйма x 98,4 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Центр Помпиду, Париж |
Еще одним исключительно красочным произведением искусства кубизма являются «Электрические призмы», написанные Соней Делоне в 1914 году. Вместе со своим мужем, известным художником Робером Делоне, она разработала совершенно беспредметный стиль искусства, который в итоге превратился в смесь постимпрессионизма и фовизма. Новаторские исследования Делоне с использованием ярких цветов были полностью реализованы в картине «Электрические призмы», так как она является тщательным примером того, как она смогла объединить свой фирменный красочный стиль с идеалами кубизма.
Считающаяся грандиозным праздником цвета, картина «Электрические призмы» сосредоточена вокруг двух больших и пересекающихся кругов. Они были созданы кривыми первичного и вторичного цветов, расположенных рядом друг с другом, в то время как остальная часть холста была покрыта множеством других цветов и форм. Абстрактные формы, такие как прямоугольники, дуги и овалы, соединены вместе, чтобы сформировать смесь тонов, поскольку каждая фрагментарная форма несет в себе коннотацию того, что она сшита вместе, подобно гобелену.
В «Электрических призмах» Делоне продемонстрировал свое увлечение геометрическими формами и уплощенной перспективой. Однако эта кубистическая работа также продемонстрировала ее абстрактный интерес к цвету и концепции, поскольку яркие блоки краски наводили на мысль о возможном четвертом измерении, которое становилось видимым, чем дольше человек смотрел на работу.
Считается, что эта работа представляет собой динамичное движение электричества, Делоне был вдохновлен запечатлеть поразительное свечение света после того, как увидел новые электрические круги вдоль бульвара Сен-Мишель в Париже.
Натюрморт перед открытым окном, улица Равиньян — Хуан Грис
| Художник | Хуан Грис |
| Дата написания | 1915 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 115,9 см x 88,9 см (45,6 дюйма x 35 дюймов) |
| Где находится в настоящее время | Филадельфийский музей искусств, Филадельфия |
Художником, чьи кубистические картины часто считаются наиболее близкими к картинам Пикассо и Брака, был Хуан Грис, написавший в 1915 году известный «Натюрморт перед открытым окном, улица Равиньян». Картина, написанная яркими и сочетаемыми цветами в контрастных комбинациях, объединила интерес Гриса к внутренним и внешним видам на одном холсте. Благодаря сочетанию сцен интерьера и экстерьера, «Натюрморт перед открытым окном, улица Равиньян» является прекрасным примером произведений кубизма благодаря используемым техникам.
Натюрморт перед открытым окном, площадь Равиньян (1915), Хуан Грис; Музей искусств Филадельфии, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Согласно названию картины, в ней представлены некоторые традиционные предметы, ассоциирующиеся с натюрмортом, такие как миска с фруктами, бутылка и бокал, а также книга и газета. Эти предметы, представленные самым красочным участком на полотне, были аккуратно разложены на столе у балконного окна. Кроме того, этот фрагмент картины казался освещенным лунным светом, проникающим снаружи, на что намекали голубоватые квадраты, изображающие внешнюю сцену.
Хотя сюжет картины «Натюрморт перед открытым окном, улица Равиньян» мог быть обычным и неудивительным, его абстрактное расположение было невероятно новаторским. Грис был более искусен, чем другие художники-кубисты того времени, поскольку его структурированная сетка перекрывающихся плоскостей создавала тонкий баланс и равновесие между различными областями холста.
Легко меняя светлое и темное, позитивное и негативное, монохромное и цветное, все работы Гриса рассматривались с классической точностью.
Три женщины — Фернан Леже
| Художник | Фернан Леже |
| Дата написания | 1921 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 251,5 см x 183,5 см (99 дюймов x 72,2 дюйма) |
| Где находится в настоящее время | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Последняя известная картина в стиле кубизма, которую мы включили в наш список, — «Три женщины», написанная Фернаном Леже в 1921 году. Созданная спустя некоторое время после окончания движения кубизма, эта картина предложила более современное изображение проверенного временем сюжета в истории искусства — лежащей обнаженной женщины. Продемонстрировав влияние кубизма и футуризма в этой картине, «Три женщины» предоставили современную лексику для сопровождения обнаженной формы.
Портретная фотография Фернана Леже, 1936 год; Карл Ван Вехтен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Основываясь на аспектах кубизма, Леже изобразил три фигуры, пьющие чай или кофе и отдыхающие в очень современной квартире, используя твердые геометрические формы. Однако безупречные цвета, использованные в формах, соответствуют аналитическому кубизму, поскольку они не перекрываются на переднем плане, а скорее помогают в создании типа трехмерности. Благодаря этому тела женщин, мебель, на которой они сидят, а также пространство между ними выглядят невероятно четко очерченными и легко различимыми.
Несмотря на то, что обнаженная натура была распространенной темой на протяжении почти всей истории искусства, фигуры Леже были более отшлифованными и утонченными, чем те, которые можно было увидеть в других кубистических портретах. Эти на первый взгляд элегантные фигуры демонстрировали возвращение к порядку и нормальности, что было распространенной темой во французском искусстве после потрясений Второй мировой войны. Используя точность, сравнимую с точностью машины, Леже представил упрощенных женщин, округлых и полностью оторванных от реальности, что стало символом современного мира.
Кубизм оказался одним из самых плодотворных направлений искусства 20 века, причем Пикассо и Брак работали вместе, чтобы полностью утвердить и распространить идеалы этого стиля. Поэтому многие произведения искусства считаются прекрасными примерами картин кубизма, и в нашем списке представлены наиболее известные картины того времени. Если вам понравилось читать об этих произведениях искусства, мы рекомендуем вам познакомиться с другими художниками-кубистами и их знаковыми работами, поскольку существует множество известных портретов и картин кубистов.
