Знаменитые картины Средневековья — знакомство с лучшими картинами Средневековья

Содержание

Средневековая живопись

Период Средневековья, обычно называемый Средними веками, охватывает более 1000 лет. Падение Римской империи около 300 года н.э. положило начало средневековому периоду, который продолжался до начала эпохи Возрождения в начале 1400-х годов. Этот период был исключительно влиятельной эпохой в западной художественной культуре, породившей множество знаменитых средневековых картин. В это время происходили основные движения в искусстве. Были созданы новые жанры искусства и смешались различные художественные традиции, включая стили Ближнего Востока и Северной Африки.

Оглавление

За что выступало средневековое художественное движение?

Средневековое искусство возникло на основе художественного наследия Римской империи и иконографических обычаев раннехристианской церкви, а также «варварского» стиля Северной Европы. Смешение этих источников привело к созданию невероятного художественного наследия. Средневековый период искусства включал в себя различные художественные направления, в основном раннехристианское, византийское, романское и готическое.

Хотя стиль произведений искусства, созданных в этот период, был разным, его объединяли различные общие факторы. Самое главное, оно отражало широкую популярность христианства.

Примеры средневекового искусства

Христос милосердия между пророками Давидом и Иеремией (между ок. 1495 и ок. 1500 гг.) Диего де ла Крус; Диего де ла Крус, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Живопись Средневековья была богата религиозным символизмом и образами. Средневековые художники и их картины преимущественно изображали святые фигуры и библейские повествования. Эти повествования имели иерархию, которая в основном диктовалась пространством, которое занимали картины. Средневековые произведения искусства, изображавшие сцены, которые считались более важными, занимали заметные центральные места в церкви или алтарной части, в то время как менее значимые сцены расходились в стороны.

Эти образцы средневекового искусства можно условно разделить на фрески, панно, иллюминированные рукописи и иконопись.

Хотя произведения средневекового искусства в первую очередь выполняли религиозную функцию, в живописи Средневековья все чаще появлялись светские сюжеты. В эпоху Средневековья изобразительное искусство пережило переходный период, поскольку цели художников претерпели радикальные изменения.

Средневековые художники

Средневековые фрески в монастыре Земен в Болгарии; Bollweevil, CC0, via Wikimedia Commons

Средневековые художники отошли от жестких формул романской живописи в сторону более реалистичного изображения мира и стремления достичь трехмерного эффекта в живописи. Появление в средневековой живописи нерелигиозных сюжетов и светских деталей позволило художникам выразить разнообразные эмоции и более реалистично изобразить современную жизнь.

Кроме того, в средневековой живописи было распространено декоративное искусство.

Религиозные картины часто украшались золотыми фонами, на которых с помощью нагретых инструментов иногда отпечатывались замысловатые узоры. Средневековые художники добивались элегантного дизайна в своих работах, изгибая драпировки и изображая покачивание и движение человеческого тела. Тела больше не изображались жесткими и плоскими; иллюзия движения и текучести становилась обычной практикой.

Период средневекового искусства по-прежнему является предметом пристального внимания коллекционеров и ученых, поскольку большое количество произведений средневекового искусства, созданных в этот период, признано исторически значимым. Средневековые художники и их картины продемонстрировали технический прогресс и обширные достижения этого периода, которые стали основой для развития последующего западного искусства.

Золотые средневековые картины

Эпитафия Николаусу Линднеру (ок. 1511), автор — Аноним; Национальный музей в Варшаве, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Наш топ-10 самых известных средневековых картин, которые только существуют

Период средневекового искусства длился более 1000 лет и включал в себя разнообразные художественные направления. Многие известные образцы средневекового искусства выделяются на фоне огромного разнообразия произведений искусства, созданных в этот период. Однако конкретные художники Средневековья и их картины были признаны выдающимися благодаря их мастерской технике и вкладу в развитие искусства.

Вот наша подборка 10 самых известных картин средневековых художников.

Христос Пантократор (Синай) (ок. 500 — 600)

Художник Неизвестный
Дата написания c. 500 — 600
Средство Энкаустика и золото на дереве
Размеры 84 см x 45,5 см
Где в настоящее время хранится Монастырь Святой Екатерины, Синай, Египет

Хотя о «Христе Пантократоре» (Синай) известно очень мало, эта средневековая картина признана одной из старейших религиозных икон в византийском стиле. Художник остается неизвестным, но «Христос Пантократор», в переводе означающий «Христос Спаситель», датируется 6 веком. На картине Христос изображен с поднятой правой рукой, что означает его дар благословения, а в левой руке он держит книгу Евангелия, украшенную драгоценными камнями в форме креста.

Картина намеренно асимметрична, так как символизирует двойственность Христа. Золотой нимб, обрамляющий голову Христа, делает это еще более очевидным. Если посмотреть на изображение лица Христа, то на той стороне, где Христос держит Евангелие (правая сторона картины), черты лица Христа изображены суровыми и жесткими.

Эта сторона была написана с большей глубиной и тенью, иллюстрируя более трехмерное изображение Христа с чувством реализма. Этот реализм отражал человеческую природу Христа.

Древнейшая известная икона Христа Пантократора, энкаустическая икона VI века из монастыря Святой Екатерины, гора Синай; Неизвестный художник Неизвестный художник, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Напротив, на стороне, где правая рука Христа поднята вверх (левая сторона картины), лицо Христа изображено более безмятежным и спокойным, что свидетельствует о его божественности. Кроме того, оно изображено с большим количеством света и мягкости, и оно уплощено, чтобы проиллюстрировать двухмерное изображение. Отсутствие реализма подчеркивает одухотворение Христа и Его роль спасителя.

Эта икона представляет собой важное произведение искусства, являясь самым ранним известным произведением в стиле Пантократор и одной из немногих, переживших византийское иконоборчество. Великолепие картины заключается в том, как она органично объединяет две половины лика Христа, изображая воплощенного Христа как единство человеческой и божественной природы.

Плач (Оплакивание Христа) (1306) Джотто ди Бондоне

Художник Джотто ди Бондоне
Дата написания 1306
Средство Фреска
Размеры 200 см x 185 см
Где в настоящее время хранится Капелла Скровеньи, Падуя, Италия

Джотто ди Бондоне считается одним из важнейших предтеч эпохи Возрождения. Джотто был влиятельным итальянским художником эпохи позднего Средневековья, которую часто называют проторенессансом. Ламентация (Оплакивание Христа) признана одной из его самых выдающихся работ из фресок, написанных им для капеллы Арена в Падуе.

Картина Джотто «Оплакивание» («Оплакивание Христа») является частью серии фресок, используемых для изображения Жизни Христа и Жизни Богородицы в капелле Скровеньи. На картине изображен момент после распятия Христа, когда за его безжизненным телом ухаживают родственники и ученики в ореолах. В центре внимания — Мария, которая прижимает к себе голову Христа, а Мария Магдалина скорбит у его ног.

Джотто сумел оживить свои фигуры и передать их чувства через мелкие детали рук и ног.

Знаменитые произведения средневекового искусства

Сцены из жизни Христа: 20. Плач (Оплакивание Христа) Джотто ди Бондоне, 1306; Джотто, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Картина Тассерта "Проклятая женщина" - исследование "Проклятой женщины"

Кроме того, их склоненные головы и открытые рты передают глубокое чувство скорби и печали. Их жесты выражают сочувствие и сокрушение по поводу страданий Христа. Не только человеческие фигуры Джотто изобразил с чувством эмоционального реализма, но и ракурсные изображения скорбящих ангелов и использование диагональных линий для горного хребта привнесли в композицию чувство физического реализма.

Джотто решительно порвал с византийским стилем и ввел новаторскую технику точного рисования с натуры и по натуре. Он отошел от двухмерных условностей и обеспечил глубину и натурализацию фигур. Он сосредоточился на качестве реальности в искусстве, наблюдая за людьми и воспроизводя их жесты, выражения и движения в своем творчестве.

Прогрессивное искусство Джотто способствовало развитию натурализма, который впоследствии стал важной чертой скульптуры и живописи эпохи Возрождения.

Маэста (ок. 1308 — 1311 гг.) Дуччо ди Буонинсегна

Художник Дуччо ди Буонинсегна
Дата написания c. 1308 — 1311
Средство Темпера и золото на дереве
Размеры 370 см x 450 см
Где в настоящее время хранится Museo dell’Opera Metropolitana del Duomo, Сиена, Италия

Дуччо ди Буонинсенья, основатель сиенской школы живописи, был одним из величайших итальянских художников средневекового периода. Картина «Маэста» признана величайшей из всех его работ. Название «Маэста» означает «Дева Мария в величии», и эта картина была частью полиптиха, то есть частью алтарного образа, состоящего из множества деревянных панелей.

На передней панели изображены Мадонна и Младенец, сидящие на троне, в окружении святых и ангелов.

Дева Мария одета в одежду насыщенного синего цвета, а драпировка за ней расшита золотом, Дуччо использовал изысканные цвета в своих панелях. В картине было много декоративных поверхностей, что очень характерно для сиенского стиля. Дуччо написал Маэсту с чувством деликатности и тонкости, это видно по одежде, в которую был запеленут Христос, и прозрачности вокруг его ноги, как модуляция света и тени.

Дуччо создал ощущение массы и объема, что видно по левой руке Христа, тянущей драпировку к себе, со складками, заложенными в драпировке. Трехмерность картины начинает проявляться в моделировке подбородка и шеи Христа. Соответственно, крылья ангела написаны в скрученной манере, чтобы еще больше подчеркнуть ощущение объема, а не казаться плоскими.

Знаменитые образцы средневекового искусства

Центральная панель «Маэста» (1308-1311 гг.) работы Дуччо ди Буонинсегна. Museo dell’Opera metropolitana del Duomo, Италия; Дуччо ди Буонинсегна, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В Маэсте фигуры святых и ангелов выполнены почти в натуральную величину. Важно отметить относительный размер Девы Марии, она является самой крупной фигурой на картине. Это объясняется тем, что Мария играла первостепенную роль посредника между Богом и человечеством, поскольку к ней обращались обычные люди, чтобы получить доступ к Богу.

Средневековые произведения искусства, созданные Дуччо, объединили формализованную итало-византийскую традицию с концепцией духовности готического стиля. Этот сплав привнес в его картины мощную духовную тяжесть и лирическую выразительность.

Дуччо неуклонно и сознательно шел к созданию ощущения массы и объема в своей живописи, что установило стилистический стандарт, повлиявший на последующих художников.

Мадонна Огниссанти (ок. 1310 г.) Джотто ди Бондоне

Художник Джотто ди Бондоне
Дата написания c. 1310
Средство Темпера на панели
Размеры 325 см x 204 см
Где в настоящее время хранится Галерея Уффици, Флоренция, Италия

Другой картиной влиятельного художника Джотто ди Бондоне была его «Мадонна Огниссанти». На картине изображена Дева Мария с младенцем Христом, их окружают фигуры святых и ангелов. Изображение Девы Марии у Джотто было объемным и убедительно реалистичным, в отличие от плоских, линейных, концептуальных и нереалистичных изображений, которые были более характерны для византийского стиля в искусстве.

Несмотря на то, что это так, в картине все же присутствовали некоторые элементы, которые соответствовали традиционным методам того времени, такие как золотой фон и иерархическое расположение фигур. Однако Джотто смог создать кажущуюся измеримую глубину в своих картинах с помощью перспективы и освещения.

Джотто рисовал натурализованные фигуры, которые выглядели более человечными. В предыдущие эпохи анатомия фигур под одеждой не была детализирована, тогда как Джотто позаботился о том, чтобы тонко передать грудь и колени Мадонны через ее одежду, а тело Христа через мантию, в которую он был задрапирован, что создало ощущение анатомического реализма.

Знаменитые картины Средневековья

Мадонна на троне (Огниссанти Мадонна) (ок. 1300-1305) Джотто ди Бондоне; Джотто, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Джотто использовал архитектурную перспективу для изображения трона и живописного пространства, которое соответствовало реальности, где фигуры вокруг Мадонны были меньше и подчинялись пространственным правилам сцены. Приподнятое положение Мадонны и Младенца символизировало их духовное возвышение. Однако оно стало более реалистичным благодаря трону, на котором они сидели, и ступеням, ведущим к нему. Поднятая рука Христа стала фокусной точкой картины, а окружающие фигуры, смотрящие на него, побуждают сосредоточиться на нем.

Хотя Мадонна по-прежнему возвышалась как Царица Небесная, что было типичным средневековым изображением, Джотто включил ступени, ведущие к ее трону, сделав ее более доступной. Это создает иллюзию, что она была частью мира зрителей.

Это соответствовало натурализму, который вскоре станет важной чертой живописи эпохи Возрождения.

Благовещение со святой Маргаритой и святым Ансаном (1333) Симоне Мартини и Липпо Мемми

Художник Симоне Мартини и Липпо Мемми
Дата написания 1333
Средство Темпера и золото на панели
Размеры 305 см x 265 см
Где в настоящее время хранится Галерея Уффици, Флоренция, Италия

Симоне Мартини и Липпо Мемми были средневековыми художниками из Италии, принявшими готический стиль в своем творчестве. Их картина «Благовещение со святой Маргаритой и святым Ансаном» представляла собой деревянный триптих, написанный темперой и золотом. Она считается одной из самых выдающихся готических картин и была признана шедевром Мартини. Триптих был написан в качестве бокового алтаря для Сиенского собора.

На центральной панели картины изображено Благовещение, где архангел Гавриил, несущий оливковую ветвь, преклонил колени перед сидящей Девой Марией и сообщил ей, что она скоро родит Богомладенца. Гавриил изображен с оливковой ветвью, которая традиционно считается символом мира. Ваза, стоявшая на полу между Гавриилом и Марией, была символом чистоты. Над ней, в центральной арке, находилась группа ангелов, крылья которых переплелись, где голубь Святого Духа спустился с небес.

Латинские слова, переводимые как «Радуйся, Мария, полная благодати, Господь с тобой», были выбиты золотом и простирались от уст ангела в сторону Марии.

Мартини детально проработал крылья ангелов и кресло, в котором сидела Мария, что придало картине ощущение элегантной и точной утонченности. По обе стороны от центральной панели два святых покровителя собора были разделены двумя декоративными извилистыми колоннами.

Средневековые картины на панелях

Благовещение и два святых (1333) Симоне Мартини и Липпо Мемми; Симоне Мартини, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Центральная панель Мартини демонстрирует его новаторское использование линейной работы в сочетании с чувством человеческой экспрессии и движения. Благодаря расположению платья ангела оно развевается позади него, как будто он недавно приземлился, а Мария изображена в позе, которая кажется весьма реактивной и эмоциональной, как будто она оторвалась от чтения и не верит небесному посланнику.

Хотя значительное использование золота и сюжет картины отражали традиционный византийский стиль, линеарные работы были характерны для готического стиля.

Кроме того, использование реалистичных элементов, таких как ваза, книга, трон, мостовая в перспективе, реалистичное изображение двух фигур и тонкие нюансы их характеров — все это способствовало значительному отрыву от типичного византийского стиля. Это изображение Благовещения со святой Маргаритой и святым Ансаном было уникальным для своего времени.

  Кацусика Хокусай - жизнь и творчество знаменитого японского художника

Аллегория хорошего и плохого правления (ок. 1338 — 1339 гг.) Амброджо Лоренцетти

Художник Амброджо Лоренцетти
Дата написания c. 1338 — 1339
Средство Фреска
Размеры 770 см x 1440
Где в настоящее время хранится Палаццо Пубблико, Сиена, Италия

Амброджо Лоренцетти написал «Аллегорию хорошего и плохого правления» в виде серии из трех фресок в Палаццо Пубблико в Сиене, Италия. Фрески состояли из шести различных сцен: Аллегория хорошего правительства; Аллегория плохого правительства; Последствия плохого правительства в городе; Последствия хорошего правительства в городе; Последствия плохого правительства в стране; и Последствия хорошего правительства в стране.

Эта картина считается шедевром Лоренцетти.

Детали средневековых произведений искусства

ВВЕРХУ: Аллегория плохого правительства (ок. 1338-1339) Амброджо Лоренцетти; Амброджо Лоренцетти, общественное достояние, через Wikimedia Commons | НИЖНИЙ: Аллегория хорошего правительства (ок. 1338-1339) Амброджо Лоренцетти; Амброджо Лоренцетти, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Совет девяти (городской совет) заказал эту серию полностью, это было признано как вид политического послания для членов Совета, чтобы уменьшить злоупотребления и коррупцию. Фрески представляли собой светские изображения символических фигур добродетели, рассказывающие о том, как управлялась республика.

Эти картины продемонстрировали эволюцию тематики по сравнению с более ранним искусством, которое было преимущественно религиозным.

Фрески демонстрировали живописное различие между гармонией и процветанием честного правления и разрухой и упадком, возникающими в результате тирании. Лоренцетти изобразил преимущества хорошего правления в виде «хорошего города», в котором выступали танцоры и торговцы, а вокруг города путешественники и крестьяне вели свои дела в гармонии.

Детали средневековых произведений искусства

ТОП: Эффекты хорошего правительства в городе (ок. 1338-1339) Амброджо Лоренцетти; Амброджо Лоренцетти, общественное достояние, через Wikimedia Commons | НИЖНИЙ: Эффекты хорошего правительства в сельской местности (ок. 1338-1339) Амброджо Лоренцетти; Амброджо Лоренцетти, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В то время как его изображение последствий плохого правительства было представлено «плохим городом», который приходил в упадок, имел тесный вид, а уличная преступность была отчетливо видна. Окружающая город сельская местность была отмечена горящими фермами, болезнями и обширной засухой.

Картины Лоренцетти демонстрировали его художественный модернизм, что видно по его моделировке фигур и их лиц. Кроме того, картины Лоренцетти изображали реалистичные архитектурные ракурсы, а использование примитивной перспективы позволяло зрителям воспринимать телесность его картин.

Детали средневековой живописи

ТОП: Последствия плохого правления в городе (ок. 1338-1339) Амброджо Лоренцетти; Амброджо Лоренцетти, общественное достояние, через Wikimedia Commons | НИЖНИЙ: Последствия плохого правления в сельской местности (ок. 1338-1339) Амброджо Лоренцетти; общественное достояние, ссылка

Важно отметить, что «Аллегория хорошего и плохого правительства» Лоренцетти стала одним из первых заметных произведений искусства, изображающих политические светские деятели со времен классической античности. Говорят, что фрески Лоренцетти предвосхитили моралистические сцены, которые позже были созданы художниками Иеронимом Босхом в его «Саду земных наслаждений» и Питером Брейгелем в его «Нидерландских притчах».

Алтарь «Распятие» (ок. 1394 — 1399 гг.) Мельхиор Бродерлам

Художник Мельхиор Бродедерлам
Дата написания c. 1394 — 1399
Средство Темпера на панели
Размеры 167 см x 249 см
Где в настоящее время хранится Музей изящных искусств Дижона, Дижон, Франция

Мельхиор Бродерлам был одним из самых ранних фламандских живописцев. Его алтарный образ «Распятие» состоит из двух панелей. По заказу герцога Бургундского Бродерлам украсил внешнюю часть алтаря двумя расписными панелями для Шартрез де Шамполь. Алтарь «Распятие» Бродерлама признан очень известной картиной, созданной в эпоху Средневековья.

Алтарь «Распятие» иллюстрировал жизнь Христа: Благовещение, Посещение, Представление в храме и Бегство в Египет. Внутри алтарного образа история продолжается: Поклонение волхвов, Распятие Христа и, наконец, Погребение Христа.

Панно Бродерлама были признаны великолепными образцами готического стиля, поскольку они отличались насыщенными цветами, такими как золото, и натуралистическими деталями, такими как использование света и тени для создания глубины. Архитектура и фигуры были изображены элегантно и деликатно.

Расположение священных зданий, которые занимают две из четырех сцен, было весьма своеобразным. Бродедерлам изобразил оба здания открытыми для внешнего мира, как будто он пытался показать одновременно интерьер и экстерьер.

Это заметное противоречие было условностью, навеянной итальянскими картинами 14-го века.

Средневековые картины на панелях

СЛЕВА: Алтарь Филиппа Смелого, герцога Бургундского (Дижонский алтарь) (1398), Мельхиор Бродерлам; Мельхиор Бродерлам, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons | СПРАВА: Представление в храме, Бегство в Египет (1398), автор Мельхиор Бродэрлам; Melchior Broederlam, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

В алтарном образе «Распятие» живописные элементы были сбалансированы в каждой панели, и Бродедерлам расположил фигуры, пейзаж и архитектуру таким образом, чтобы создать визуальную гармонию. Более того, архитектурные сооружения на обеих панелях были размещены слева, а пейзаж — справа на каждой панели.

Соответственно, скалистые ландшафты достигали вершины обеих панелей, а в прямоугольном выступе каждой панели пространство заполнял ангел. Эти элементы были связаны воедино благодаря использованию Бродедерламом голубого, розового и красного цветов, повторяющихся с каждой стороны, что побуждает переводить взгляд с одной сцены на другую. Таким образом, Бродедерлам умело создал ощущение непрерывности отдельных событий.

Влияние итальянских коллег Бродедерлама из XIV века было очевидно в его пейзажных изображениях.

Он казался непропорциональным по отношению к окружающим зданиям и фигурам. Это было похоже на то, что можно было найти в сиенской школе живописи. Очевидно, что фламандские художники познакомились со своими итальянскими коллегами в начале 14 века. Эти встречи создали международный стиль, основанный на искусстве Италии, который вскоре можно было встретить в Праге, Дижоне или Кельне.

Вильтонский диптих (ок. 1395 — 1399)

Художник Неизвестный
Дата написания c. 1395 — 1399
Средство Темпера на панели
Размеры 53 см x 37 см
Где в настоящее время хранится Национальная галерея, Лондон, Англия

Художник, написавший Уилтонский диптих, остался неизвестным, но эта весьма почитаемая картина считается редким шедевром. Картина, выполненная из дуба, представляла собой переносной алтарь, который был изготовлен для короля Англии Ричарда II. Она использовалась как набожная вещь, помогающая молиться.

В картине сочетались светские и религиозные образы.

В раскрытом виде панно изображало короля, стоящего на коленях перед небесной сценой. Король Ричард II был представлен святыми покровителями Англии Эдмундом и Эдуардом Исповедниками, Иоанном Крестителем, Девой Марией, держащей на руках Младенца Христа, которые были окружены одиннадцатью крылатыми ангелами. Число одиннадцать имело значение, поскольку Ричард II стал королем Англии, когда ему исполнилось одиннадцать лет.

Руки короля были поданы, чтобы либо отдать, либо принять штандарт Святого Георгия с красным крестом. Рука Христа была поднята, чтобы благословить штандарт, а также правление короля Ричарда II, как будто король получил божественное право на правление от Девы Марии и Христа-младенца.

Средневековые художники и их картины

Уилтонский диптих (между ок. 1395 и ок. 1399 гг.) работы неизвестного английского или французского художника; Национальная галерея, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Уилтонский диптих был написан в стиле международной готики. Изысканная детализация картины исключительна. Изображение мелких фигур с тонкими чертами лица и одеяний, которые они носили, ниспадающих мягкими складками, выполнено очень искусно.

Картина великолепно украшена и насыщена золотыми и ультрамариново-синими цветами.

Изображение изобилует символизмом, например, штандарт святого Георгия, значки с белыми чертями, которые носил король, и ангелы являются символом королевского знака, а розмарин в цветах символизирует первую жену короля Анну Богемскую.

  Тициан Тициано Вечеллио - биография знаменитого художника эпохи Возрождения

Уилтонский диптих столь значителен не только из-за богатства красок, или тщательно выполненной позолоты, или необычайной детализации; это очень редкая английская панельная живопись. Этот небольшой алтарный образ является одним из немногих английских панно, сохранившихся со времен Средневековья.

Троица» (ок. 1411 — 1427) Андрея Рублева

Художник Андрей Рублев
Дата написания c. 1411 — 1427
Средство Темпера на дереве
Размеры 142 см x 114 см
Где в настоящее время хранится Третьяковская галерея, Москва, Россия

Андрей Рублев был русским художником, и его самая известная работа, «Троица», была написана где-то между 1411 и 1427 годами. Разные ученые предлагают разные даты, но официально считается, что она была написана либо в 1411 году, либо в 1425-1427 годах. Икона была заказана для Троице-Сергиева монастыря в честь преподобного Сергия Радонежского. На картине изображены три ангела, сидящие за столом, в центре которого находится потир.

На картине Рублева изображены ангелы, которые возвестили Аврааму и его жене Сарре, что у них будет сын. Более конкретно, три ангела представляли Троицу, как единство Бога Отца, Сына и Святого Духа. Хотя Бог не представлен в «Троице», картина все же способна продемонстрировать идеальное выражение Бога.

Три фигуры намеренно имеют одинаковые черты, поскольку Троица едина. Отсюда вытекает убеждение, что Бог един, но в трех лицах.

Средневековые произведения искусства

Святая Троица (Троица) (1425-1427), Андрей Рублев; Андрей Рублев, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картина богата символизмом. На единство Троицы указывают голубые одежды, в которые одеты все ангелы. Картина передает жестами и взглядами, что все трое участвуют в священной беседе и окружают чашу, символизирующую жертву Христа. Расположение ангелов, плавные линии и изображение одежд ангелов — все это способствовало созданию визуального круга, символизирующего их единство. Круговая композиция создает ощущение неподвижного созерцания.

Что касается русских икон, то «Троица» признана самой известной интерпретацией. Икона Рублева была объявлена образцом для всех русских православных икон. Картина считается одним из величайших достижений русского искусства периода позднего Средневековья.

Поклонение волхвов (1423) Джентиле да Фабриано

Художник Джентиле да Фабриано
Дата написания 1423
Средство Темпера на дереве
Размеры 300 см x 282 см
Где в настоящее время хранится Галерея Уффици, Флоренция, Италия

Картина Джентиле да Фабриано «Поклонение волхвов» признана его лучшим произведением. Алтарный образ был заказан Паллой Строцци для семейной капеллы церкви Санта-Тринита. На картине «Поклонение волхвов» изображено путешествие волхвов в различных сценах. Сцены начинаются в левом верхнем углу, где изображено путешествие и вход в Вифлеем.

Сцены продолжаются по часовой стрелке, в самой нижней части картины изображена встреча волхвов с Девой Марией и новорожденным младенцем Христом.

Картины Средневековья

Алтарь «Поклонение волхвов» (1423), Джентиле да Фабриано; Джентиле да Фабриано, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Яркие цвета на картине завораживают, что объясняется различными способами нанесения сусального золота и использованием драгоценных пигментов. Использование ярких цветов, замысловатых украшений и пышных костюмов было доминирующим в стиле международной готики. Кульминацией творчества Фабриано стал международный готический стиль конца 14-го — начала 15-го веков. Внимание Фабриано к деталям проявилось в изображении экзотических животных, таких как леопард, обезьяны, лев и великолепные лошади.

Хотя архитектурная рама картины была построена для триптиха, Фабриано отказался от традиционного разделения композиции картины. Вместо этого Фабриано распределил повествование по панелям.

Деталь средневекового произведения искусства

Деталь из алтарного образа «Поклонение волхвов» Джентиле да Фабриано (1423); Джентиле да Фабриано, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Композиция картины сочетала в себе великолепие готических деталей с натурализмом. Например, расположение некоторых животных способствовало созданию иллюзии глубины, например, разные углы некоторых лошадей на переднем плане и ракурсы других. Эти черты физического реализма намекали на линейную перспективу и натурализм, которые позже доминировали в эпоху Возрождения.

Сама рама была признана произведением искусства, о чем свидетельствуют три уступа в верхней части панелей с тондо. Это круглые произведения искусства, на которых изображены Христос Благословляющий в центре и Благовещение с архангелом Гавриилом с левой стороны и Мадонной с правой стороны.

Знаменитые средневековые картины

Деталь из алтарного образа «Поклонение волхвов» Джентиле да Фабриано (1423); Джентиле да Фабриано, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Под панелями в пределе находятся три картины, изображающие сцены из детства Христа. Среди них Рождество Христово, Бегство в Египет и Сретение в Храме. Поклонение волхвов» Фабриано — первый алтарный образ, в котором панель и рама были выполнены как две отдельные части, полностью независимая и самоподдерживающаяся рама, она была первой в своем роде.

Картины средневекового периода сохраняют свой вес и по сей день и остаются влиятельными произведениями искусства. Многие картины этого периода послужили источником вдохновения для создания великих произведений искусства в последующие годы. Хотя мы рассмотрели только 10 известных средневековых картин, важно признать, что средневековое искусство очень разнообразно, и существует множество великих произведений, не входящих в наш список. Если вам понравилось знакомиться с этими изысканными картинами, мы советуем вам продолжить знакомство с ними, так как на нашем сайте есть много тем, посвященных искусству.

Часто задаваемые вопросы

Каковы различные типы средневековых картин?

Различные виды средневековой живописи можно условно разделить на фрески, панно и иконопись. Примеры средневекового искусства включают большое количество фресковых росписей, в которых использовался метод настенной живописи, которая выполнялась на влажной известковой штукатурке. Большинство фресковых росписей было создано для интерьеров церквей. Панельные росписи выполнялись на плоских, часто деревянных панелях. Они преимущественно присутствовали в религиозных помещениях, а именно в церковных алтарях, изображая религиозные сюжеты. Эти набожные панно были либо диптихами из двух панелей, либо триптихами из трех панелей, либо полиптихами из нескольких панелей. Наконец, иконопись была важным видом средневековой живописи и включала в себя изображение святых фигур, библейских повествований и религиозных концепций.

Каковы некоторые общие характеристики средневекового искусства?

Картины Средневековья довольно сильно различались по стилю, но их объединяло несколько общих факторов. Эти общие характеристики включали в себя важность изображения христианской тематики, а также использование иконографии для изображения религиозной символики и образов в средневековых произведениях искусства. Средневековые художники включали в свои картины сложные украшения и замысловатые узоры. Для нанесения узоров на фон картин использовался процесс, называемый «резцом», который часто был золотым. Когда речь заходит о знаменитых картинах Средневековья, мы часто видим, что художники использовали яркие цвета, такие как насыщенный ультрамариновый синий, который получался в результате измельчения в порошок лазурита, полудрагоценного камня. В картинах Средневековья часто использовались драгоценные камни и металлы.

Каким был стиль средневекового периода искусства?

Средневековый период искусства охватывал различные художественные направления и стили. К основным художественным направлениям относятся раннехристианское, византийское, романское и готическое. Образцы средневекового искусства, созданные в 13-15 веках, были преимущественно выполнены в готическом стиле. Это время считалось переходным периодом в изобразительном искусстве. Средневековые художники и их картины отошли от жестких формул романской живописи, на которую в значительной степени повлиял византийский стиль, в сторону более реалистичного изображения мира и стремления к трехмерности.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий

Adblock
detector