Знаменитые картины рококо — лучшее искусство эпохи французского рококо

Знаменитые картины рококо

Роскошь, декаданс, театральность — вот несколько слов, которые приходят на ум, когда вспоминаешь произведения искусства, созданные в эпоху рококо. Движение рококо было роскошным визуальным направлением, возникшим в Париже около 1720 года. Великолепные картины этого периода отличались орнаментальным и декоративным стилем. Если вы заинтересованы в том, чтобы получить представление о впечатляющем искусстве, которое появилось в эпоху рококо, продолжайте читать, чтобы узнать о 10 самых известных картинах в стиле рококо, поскольку мы углубляемся в выдающиеся произведения 18 века!

Оглавление

Что символизировало художественное движение рококо?

Период рококо охватывал большую часть XVIII века. Он зародился в Париже около 1720 года и вскоре распространился по всей Франции и другим частям Европы, включая Италию, Германию, Россию и Австрию. Движение рококо началось как реакция на более формальное величие и тяжеловесность предшествовавшего ему стиля барокко, противопоставив ему нежную легкость и причудливость.

Король Людовик XV считался «вечным подростком», что дает вам представление о том, почему игривый характер французского рококо так подходил для его правления.

Французское рококо

Портрет Людовика XV (1719), автор Жан Ранк ; Жан Ранк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Движение рококо стало синонимом неотразимой мадам де Помпадур, любовницы нового короля XV. Мадам де Помпадур воплотила в себе сущность стиля рококо, и она стала ассоциироваться с этим движением, поскольку имела власть над всем стильным. Она была одним из главных покровителей этого движения и заказала множество своих портретов, выполненных в стиле рококо.

Слово «рококо» происходит от французского слова «rocaille», означающего гальку или камень, и относится к камням и раковинам, которые использовались для украшения фонтанов или интерьеров гротов начиная с эпохи Возрождения. Термин «рокайль» использовался для описания декоративного и орнаментального стиля, который присутствовал в живописи рококо.

Искусство рококо

Предварительный полет (ок. 1772-1773 гг.), Жан-Оноре Фрагонар; Jean-Honoré Fragonard, Public domain, via Wikimedia Commons

Художники рококо этого периода сосредоточились на свете и пастельных тонах в своих конфетных сценах игривого ухаживания и отдыха, которые передавали более нежную и женственную сущность. Движение рококо определялось использованием природных мотивов, изогнутых линий, мягких цветов и тем, связанных с природой, игривостью, легкомысленным весельем, молодостью и любовью.

Картины в стиле рококо отличались сложным орнаментом, пышным декором и асимметричным дизайном. В произведениях искусства рококо преувеличивались принципы театральности и иллюзии.

Наш топ-10 самых известных картин в стиле рококо

Движение рококо охватило большую часть XVIII века, зародившись в Париже и распространившись по разным уголкам Европы. За это время художники, участвовавшие в движении рококо, оставили богатую коллекцию картин в стиле рококо, экстравагантных, элегантных и роскошных; картины, которые вдохновляли последующих художников и продолжают прославляться до сих пор. Вот наша подборка 10 самых известных картин в стиле рококо.

Отплытие на Китеру (1717) Жан-Антуан Ватто

Художник Жан-Антуан Ватто
Дата написания 1717
Средство Масло на холсте
Размеры 129 см x 194 см
Где находится в настоящее время Музей Лувра, Париж, Франция

Жан-Антуан Ватто в основном считается основателем живописи в стиле рококо. Воплотив в себе влияние мастеров венецианского Возрождения, таких как Паоло Веронезе и Тициан, а также фламандского гиганта Питера Пауля Рубенса, Ватто создал композиции, динамичные, с яркими выразительными цветами. Ватто представил нетронутое и идиллическое изображение природы.

Эта картина, также известная как «Паломничество на остров Китера», считается одной из самых известных картин Ватто в стиле рококо.

Произведения искусства рококо

Отплытие на Китеру (1717), Жан-Антуан Ватто; Жан-Антуан Ватто, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

В картине «Отправление на Китеру» пышный пейзаж, напоминающий стиль Ренессанса, сливается с символической сценой, в которой группа пар либо отправляется на Китеру, маленький греческий остров, расположенный недалеко от места, где в мифологии родилась Афродита, богиня любви. На переднем плане изображены три пары, каждая из которых представляет собой отдельный этап ухаживания. В небе летят три купидона, что отражает амурные предложения острова.

Его картина была принята Королевской академией живописи и скульптуры, что принесло признание вновь образованному жанру и утвердило стиль рококо. Это ввело в моду fête galante, картины ухаживания, в которых Ватто соединил фантазию и реальность как в обстановке и костюмах, так и в неопределенной тематике своих картин.

Характеристики, которые Ватто развивал в своих картинах в стиле рококо, в дальнейшем вдохновляли таких художников, как Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар, которые впоследствии стали гигантами рококо.

Вход в Большой канал (ок. 1730 г.) работы Каналетто

Художник Каналетто
Дата написания c. 1730
Средство Масло на холсте
Размеры 49,6 см x 73,6 см
Где находится в настоящее время Музей изобразительных искусств, Хьюстон, США

Среди итальянских художников, пишущих городские пейзажи, нет никого лучше Джованни Антонио Канале, известного под псевдонимом Каналетто. Самой известной его картиной считается «Вход в Большой канал», на которой изображен вход в Венецию с гондольерами, маневрирующими по холсту со своими пассажирами. Венеция в то время была популярным художественным пристанищем. Слева на картине изображена большая церковь — базилика Санта-Мария-делла-Салюте.

Живопись в стиле рококо

Вход в Большой канал (ок. 1730 г.), автор Каналетто; Каналетто, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картина Каналетто отличается типичным для искусства рококо асимметричным дизайном. Асимметричное расположение гондольеров указывает на движение в картине, поскольку трое из них тянутся вверх, уводя взгляд вдаль. Тонкая работа с местными красками создает золотистый оттенок, что позволяет предположить, что он улавливал суть идиллической сцены. Сложное изображение света Каналетто передало работу солнца и тени на прекрасной венецианской архитектуре.

Этот стиль пейзажа, аркадский пейзаж, в значительной степени вдохновил стиль живописи рококо.

Картина Каналетто «Вход в Большой канал» считается одной из самых известных картин в стиле рококо, созданных за пределами Франции в 1700-х годах. Каналетто освоил живопись с натуры и мастерски передал атмосферу, которую он пытался передать. Его работа не утратила своего признания и влияния, в 2017 году Дэвид Бикерстафф показал ее в своем фильме «Каналетто и искусство Венеции».

  Ансельм Кифер - знакомство с жизнью и творчеством этого немецкого художника

Мыльные пузыри (ок. 1733 — 1734) Жан-Батист-Симеон Шарден

Художник Жан-Батист-Симеон Шарден
Дата написания c. 1733 — 1734
Средство Масло на холсте
Размеры 61 см x 63,2 см
Где находится в настоящее время Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки

В отличие от экстравагантных и масштабных сцен, часто ассоциирующихся с произведениями искусства рококо, картины Жана-Батиста-Симеона Шардена изображали, казалось бы, простую перспективу, несмотря на то, что он был пионером движения рококо. Известные работы Шардена были посвящены игривому нраву детей; так, на одной из его самых известных работ «Мыльные пузыри» изображены двое играющих детей. На этой картине он изобразил ребенка, надувающего пузыри, в то время как его друг наблюдал за ним сзади.

Цвета в «Мыльных пузырях» довольно приглушенные, с насыщенными коричневыми и черными оттенками. Эти цвета подчеркивают контраст светящегося лица и рук мальчика, которые приглашают вас сосредоточиться на том, что делает мальчик, и вы, как зритель, погружаетесь, подобно мальчику, в детское действо выдувания пузырей. Кисти Шардена толстые и текстурные, имитирующие тактильные текстуры ткани, кожи и камня.

Эта картина демонстрирует ощущение детства и мимолетную радость праздной игры.

Знаменитое искусство рококо

Мыльные пузыри (ок. 1733 — 1734) Жан-Батист-Симеон Шарден; Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Public domain, via Wikimedia Commons

По наблюдениям многих критиков и искусствоведов, картина скорее изображает невинность детства и легкость развлечений, чем что-то глубоко символическое. Однако некоторые видят в пузыре аллюзивный символ непостоянства жизни.

Эта картина стала заметным вкладом Шардена в движение рококо, а его реалистичные сцены положили начало жанру, в котором изображались играющие дети, натюрморты и бытовые сцены, отражающие неторопливое времяпрепровождение, характерное для движения рококо.

Шарден умело изображал повседневную эстетику французского среднего класса и приобрел сильную поддержку, которая достигла таких знаковых фигур, как Винсент Ван Гог, Поль Сезанн и Эдуард Мане.

Туалет Венеры (1751) Франсуа Буше

Художник Франсуа Буше
Дата написания 1751
Средство Масло на холсте
Размеры 108,3 см x 85,1 см
Где находится в настоящее время Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки

Картина Франсуа Буше «Туалет Венеры» изображает мадам де Помпадур в обнаженном виде в образе Венеры, классической богини красоты и любви. Картина излучает неприкрытую театральность благодаря изображению Буше сладострастной плоти, асимметричному расположению мебели, роскошным тканям, жемчугу и цветам. Изначально картина «Туалет Веры» была написана для украшения роскошного номера мадам де Помпадур, состоящего из трех комнат, в котором она принимала ванну в своем замке Бельвю.

И Буше, и мадам де Помпадур стали синонимами движения рококо.

Живопись рококо

La Toilette de Vénus (1751) Франсуа Буше; Франсуа Буше, CC0, via Wikimedia Commons

Два белых голубя и три херувима ухаживают за фигурой Венеры, которая расположилась на сиденье, обрамленном золотом. Голубые портьеры, переливающиеся от света и тени, частично открывают вид на манящий сад, что создает пленительное ощущение отдыха. Изображение мадам де Помпадур в образе Венеры идеализирует ее, а окружение ее фигуры витиеватыми украшениями усиливает общее ощущение роскоши.

Чувственные изображения Буше социальной элиты и знатных граждан стали частью его собственного живописного бренда.

Мадам де Помпадур стала самым известным покровителем Буше до самой своей смерти в 1764 году. Картина «Туалет Вернуса» была одним из многих портретов, написанных по ее заказу. Буше мастерски представил смешение театральности и театральных образов с реальной жизнью своих подопечных. Демонстрируя искусство внешности, он все же отражал истинную сущность своего объекта. Способность Буше увлекательно изображать своих подданных привела к тому, что он стал известен как один из самых известных художников-портретистов эпохи рококо.

Аллегория планет и континентов (1752) Джованни Баттиста Тьеполо

Художник Джованни Баттиста Тьеполо
Дата написания 1752
Средство Масло на холсте
Размеры 185,4 см x 139,4 см
Где находится в настоящее время Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Соединенные Штаты Америки

Аллегория планет и континентов» — одна из самых известных картин Джованни Баттиста Тьеполо и его вклад в итальянское рококо, которое было основано на французском стиле рококо и стало более воздушным выражением предшествующего стиля барокко. Аллегория планет и континентов» изображает буйное расположение небесных фигур, которые вместе представляют различные планеты и континенты Земли.

Картина была создана для потолка лестницы в резиденции Вюрцбурга в Германии для Карла Филиппа фон Гриффенклау, принца-епископа.

Знаменитые произведения искусства рококо

Аллегория планет и континентов (1752), Джованни Баттиста Тьеполо; Джованни Баттиста Тьеполо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Эффектное праздничное изображение движения солнца по небу, созданное Тьеполо, демонстрирует великолепие цвета, света и клубящихся узоров. Слева от центра можно увидеть Аполлона, греческого бога солнца, который освещен сзади сияющей сферой, когда он обращается к солнечным коням, стоящим справа от него. Остальные боги символизируют планеты, вращающиеся вокруг Аполлона, солнца. На кайме изображено множество фигур, направленных к центру картины, как бы указывая на то, что внутри находится божество. Фигуры представляют людей Африки, Америки, Азии и Европы.

Большая фреска была написана таким образом, чтобы отдельные части картины можно было рассматривать по отдельности в определенных местах остановки. Тьеполо создал впечатление, что перспектива подстраивается под положение зрителя.

Гений Тьеполо проявился в расположении пастели, он создавал напряжение в сцене, которое подчеркивало драматические позы и повествовательное движение фигур, создавая живой эффект. С помощью своего воображения он создал театральный язык для передачи древних повествований и священных легенд. Именно гений Тьеполо вдохновил таких художников, как Франсиско Гойя.

  Здзислав Бексиньский - жизнь и творчество знаменитого польского художника ужасов

Портрет мадам де Помпадур (1756) работы Франсуа Буше

Художник Франсуа Буше
Дата написания 1756
Средство Масло на холсте
Размеры 212 см x 164 см
Где находится в настоящее время Альте Пинакотека, Мюнхен, Германия

Изысканный «Портрет мадам де Помпадур» Франсуа Буше изобразил любовницу короля Людовика XV. Мадам де Помпадур воплотила в себе сущность стиля рококо, и она стала ассоциироваться с этим движением, поскольку имела власть над всем стильным. Это был еще один портрет, написанный Буше по ее заказу. На портрете Буше она изображена пышной, декадентской и по-модному элегантной. На портрете Буше в натуральную величину мадам де Помпадур изображена сидящей в роскошном платье из зеленого шелка, украшенном розовыми розами.

Экстравагантные золотые тона покрывают картину: золотые парчи обрамляют комнату, а замысловатые золотые часы-картель над камином дополняют картину роскошными деталями.

Портрет в стиле рококо

Портрет мадам де Помпадур (1756) Франсуа Буше; Франсуа Буше, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картина богата символизмом благодаря таким деталям, как полный книжный шкаф с несколькими книгами, разбросанными по полу, и часы в форме лиры, украшенные лаврами. Это символизирует ее любовь к поэзии, музыке и литературе. Картина передает приятный отдых и уверенность в себе, но в то же время она способна продемонстрировать вес ее интеллектуального влияния с пером и открытой книгой в руках.

Поза мадам де Помпадур, с обращенным влево взглядом, олицетворяет глубокую философскую мысль. Работа Буше над «Портретом мадам де Помпадур» послужила в некотором роде социальной иконографией, где каждый фактор тщательно подобран и стилистически объединен для создания идеального образа. Портреты мадам де Помпадур, созданные Буше, демонстрируют квинтэссенцию живописи в стиле рококо.

Благодаря своему влиянию мадам де Помпадур продвинула движение рококо вперед.

Купальщицы (1765) Жан-Оноре Фрагонар

Художник Жан-Оноре Фрагонар
Дата написания 1765
Средство Масло на холсте
Размеры 80 см x 64 см
Где находится в настоящее время Музей Лувра, Париж, Франция

Жан-Оноре Фрагонар разработал особый стиль в эпоху французского рококо. Он часто использовал более яркие цвета по сравнению со своими коллегами, и не только это, но и его картины в целом довольно сильно отличались от произведений искусства рококо, появившихся в начале 18 века. Одна из его знаменитых картин в стиле рококо называется «Купальщицы», на ней изображены восемь женщин, легкомысленно купающихся в лучах солнца.

Деревья, окружающие женщин, обрамляют их тела, поскольку все они расположены в различных позах, каждая из которых выражает уникальные черты характера и особенности.

Стиль рококо

Купальщицы (1765) Жан-Оноре Фрагонар; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Сцена купания была популярна в эпоху рококо. Она часто использовалась как средство демонстрации мастерства художников рококо, поскольку им приходилось рисовать обнаженные фигуры в различных позах и под разными углами, и, конечно же, провокационные сюжеты переходили в разряд возбуждающих. В картине «Купальщицы» палитра и тема отличаются легкостью, так как использованные светлые тона красок подходят для выражения нежности и невинности женщин.

Работа кистью Фрагонара была ощутимой и свободной, что создавало ощущение текучести, способствующее живости произведений в стиле рококо.

Картина «Купальщицы» была одной из последних картин Фрагонара в стиле рококо, которые были выставлены на всеобщее обозрение, в 1767 году он начал писать исключительно для частных клиентов. Фрагонар был одним из художников рококо в эпицентре этого движения, он создал более 500 впечатляющих картин, документирующих декаданс того времени и иллюстрирующих беззаботные развлечения и образы великолепия.

Качели (1767) Жан-Оноре Фрагонар

Художник Жан-Оноре Фрагонар
Дата написания 1767
Средство Масло на холсте
Размеры 81 см x 64,2 см
Где находится в настоящее время Коллекция Уоллеса, Лондон, Великобритания

Картина «Качели» — еще один пример мастерства Жана-Оноре Фрагонара. Картина в стиле рококо изображает изящную молодую женщину, которая игриво раскачивается на ветке дерева, в то время как молодой человек смотрит на нее снизу, а другой мужчина, стоящий позади нее, находится в тени и тянет ее качели за веревку. Мужчина перед ней расположен таким образом, что ему открывается вид под ее платье, что является примером гедонизма эпохи рококо, который часто присутствовал в творчестве Фрагонара.

Картина «Качели» — квинтэссенция стиля рококо, с характерной для Фрагонара ловкой кистью, мягкими цветами и освещением, а также легкомысленными темами. Пестрое розовое платье молодой женщины развевается, когда она находится в воздухе, обнажая свои ноги перед краснеющим внизу мужчиной. Манящим движением она отбрасывает ноги в сторону статуи купидона, бога любви и желания. В то время женская нога без обуви символизировала наготу.

Предполагая иронию, Фрагонар одел женщину в бержер, пастушеский головной убор, который символизировал чистоту и добродетель.

Картины в стиле рококо

Счастливые случайности на качелях (1767), Жан-Оноре Фрагонар; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картина «Качели» признана одним из самых известных произведений искусства эпохи рококо. Асимметричная композиция, пышные пейзажи, игривость, беззаботность и многослойный эротизм стали примером характерных черт стиля рококо. Свинг» закрепил за собой место культурной и художественной иконы.

На это вечно вдохновляющее произведение неоднократно ссылались в популярной культуре, например, в диснеевском фильме «Замороженные», где оно сидит в картинной галерее, или когда на него ссылались в своих работах современные художники Кент Монкман и Йинка Шонибаре, или как на часть 3D-арт-инсталляции Ларри Мосса в Центре искусств Фелпса.

Голубой мальчик (ок. 1770) Томаса Гейнсборо

Художник Томас Гейнсборо
Дата написания c. 1770
Средство Масло на холсте
Размеры 177,8 см x 112,1 см
Где находится в настоящее время Художественная галерея Генри Э. Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния, США
  Архитектура рококо - изучение эпохи рококо и ее стиля

Картина «Голубой мальчик» считается одной из самых известных картин Томаса Гейнсборо в стиле рококо. На ней изображен портрет мальчика в синем мундире в качестве эскиза костюма. Розовощекий мальчик элегантно одет в детально проработанный костюм на фоне бурного пейзажа. Гейнсборо испытал влияние французского стиля рококо, обучаясь в Академии Сент-Мартинс-Лейн, который вдохновил его на изучение динамики между людьми и окружающей средой. Исходя из этого интереса, он изобразил множество портретов экстравагантно одетых фигур в пышных сценах на открытом воздухе.

Картина написана под влиянием Энтони ван Дейка и демонстрирует первую попытку Гейнсборо создать костюм в стиле ван Дейка с лазурным нарядом мальчика.

Портрет в стиле рококо

Джонатан Батталл (Голубой мальчик) (ок. 1770), Томас Гейнсборо; Thomas Gainsborough, Public domain, via Wikimedia Commons

Гейнсборо создает контраст между деревенским фоном и хрупкой фигурой. Портрет в натуральную величину иллюстрирует исключительное техническое мастерство и отражает его способность к слиянию фантазии и реальности в стиле рококо. Тонкая и рельефная многослойная кисть имеет сложные оттенки бирюзы, лазурита, кобальта, индиго и сланца, что делает синий цвет электрическим на фоне бурного пейзажа.

Картина «Голубой мальчик» стала шедевром Гейнсборо. Она бросила вызов традиционным представлениям об эстетике, поскольку синий цвет традиционно считался лишь фоновым элементом, однако Гейнсборо использовал его в качестве основного цвета.

Картина отражала традиции стиля рококо, но в ней также присутствовали новаторские черты реализма, такие как туго зашнурованные пуговицы.

Картина имела немедленный успех. С момента своего дебюта и по сей день картина остается вдохновляющим произведением, вдохновляясь всем — от песен, таких как Blue Boy Blues Коула Портера, до одного из костюмов главного героя Джанго в фильме Квентина Тарантино «Джанго освобожденный».

Автопортрет в соломенной шляпе (1782) Элизабет Луизы Виже Ле Брюн

Художник Элизабет Луиза Виже Ле Брюн
Дата написания 1782
Средство Масло на холсте
Размеры 97,8 см x 70,5 см
Где находится в настоящее время Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Элизабет Луиза Виже Ле Брюн была одной из самых плодовитых художниц своего времени. Хотя некоторые картины Ле Брюн включали элементы неоклассического стиля, ее портреты в основном считались картинами в стиле рококо. Она считалась одним из самых выдающихся художников рококо по ряду причин; помимо огромного мастерства, она была главным портретистом Марии Антуанетты. В картине «Автопортрет в соломенной шляпе» она написала автопортрет, в котором ей удалось передать одновременно непринужденность и аристократическую элегантность при изображении собственного художественного мастерства.

Эта картина блестяще демонстрирует элементы французского стиля рококо: свободные мазки кисти, которые особенно заметны, когда вы смотрите на ее волосы, пастельные тона и ее юное капризное выражение лица.

Художники рококо

Автопортрет в соломенной шляпе (после 1782 года) Элизабет Луиза Виже Ле Брюн; Elisabeth Louise Vigée-LeBrun, Public domain, via Wikimedia Commons

Ее лицо мягко затенено, что открывает ее уверенный взгляд, направленный на зрителя. Ле Брюн достигла в своей картине нарочитой беспечности, так как она изображала себя серьезным художником. На ее картину оказала влияние «Шапо де Пайль» Питера Пауля Рубенса.

В это время женщины-художницы в основном ограничивались написанием портретов. За свою жизнь Ле Брюн написала более 220 пейзажей и 660 портретов, некоторые из ее картин были выставлены в известных музеях мира. Она была одной из самых известных женщин-художниц эпохи рококо. Ле Брюн преодолела множество барьеров, занимаясь карьерой, в которой доминировали мужчины, однако она одержала победу и стала одной из четырех женщин, официально принятых в Королевскую академию изящных искусств, что помогло ей стать одной из первых женщин, получивших международное признание.

Знаменитые картины рококо, о которых шла речь в этой статье, сохраняют свое значение и по сей день. Хотя в списке представлены 10 самых известных картин рококо, существует бесчисленное множество картин этого направления, на которые стоит взглянуть. Если вам понравилась эта статья, мы думаем, что вам могут понравиться и другие наши работы, и мы призываем вас изучить другие разделы нашего сайта!

Взгляните на нашу веб-историю о живописи рококо здесь!

Часто задаваемые вопросы

Что такое период рококо?

Период рококо — это пышное визуальное движение, которое возникло в Париже около 1720 года и распространилось по всей Франции и другим частям Европы, включая Италию, Германию, Россию и Австрию. Художники эпохи рококо уделяли особое внимание деталям, изображая конфетные сцены игривого ухаживания и экстремального отдыха. Это движение охватило большую часть XVIII века. Слово «рококо» происходит от французского слова rocaille, означающего гальку или камень, и относится к камням и раковинам, которые использовались для украшения интерьеров гротов начиная с эпохи Возрождения. Термин «рокайль» использовался для описания декоративного и орнаментального стиля, характерного для картин рококо.

Что повлияло на искусство рококо?

Движение рококо началось как реакция на более формальное величие и тяжеловесность предшествовавшего ему стиля барокко, противопоставив ему нежную легкость и причудливость. Король Людовик XV считался «вечным подростком», поэтому игривый характер французского рококо так подходил для его правления. Движение рококо стало синонимом привлекательной мадам де Помпадур, любовницы нового короля XV. Мадам де Помпадур воплотила в себе суть стиля рококо, и она стала ассоциироваться с этим движением, поскольку имела власть над всем стильным и была заметным покровителем этого движения.

Каковы определяющие черты искусства рококо?

Движение рококо определялось использованием природных мотивов, изогнутых линий, мягких и пастельных цветов, а также тем, связанных с природой, игривостью, легкомысленным весельем, молодостью и любовью. Картины в стиле рококо отличались сложным орнаментом, пышным декором и асимметричным дизайном. В произведениях искусства рококо преувеличивались принципы театральности и иллюзии.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий

Adblock
detector