От самых ранних простых исторических скульптур, найденных в археологических раскопках, до самых известных скульптур в искусстве, все они имеют одну общую черту — независимо от того, где вы их обнаружите, они всегда занимают то же физическое пространство, что и вы. Знаменитые художественные статуи предназначены для круглого восприятия, заставляя вас менять точку зрения по мере взаимодействия с ними, а не смотреть на картину с более или менее фиксированной позиции. Знаменитые скульпторы с незапамятных времен исследовали взаимодействие между наблюдателем, местом и физическими объектами с помощью множества методов.
Оглавление
Введение в художественную скульптуру
Скульптурное искусство, такое как знаменитые работы Микеланджело, возможно, наиболее известно публике, но исторические скульптуры в искусстве уходят далеко вглубь человеческой истории. На протяжении тысячелетий скульптурное искусство было очень популярным. Опыт, необходимый для создания достойной художественной скульптуры, поражает воображение, и на создание одного произведения у знаменитых скульпторов уходят годы. Исторические скульптуры имеют значительно более высокую вероятность выживания, чем картины или рисунки, поскольку они в основном построены из камня. Это говорит о том, что в истории искусства до сих пор сохранились остатки древних скульптур, созданных почти 30 000 лет назад!
Самые известные в мире скульптуры стали важным компонентом наших знаний о древних обществах, и для этих знаменитых скульпторов они были способом продемонстрировать свой талант, а также напоминанием о конкретных событиях или людях.
Самые знаменитые скульптуры в истории искусства
Знаменитые скульпторы на протяжении всей истории создавали скульптуры из камня, металла, дерева, а также других материалов, придавая им необычные формы путем манипулирования объектами в трех измерениях. С самого начала времен художественная скульптура была важнейшим средством постижения общества и культуры, будь то в виде знаменитых статуй известных личностей или метафорических изображений моральных понятий. Хотя комментировать все обнаруженные исторические скульптуры было бы непосильной задачей, мы собрали список некоторых наиболее известных художественных статуй.
Венера Виллендорфская (ок. 25 000 лет до н.э.) Неизвестный
| Скульптор | Неизвестный (ок. 25 000 до н.э.) |
| Дата создания | c. 25 000 ДО Н.Э. |
| Материал | Известняк, красная охра |
| Текущее местонахождение | Натурно-исторический музей |
Эта маленькая фигурка, найденная в начале 20-го века, была названа Венерой Виллендорфской задним числом, исходя из предположения, что она предназначалась для скульптурного искусства плодородия. Хотя эта теория поддерживается уже много лет, археологи, историки и другие специалисты в этой области до сих пор не уверены в ее изображении, функции или даже происхождении, что делает эту древнюю художественную скульптуру одной из самых загадочных в истории. Она была создана около 25 000 лет до нашей эры, что делает ее одним из самых ранних известных произведений искусства на планете.
Фигурка, высеченная из известняка и искусно подкрашенная красной охрой, изображает обнаженную женщину.
Фигурка Венеры Виллендорфской, вид со всех четырех сторон; Bjørn Christian Tørrissen, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Несмотря на отсутствие лица, крышка головы статуи украшена повторяющимся рисунком, напоминающим то ли заплетенную прическу, то ли замысловатый головной убор. Более интригующим, чем выбор скульптора сохранить фигуру анонимной, является то, как он или она решили показать ее тело — то есть, искажая размеры и подчеркивая черты, связанные с деторождением и способностью к деторождению.
Многие ученые определили, что скульптура должна была представлять собой скульптуру плодородия, или «фигурку Венеры», из-за большой груди, изогнутого живота и извилистых бедер.
Фигурка Венеры — это миниатюрная скульптура женской формы, которая была сделана в эпоху верхнего палеолита. Хотя происхождение скульптур неизвестно, большинство ученых предполагают, что они имели ритуальную функцию и, предположительно, прославляли понятия, связанные с плодородием, такие как женственность, божества и чувственность. На сегодняшний день в Азии и Европе обнаружено около 144 репродуктивных скульптур.
Хотя не все эти статуэтки обладают чувственными характеристиками Венеры Виллендорфской, большинство из них таковы. Это результат того, что в эпоху каменного века способность женщины к деторождению была неразрывно связана с ее внешностью, что делало женщину с хорошими пропорциями идеальным объектом для скульптора, занимающегося вопросами плодородия.
Бюст Нефертити (1345 г. до н.э.) работы Неизвестного
| Скульптор | Тхутмос (ок. 14 века до н.э.) |
| Дата создания | c. 1345 Г. ДО Н.Э. |
| Материал | Известняк, лепнина |
| Текущее местонахождение | Нойес музей; Берлин |
Бюст Нефертити, скорее всего, был высечен около 1340 года до нашей эры, в период наивысшего расцвета власти Ахенатена. Он весит 44 фунта и выполнен в натуральную величину, будучи вырезанным из одной плиты известняка. В древнеегипетской цивилизации понятие царского портрета не было чем-то необычным. Они в изобилии встречаются во всех дворцах Египта.
Изображение монарха — вот что отличает это изображение. В то время как мы привыкли видеть блочные, значительные колоссальные изображения египетского фараона, бюст Нефертити довольно своеобразен.
Голова не только высечена с изящно изогнутыми щеками, мощным подбородком и заостренным носом, но и каменная сердцевина была покрыта гипсом перед окраской. В итоге получилось очень реалистичное изображение царицы. Бюст Нефертити украшен золотисто-коричневым цветом лица, пунцовыми губами, разноцветными драгоценностями и головным убором.
Бюст Нефертити, 1352-1332 гг. до н.э.; Филип Пикарт, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Глаза украшены кристаллами, а один глаз сделан из черного воска. Другая радужная оболочка так и не была завершена. Так кто же создал это произведение искусства? Самая большая подсказка исходит из места, где была обнаружена фигура. Изображение Нефертити было найдено в студии, а не в мавзолее или храме.
Очевидно, оно находилось в мастерской Тутмоса, уполномоченного царского скульптора и любимого мастера Ахенатена.
Тот факт, что эта фигура была обнаружена в мастерской Тутмоса в Амарне, указывает на то, что она, скорее всего, была моделью. Скорее всего, Тхутмос сделал ее в качестве наглядного пособия, чтобы иметь при себе изображение царицы при рисовании дополнительных царских и потенциально колоссальных портретов.
Лаокоон и его сыновья (ок. 2 в. до н.э.)
| Скульптор | Агесандр Родосский (ок. II в. до н. э.) |
| Дата создания | (ок. II века до н. э.) |
| Материал | Мрамор |
| Текущее местонахождение | Музеи Ватикана, город Ватикан |
Это скульптурное произведение искусства, как говорят, ранее украшало резиденцию римского императора Тита, но на многие поколения было предано забвению. Его внешний вид был лишь едва различим по экстравагантной похвале, которую воздал ему древний философ Плиний Старший в своем сборнике сведений «Естественная история».
Плиний описывает это произведение искусства как «вырезанное из одной плиты, как главное изображение, так и молодых людей и змей с их удивительными витками», и называет его «творением, которое можно считать превосходящим все другие произведения искусства бронзовой скульптуры».
Из высказываний Плиния неясно и до сих пор вызывает споры, была ли статуя, которую он видел, подлинным произведением или копией, как утверждают некоторые, давно утраченной классики.
Лаокоон и его сыновья (ок. II века до н.э.), автор Хагесандрос, Афинедорос и Полидорос; Музеи Ватикана, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons
Мы понимаем, что восторженные отзывы Плиния об этом произведении искусства все еще звучали в воображении людей, которые обнаружили его спрятанным в поле в феврале 1506 года. Когда папа Юлий II узнал, что обнаружена сокровищница исторических скульптур, он приказал команде специалистов проследить за их извлечением.
Молодой скульптор Микеланджело, который только что создал смелый и широко разрекламированный памятник Давиду во Флоренции, а также любимый архитектор Лоренцо де Медичи Джулиано да Сангалло присутствовали при кропотливых раскопках. Присутствовал и Франческо, маленький сын Джулиано. В будущем он стал известным художником.
Произведение искусства также оказало неизгладимое влияние на творчество Микеланджело, о чем свидетельствует влияние на знаменитые работы Микеланджело.
Нике Самофракийская (ок. 190 г. до н.э.) Неизвестный
| Скульптор | Неизвестный (ок. 190 г. до н.э.) |
| Дата создания | c. 190 Г. ДО Н.Э. |
| Материал | Парианский мрамор |
| Текущее местонахождение | Музей Лувра, Париж |
Самофракийская Ника, несомненно, является одним из самых известных шедевров эллинистического скульптурного искусства. Воплощение крылатого триумфа представлено в скульптуре из бледного парийского мрамора. Поскольку лицо и обе конечности богини исчезли, скульптура высотой 2,7 метра теперь производит еще больший эффект. Мастерское изображение струящейся драпировки ее складчатой туники создает ощущение, что Нике вот-вот сорвется с небес в разгар бури. Ткань ее туники прижата к туловищу, как будто влажная от сырости, но некоторые драпировки колышутся у нее за спиной пышными локонами.
По бедрам и под грудью божество носит корсет, над которым эффектно драпируются морщины. В IV веке до н. э. такой способ удвоения женского одеяния был обычным.
Крылатая Ника из Самофракии (ок. 190 г. до н.э.); Музей Лувра, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поверх туники она накинула плащ, который скрывает ее правую ногу и прижимается к туловищу под действием фиктивной силы океанского бриза. Пернатые крылья божества расправлены, словно в движении. Скульптура была спроектирована так, чтобы ее можно было оценить в трехчетвертной перспективе с левой стороны. Это особенно заметно на правой стороне торса, которая, как и задняя сторона произведения искусства, прорисована значительно менее детально.
По сравнению с ярким расположением и изысканной проработкой деталей на левой стороне скульптуры, расположение на правой стороне довольно простое. Основание из сероватого мрамора показывает, что скульптура была создана не только как дань уважения Nike, но и в память о морском триумфе.
Высота произведения искусства вместе с фундаментом и платформой, на которой оно стоит, составляет 5,5 метра.
Венера Милосская (ок. 130 г. до н. э.) работы Александроса Антиохийского
| Скульптор | Александрос Антиохийский (ок. II века до н. э.) |
| Дата создания | C. 130 Г. ДО Н.Э. |
| Материал | Мрамор |
| Текущее местонахождение | Музей Лувра |
На греческом острове Милос была обнаружена Венера де Мило. Молодой крестьянин обнаружил ее в поле, спрятанную в стенной нише среди остатков древнего города. Мраморная скульптура была разделена на две части: верхнюю часть тела и задрапированные конечности. Рядом было найдено еще несколько скульптурных частей, в том числе вторая левая рука, хватающая яблоко, и гравированный цоколь, имеющий тесную связь со скульптором.
Считается, что она изображает Афродиту, традиционное греческое божество чувственной любви и грации.
По словам специалистов по реставрации, статуя была изваяна, по сути, из двух плит парийского мрамора и состоит из различных компонентов, которые были вырезаны по отдельности, а затем скреплены вертикальными штифтами. К сожалению, конечности статуи и оригинальный постамент отсутствуют с момента доставки скульптуры в Париж в 1820 году.
Вид спереди справа на Венеру Милосскую ; avocadogirlfriend из Сан-Диего, США, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Отчасти это было связано с проблемами классификации, поскольку, когда скульптура была впервые восстановлена, прилегающие части левой руки и кисти не были сочтены соответствующими ей из-за их общего «более грубого» вида. Несмотря на разницу в полировке, эксперты теперь уверены, что эти дополнительные части были частью первоначальной скульптуры, поскольку в то время было принято тратить меньше работы на менее заметные части статуи.
Поскольку рассматриваемая рука находится выше уровня глаз, она обычно незаметна для неподготовленного наблюдателя.
По оценкам специалистов по реставрации статуй, индивидуально вылепленная правая рука Венеры де Мило лежала поперек тела, а правая рука покоилась на приподнятом левом колене, сжимая ткань, задрапированную вокруг ног и бедер. Одновременно левая рука несла плод на уровне глаз. Эксперты спорили, смотрит ли божество на плод, который несет, или в горизонт.
Давид (ок. 1440 г.) работы Донателло
| Скульптор | Донателло (1386 — 1466) |
| Дата создания | c. 1440 |
| Материал | Бронза |
| Текущее местонахождение | Национальный музей Барджелло |
Палаццо Медичи был центром торговли и социального взаимодействия, с центральным двором, доступным с улицы, ведущей к главным воротам. Одна из самых изобретательных статуй раннего Возрождения, бронзовый «Давид» Донателло, возвышался на приподнятом фундаменте и был виден, когда главный вход в город был открыт для гостей. Это произведение воплощает новые тенденции в скульптуре раннего Возрождения в различных аспектах: это самая древняя из известных отдельно стоящих обнаженных статуй с античных времен. Кроме того, она сделана из бронзы — дорогостоящего материала, который не часто использовался для масштабных самостоятельных скульптур в средние века.
Темой этого памятника является Давид, наследник престола и главный герой Священного Писания, который в молодости убил великана Голиафа и освободил свой народ (евреев) от гнета филистимлян.
Бронзовая статуя Давида работы Донателло, ок. 1440; Донателло, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Подростковый возраст Давида очевиден в статуе Донателло: его обнаженное телосложение подростка поразительно контрастирует с густыми волосами на лице и мудростью Голиафа, чье безголовое тело лежит у его ног. Камень, который он сжимает в левой руке, подчеркивает слабость Давида, отражение того, что, хотя он и владеет мечом, он сбил своего гигантского антагониста с ног одной лишь рогаткой.
Мораль прозрачна: Давид победил не благодаря физической силе, а скорее благодаря Божьей благосклонности.
Хотя в Писании упоминается, что Давид решил не сражаться с Голиафом в доспехах, переданных ему отцом, там никогда не говорится о том, что он был раздет догола. Давид одет на всех предыдущих изображениях, а также на более древней мраморной фигуре, изваянной лично Донателло. Решение изобразить Давида полностью обнаженным, за исключением пастушьей шапочки, украшенной триумфальными венками, и богато украшенной обуви, было необычным.
Давид (1504) Микеланджело
| Скульптор | Микеланджело (1475 — 1564) |
| Дата создания | 1504 |
| Материал | Мрамор |
| Текущее местонахождение | Галерея Академии, Флоренция |
Первоначально Давид был заказан для Флорентийского собора как часть серии огромных скульптур, которые должны были быть размещены в углублениях трибун собора, на высоте почти 80 метров над землей. Представители совета поручили Микеланджело выполнить задание, начатое Агостино ди Дуччо в 1464 году. Оба художника в итоге отказались от массивного куска мрамора из-за наличия слишком большого количества дефектов, которые могли поставить под угрозу структуру столь массивного памятника.
В результате этот великолепный кусок мрамора оставался незамеченным в течение 25 лет, покоясь на территории ризницы.
В 1501 году Микеланджело было всего 26 лет, но он уже был, пожалуй, самой признанной и высокооплачиваемой фигурой своего времени. Он с нетерпением взялся за работу над скульптурой Давида большого размера и почти два года неустанно трудился над созданием одного из своих самых великолепных произведений из сияющего белого мрамора. Совет ризницы выбрал для памятника теологическую тему, но никто не ожидал столь радикального изображения легендарной фигуры.
Давид (1501-1504) Микеланджело; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Исторически сложилось так, что Давид был изображен ликующим после победы над убитым Голиафом. Флорентийские художники создали свое собственное изображение Давида, стоящего над расчлененным черепом Голиафа. Микеланджело же впервые изобразил Давида до начала конфликта. Микеланджело застал Давида на пике внимания.
Он сохраняет удобную, но внимательную позу, опираясь на традиционную позицию, известную как контрапост. Модель стоит с одной ногой, полностью поддерживаемой, а другая конечность вытянута, что заставляет бедра располагаться под противоположными углами, придавая всему телу статуи небольшую s-образную изогнутую форму. Рогатка, которую он несет на плечах, практически незаметна, что говорит о том, что победа Давида была достигнута скорее хитростью, чем грубой силой.
Он излучает огромную уверенность в себе и сосредоточенность — две черты, ассоциирующиеся с «мыслящим человеком», который считался вершиной совершенства в эпоху Возрождения.
Изнасилование Прозерпины (1622) Джан Лоренцо Бернини
| Скульптор | Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680) |
| Дата создания | 1622 |
| Материал | Мрамор |
| Текущее местонахождение | Галерея и музей Боргезе |
Эта мраморная скульптура, созданная в начале XVII века, является примером некоторых сильных сторон Бернини, в частности, его понимания физиологии и способности передавать движения и эмоции. Несмотря на то, что мастерство художника и сегодня высоко ценится, отвратительный исходный материал произведения наложил на него проблемную тень — несмотря на то, что оно является классическим образцом как эпохи барокко, так и мраморной статуи в целом.
В 1622 году Бернини закончил эту скульптуру. Несмотря на то, что в то время ему было всего 23 года, скульптор уже добился признания как восходящий художник.
В начале 1620-х годов он уже завоевал репутацию выдающегося скульптора, создав четыре шедевра. Скульптура выполнена из каррарского мрамора — камня, добываемого в Тоскане, который традиционно использовался древнеримскими архитекторами, а затем художниками маньеризма и Возрождения.
Изнасилование Прозерпины (1622), Джан Лоренцо Бернини; Буркхард Мюке, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Деликатность этого высококачественного мрамора благоприятствовала искусству Бернини, поскольку он получал удовольствие, придавая мрамору иллюзию кожи. Это увлечение превращением камня в кожу наиболее заметно в «Изнасиловании Прозерпины», работе, призванной изобразить эффектный захват (словосочетание «изнасилование» намекает на акт похищения). Как и многие другие ранние работы Бернини, она была заказана кардиналом Сципионе Боргезе, восторженным ценителем произведений искусства и верным сторонником Бернини.
После эпохи Высокого Возрождения возродился энтузиазм к воскрешению классического стиля живописи, включая темы под влиянием древнеримских и древнегреческих мифов.
Статуя Свободы (1886) Огюста Бартольди
| Скульптор | Огюст Бартольди (1834 — 1904) |
| Дата создания | 1886 |
| Материал | Медные листы |
| Текущее местонахождение | Остров Свободы, Нью-Йорк |
Статуя Свободы была совместной работой Франции и Соединенных Штатов в честь давних отношений двух стран. Памятник был построен французским художником Фредериком-Огюстом Бартольди из полос колотой меди. Затем Статуя Свободы была передана США и построена на крошечном острове в Верхней Нью-Йоркской бухте, на вершине американской проектной базы, и торжественно открыта в 1886 году президентом Гровером Кливлендом.
Памятник прочно стоял на протяжении десятилетий, когда волны иностранцев высаживались в США через соседний остров Эллис; в 1986 году его капитально отреставрировали в честь столетия со дня открытия. Когда в 1865 году закончилась Гражданская война в США, французский историк Эдуард де Лабуле предложил Франции изготовить памятник и подарить его Соединенным Штатам в честь достижения этой страны в создании устойчивого правительства.
Проект был поручен художнику Фредерику Огюсту Бартольди, известному своими грандиозными работами; цель заключалась в том, чтобы завершить монумент к столетию Декларации независимости в 1876 году.
Статуя Свободы; Алекс Лийвет из Честера, Великобритания, CC0, через Wikimedia Commons
Это начинание должно было стать совместным предприятием обеих наций — французы отвечали за памятник и его строительство, а Штаты возводили пьедестал, на котором он должен был возвышаться, — и эмблемой доброй воли их граждан. Строительство статуи началось только в 1875 году, поскольку необходимо было собрать средства для финансирования мемориала.
Бартольди выбивал огромные медные панели для создания «кожи» памятника, которая, как сообщалось, была сделана по образцу визави его матери (с использованием метода, известного как «repousse»).
Он обратился за помощью к Александру-Гюставу Эйфелю, создателю парижской Эйфелевой башни, чтобы разработать каркас, на котором будет построена оболочка. Эйфель в сотрудничестве с Эженом-Эммануэлем Виолле-ле-Дюком создал каркас из железных колонн и стали, который позволил медному покрытию свободно двигаться, что было необходимо для сильных порывов, с которыми она должна была столкнуться в выбранной гавани Нью-Йорка.
Мыслитель (1880) Огюст Роден
| Скульптор | Огюст Роден |
| Дата создания | 1880 |
| Материал | Бронза |
| Текущее местонахождение | Кунстхаус Цюрих |
Мыслитель» был частью огромного заказа, выполненного в 1880 году для «Врат ада», окружающих вход. Мыслитель» расположен в центре композиции, над входом, и по размерам немного превосходит большинство других скульптур. Некоторые ученые считают, что первоначально она должна была изображать Данте, размышляющего над своей знаменитой поэмой у ворот Ада.
Другие с этим не согласны, ссылаясь на то, что тело обнажено, хотя Данте полностью одет на протяжении всего прохода, и что тело скульптуры не соотносится с эфетной формой Данте. Роден задумал благородную форму в манере Микеланджело, чтобы передать интеллект, а также красоту, поэтому он обнажен. Он изображен наклонившимся, его локоть лежит на левой ноге, а подбородок опирается на боковую часть руки.
Отношение памятника говорит о напряженном размышлении и концентрации, и он часто используется в качестве символа для изображения философов.
Мыслитель (1880), Огюст Роден; Karora, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Роден создал эту статую как компонент своего проекта «Врата ада», который был заказан в 1880 году, но первая из знаменитых массивных бронзовых форм была завершена в 1904 году и в настоящее время выставлена в Музее Родена в Париже.
Скульптура была отлита в нескольких вариантах, и ее можно увидеть по всему миру, но хронология перехода от моделей к формам до сих пор неясна.
В галереях и общественных местах находится около 28 бронзовых отливок монументального размера. Есть и другие статуи различных учебных размеров, а также гипсовые копии (обычно из окрашенной бронзы) как в массивных, так и в учебных пропорциях. Некоторые более поздние отливки были сделаны уже после его смерти и не считаются частью первоначального творения.
Уникальные формы непрерывности в пространстве (1913) Умберто Боччони
| Скульптор | Умберто Боччони (1882 — 1916) |
| Дата создания | 1913 |
| Материал | Бронза |
| Текущее местонахождение | MoMA, Нью-Йорк |
Уникальные формы непрерывности в пространстве» включает в себя динамику скорости и силы в изображении шагающего человека. Она не изображает конкретного человека в определенный момент времени, а скорее объединяет акт движения в единое целое. Это было точное состояние для Боччони, значительного персонажа итальянского футуристического движения: тело в вечном движении, погруженное во время, связанное с действующими на него силами.
Боччони утверждал, что его мало интересуют традиционные или ренессансные скульптуры. «Любой, кто считает Италию нацией искусства, — это сексуальный извращенец, считающий кладбище очаровательным гротом», — заявил он в книге «Футуристская живопись-скульптура» (1914), написанной в стиле манифеста.
Он утверждал, что искусство должно «иметь тесную историческую связь с периодом, в который оно происходит»; скульптуры начала 20-го века, по его мнению, должны были отражать темпы и интенсивность быстрой урбанизации Италии.
Уникальные формы непрерывности в пространстве (1913) Умберто Боччони; Umberto Boccioni, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Боччони и другие футуристы даже рассматривали надвигающуюся глобальную войну как логическое развитие, которое уничтожит остатки истории и сблизит людей и технологии. «Давайте разорвем форму и позволим всему, что может ее окружать, ассимилироваться внутри себя», — заметил Боччони. Он бросил вызов скульптурным традициям, открыв форму этого движущегося существа, которое стремительно движется вперед, словно вырезанное в спешке. В то время как триумфальный настрой и безрукое тело напоминают о скульптурах предыдущих периодов истории искусства, сверкающий металл отсылает к современным технологиям.
Боччони был ключевым персонажем движения футуристов, последователи которого яростно отвергали прошлое в пользу создания форм, отражающих жизненную силу и изобретательность машинной эры.
Фонтан (1917) Марселя Дюшана
| Скульптор | Марсель Дюшан (1887 — 1968) |
| Дата создания | 1917 |
| Материал | Фарфор |
| Текущее местонахождение | Тейт Модерн, Лондон |
Фонтан — это сборное произведение искусства 1917 года Марселя Дюшана, состоящее из керамического писсуара с надписью «Р. Матт». Обычный предмет инфраструктуры, выбранный Дюшаном, был введен в инсталляцию Общества независимых художников в апреле 1917 года, дебютную выставку Общества, которая должна была быть представлена в Большом центральном дворце в Нью-Йорке.
Дюшан описывал свои готовые скульптуры как «обычные вещи, возвышенные до величия произведения искусства актом выбора создателя».
Положение писсуара было изменено по сравнению с его обычным расположением в экспозиции Дюшана. Фонтан» не был отклонен комиссией, так как по правилам Общества все произведения искусства, представленные авторами, которые внесли деньги, будут допущены к участию, но скульптура так и не была выставлена. Фонтан был снят в мастерской Альфреда Штиглица после его отъезда, и изображение было напечатано в дада-публикации «Слепец». Исходник работы был утерян. Искусствоведы и мыслители-авангардисты считают это произведение важным эталоном искусства 20 века.
Фонтан (1917) Марсель Дюшан; Марсель Дюшан, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В 1950-х и 1960-х годах у Дюшана было запрошено 16 репродукций, которые были созданы с его согласия. Некоторые предполагают, что оригинальное произведение было создано неназванной женщиной, которая послала его Дюшану как знакомому, но искусствоведы считают, что Дюшан был полностью ответственен за репрезентацию «Фонтана».
Фонтан» Дюшана, возможно, является самым известным из readymades в этой коллекции, потому что образное значение туалета подталкивает интеллектуальную проблему, заданную readymades, к ее наиболее эмоциональной степени.
Так, философ Стивен Хикс предположил, что Дюшан, хорошо знавший историю европейского искусства, явно выражает противоречивое послание «Фонтаном»: «Дюшан, художник, является посредственным творцом — он пошел на закупки в отдел сантехники. Скульптура не является единственной в своем роде вещью; она была массово произведена на заводе. Искусство — это не бодрящий или поднимающий настроение опыт; в лучшем случае, оно вызывает недоумение и, как правило, оставляет неприятное ощущение».
Девушка-птица (1936) Сильвия Шоу Джадсон
| Скульптор | Сильвия Шоу Джадсон |
| Дата создания | 1936 |
| Материал | Глиняный оригинал и бронзовое литье |
| Текущее местонахождение | Центр Джепсона |
Когда скульптура Сильвии Шоу Джадсон «Девочка-птица» была изображена на обложке книги «Полночь в саду добра и зла» (1994), повсюду стали появляться бесчисленные репродукции молодой женщины, сжимающей в руках чашу. Дочь миссис Джадсон, которой принадлежат все авторские права на скульптуры ее семьи, была в ярости. Она начала делать все возможное, включая судебные иски, чтобы убрать с рынка эти отвратительные дубликаты. Брайан Колдуэлл, создатель Potina, обратился к дочери миссис Джадсон весной 1998 года и предложил выпустить одобренную поместьем копию памятника «Девочка-птица». Колдуэлл вспоминает, как сказал ей: «Кто-то продолжит ее производство. Я хочу обращаться с ней должным образом».
После долгих раздумий наследство миссис Джадсон согласилось предоставить Потине эксклюзивную лицензию на создание и продажу репродукций памятника.
К концу года она появилась на обложках трех ведущих каталогов и распространялась в садовых центрах и сувенирных магазинах по всей стране. Сильвия Шоу Джадсон, дизайнер «Девушки-птицы», родилась в Лейк Форест, штат Иллинойс, и обучалась в Школе художественного института Чикаго, а также в Париже. Ее стиль был оценен рецензентами как скромный, ясный, спокойный, детский, тихий и прекрасный. Миссис Джадсон, пожалуй, наиболее известна своими очаровательными изображениями животных и детей, но она также создала несколько известных заказных работ на теологические темы, которые отражают ее квакерское происхождение.
Сегодня статуи и фонтаны миссис Джадсон можно увидеть в садах и городских парках по всей территории США.
Маман (1999) Луизы Буржуа
| Скульптор | Луиза Буржуа (1911 — 2010) |
| Дата создания | 1999 |
| Материал | Бронза, мрамор, нержавеющая сталь |
| Текущее местонахождение | Гуггенхайм, Бильбао |
Луиза Буржуа создала «Маман» из мрамора, бронзы и нержавеющей стали. Это произведение искусства, напоминающее паука, является одним из самых больших в мире, его высота составляет более 30 футов, а ширина — 33 фута. У него есть мешок с 32 мраморными яйцами внутри, а его брюшко и ноги сделаны из ребристого металла. Название — это игра с французским термином, означающим «мать». Буржуа создала это произведение искусства в 1999 году в рамках своего дебютного проекта «Серия Unilever» (2000) в Турбинном зале лондонской галереи Тейт Модерн. За этим стальным оригиналом последовали шесть бронзовых отливок.
Скульптура продолжает идею паука, которую Буржуа впервые рассмотрела в небольшом рисунке тушью и углем в 1947 году, и которую она продолжила в своей работе «Паук» 1996 года.
Маман (1999) Луиза Буржуа; Jeangagnon, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
В картине отражена сила матери Буржуа через символы прядения, ткачества, воспитания и защиты. Ее мать, Жозефина, работала в парижской мастерской отца по ремонту текстиля, ремонтируя гобелены. Мать Буржуа умерла от нераскрытой болезни, когда ей был 21 год. Через несколько дней после смерти матери Луиза бросилась в реку Бьевр на глазах у отца (который, похоже, не воспринял печаль дочери всерьез). Он поспешил ей на помощь.
«Паук» — это любовное письмо моей маме. Она была моей самой близкой спутницей. Моя мама была прядильщицей, очень похожей на паука. Моя семья занималась ремонтом гобеленов, и мама контролировала фабрику. Моя мама, как и пауки, была чрезвычайно умна. Пауки — это приятные насекомые, которые охотятся на комаров. Комары, как известно, переносят болезни и поэтому так нежелательны. Пауки, как и моя мама, полезны и бдительны», — написала она.
Облачные ворота (2004) Аниш Капур
| Скульптор | Аниш Капур |
| Дата создания | 2004 |
| Материал | Нержавеющая сталь |
| Текущее местонахождение | Парк Миллениум, Чикаго |
Жидкая форма ртути повлияла на создание Аниша Капура, а текстура скульптуры изменяет образ городского пейзажа Чикаго. Посетители могут ходить вокруг нее и под аркой Cloud Gate высотой 3,7 метра, а также ощущать произведение искусства. Пупок — это вогнутая полость в нижней части, которая искажает и усиливает отражение. Многие творческие идеи Капура воплощены в скульптуре, которая пользуется популярностью у посетителей как возможность для фотографирования благодаря своим отличительным отраженным характеристикам. В результате конкурса дизайна было создано произведение искусства.
После выбора концепции Капура возникло несколько технологических проблем, связанных с изготовлением и установкой конструкции, а также вопросы по уходу и содержанию скульптуры.
Было привлечено несколько специалистов, некоторые из которых утверждали, что концепция не может быть реализована. Несмотря на то, что был найден приемлемый процесс строительства, создание скульптуры отстало от назначенного срока. На церемонии официального открытия парка Миллениум в 2004 году она была представлена в неполном варианте, после чего ее снова спрятали до окончательного завершения 15 мая 2006 года.
После завершения работы вскоре выяснилось, что для ухода за этим произведением искусства не нужен человек, так как оно выгодно расположено на улице и может быть защищено от дождя. Снег счищается с произведения искусства множеством людей, которые прикасаются к нему, что позволяет им делать изящные селфи под его «пупком». За годы, прошедшие после завершения строительства, его известность выросла как внутри страны, так и за рубежом.
На этом мы завершаем наш список самых известных скульптур в искусстве. Скульптурное искусство — одна из самых долговечных форм искусства благодаря используемым материалам, и нам повезло, что у нас до сих пор есть так много художественных скульптур, которыми мы можем наслаждаться и по сей день. Знаменитые художественные статуи продолжают жить как остатки ушедших цивилизаций.
Взгляните на нашу веб-историю знаменитых статуй здесь!
Часто задаваемые вопросы
Кто считается лучшим скульптором в истории?
Скорее всего, это Микеланджело. Он был «человеком эпохи Возрождения» или «всемирным чудом», который преуспел в различных профессиях, таких как искусство, строительство, литература и техника. Прежде всего, его считают лучшим скульптором за всю историю человечества. На протяжении всей своей жизни Микеланджело был известен как «Божественный».
Из каких материалов были сделаны знаменитые скульптуры?
Знаменитые скульпторы на протяжении всей истории создавали скульптуры из камня, металла, дерева и других материалов, придавая им необычные формы путем манипулирования объектами в трех измерениях. С самого начала времен художественная скульптура была важнейшим средством постижения общества и культуры, будь то в виде знаменитых статуй известных личностей или метафорических изображений моральных понятий.
