Монохромное искусство — взгляд на монохромное искусство на протяжении всей истории

Монохроматическое искусство

Цвета несут в себе значительный смысл. В руках монохромных художников цвет может воздействовать на зрителей и даже изменить ход истории. Поэтому неудивительно, что некоторые художники решили исследовать возможности цвета через ограничение. Сосредоточившись на одном конкретном цвете, художники открыли порталы в глубины восприятия, указывающие либо на духовность, либо на небытие.

Оглавление

Монохроматическое искусство и бремя смысла

Монохроматическое искусство ограничивается одним цветом, включая белый или черный для манипулирования тоном. Определение монохроматического искусства варьируется, но самые ранние изображения, когда-либо созданные на земле, конечно же, были монохромными, поскольку доисторические картины появились еще до появления пигментных технологий.

Любопытно, что долгое время после того, как люди разработали калейдоскопический спектр цветов, многие художники продолжали выбирать только один.

История монохромной живописи в западном искусстве

В XII веке ранний монашеский орден, известный как цистерцианцы, начал придерживаться особой эстетики, предписанной главой ордена Бернардом из Клерво. В 1134 году он составил один из первых юридических документов по эстетике, в котором говорилось, что все украшения в его цистерцианских монастырях должны быть выполнены только в черно-белых тонах.

Бернар из Клерво считал, что цвет излишен и перевозбуждает чувства. Его монастырь был задуман как спокойное место, где монахи могли бы сосредоточиться на молитве и медитации. По этой причине он позаботился о том, чтобы витражи и иллюминированные рукописи монастыря были выполнены строго в монохромной гамме.

Хотя формальная концепция монохромной живописи была создана для религиозных или монастырских целей, она прижилась и в конце концов стала желанным видом искусства. Аристократы и дворяне из французской королевской семьи и бургундских семей стремились первыми заказать произведения искусства, написанные только в черно-белых тонах.

Что такое монохром

Картина «Дилан» (между 1966 и 1986 гг.) Брайса Мардена, находится в Музее современного искусства Сан-Франциско в Калифорнии, США; Брайс Марден, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картина Доменико Гирландайо «Святой Матфей и ангел» (ок. 1477 г.) является одним из самых ранних известных примеров черно-белой живописи в западном искусстве. Она была выполнена под руководством Андреа Дельвероккио, который был мастером многих итальянских художников эпохи Возрождения, включая Леонардо да Винчи. По крайней мере, 16 таких работ сохранились до наших дней и демонстрируют, как художники эпохи Возрождения использовали монохромную живопись в качестве учебного пособия.

Рынок и признание монохромной живописи как готовой продукции росли экспоненциально к 1600-м годам. Французы дали этому новому популярному виду искусства название «гризайль», происходящее от французского слова «gris», означающего «серый». Это монохроматическое определение в искусстве также относилось к подрисовкам или предварительным картинам, поскольку художники продолжали использовать монохром как средство совершенствования своей техники, так как черно-белая живопись изменяла формальное и пространственное восприятие изображения.

Мастер неоклассической живописи Жан Огюст Доминк Ингр создал шесть различных версий своей знаменитой «Одалиски» (1814). За первоначальной цветной версией «Одалиски» последовала монохромная версия «Одалиски в гризайли» (1824-1834). Начав работу над гризайлью десятилетием позже, он хранил ее в своей студии в течение многих лет. Эта уменьшенная версия была освобождена от многих деталей первой «Одалиски». Таким образом, она стала несколько абстрагированной, что раскрыло новые грани образа.

Уистлер и белый куб

В то время как многие художники продолжают новаторствовать и предаваться фигуративной монохроматической живописи, именно модернисты подняли абстрактные качества гризайли на новый уровень. Художники столкнулись с неизбежным кризисом, связанным с их способностью разработать современный язык живописи.

В быстро меняющемся современном мире художники решили ограничить свою цветовую палитру, чтобы ответить на эстетику новых медиа.

Белый цвет часто является визуальным символом добродетели, невинности и чистоты. Однако история искусства показывает зловещие стороны этого возвышенного цвета. На протяжении всей истории белый цвет в искусстве несет в себе идеологию разделения и часто угнетения. От отбеливания Британским музеем некогда разноцветных древнегреческих скульптур, начавшегося 25 сентября 1938 года, до теорий идиллической красоты Иммануила Канта в его «Критике способности суждения» (1724-1804).

Художники-монохроматисты

Автопортрет под названием «Аранжировка в сером: портрет художника» (ок. 1872) Джеймса МакНила Уистлера, находится в Детройтском институте искусств в Мичигане, США; Джеймс МакНил Уистлер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В 1883 году американский художник Джеймс Макнейл Уистлер, проживающий в Великобритании, последовал его примеру, организовав выставку «Шедевр озорства». На ней он представил новые картины, созданные им во время визита в Венецию. Уистлер был хорошо известен своими изысканными картинами неоромантической эпохи и своей одержимостью белым цветом.

Его новые работы были белыми, монохромными, помещены в белые рамы, которые Уистлер сам разработал и повесил на стены, которые также были белыми. Выставка стала пионером белого пространства галереи, которое сегодня повсеместно используется в мире искусства.

Монохроматическая живопись

Аранжировка в сером и черном № 1 (Мать Уистлера) (1871) Джеймса МакНила Уистлера, находится в Музее Орсэ в Париже, Франция; Джеймс МакНил Уистлер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  "Две Фриды" Фриды Кало - изучение знаменитой картины Фриды Кало

Своей выставкой Уистлер утвердил белый цвет как строгий и эксклюзивный цвет художественной элиты. Белый куб» элегантен и первоздан, но также стерилен и неприветлив. Тем не менее, мир современного искусства 20-го века принял эстетику монохроматического искусства с примерами непроницаемых белых работ и пространств, которые изменили ход истории искусства.

Белый супрематический крест Казимира Малевича (1920-1921) появился вскоре после Октябрьской революции.

Широкий белый крест на белом фоне дразнит мир, который был далеко не стерильным и чистым. Подобным образом, «Кафедра» (1951) и «Крестные ходы» (1958-66) Барнетта Ньюмана сдаются собственной белизне и превосходящим силам природы и физики. Эфемерные облака цвета и разнообразные поля стали чистой абстракцией ради абстракции.

Казимир Малевич и «Черный квадрат» (1915)

Супрематизм был влиятельным русским художественным течением, которое развивалось с 1913 по конец 1920-х годов. По словам его основателя Казимира Малевича, который считается первым русским художником, создавшим нерепрезентативные произведения искусства, супрематизм представлял собой «превосходство чистого чувства или восприятия в живописном искусстве».

С помощью этого жанра Малевич хотел «освободить живопись от бремени предмета». В отсутствие предмета зритель мог сосредоточиться на формальных вопросах монохроматического произведения, таких как форма, пространство и цвет.

Монохромное искусство

Черный супрематический квадрат (Черный квадрат) (1915) Казимира Малевича, находится в Третьяковской галерее в Москве, Россия; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Черный квадрат» Малевича (ок. 1915) был выполнен в четырех вариантах и экспонировался на последней групповой выставке футуристической живописи в Санкт-Петербурге с 17 декабря 1915 года по 17 января 1916 года. Он повесил свой «Черный квадрат» высоко в углу комнаты и назвал его «иконой для моего времени», ссылаясь на православную традицию вешать иконы. Он утверждал, что «Черный квадрат» является настоящей реалистической картиной, потому что это был настоящий черный квадрат, в то время как большинство произведений искусства были иллюзиями других вещей.

Но оказалось, что «Черный квадрат» Малевича сам себя обманывал. Проанализировав картину под рентгеном, ученые обнаружили, что под черной краской находится слой текста, который гласит: ‘Негры сражаются в пещере’.

Это была либо дань уважения работе 1897 года французского художника Альфонса Алле, которая также представляла собой черный квадрат под названием «Негры дерутся в подвале ночью», либо картине Поля Бильо «Бой негров в туннеле» (1882), которая считается первым из черных квадратов, представленных на выставке «Непоследовательное искусство» в Париже в 1882 году.

Международный синий цвет Кляйна

Ив Кляйн был художником, который всегда был очарован свободой. Родившийся в 1928 году в обеспеченной французской семье, его художественная практика стала для него способом исследовать то, что лежит за пределами материального мира. Сначала он был поглощен созданием монохромных работ, состоящих из отдельных блоков различных оттенков красного, более тусклого красного, желтого, более яркого желтого и так далее.

Но как только он исследовал синий цвет, Ив Кляйн полностью посвятил себя картинам, которые не просто казались синими, но и были о синем.

Монохромное искусство

IKB 191 (1962), Ив Кляйн; Yves Klein, Public domain, via Wikimedia Commons

Кляйн изобрел свой собственный оттенок синего. Он посвятил свою серию одинаковых картин синему цвету. Он стремился создать целый мир, основанный на его новом цвете. Он хотел, чтобы она имитировала синий цвет моря, неба и бесконечности. Он назвал свою новую краску «International Klein Blue».

Его монохромные картины предполагали тщательную обработку холста. Это были очень тонкие хлопчатобумажные ткани, которые покрывались молоком, после чего на них равномерно наносилась краска. В результате на полотнах получалась однородная, но уникально сложная текстура.

Картины настолько абстрактны, что кажется, будто они вернулись к природе. Ив Кляйн надеялся, что зритель откажется от необходимости искать смысл и просто воспримет картину, как воспринял бы ярко-голубое небо, поэтому Кляйн называл свои картины «открытыми окнами в свободу».

Джексон Поллок и цели эпохи

Хотя такие движения, как Group Zero и DeStijl, будут развиваться еще долго после тоталитарной коммунистической России 1930-х годов и подъема фашизма на Западе, к концу второй мировой войны в 1945 году абстракция придет в Нью-Йорк.

Художники стремились интерпретировать меняющийся мир вокруг них через космические видения и духовность. Акцент был сделан на индивидуалистическом выражении, которое исследовало, какой может быть свобода в этих новых послевоенных условиях. Абстрактный экспрессионизм, возникший в 1940-х и 1950-х годах, имел органические и психологические предпосылки, как и экспрессионизм до него.

Джексон Поллок — один из самых известных художников-абстрактных экспрессионистов. Его техника, которую он называл «живописью действия», заключалась в разбрызгивании, бросании и выливании краски на холст, который часто клали на пол и наступали на него.

Примеры монохромного искусства

Номер 1 (Лавандовый туман) (1950) Джексона Поллока, находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, США; Джексон Поллок, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

  Роберт Мэпплторп - Откройте для себя творчество и короткую жизнь Роберта Мэпплторпа

Его картина «Номер 32» (1950) состоит из жидких мазков разжиженной краски только черного цвета. Картина была написана в его студии в штате Нью-Йорк на раскатанном холсте на деревянном полу. Картина читается как картина и ничто другое, потому что художник заставил зрителя увидеть краску такой, какая она есть, придав большее значение материалам и способу их обработки. Американский критик и сторонник Джексона Поллока Клемент Гринберг предположил, что модернизм — это использование дисциплины для самокритики, чтобы использовать ее квинтэссенциальные качества.

Хотя картина призвана выразить свободу, она также демонстрирует ощущение структуры. Легкие линии уравновешиваются большими пятнами и способствуют визуальной гармонии поверхности картины.

Поллок использовал различные текстуры для создания композиции, контрастируя блестящие участки краски с высохшими, бугристыми и испачканными частями. Его, казалось бы, случайные спиртовые выходы часто приводили в недоумение публику, искавшую смысл. Он объяснял, что рисует «цели эпохи» и что ему не нужно подражать природе, потому что «я и есть природа».

Постживописная абстракция

К концу 1950-х годов искусство полностью покинуло сферу предметности. В моде были перформанс, поп-арт и концептуальное искусство, а жестикуляционный динамизм абстрактного экспрессионизма Поллока, Виллема де Кунинга и Роберта Мазервелла был старой новостью.

И снова живопись должна была изобрести новый трюк, чтобы не отстать. Решение снова было связано с ограничением цветовой палитры, но на этот раз с полным отказом от жеста.

Молодые художники-концептуалисты, такие как Джозеф Косут (Joseph Kosuth), критиковали модернизм за его самоиндульгенцию, бросая ему вызов, чтобы исследовать концептуализм. Как и классические живописцы, монохроматические художники продолжали узнавать больше о живописи, сокращая свою палитру. Это привело к дальнейшей абстракции, которая могла подчеркнуть предметность картины, чтобы оправдать ее форму в концептуальных терминах.

Моррис Луис был одним из выбранных Гринбергом художников пост-пейнтерли. Его картина «7 бронз» (1958) является примером того, как художник воздерживается от жеста, выходящего за рамки подразумевания материала. Художник просто нанес различные краски в верхней части холста и позволил гравитации сделать все остальное. В результате получился текучий нисходящий поток мутного охристого цвета. Здесь нет мазков кисти, и художник просто позволил картине стать самой собой.

Постживописная абстракция была способом создания намеренно обезличенных произведений искусства в ответ на абстрактный экспрессионизм. Для того чтобы ограничить экспрессию, эти художники экспериментировали с ограничением цвета.

Монохроматические, иногда дуохроматические картины часто характеризовались линейной, геометрической, произвольной техникой. Выставка Клемента Гринберга в 1964 году в MoMA «Пост-живописная абстракция» повлияла на то, что впоследствии будет называться живописью Hard-Edge и минимализмом.

Минимализм и Фрэнк Стелла

Поскольку монохромное искусство продолжало смотреть в себя, оно сохранило сырость самораскрытия и повторения. Фрэнк Стелла, известный своими монохромными картинами, знаменито сказал, что картина — это плоская поверхность с краской на ней, и что «то, что вы видите, это то, что вы видите».

Его картины подчеркивают скульптурную форму холста и продолжают давнюю традицию художников, использующих живопись, чтобы узнать больше о живописи.

Фрэнк Стелла — один из первых художников, которых можно отнести к минималистам. Минимализм достиг своего расцвета в 1960-х и 70-х годах. Он представлял собой синтез объектных тенденций поп-арта и жестких тенденций пост-живописных абстракционистов. Серия картин Стеллы, известная как «Черные картины», была сделана из дешевых коммерческих красок и кистей.

Пытаясь исследовать ее суть, Стелла рисовал полосы на холсте и на этом заканчивал.

Как и в картине «Die Fahne Hoch» (1959), Стелла использовал натянутый холст и его подрамники в качестве отправной точки для нанесения своих фирменных полос черной краски. Все подсказки в картине, вплоть до ширины линий, были взяты из структуры самого холста. Таким образом, Стелла усилила предметность картины. И снова простота оказалась иллюзорной. Название картины Стеллы, Die Fahne Hoch, переводится как «Поднимите флаг» — немецкое название нацистского гимна.

Капелла Ротко (1965 — 1966)

В то время как концептуальные и поп-художники пытались отделить искусство от объекта, абстрактные экспрессионисты и художники цветового поля продолжали исследовать живопись через монохроматизм. Ротко пошел дальше Поллока и Стеллы, одновременно проводя и скрывая художественные жесты. Его картины подчеркивали ощущение поверхности холста через легкое прикосновение художника. Картины Ротко сохраняют предметность и в то же время дарят ощущение возвышенного.

«Часовня Ротко» в Хьюстоне, штат Техас, изначально строилась как католическая часовня, но вскоре она стала неконфессиональной и даже может функционировать как часовня атеистов или агностиков.

В часовне находятся три большие монохроматические картины с фиолетовым цветовым полем. Отсутствие в них религиозных образов свидетельствует о кризисе в языке традиционной религиозной живописи. Эти картины заставляют нас вспомнить о Малевиче и задаться вопросом, было ли что-то удалено или затемнено.

  Знаменитые картины Средневековья - знакомство с лучшими картинами Средневековья

Монохроматическое искусство примеры

Интерьер часовни Ротко в Хьюстоне, Техас, США; Алан Ислас, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Но чернота — это снова иллюзия. На самом деле полотна состоят из множества цветовых слоев. Свет, который льется из мансардного окна часовни, заставляет цвета колебаться между фиолетовым, коричневым и черным. То, что свет заставляет картины выглядеть по-разному в зависимости от времени суток, не имеет никакого отношения к картинам, которые сами по себе остаются неизменными. Эти картины — аллюзия на вездесущность Бога, несмотря на то, что наше представление о Нем меняется в зависимости от точки обзора.

На восьмиугольную часовню, по-видимому, повлияло еврейское воспитание Ротко. Хасидским евреям не разрешается использовать имя Бога. Ортодоксальные евреи, которые все же пишут имя Бога, зачеркивают или скрывают его, написав «Б-г». Бесформенность и бесцветность этих картин делают две вещи: Монохроматические картины Ротко противостоят духовным идеям и в то же время признают их непознаваемость.

Для Ротко живопись была духовной практикой, как и для Поллока и многих других монохроматических художников. Его сдержанное использование цвета было порталом в духовный мир.

Находясь в присутствии этих картин Ротко, мы можем погрузиться в состояние медитации. В то время как земля движется вокруг солнца, свет проникает в часовню с потолка, переливаясь и перетекая, открывая скрытые грани монументальных картин.

Будущее монохроматического искусства

Монохроматическое искусство можно рассматривать как основу всего искусства. Вместо того чтобы поддаваться течению времени, оно постоянно воскрешает себя и отвечает на новые кризисы в живописи. Монохроматическое искусство постоянно предлагает нам возможность задуматься о том, для чего нужно искусство и на что оно способно. Оно зарекомендовало себя как лучший ответ живописи на достижения новых медиа.

Отбрасывая дым и зеркала техноцветного реализма, монохроматическое искусство намекает на то, что на самом деле означает объект искусства и вмешательство художника в него.

Конечно, поскольку фотография заменила многие традиционные медиа и монополизировала монохроматические изображения, некоторые художники продолжают использовать живопись в качестве ответной реакции. В навевающих мысли картинах Герарда Рихтера используется гиперреалистический эффект размытия, что ставит их где-то между картинами и фотографиями. В более абстрактной картине «Серое зеркало» (1982) Рихтер просто окрасил лист стекла в серый цвет, в результате чего стекло превратилось в зеркало, по сути, создающее образ зрителя.

Монохроматическое определение в искусстве

Супрематическая композиция: Белое на белом (1918) Казимира Малевича, находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, США; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Даже в стремительном мире цифровых и социальных медиа монохроматическое искусство идет в ногу со временем, заново изобретая свои вековые традиции. Постминималистский приоритет художественного процесса и того, что мы сейчас можем назвать пользовательским опытом, способствовал переходу от сосредоточенности на объекте к сосредоточенности на взаимодействии. Серия «Бесконечная сеть» Яёи Кусамы (1959 — настоящее время) сначала кажется простым постминималистским множеством точек, но с тех пор она стала вирусной сенсацией.

Тысячи людей сделали желанное селфи в придуманных художницей монохроматических средах. Загадочный творческий процесс Кусамы приводит к созданию чего угодно — от головокружительных монохроматических точек или вихрей до монохроматических трехмерных объектов, покрытых мягкими выступами. Эти работы захватили Интернет и, несомненно, вдохновят новое поколение художников на преодоление ограничений.

Взгляните на нашу веб-историю монохромного искусства здесь!

Часто задаваемые вопросы

Создавал ли Пабло Пикассо монохроматическое искусство?

Да. Голубой период часто называют частью монохроматизма Пикассо. Хотя это правда, что многие картины были выполнены в вариациях синего цвета, они часто включали другие цвета, чтобы уравновесить синеву. Примеры монохроматического искусства можно увидеть в кубистическом периоде творчества Пикассо. Один из самых известных примеров — «Герника» (1935), которая выполнена в почти идентичной технике с версией Пикассо «Лас Менинас» (1957), которая была одной из 44 картин, написанных им в память о «Лас Менинас» Диего Веласкеса, некоторые из которых выполнены в цвете, а многие — в черно-белом варианте.

Является ли монохроматическое искусство тем же самым, что и минимализм?

Нет. Можно создавать минималистское искусство, которое не является монохроматическим, и можно создавать монохроматическое искусство, которое не является минималистским. Но, как и монохроматическое искусство, минимализм требует, чтобы его ценили за его формальные качества, а не за его предмет. Можно утверждать, что минимализм был скульптурным ответом на пост-живописную абстракцию. Основные художники, такие как Дональд Джадд, Тони Смит, Сол Левитт, Роберт Моррис и Карл Андре, взяли на себя труд подчеркнуть объектность искусства не через живопись, а через сами объекты.

Что такое монохром?

Монохромность в основном означает, что что-то состоит из одного цвета. Монохромное определение в искусстве подразумевает, что в художественном произведении используется только один цвет, часто включая белый или черный для манипулирования тоном изображения.

Что означает дуотон в искусстве?

Двухцветные произведения искусства состоят из двух цветов вместо одного. Энди Уорхол был известен своими черно-красными дуо-тонами.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий