Движение романтизма было силой, доминировавшей в Европе в конце 1800-х годов. Это было художественное, интеллектуальное и литературное движение, возникшее как реакция на предшествующие ему классицизм и неоклассицизм. Это был явный разрыв с тенденциями интеллектуальной мысли, индустриализации, рационализации и прославления науки. Движение романтизма было эмоционально насыщенным и стремилось поразить воображение, что мы видим в фантастических и вдохновенных картинах, появившихся в этот период. В этой статье мы рассмотрим 12 самых известных картин романтизма.
Оглавление
Романтизм: Краткий обзор
Романтизм потакал эмоциям и воображению художника, позволяя этим чувствам и идеям проникать в зрителя. Романтизм по-разному интерпретировался различными романтиками в музыке, литературе и изобразительном искусстве. Художники изображали сцены любви, красоты, страха, ужаса, гнева и обожания, которые были призваны обеспечить уход от реальности.
Романтический период длился примерно с 1790 по 1880 год и возник из-за неудовлетворенности ценностями Просвещения — порядком и разумом — после Французской революции 1789 года. Хотя романтизм был описан как антитеза классицизму и неоклассицизму, стилистически они совпадали.
Однако романтизм имел ряд отличий от предшествующих движений, поскольку он характеризовался акцентом на чувствах и страсти в противовес предшествующим традициям рациональности и отстраненности.
В изобразительном искусстве романтики отдавали дань уважения силе природы, почитая ее непредсказуемость и красоту. Природный потенциал катастроф был важной темой, наряду с изображением властных, острых чувств, вызывающих сопереживание. Романтики превозносили эмоции и интуицию над логикой и интеллектом. Искусство романтизма было настроено на прекрасные сцены природы и возвышенное, вбирая в себя то, что чувствует человек в природе.
Опасность и красота определяли возвышенную эстетику природы.
В противовес рационализму художники-романтики украшали свои произведения яркими красками и энергичными мазками. Искусство романтизма отдавало предпочтение динамичным композициям перед статичными. Картины эпохи романтизма использовались для выражения индивидуальности и инстинктов, а не для изображения идеализированных образов классического прошлого.
12 самых известных картин романтизма
Произведения искусства романтизма предлагали фантастический уход от реальности городской жизни. Романтизм фокусировался на чувствах и состоянии души, которые часто отражались в природе. Художники романтического периода не просто рисовали то, что они видели в пейзаже, а писали то, что они чувствовали от пейзажа. Художники были свободны в своем творчестве, используя вдохновение из своих снов и своего сознания для иллюстрации фантастических фигур или тревожных пейзажей. Вот наша подборка 12 самых известных картин романтизма.
Кошмар (1781) Генриха Фюзели
| Художник | Генрих Фюзели |
| Дата написания | 1781 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 101,6 см x 127 см |
| Где находится в настоящее время | Детройтский институт искусств, Мичиган, Соединенные Штаты Америки |
Романтическое произведение Генриха Фюзели «Кошмар» было первым в своем роде, что сделало Фюзели в некотором роде переходной фигурой — он возглавил развитие искусства от эпохи Разума к искусству романтической эпохи. Своеобразная и макабрическая работа Фюзели изображает заколдованную женщину в глубоком сне, распростертую на диване.
Руки женщины вытянуты под ней, а сверху над ней склонился демоноподобный инкуб, угрожающе глядя на зрителя. Частично скрытая, мы видим таинственную кобылу с завораживающими белыми глазами и раздувающимися ноздрями. В своем жутком портрете Фюзели изобразил женщину в идеализированной манере, что совпадает с принципами неоклассицизма.
Однако он отклонился от этого, используя свою живопись для исследования темных глубин человеческой психики, в то время как большинство было занято научным изучением физического мира.
Кошмар (1781), Генри Фюзели; Генри Фюзели, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя женщина окутана ярким светом, Фюзели предполагает, что свет не может пробить кошмарное царство человеческого разума. Отношения между женщиной, инкубом и кобылой не выражены явно и поэтому остаются наводящими на размышления, подчеркивая пугающие возможности.
Кошмар» напугал и шокировал зрителей, когда был выставлен в лондонской Королевской академии. Она не была похожа на то, что привыкла видеть публика, поскольку сюжет картины не был взят из Библии или какого-то исторического момента, и она не была создана с целью морализировать зрителя.
Картина Фюзели оказала широкое влияние и изменила мир искусства, а также вдохновила таких писателей, как Эдгар Аллан По и Мэри Шелли. Сочетание сексуальности, ужаса и смерти стало важнейшим элементом готического жанра ужасов.
Верхнее падение Рейхенбаха: Радуга (1810) Дж. М. У. Тернера
| Художник | J. М. В. Тернер |
| Дата написания | 1810 |
| Средство | Акварель, графит и белая растушевка на бумаге |
| Размеры | 27,9 см x 39,4 см |
| Где находится в настоящее время | Йельский центр британского искусства, Коннектикут, Соединенные Штаты Америки |
Джозеф Мэллорд Уильям Тернер был одним из первых западных художников, запечатлевших атмосферу и настроение в своих произведениях романтизма. Тернер был исключительно влиятельным художником-пейзажистом 19 века. Он был очарован Рейхенбахским водопадом, водопадом на реке Ааре недалеко от Майрингена в Швейцарии, который он увидел во время своего путешествия в 1802 году. Верхний водопад Рейхенбах: Радуга — сцена, которую он рисовал множество раз как в Швейцарии, так и у себя на родине в Англии.
В своих картинах Тернер выражал понятие «возвышенного» — понятие, постулированное философом Эдмондом Берком, где он изображал чувство, которое испытывает человек, ощущая подавляющую силу и величие природы.
Это становится очевидным благодаря огромным размерам гор по сравнению с человеческой фигурой и животными в левом нижнем углу картины. Миниатюрные фигурки указывают на масштаб и демонстрируют их незначительность в окружении огромности природы.
Верхний водопад Рейхенбаха: Радуга (1810) Дж. М. У. Тернера; Дж. М. У. Тернер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Тернер искусно писал тонкими мазками и слоями, используя мрачную цветовую палитру, где он растирал и выскребал поверхность бумаги мокрой тряпкой, чтобы передать растворяющиеся и громовые брызги водопада на огромных скалах. На этом этапе его карьеры больше внимания уделялось тону и форме, и только позже цвет стал для него более значимым.
Тернер ввел пейзаж как не менее важный компонент жанрового искусства, с картинами повседневных сцен жизни — в то время это был революционный выбор. Тернера прославили как «художника света» за его мастерство изображения светящихся цветов и атмосферы.
Его динамизм и интенсивность существенно контрастировали с преобладающими современными тщательно прорисованными топографическими сценами.
Третье мая 1808 года (1814) Франсиско Гойя
| Художник | Франсиско Гойя |
| Дата написания | 1814 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 268 см x 347 см |
| Где находится в настоящее время | Национальный музей Прадо, Мадрид, Испания |
Франсиско Гойя, считающийся одним из самых значительных испанских художников 18-го и 19-го веков, создал яркие и загадочные произведения искусства, которые отражали и комментировали современные исторические потрясения Испании. Новаторская картина Гойи «Третье мая 1808 года», пожалуй, самая известная в романтическом искусстве. На ней изображены наполеоновские войска, публично казнящие испанцев в качестве возмездия за восстание против французов, произошедшее накануне.
Коричневая палитра Гойи усиливает зверства и создает ощущение всепоглощающей темноты.
Испанский рабочий, которого собираются казнить, представлен в манере, имитирующей распятие Христа. Фигура стоит на коленях на земле с широко раскинутыми руками, а его правая рука отмечена стигматами, подобными тем, что были на теле Христа во время распятия. Выразительные лица фигур и язык тела передают жестокость и потрясение. Фонарь на земле — единственный источник света, который делит сцену на свет, освещающий жертвы, и тень, поглощающую безликих палачей.
Третье мая 1808 года (1814), Франсиско Гойя; Франсиско де Гойя, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Гойя создал знаменитые картины в стиле романтизма, которые решительно порвали с прошлым. Картина была революционной благодаря своей негероической подаче, зернистым и матовым пигментам и плоскостности перспективы.
Наряду с тем, что Гойя изобразил современный случай, пережитый обычными людьми, это бросало вызов академическим нормам, которые предпочитали вневременные неоклассические сцены.
Гойя стремился стать свидетелем и памятником испанской оппозиции наполеоновской армии. Он оказал влияние на последующие поколения художников. Революционная картина Гойи «Третье мая 1808 года» сыграла решающую роль в становлении реализма с его честным изображением повседневной жизни, повлияла на изображения Пикассо ужасов войны и способствовала сюрреализму в изучении сновидений.
Странник над морем тумана (ок. 1818 г.), Каспар Давид Фридрих
| Художник | Каспар Давид Фридрих |
| Дата написания | c. 1818 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 95 см x 75 см |
| Где находится в настоящее время | Гамбургский Кунстхалле, Гамбург, Германия |
Немецкий художник эпохи романтизма Каспар Давид Фридрих в 1818 году написал одну из самых знаковых картин романтической эпохи «Странник над морем тумана». На картине Фридриха изображен исследователь, молодой человек, сидящий сзади на скалистом выступе и смотрящий вдаль на густое море тумана. Картина «Странник над морем тумана» не рассказывает историю; это изображение Фридрихом эмоционального состояния, в котором отражены идеи странствий и бесконечности, несовершенства эмоций и души.
Шедевр Фридриха представил человека на жутком и таинственном фоне, демонстрируя его ничтожную силу в огромных масштабах жизни.
Странник над морем тумана (ок. 1818) Каспар Давид Фридрих; Caspar David Friedrich, Public domain, via Wikimedia Commons
Фридрих умело использовал пространство для иллюстрации ничтожного положения человека в природе, одинокой фигуры на фоне огромного пейзажа. Пейзаж составлен из композиций достопримечательностей Восточной Германии с Эльбских песчаниковых гор. Странник, кажется, созерцает мир, который существует перед ним.
Фигура мужчины занимает центральное положение на картине, что может навести на мысль о том, что он властвует над миром, лежащим перед ним. Однако по мере того, как туман неуловимо сливается с горизонтом, мы осознаем масштаб пейзажа, который бесконечно простирается перед ним. Мы видим, что мир в основе своей остается непознанным. Трепетная картина Фридриха возвысила пейзажную живопись.
Это произведение романтизма является представителем немецкого романтизма, который развивался несколько иначе, чем его итальянские и французские собратья.
Плот Медузы (1818 — 1819) Теодора Жерико
| Художник | Теодор Жерико |
| Дата написания | 1818 — 1819 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 490 см x 716 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Лувра, Париж, Франция |
Знаменитое романтическое произведение Теодора Жерико «Плот Медузы» изображает кораблекрушение, произошедшее в 1816 году, когда сотни солдат французского королевского флота были отправлены колонизировать Сенегал. Корабль начал тонуть после столкновения с песчаной отмелью, и те, кто выжил, построили аварийный плот, чтобы добраться до берега, но быстро потерялись в море.
Жерико потратил месяцы на изучение этого события, беседуя с выжившими и делая их зарисовки, изучая трупы, и обратился к друзьям для создания моделей, включая знаменитого Эжена Делакруа.
Эмоциональное значение шедевра Жерико накладывает отпечаток на зрителя. Жерико соединил реальность и искусство, чтобы намеренно изобразить художественное и политически конфронтационное произведение. Решение Жерико изобразить чернокожего мужчину на вершине композиции было невероятно спорным, поскольку оно выражало его аболиционистские настроения.
Плот Медузы (1818-1819) Теодора Жерико; Теодора Жерико, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Интенсивное зрелище создается благодаря использованию света и тени, а также диагональному построению, которое делит кадр с искаженными телами в левом нижнем углу, ведя взгляд зрителя вдоль ужасной сцены к фигуре на вершине, размахивающей тканью, подающей знак надежды. По диагонали от паруса к правому нижнему углу мы видим частично окутанное тело, погружающееся в море.
Эта композиция вместе с величественным и бурным небом иллюстрирует произведения искусства романтизма и их изображение возвышенного.
Картина Жерико вызвала значительные споры и скандал, когда она была впервые выставлена в Париже. По большей части картина вызвала восторг у зрителей, однако многих оттолкнул выбор темы, сделанный Жерико. Картина подверглась критике за отход от классицизма, так как в ней не учитывалось изображение «идеальной красоты», а изображался реализм. Когда Жерико выставил свою работу в Лондоне, она была принята гораздо более позитивно, и получила признание за то, что представила новое направление во французском искусстве.
Вьюнка сена (1821) Джона Констебла
| Художник | Джон Констебл |
| Дата написания | 1821 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 130,2 см x 185,4 см |
| Где находится в настоящее время | Национальная галерея, Лондон, Великобритания |
Джон Констебл был английским художником эпохи романтизма, посвятившим свое творчество пасторальным пейзажам. Его уникальная способность оживлять природные ландшафты принесла ему большое признание. На этой величественной картине «Сенокос» изображена простая сцена английских фермеров, занятых своей работой. Она демонстрирует гениальность Констебла, поскольку он может передать на картине, как мимолетная атмосфера диктует нам восприятие пейзажей.
На этой картине человек не просто наблюдает за природой издалека; Констебл изображает его как неотъемлемую часть природы, так же как птиц и деревья — не отдельно от нее.
The Hay Wain (1821) by John Constable; John Constable, Public domain, via Wikimedia Commons
Фигуры нарисованы в масштабе окружающей среды, что говорит о стремлении Констебла выразить единство с природой в своей картине. Картина «Сенокос» признана одним из самых выдающихся произведений искусства романтической эпохи, изображающих пейзаж, а также одной из самых почитаемых работ английского художника.
Когда шедевр Констебла был впервые выставлен на всеобщее обозрение, его сочли провокационным и дерзким, поскольку большая картина, казалось, использовала ту же технику, применяя мелкие мазки кисти, что и импрессионисты.
По мнению лондонской публики, это было скандально, тогда как французы обожали эту манеру живописи, которую использовали такие художники, как Жерико. Когда «Вьюк сена» был выставлен в Париже, он произвел настоящий фурор. Благодаря ей Констебл получил золотую медаль от короля Франции Карла X за то, что его работа произвела впечатление на Парижском салоне.
Эпизод сентябрьских дневников 1830 года (1830) Мари-Аделаида Киндт
| Художник | Мари-Аделаида Киндт |
| Дата написания | 1830 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | Неизвестно |
| Где находится в настоящее время | Городская ратуша Брюсселя, Бельгия |
К сожалению, очень мало известно о художественном вкладе женщин в период романтизма. Это, кажется, постоянная тема во всей истории искусства — часто игнорируемые и редко понимаемые, женщины, посвятившие себя изобразительному искусству, должны были упорствовать.
Одной из таких женщин является Мари-Аделаида Киндт, бельгийская художница, которая была одним из ведущих художников в 1820-1840-х годах. Киндт была одной из немногих женщин-художниц, происходивших из ее семьи.
Антуан Кардон, гравер, обучил Киндт искусству рисования. Затем она получила неоклассическую подготовку, изучая живопись у Франсуа-Жозефа Навеза, но работы, которые она создавала, приобрели влияние романтизма.
Épisode des Journées de Septembre 1830 (1830) by Marie-Adélaïde Kindt; Adèle Kindt, Public domain, via Wikimedia Commons
Работы Киндт состояли из множества исторических сцен, а самым влиятельным ее произведением стал «Эпизод дневных дней сентября 1830 года», изображающий бельгийскую революцию, которая произошла в том же году. Сейчас ее шедевр хранится в Городском музее Брюсселя.
Художественное творчество Киндт поощрялось такими известными художниками, как Жак-Луи Давид. Она продолжала рисовать на протяжении всей своей жизни, но ее поздние работы были менее амбициозными, поскольку она больше занималась портретами и жанровыми картинами в стиле романтизма, подстраивая свой стиль под вкусы публики.
Киндт не смогла возродить успех своей ранней карьеры, но ее наследие продолжает жить благодаря произведениям искусства, которые она оставила после себя.
Свобода, ведущая народ (1830), Эжен Делакруа
| Художник | Эжен Делакруа |
| Дата написания | 1830 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 260 см x 325 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Лувра, Париж, Франция |
Эжен Делакруа считается самым представительным художником французского романтизма. Шедевр Делакруа «Свобода, ведущая народ» посвящен сцене Июльской революции 1830 года, в ходе которой был свергнут отрекшийся от престола король Карл X. Картина была завершена в том же году, когда произошло это событие. Картина была завершена в тот же год, когда произошло это событие. Не путать с изображением Французской революции 1789 года. Триумф Делакруа олицетворяет свободу, революцию и победу народа.
Это пленительное произведение является одним из самых известных произведений искусства эпохи романтизма.
Делакруа написал аллегорию революции, а не изобразил реальную сцену. Леди Свобода изображена ведущей объединенную группу людей против угнетателя как акт патриотизма. Социальный класс был не важен, что видно по смешению людей — смысл был в единстве. Хотя обнаженная грудь фигуры напоминает греческий классический идеал, а ее платье драпируется, Делакруа изобразил ее с волосами на подмышке, чтобы показать, что она на самом деле реальна, а не просто идеал.
Свобода, ведущая народ (1830), Эжен Делакруа; Эжен Делакруа, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Свобода изображена в фригийском колпаке, символизирующем свободу и стремление к свободе, со штыком в руках и с трехцветным флагом в руках, когда она подбадривает восставших на пути к победе. Каждая деталь на картине Делакруа имеет политическое значение и сочетается с яростными эмоциями.
Бурная сцена подчеркивает смерть, страдания и героизм, которые являются архетипическими темами знаменитого романтического искусства.
Картина «Свобода, ведущая народ» была выдающимся произведением искусства романтизма, наследие которого вдохновило такие известные работы, как «Свобода, просвещающая мир» (1886), более известная как Статуя Свободы работы Фредерика Огюста Бартольди. Картине Делакруа приписывают вдохновение для романа Виктора Гюго «Отверженные» (Les Misérables) 1862 года. И по сей день «Свобода, ведущая народ» сохраняет свой вес: в 2008 году она была изображена на обложке альбома Coldplay «Viva la Vida».
Кубок Титана (1833) Томаса Коула
| Художник | Томас Коул |
| Дата написания | 1833 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 49,2 см x 41 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки |
Картина Томаса Коула в стиле романтизма «Кубок титана» служит вершиной его романтических фантазий. The Titan’s Goblet подражает другим известным картинам Коула в стиле романтизма, изображая итальянский пейзаж и иллюстрируя темы, связанные с величием прошедшего времени, значением природы и ее силой для посягательств. Кубок Титана» — пожалуй, самая загадочная картина Коула среди его аллегорических пейзажных работ. Музей Метрополитен выразил мнение, что эта великолепная картина «не поддается полному объяснению».
Картина Коула считается «картиной в картине», поскольку в ней присутствуют два пейзажа. Ножка кубка стоит на традиционной местности, а вдоль его обода существует совершенно другой мир.
Кубок Титана (1833), Томас Коул; Thomas Cole, Public domain, via Wikimedia Commons
Вдоль обода тянется пышная растительность, а зелень нарушают два крошечных здания, одно из которых — итальянский дворец, а другое — греческий храм. Огромный водоем заполняет кубок до краев, и он усеян парусными лодками. Вода переливается на землю внизу, отмеченную другой цивилизацией.
Классические руины, расположенные на ободе кубка, и парусные лодки, плывущие по воде, связаны с греческой и норвежской мифологией.
Поскольку они расположены далеко от цивилизации, находящейся внизу, это было истолковано как отрыв от современности. Другая теория связывает замкнутую цивилизацию с микрокосмом человеческого мира среди властного тела природы. Ножка кубка объединяет прошлое и настоящее. Кубок Титана» признан уникальным произведением искусства.
Девятый вал (1850), Иван Айвазовский
| Художник | Иван Айвазовский |
| Дата написания | 1850 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 221 см x 332 см |
| Где находится в настоящее время | Государственный Русский музей, Михайловский дворец, Россия |
Иван Айвазовский был русско-армянским художником эпохи романтизма, специализировавшимся на морском искусстве. Его триумф «Девятая волна» признан одним из самых исключительных морских пейзажей искусства романтизма. На картине изображены огромные волны, проносящиеся по изменчивому океану. На переднем плане картины плавают обломки кораблекрушения.
Название и тема картины взяты из старого моряцкого рассказа, традиционного поверья, бытовавшего на протяжении веков до 1800-х годов, в котором девятая волна считалась самой огромной и разрушительной.
Фигуры цепляются за обломки корабля, перед лицом смерти они пытаются спастись. Предполагается, что обломки образуют форму креста, что указывает на религиозный подтекст в работе Айвазовского. Эта работа служит аллегорией, согласно христианству, спасения от греха.
Девятая волна (1850), Иван Айвазовский; Русский музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Палитра картины использует теплые тона, уменьшая свирепость моря и передавая чувство надежды и шанс на выживание. Айвазовский мастерски демонстрирует красоту и разрушительность природы.
Талант Айвазовского принес ему международное признание, и он стал одним из немногих русских художников, добившихся такого успеха при жизни.
По сей день он остается одним из самых выдающихся художников-маринистов, что говорит о влиянии его художественных подвигов. Антон Чехов, известный русский писатель, однажды назвал что-то «достойным кисти Айвазовского», что впоследствии стало стандартной фразой, используемой при описании всего, что было чрезмерно красивым.
Поцелуй (1859), Франческо Хайез
| Художник | Франческо Хайез |
| Дата написания | 1859 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 110 см x 88 см |
| Где находится в настоящее время | Пинакотека ди Брера, Милан, Италия |
Франческо Хайез был знаменитым итальянским художником эпохи романтизма, и его картина «Поцелуй» считается самой известной его работой. Альфонсо Мария Висконти ди Саличето заказал картину, а затем передал ее в дар Пинакотеке Брера. На картине «Поцелуй» изображены мужчина и женщина, обнимающиеся в страстном поцелуе, погруженные друг в друга, их лица остаются скрытыми.
Фигуры представляют собой пару из Средневековья, о чем свидетельствует их одежда. Однако они остаются неузнаваемыми, так как Хайез хотел, чтобы внимание было сосредоточено на акте их объятий.
Поцелуй» демонстрирует невероятное мастерство Хайеса, который выполнил свою картину с такой тонкой детализацией. Хайез соединил сцены исключительной красоты с политическими событиями. Основная идея, которую Хайез доносит до зрителя, заключается в национальном объединении, поскольку картина представляет Рисорджименто, «объединение Италии».
Поцелуй (1859), Франческо Хайез; Франческо Хайез, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хайез стремился отдать дань уважения французам, поскольку они были союзниками Италии, поэтому хроматическая гамма картины с красными колготками мужчины и бело-голубым платьем женщины намекает на французский флаг.
Эта картина — символический шедевр, ставший олицетворением итальянского романтизма.
Хайез считается самым известным итальянским художником эпохи романтизма, его творческий вклад простирается от великолепных портретов в стиле романтизма до монументальных исторических картин. Его влияние оказало существенное воздействие на последующие поколения художников в Италии. Поцелуй» пользовался популярностью с первой выставки и далее. Лукино Висконти, итальянский режиссер, черпал вдохновение в «Поцелуе» для одной из сцен своего фильма 1954 года «Сенсо».
Ручей Каатерскилл (ок. 1870 г.) Сьюзи М. Барстоу
| Художник | Сьюзи М. Барстоу |
| Дата написания | c. 1870 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | Неизвестно |
| Где находится в настоящее время | Частная коллекция |
Сьюзи М. Барстоу была членом «Школы реки Гудзон» — американского художественного направления середины XIX века, в которое входили художники-пейзажисты, чьи визуальные композиции находились под сильным влиянием романтизма. Художники регулярно изображали долину реки Гудзон, а также ее окрестности, включая горы Катскилл. Барстоу была известна своими светящимися пейзажами, такими как ее величественная картина «Ручей Каатерскилл».
Пейзажи Барстоу пронизаны светом, излучающим спокойствие и красоту природы.
Ручей Каатерскилл (ок. 1870) Сьюзи М. Барстоу; Сьюзи М. Барстоу, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ее работы выставлялись в Национальной академии дизайна, Пенсильванской академии изящных искусств, Бруклинской художественной ассоциации и др. В ее время у женщин не было таких возможностей выставлять свои работы, поэтому ряд ее работ остался незамеченным, пока искусствоведы не обратились к вкладу женщин-художниц из Школы реки Гудзон.
Звание художника-любителя было одинаково доступно и женщинам, и мужчинам, однако звание профессионального художника, как правило, присваивалось мужчинам, а женщинам было доступно гораздо меньше.
Отмечая таких невероятных художниц, как Барстоу, мы должны быть осторожны и не воспринимать записи о ее работах как нечто само собой разумеющееся. Недостаток доступной информации о женщинах-художницах заставит нас поверить, что Барстоу была исключением, вместо того чтобы просто признать, что ее работы были исключительными, как и работы ее современниц. Особенно тех, кто в силу своего пола сталкивался с многочисленными барьерами, которые не позволяли их достижениям получить заслуженное признание.
Эти знаменитые картины романтизма, которые мы выбрали для нашего списка, являются поистине великолепными примерами образных и одухотворенных произведений искусства, которые художники внесли в это движение. Их влияние сохраняется и по сей день, поскольку они сформировали последующие движения и поколения художников, которые пришли им на смену. Если вам интересно узнать больше об истории искусства, загляните на наш сайт, где вы обязательно найдете еще больше статей, которые вызовут у вас интерес!
Часто задаваемые вопросы
Что такое романтизм?
Движение романтизма доминировало в Европе в конце 18 века. Это было художественное, интеллектуальное и литературное движение, возникшее как реакция на предшествующие ему движения классицизма и неоклассицизма. Это был явный разрыв с тенденциями интеллектуальной мысли, индустриализации, рационализации и прославления науки. Движение романтизма было эмоционально насыщенным и стремилось поразить воображение, и мы видим это в фантастических и вдохновенных картинах, появившихся в этот период.
Каковы характерные черты искусства романтизма?
Романтизм потакал эмоциям и воображению художника, позволяя этим чувствам и идеям проникать в зрителя. Картины романтической эпохи подчеркивали индивидуальное, личное, субъективное, образное, эмоциональное, трансцендентальное, визионерское и возвышенное.
Как романтизм проявляется в искусстве?
На портретах и картинах романтизма художники изображали сцены любви, красоты, страха, ужаса, гнева и обожания, которые были направлены на уход от реальности. Картины эпохи романтизма воздавали должное силе природы, почитая ее непредсказуемость и красоту. Потенциал катастрофы природы был широко представлен в искусстве, наряду с изображением властных, острых чувств, вызывающих сопереживание. Романтики превозносили эмоции и интуицию над логикой и интеллектом. Искусство романтизма было настроено на прекрасные сцены природы или возвышенное, вбирая в себя то, что чувствует человек в природе. Опасность и красота определяли возвышенную эстетику природы. Портреты и произведения искусства романтизма отличались яркими красками и энергичными мазками кисти. Знаменитое романтическое искусство отдавало предпочтение динамичным композициям перед статичными. Картины эпохи романтизма использовались для выражения индивидуальности и инстинктов, а не для изображения идеализированных образов классического прошлого.
