На протяжении всей истории человечества художники создавали скульптуры, женские портреты и картины с изображением женщин, ставшие всемирно известными. От самых ранних статуй плодородия до современных шедевров, люди всегда с удовольствием изучали тему женщин в искусстве. Возможно, именно врожденная красота и изящные линии женской фигуры служат вдохновением для художников, создавших эти шедевры. И давайте не будем забывать о самих женщинах, многие из которых также были талантливыми художниками, написавшими множество шедевров, но были исключены из истории искусства из-за своего пола. В этой статье мы рассмотрим некоторые из самых знаковых женских картин, от работ таких «великих» художников, как Боттичелли и да Винчи, до автопортретов таких художниц, как Фрида Кало и Мэри Кассатт.
Оглавление
Пятнадцать знаменитых картин с изображением женщин
Хотя многие всемирно известные художники-мужчины создали знаменитые картины с изображением женщин, есть также несколько прекрасных примеров, когда женщины писали автопортреты самих себя. Давайте подробнее рассмотрим пятнадцать знаменитых женских картин и то, что сделало их такими популярными.
Рождение Венеры (1485) Сандро Боттичелли
| Художник | Сандро Боттичелли |
| Год | 1485 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 1,72 м x 2,78 м |
| Текущее местонахождение | Галерея Уффици во Флоренции, Италия |
Флоренция, Италия, является городом рождения Сандро Боттичелли, родившегося в 1445 году. Он был художником раннего итальянского Возрождения. Сегодня Боттичелли больше всего помнят по его картинам на мифологические сюжеты, хотя он писал и многие другие сюжеты, например, религиозные фигуры и женские портреты. Он создал множество изображений Мадонны с ребенком, а также помогал в росписи Сикстинской капеллы. Здесь он участвовал в создании таких прекрасных сцен, как «Юность Моисея», «Искушения Христа» и «Наказание сыновей Кораха».
Хотя ему приписывают множество портретов, существует лишь несколько портретов, которые можно точно определить как его работу.
Рождение Венеры (ок. 1485) Сандро Боттичелли; Сандро Боттичелли, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Известный и плодовитый художник, его картина «Рождение Венеры», вероятно, является самой культовой женской картиной из когда-либо созданных. На картине изображена богиня Венера, приплывающая к берегу на раковине после своего рождения, из которой она вышла обнаженной и полностью сформированной. Слева от нее — крылатый бог ветра Зефир, который, как видно, дует на нее, пытаясь помочь судну-раковине добраться до берега. Справа от нее — Гора Весны, одна из трех греческих второстепенных богинь. На картине мы видим, как она протягивает плащ, которым должна была укрыть Венеру по прибытии на берег.
Мона Лиза (1506) Леонардо да Винчи
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Год | 1506 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 77 см x 53 см |
| Текущее местонахождение | Музей Лувр, Париж |
Мона Лиза была написана в 1506 году искусным художником Леонардо да Винчи. Еще один художник из Италии, да Винчи родился в 1452 году. Хотя он никогда не получал формального образования, сегодня его помнят за его вклад во многие направления мысли, такие как искусство, наука, математика и технические изобретения. Он считается одним из самых выдающихся людей в истории и не просто выдающимся художником, а гением своего времени. Он был левшой, но был известен тем, что писал нетрадиционными способами, например, справа налево или сзади наперед. Он пытался скрыть свои концепции от посторонних глаз, разработав стиль под названием «зеркальное письмо».
Портрет Моны Лизы дель Джокондо (1503-1506) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Считающийся одной из самых известных женских картин, да Винчи создал «Мону Лизу» в 1506 году. Это портрет женщины по имени Лиза Герардини, которая была замужем за дворянином Франческо дель Джокондо. В классическом стиле эпохи Возрождения на портрете изображена половина тела на фоне природного пейзажа. Чтобы изобразить связь между природой и человеком, да Винчи создал изогнутые линии в ее волосах и одежде, которые продолжаются в окружающем пространстве, образуя часть естественных линий рек и гор. Именно ее вечная красота и намек на улыбку сделали ее одной из самых узнаваемых женщин в искусстве.
Автопортрет как аллегория живописи (1639) Артемизии Джентилески
| Художник | Артемизия Джентилески |
| Год | 1639 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 98,6 см x 75,2 см |
| Текущее местонахождение | Дворец Хэмптон Корт |
Артемизия Джентилески родилась 8 июля 1593 года в Риме, Италия. Она была художником эпохи барокко, и искусствоведы считают ее одной из самых знаменитых художниц XVII века. Она была необычайно талантливой женщиной-художницей, профессионально занимавшейся искусством с невероятно юного пятнадцатилетнего возраста. В то время возможности были очень ограничены, особенно для женщин-художников, и Джентилески помогла проложить путь многим последующим художницам.
Хотя на картине, которую мы сегодня рассматриваем, изображена женщина, рисующая саму себя, она также была известна тем, что включала темы женских мифических фигур, библейских фигур и женщин в истории.
Автопортрет как аллегория живописи (1638-1639), Артемизия Джентилески; Artemisia Gentileschi, Public domain, via Wikimedia Commons
Считается, что Карл I пригласил Джентилески в Лондон в 1638 году, и именно там она написала свой знаменитый автопортрет. На картине изображена аллегорическая женская фигура, олицетворяющая живопись. Такое представление о живописи возникло из книги «Иконология» Чезаре Рипа, где он описывал живопись как женщину, обладающую красотой, с темными насыщенными волосами и лицом, выражающим ощущение глубины воображения. Таким образом, она смогла идентифицировать себя как воплощение живописи, чего не смогли добиться художники-мужчины в такой степени, как она.
Девушка с жемчужной сережкой (1665), Иоганн Вермеер
| Художник | Йоханнес Вермеер |
| Год | 1665 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 44,5 см x 39 см |
| Текущее местонахождение | Музей Маурицхёйс, Гаага |
Бытовые сцены и жизнь людей среднего класса были в центре внимания работ голландского художника эпохи барокко Иоганна Вермеера. Над каждой картиной он работал в течение длительного времени, уделяя огромное внимание проработке деталей медленно и неторопливо. Он наиболее известен своим изысканным и мастерским использованием света в своих произведениях. При жизни Вермеер добился умеренного успеха, получив признание в Гааге, но его скромные картины были выполнены из очень дорогих красок, что оставило его семью в долгах, когда он скончался в декабре 1675 года.
Девушка с жемчужной сережкой (ок. 1665), Йоханнес Вермеер; Johannes Vermeer, Public domain, via Wikimedia Commons
Одним из самых известных произведений художника является «Девушка с жемчужной сережкой», один из самых узнаваемых женских портретов в истории искусства. На протяжении веков эта картина называлась по-разному, в том числе «Мона Лиза из Голландии», пока, наконец, в последние годы двадцатого века не была названа в честь серьги. Из-за размера, формы и сильно отражающей поверхности некоторые историки высказывали сомнения по поводу точного материала серьги, утверждая, что она больше похожа на олово, чем на жемчуг.
После недавней реставрации многие элементы картины были улучшены, например, тонкие цвета и пронизывающий взгляд женщины. После длительной реставрации этой картины было также обнаружено, что фон, который мы видим очень темным, когда-то был темно-зеленым.
Олимпия (1856) Эдуарда Мане
| Художник | Эдуард Мане |
| Год | 1863 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 130,5 см x 190 см |
| Текущее местонахождение | Музей д’Орсэ, Париж |
Эдуард Мане родился в Париже, Франция, 23 января 1832 года. Считающийся художником-модернистом, он был ключевой фигурой, способствовавшей переходу от реализма к импрессионизму благодаря своим изображениям современной жизни в 19 веке. Он родился в семье с сильными политическими связями, и ожидалось, что его карьера будет связана с политикой, от этой идеи он отказался в раннем возрасте, чтобы следовать своему желанию стать художником. В последние два десятилетия своей жизни Мане установил прочные отношения с другими современными художниками своего времени и разработал уникальный стиль, который славился своим новаторством и оказал влияние на многих будущих художников.
Олимпия (1863) Эдуарда Мане; Эдуард Мане, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Картина «Олимпия» впервые появилась на выставке Парижского салона в 1865 году. На картине изображена обнаженная женщина, лежащая на кровати, в то время как ее слуга приносит ей букет цветов. В качестве модели для Олимпии была использована Викторина Мёрен, а для служанки Олимпии — Лор. Вызывающий взгляд модели вызвал большое возмущение среди широкой публики, поскольку многие детали картины намекают на то, что она была рабочей девушкой или проституткой. Эти детали включали серьги и браслет, фруктовый сад в ее волосах и шаль, на которой она лежит. Все это считалось символами богатых людей и носило откровенно чувственный характер.
Многие художественные критики того времени презирали эту работу, а консерваторы хотели ее уничтожить, но со временем она стала высоко ценимым и дающим силы примером женского искусства.
Мать Уистлера (1871) Джеймс МакНилл Уистлер
| Художник | Джеймс Макнейл Уистлер |
| Год | 1871 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 144,3 см x 162,3 см |
| Текущее местонахождение | Музей Орсе в Париже |
Джеймс Макнейл Уистлер был американским художником, родившимся в Массачусетсе в 1834 году, но большую часть своего времени проведшим в Великобритании. Он был наиболее активен в эпоху, известную как американский позолоченный век, и его работы были известны своим моральным и сентиментальным подтекстом. Говорят, что его подпись напоминала бабочку с длинным жалящим хвостом, что отражало различные аспекты его личности, такие как мягкий стиль живописи, но агрессивная публичная персона.
Он был одновременно художником и музыкантом, находя схожие темы, проходящие через оба предмета, что привело к тому, что он назвал некоторые произведения искусства музыкальными терминами, такими как «гармония» или «аранжировка», таким образом обосновав свой акцент на тональной гармонии. Он считается основателем тонализма.
Мать Уистлера (или Аранжировка в серо-черных тонах № 1) (1871), Джеймс Макнейл Уистлер; James McNeill Whistler, Public domain, via Wikimedia Commons
Его самое известное произведение искусства также является одним из самых легко узнаваемых женских портретов в современном искусстве. На нем изображена его мать, сидящая в кресле и выглядящая квинтэссенцией материнства. Она также известна под названием «Аранжировка в серо-черных тонах № 1». 1 и, как говорят, был написан, когда она жила в Лондоне. Некоторые историки предполагают, что его мать была заменой модели, которая не смогла присутствовать на сеансе. Его матери, Анне Макнейл Уистлер, в то время было около 60 лет, и в итоге ее изобразили сидящей, после того как она пожаловалась на то, что ей приходится подолгу стоять на ногах.
Женщина с парасолем (1875), Клод Моне
| Художник | Клод Моне |
| Год | 1875 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 100 см x 81 см |
| Текущее местонахождение | Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия |
Клод Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция. Моне вряд ли нуждается в представлении, поскольку он по праву считается одним из самых известных художников, родом из Франции. Фактически, Моне также считается пионером или отцом импрессионистского движения. Он стремился писать природу субъективно, так, как он ее видел, а не так, как ее воспринимали другие. Это привело к тому, что его почитают как ключевую фигуру, предшествующую движению модернизма.
На протяжении всей своей долгой карьеры он был известен как самый откровенный авторитет философии импрессионистов, которая подчеркивала перспективу художника в противовес объективному взгляду на мир природы.
Женщина с парасолем — мадам Моне и ее сын (1875), Клод Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На картине «Женщина с парасолем» изображены его первая жена и сын, гуляющие по лугу в Аржантейле в ветреный день. Эта картина также известна под названием «Прогулка» и является примером использования Моне цвета в типичном стиле импрессионизма. Спонтанное ощущение картины объясняется тем, что она, скорее всего, была написана на открытом воздухе за один сеанс. Картина размером 100 см на 81 см является одной из самых больших его работ того периода. Примерно через десять лет он написал две похожие работы с участием дочери своей следующей жены, Сюзанны Моне.
Чашка чая (1881) Мэри Кассатт
| Художник | Мэри Кассатт |
| Год | 1881 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 92,4 см x 65,4 см |
| Текущее местонахождение | Музей Метрополитен |
Американская художница Мэри Стивенсон Кассатт родилась в Пенсильвании 22 мая 1844 года. Хотя она родилась в Соединенных Штатах, большую часть своей жизни она провела во Франции. Она дружила с Эдгаром Дега и выставляла свои работы вместе с другими современными мужчинами-импрессионистами. Ее работы часто изображали жизнь женщин в закрытой социальной среде, например, близкие отношения между матерью и ребенком.
Наряду с Бертой Морисо и Мари Бракемонд, Гюстав Жеффруа назвал Кассатт одной из «трех великих дам импрессионистского движения». Ее работы сравнивали с работами ее коллег, таких как Дега, поскольку оба они стремились изобразить свет и движение с современным чувством.
Чашка чая (ок. 1880-1881) Мэри Кассатт; Мэри Кассатт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мэри Кассат написала картину «Чашка чая» в 1881 году, в то время, когда послеобеденный чай был для состоятельных женщин ежедневным светским ритуалом. Эта тема соответствовала желанию Кассат изобразить повседневную жизнь такой, какой она была в 1880-е годы. Остальные члены ее семьи переехали в Париж в 1877 году, и после этого ее сестра Лидия часто использовалась в качестве модели для различных картин Мэри. Картины Кассатт — это исследование контрастных цветов, ярких палитр и блестящей кисти, и эти элементы показывают, как она приняла импрессионизм в своих работах.
Для женщины, писавшей в эпоху, когда в живописи преобладали мужчины, она все же выделялась своей уникальной техникой и стилем.
Портрет мадам Х (1884) Джона Сингера Сарджента
| Художник | Джон Сингер Сарджент |
| Год | 1884 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 234,9 см x 109,8 см |
| Текущее местонахождение | Музей Метрополитен, Манхэттен |
Хотя Джон Сингер Сарджент родился во Флоренции, он был американским художником, родившимся 12 января 1856 года. Он создал около 900 картин маслом, а также более 2 000 акварелей и считается ведущим художником-портретистом своей жизни.
Джон Сингер Сарджент родился во Флоренции, Тоскана, в семье американских родителей. До переезда в Лондон он обучался в Париже и большую часть времени жил в Европе. Портрет мадам Х» был выставлен в Парижском салоне, и он надеялся, что эта картина закрепит его положение как парижского светского художника, но, к сожалению, она была омрачена скандалом. В следующем году он уехал в Англию и продолжил свою карьеру художника-портретиста.
Мадам X (мадам Пьер Готро) (1883-1884), Джон Сингер Сарджент; Музей Метрополитен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В то время «Портрет мадам Икс» считался спорным, поскольку предполагалось, что ее поза была сексуально провокационной. Сарджент целенаправленно и тщательно выбирал позу для модели, Виржини Готро, с ее телом, обращенным вперед в смелой позе, в то время как ее голова изображена в профиль. Модель была одета в черное платье из атласа, которое одновременно скрывает и обнажает форму этой женщины.
Критики картины отмечали, что художник намеренно создал такие элементы картины, чтобы подчеркнуть изгибы женщины, например, стол, на который она опирается для поддержки.
Женщина в ванной, вытирающая ноги губкой (1884), Эдгар Дега
| Художник | Эдгар Дега |
| Год | 1884 |
| Средство | Пастель |
| Размеры | 19,7 см x 41 см |
| Текущее местонахождение | Музей д’Орсэ, Париж, Франция |
Эдгар Дега родился в июле 1834 года в Париже, Франция. Дега работал в разных техниках, включая гравюры, бронзовые скульптуры и рисунок, но наиболее известен он благодаря своим импрессионистским картинам маслом. Многие из его картин изображают танцоров и танцы, поскольку изображение движения представляло для него особый интерес. Этот интерес также прослеживается в его картинах с изображением купающихся обнаженных женщин и скачущих лошадей. Он также писал портреты, которые почитались за мастерское отображение сложных человеческих эмоций.
Большинство искусствоведов считают его одним из основоположников импрессионизма, хотя он утверждал, что ему не нравится этот термин, и предпочитал описание реализма. В отличие от других импрессионистов, многие его работы изображали внутренние помещения.
Женщина в ванне, вытирающая мочалкой ноги (ок. 1883), Эдгар Дега; Эдгар Дега, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эдгар Дега создал «Женщину в ванне, мочащую ноги» как часть серии портретов обнаженных женщин, выполненных пастелью. Он не стремился копировать классическое искусство обнаженной натуры римлян или греков, а хотел изобразить в искусстве реальных женщин, занятых обычными повседневными делами, которые отнимали у них время, например, купанием. Многие из его работ были сначала набросаны спонтанно, а затем завершены и детализированы в его студии. Эта картина изображает грацию движения, его мягкие линии изгибаются таким образом, что расслабляют зрителя и создают атмосферу, соответствующую той, которую испытываешь во время купания.
Хрустальный шар (1902) Джона Уильяма Уотерхауса
| Художник | Джон Уильям Уотерхаус |
| Год | 1902 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 120 см x 87 см |
| Текущее местонахождение | Частная коллекция |
Джон Уильям Уотерхаус родился в Риме, Италия, 6 апреля 1849 года в семье английского художника. Он был известен своими работами в академическом стиле, а затем перешел к стилю прерафаэлитов. Он был особенно известен тем, что изображал женщин в своих работах, а темы его работ варьировались от легенд об Артуре до греческой мифологии. Его любимой темой было создание произведений искусства, вдохновленных классическими авторами, такими как Китс, Шекспир, Гомер, Овидий или Теннисон.
Хрустальный шар (1902) Джона Уильяма Уотерхауса; Джон Уильям Уотерхаус, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джон Уильям Уотерхаус написал картину «Хрустальный шар» в 1902 году и выставил ее в том же году вместе с «Миссалом» в Королевской академии. Влияние итальянского Возрождения на творчество художника можно заметить по использованию кругов, а также горизонтальных и вертикальных линий по отношению друг к другу. При сравнении с готической эпохой видно, что его искусство заметно отличается от обычно остроконечных арок, встречающихся в архитектуре этого периода.
Сейчас картина принадлежит частному коллекционеру и была восстановлена после того, как предыдущий владелец закрыл череп на столе. Детали и текстура бархатного платья, запечатленные художником, отличаются изысканной детализацией.
Женщина с веером (1918) Густава Климта
| Художник | Густав Климт |
| Год | 1918 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 100 см x 100 см |
| Текущее местонахождение | Австрийская галерея Бельведер |
Принадлежа к движению Венского Сецессиона, этот художник-символист был также очень известной и выдающейся фигурой. Густав Климт родился 14 июля 1862 года в Баумгартене. Основной темой его творчества была женская фигура, а его работы известны своим эротическим подтекстом. Кроме женских портретов, он также писал пейзажи. По сравнению с другими художниками Венского Сецессиона, в работах Климта наиболее заметно влияние японских художественных техник и стилей.
В картине «Женщина с веером» отражено сочетание характерного для Густава стиля и влияния японского искусства на современное искусство, известного как японизм. Это была одна из последних его работ, завершенная в том же году, когда он скончался.
Женщина с веером (1917-1918), Густав Климт; Густав Климт, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поздние работы Климта, изначально принадлежавшие к авангардному движению, известному как Венский сецессион, считались более страстными и эмоциональными по сравнению с его ранним творчеством. В этот период он больше рисковал как в стиле, так и в технике.
Фон напоминает о его золотом периоде своим отчетливым желтым оттенком. Цветы и птицы написаны с характерным для него буйным использованием цветовой палитры. Картина в значительной степени отражает его японское влияние со стилизованными и яркими узорами, которые имитируют эстетику ксилографии. Эта работа прекрасно представляет эволюцию пути художника в искусстве, смешивая святое с эротическим, орнаментальным и более тонкими аспектами искусства в идеальном балансе.
Автопортрет с терновым ожерельем и колибри (1940) Фриды Кало
| Художник | Фрида Кало |
| Год | 1940 |
| Средство | масляная краска |
| Размеры | 47 см x 61 см |
| Текущее местонахождение | Центр Гарри Рэнсома, Остин, Техас |
Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в Мехико, Мексика. Она была наиболее известна благодаря своим многочисленным автопортретам. Редкий пример женщины, написавшей свой собственный портрет, она продемонстрировала свою культурную идентичность, используя наивные стили народного искусства. Она использовала свое искусство для изучения таких тем, как класс, пол и постколониальное мексиканское общество. Она смешивала элементы фантазии с автобиографическим реализмом для создания своей уникальной интерпретации мексиканской культуры и была уникальным голосом для женщин в искусстве.
Автопортрет с терновым ожерельем (1940), Фрида Кало; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Эта картина вызвала большой интерес у историков, поскольку она содержит множество символических элементов, которые были лично значимы для Кало.
На этой картине она обращена лицом к зрителю. Позади нее на заднем плане находится коллекция больших зеленых листьев. Черная обезьяна, кажется, работает с ожерельем из колючек на ее шее, которая кровоточит от колючек. К шипам, похожим на петлю, привязана маленькая колибри, а через другое плечо видна черная кошка. Несмотря на неудобный сценарий, она, кажется, терпеливо переносит боль, на ее лице выражение торжественного спокойствия.
Портрет Доры Маар (1941) Пабло Пикассо
| Художник | Пабло Пикассо |
| Год | 1941 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 128 см x 95 см |
| Текущее местонахождение | Частный коллекционер |
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, Испания. Хорошо известный всем, даже сегодня, Пикассо был одним из пионеров и соучредителей так называемого кубистического направления в искусстве. Он демонстрировал большие художественные способности с самого раннего возраста, рисуя в основном в натуралистическом стиле в эти ранние годы. В первые десять лет 20-го века его искусство претерпело множество трансформаций, поскольку он экспериментировал с различными стилями и техниками. Он стал более радикальным в своем подходе к искусству, когда его вдохновило движение фовистов, особенно такие художники, как Анри Матисс.
Его уникальный стиль в конечном итоге привел к тому, что Пикассо стал одной из самых известных фигур 20-го века.
В 1938 году Пикассо встретил женщину по имени Дора Маркович, фотографа из Югославии. Она стала моделью для его работы «Портрет Доры Маар», которая считается вехой в женском портрете и сдвигом в изображении женщин в произведениях искусства. Дора изображена сидящей в кресле, ее улыбающееся лицо демонстрирует сочетание фронтального и профильного ракурсов, что было отличительной чертой работ Пикассо. Предлагая зрителю любой ракурс объекта, он мог предложить более правдивый образ человека, чем статичный вид.
Голубая Мэрилин (1964) Энди Уорхола
| Художник | Энди Уорхол |
| Год | 1964 |
| Средство | Офсетная литография |
| Размеры | 69,2 см x 64,8 см |
| Текущее местонахождение | Музей Тейт |
Завершает наш список всемирно известный американский художник Энди Уорхол, который родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в 1928 году. Он был режиссером и художником, известным тем, что размывал границы между видами искусства и экспериментировал со смешением сред. Он наиболее известен своими шелкографическими изображениями бытовых продуктов, таких как банки с супом. Его считают известной фигурой в современном движении поп-арта, когда он берет массовые и китчевые элементы коммерческой культуры и применяет эстетику изобразительного искусства, чтобы поднять ценность и смысл произведения.
Blue Marylin — одно из четырех полотен, созданных в 1964 году под общим названием The Shot Marylins. Они были названы The Shot Marylins после того, как подруга Уорхола, фотограф Дороти Подбер, увидела серию картин, сложенных у стены, и спросила его, может ли она их снять. Он, естественно, предположил, что она имеет в виду фотоаппарат, но она достала небольшой револьвер и выстрелила пулей в стопку картин. Всего картин было пять, но одной из них — картины с бирюзовым фоном — в тот момент в стопке не было, и поэтому она не считается одной из работ, вошедших в коллекцию The Shot Marylins.
Итак, мы узнали, что женская фигура служила источником вдохновения для художников на протяжении всей нашей земной истории. Самые влиятельные художники своего времени создавали изысканные образцы женских портретов в стилях, характерных для их эпохи, давая нам женское искусство, которое варьируется от реальных до жизненных стилей, вплоть до странных и абстрактных.
Часто задаваемые вопросы
Все ли картины с изображением женщин написаны художниками-мужчинами?
Нет, есть несколько замечательных примеров женщин-художников, которые можно найти именно в этом списке. Каждая из них внесла свою изюминку в движения соответствующих эпох и сумела выделиться даже среди своих коллег-мужчин. К таким женщинам относятся Фрида Кало и ее автопортреты, великолепные работы Артемизии Джентилески в стиле барокко и картины Мэри Кассатт, изображающие повседневную жизнь богатых женщин ее эпохи.
Все ли женские портреты фотореалистичны?
Нет, возможно, есть несколько направлений, которые стремились рисовать как можно более реалистично, но большинство женщин в произведениях искусства на протяжении всей истории человечества изображались в разных стилях. Будучи одной из самых распространенных тем, которые рисуют художники, существует бесчисленное множество вариантов изображения женщин в искусстве, от импрессионизма до кубизма. От реалистичных до фантастических, наши художники всегда наслаждались чувственными линиями и изгибами женской фигуры в своем искусстве.
