Будучи свидетелем абстрактного экспрессионизма, концептуального и поп-арта, художник Дэвид Хокни, возможно, является величайшим из ныне живущих британских художников и, бесспорно, самым популярным художником в мире. Еще до того, как гомосексуализм был декриминализирован в 1967 году, Хокни был успешным, открытым геем, молодым художником. С тех пор он остается золотым мальчиком современного западного искусства.
Оглавление
Дэвид Хокни делает всплеск
| Дата рождения | 9 июля 1937 года |
| Дата смерти | Н/Д |
| Место рождения | Брэдфорд, Великобритания |
| Художественные направления | Абстрактный экспрессионизм, поп-арт |
| Жанр/стиль | Живопись, Фотография, Коллаж, Цифровой |
| Используемые средства | Масляная краска, акварель, уголь |
| Доминирующие темы | Бассейны, Калифорния, Лос-Анджелес, роскошь, гомосексуализм, натурализм, пространство, портрет, модернизм , кубизм |
Самые известные картины и фотографии Дэвида Хокни отражают увлеченность городом Лос-Анджелесом. Благодаря интимным портретам калифорнийской элиты и роскошным пейзажам с бирюзовыми бассейнами и роскошными особняками, он однажды станет самым дорогим живым художником в мире.
Он никогда не прекращал рисовать и экспериментировать с новыми художественными средствами.
Биография Дэвида Хокни
Биография Дэвида Хокни началась 9 июля 1937 года в викторианском городе под Лондоном под названием Брэдфорд. Брэдфорд был зеленым, но промышленным. Когда он рос, прекрасная сельская местность, представлявшая собой смесь пасторальной и дикой природы, находилась всего в нескольких милях от него. В детстве он ходил туда пешком из дома своей семьи, и даже тогда его завораживал свет солнца и мрачный готический пейзаж.
Его мать была методисткой и очень поддерживала Хокни. Его отец был эксцентричен и тоже изучал искусство в вечерней школе в Брэдфорде, но в итоге занимался странной работой, в том числе был клерком в последние годы жизни. После войны его отец пробовал свои силы в переработке подержанных велосипедов. Дэвид Хокни вспоминает, как наблюдал за тем, как отец рисовал линии на руле велосипеда, и влюбился в сам процесс рисования.
Юный Хокни был способным учеником, который уже в начальной школе заинтересовался идеей стать художником. В возрасте 11 лет Дэвид получил стипендию для обучения в Брэдфордской грамматической школе.
Фотография художника Дэвида Хокни в Центре Помпиду в Париже, Франция, в 2017 году; Connaissance des Arts, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Его родители хотели убедиться, что Дэвид получил хорошее образование. В 16 лет он поступил в Брэдфордскую школу искусств. Там он изучал наблюдательный рисунок и загорелся страстью к живописи. На автопортрете Дэвида Хокни (1953) изображен молодой Хокни с копной темных волос и в очках в толстой оправе. Хотя он еще не нашел свой фирменный образ блондина, его сознание образа уже было ясным.
«Портрет моего отца» (1955) был первой картиной Дэвида Хокни, написанной маслом. Его отец, который поощрял интерес сына к искусству, купил ему старый холст на распродаже. Дэвид закрасил его и попросил отца позировать для новой картины. Отец согласился при условии, что он сможет установить зеркальную систему и наблюдать, как картина обретает форму. Хокни отправил эту раннюю инсталляцию портретов Дэвида Хокни на выставку в Художественную галерею Лидса, где он сделал свою первую продажу в 17 или 18 лет.
В 1957 году Хокни окончил школу лучшим в своем классе. Когда ему было 18 лет, он впервые посетил Лондон. Туда он приехал на поезде, а обратно добирался автостопом. В Национальной галерее и галерее Тейт он открыл для себя современную живопись таких художников, как Пикассо, которую он никогда не видел в музеях и галереях Йоркшира. Он продолжал ездить автостопом в Лондон и в конце концов покинул Йоркшир в возрасте 21 года.
Начало карьеры
В 1959 году 22-летний художник Дэвид Хокни получил еще одну стипендию для Королевского колледжа искусств в Лондоне. Хотя он интересовался современным искусством, его обучали рисунку и академической живописи, в которых он преуспел. На первом курсе колледжа он увидел по телевизору рекламу средства для волос, в которой утверждалось, что блондинки веселее, и так он стал блондинкой на всю жизнь. Хокни не стал бы тем художником, которым он является сегодня, без тяжелой работы и хорошего времяпрепровождения в Королевском колледже искусств.
К 1960-м годам картины Дэвида Хокни отошли от традиционной академической живописи и приняли новое, более личное направление. Он перестал рисовать фигуры с натуры и изображал их более стилистически, как это видно на картинах «Третья картина любви» (1960) и «Кайсарион» (1960).
Еще будучи студентом, он начал завоевывать награды, получать внимание и делать себе имя на лондонской художественной сцене. Впервые Хокни отправился в Нью-Йорк в 1961 году, когда ему было 24 года. Затем он побывал в Берлине, Риме, Флоренции и Египте.
В своих работах он начал исследовать свою гомосексуальность, что было беспрецедентно для британского искусства. Картина «Мы, двое мальчиков, прижавшихся друг к другу» (1961) была дерзким заявлением в то время, когда гомосексуализм все еще был уголовно наказуем. Эта картина демонстрирует переход художника к абстрактному экспрессионизму. Здесь Хокни экспериментировал с надписями и словами, которые работали как фигуры.
Исходным материалом для ранних работ Хокни были изображения моделей из Physique, фитнес-журнала, подсознательно ориентированного на мужчин-геев. Термин «поп-арт» был введен британским критиком Лоуренсом Аллоуэем в связи с группой художников, с которыми ассоциировался Хокни.
Вид инсталляции «Мистер и миссис Кларк и Перси» Дэвида Хокни (1970-1971) в неизвестном месте (возможно, Тейт Модерн), около 2016 года; Франциско Анзола из США, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Картина «Чай в иллюзионистском стиле» (1961) — еще один пример того, как Хокни играет с поп-музыкой. Он рассматривал упаковку и консьюмеризм, объединив известный британский бренд чая Typhoo со странным изображением любопытной фигуры, которая, кажется, управляет коробкой. Хокни исследовал перспективу и глубину в своем изображении коробки.
Это далеко не лучшая работа Хокни, и он признается, что в своем стремлении сделать изображение правильным он случайно неправильно написал слово «чай». Тем не менее, объект представляет Хокни в тот момент, когда он хотел обратиться к коммерческому миру и в то же время предавался легкой ностальгии, используя любимую марку чая своей матери. Ни одно другое произведение Дэвида Хокни не кричит о поп-арте так, как «Чайная картина».
Эксперименты Хокни с абстрактным экспрессионизмом, французским арт-брутализмом и поп-артом в конечном итоге вернули его ближе к дому, где он познакомился с динамичной группой художников, включая Питера Блейка и Фрэнсиса Бэкона, которые недолго преподавали в Королевском колледже.
Голливудские холмы
В 1964 году, как только Хокни окончил университет, он уехал из Лондона в Калифорнию. Насмотревшись в детстве голливудских фильмов и фотографий пальм, Хокни предчувствовал, что Лос-Анджелес — это место для него. Это была любовь с первого взгляда. Этот переезд оказал огромное влияние на карьеру 26-летнего художника, который стал одним из самых известных художников Южной Калифорнии.
У него было достаточно денег, чтобы жить и рисовать в течение года. Сначала он думал, что сможет везде ездить на велосипеде, но быстро понял, что ему нужно получить водительские права. Проезжая в открытой машине по Голливудским холмам, он получил представление о том, насколько они велики, и впервые начал серьезно наблюдать за пейзажем, что вдохновило его на новый вид пейзажной живописи.
Яркие краски солнечной Калифорнии мгновенно вошли в его работы, и он нашел новые способы изображения воды. Ему казалось, что Лос-Анджелес выглядит свежим, сексуальным и солнечным, и он оценил узнаваемость пейзажей. Он сказал, что не видел людей, рисующих картины Лос-Анджелеса, и воспринял это как вызов.
Практика Хокни развивалась в его лос-анджелесской студии, где он также занялся поляроидной фотографией, изображающей окружающую среду и жизнь в Калифорнии. Шикарные пейзажи и бассейны стали обычными мотивами, и Хокни начал создавать свои знаменитые лос-анджелесские картины.
В Калифорнии, примерно в 1978 году, на картинах Дэвида Хокни стали появляться более свободные краски, похожие на импрессионистов и напоминающие Ван Гога. К тому времени изменилось использование цвета и нанесение краски, как видно на картине «Бульвар Санта-Моника» (1980), а также его понимание перспективы. Он завершил работу над картинами интерьеров, вдохновленных современными домами Лос-Анджелеса, такими как «Дом на Голливудских холмах» (1982).
Помимо стекла и зеркал, в работах Хокни постоянно звучит тема воды. Эти отражающие поверхности завораживают его, потому что их трудно описать словесно и изобразительно. Они также являются самым простым способом привлечь взгляд, имитируя прозрачность на поверхности картины.
Фотография крупным планом автомобиля BMW 850 CSi 1995 года, созданного Дэвидом Хокни; Тим Ванг из Пекина, Китай, CC BY-SA 2.0, через Wikimedia Commons
A Bigger Splash (1967) — культовое изображение Хокни, созданное примерно с апреля по июнь 1967 года. Она была написана по фотографии. Неподвижность фотографии делает ее нереальной, поскольку человеческий глаз не может запечатлеть застывшее время. Различные пометки, которые сделал Хокни, были экспериментами, направленными на то, чтобы вызвать движение в брызгах. Несмотря на отсутствие фигуры, бассейн, небо, пальмы, кресло режиссера и желтый трап для прыжков в воду драматизируют знак того, что кто-то только что прыгнул в воду.
В этот период Хокни стал международной суперзвездой.
Он преподавал в Университете Калифорнии в Беркли, когда его искусство было названо свежим и новым в эпоху, когда американская абстракция была статус-кво. Его изображения способствовали формированию прохладной, минималистской калифорнийской эстетики. В 1976 году он опубликовал свою первую монографию «Дэвид Хокни: мои ранние годы.
Двойные портреты
Адгезивность (1960) была его первой попыткой двойного портрета, который станет одним из его характерных жанров. Дэвид Хокни сказал, что это была его первая серьезная картина. Его интересовали отношения между его объектами, которые неизменно были привязаны друг к другу как родственники, друзья или любовники. Портреты Дэвида Хокни в основном являются двойными портретами и возвращаются к разговорному жанру, который был эстетикой 18 века, создавая взаимодействие между фигурами. Странная дистанция создается за счет относительного пространства, занимаемого фигурами.
Один из самых известных портретов Дэвида Хокни, «Мистер и миссис Кларк и Перси» (1970), является двойным портретом. Его объектами были его близкие друзья Селия Бертуэлл и Оззи Кларк, которые были властной парой в свингующих шестидесятых в западном Лондоне, в Челси.
Оззи был модельером, а Селия — дизайнером тканей. Хотя он представлял их как супружескую пару, они собирались развестись. Их тела подразумевают полярность. Селия гордо стоит в своем эффектном платье, а Оззи сидит с котом на коленях и опускает ногу в ковер, что говорит о непринужденности.
Портрет художника (бассейн с двумя фигурами) (1972) изображает жизнь, полную привилегий и свободы. Картина расположена в доме в Сен-Тропе на юге Франции. Две фигуры хорошо выглядят; они живут в роскоши и отдыхе, но одетый наблюдатель, бывший партнер Хокни, Слейзенгер, стоит на краю бассейна, в котором пловец делает брасс, что придает картине ощущение психологического напряжения.
Картина «Мои родители и я» (1976) демонстрирует интерес Хокни к мета-двойному портрету. На самом деле это автопортрет Дэвида Хокни, поскольку он последовал за такими художниками, как Диего Веласкес, который использовал зеркало, чтобы включить свой портрет в двойной портрет. В следующем году в новом двойном портрете своих родителей «Мои родители» (1977) была использована та же техника, но вместо отражения он изобразил себя в виде картины на стене, через двойной портрет своих родителей «Мои родители и я» (1976).
Еще один заметный автопортрет Дэвида Хокни — мета-двойной портрет «Смотря на картины на экране» (1977), в котором Хокни заставляет зрителя рассматривать картину человека, рассматривающего картину.
В работе «Модель с незаконченным автопортретом» (1977) занавес создает иллюзию, что за моделью находится пространство, где сидит художник и рисует, но название говорит нам о том, что незаконченный автопортрет художника, работающего за столом, прислонен к стене студии, а модель позирует спящей на диване перед ним. Это картина внутри картины.
Тайное знание
Дэвид Хокни говорил, что способ, которым создаются изображения, дает нам больше информации о них. Для него способ создания изображения так же важен, как и то, почему оно было создано. Его книга «Тайное знание» (2001) — это исследование Хокни об использовании оптики в работах великих мастеров. Западное искусство зависело от оптических приборов на протяжении 400 лет. Оптические проекции использовались художниками на протяжении всей долгой истории западного искусства.
Хокни развенчал заблуждение, что фотоаппараты были изобретены в 19 веке.
Линзы появились в 17 веке, что сделало возможным создание проекций в виде камеры-обскуры. Хокни не изобрел эти теории, но он популяризировал их и поставил в центр дискуссии об искусстве.
Для Дэвида Хокни фотография — это способ переноса изображения на плоскую поверхность. Это химическое изобретение, а камера — прецедент этого процесса.
Нет сомнений в том, что эти художники использовали вогнутое зеркало, как нет и логической причины, почему бы художникам не использовать все доступные инструменты. Тогда возникает вопрос, почему художники так скрывают свои техники. Ответ заключается в человеческой природе. Художники могут не хотеть делиться коммерческими секретами со своими конкурентами. Другие могут считать, что признание в использовании таких приспособлений подрывает их репутацию искусного или гениального художника.
Фотография Дэвида Хокни
Хокни начал заниматься фотографией сначала с поляроидов. Он понял, что проблема фотографии заключается в том, что камера фиксирует мир с одного, статичного фокусного расстояния и перспективы, создавая невообразимый способ видения мира. Дэвид Хокни в своей фотографии хотел бросить вызов тому, что он называет «тиранией перспективы исчезающей точки».
В основе фотографии Дэвида Хокни лежит его интерес к различиям между зрением камеры и человеческим зрением. Чтобы бросить вызов монокулярному зрению камеры, Хокни исследовал способы видения, которые разрушали одноточечную перспективу.
Он хотел изобразить мир со всех его точек зрения. Для этого он показывал целые фигуры, которые кажутся очень близкими, устанавливая камеру на разной высоте. Он расширил возможности медиума, используя фотографии для создания коллажа и используя сетку, которая работает как рамки или окна.
BMW 850CSi 1995 года Дэвида Хокни на лондонской выставке BMW Art Car Collection 1975 — 2010, в Хакни, Лондон, в 2012 году; Edvvc из Лондона, Великобритания, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
В 1980-х годах художник Дэвид Хокни начал использовать фотографию для драматизации ощущения пространства. Большой каньон — один из самых больших ландшафтов в мире. Стоя на краю Большого каньона, человек должен смотреть внутрь, хотя там нет единой фокусной точки. Как таковой, он не поддается фотографированию и представляет собой интересную техническую задачу. Работа Хокни «Ближе к Гранд-Каньону» (1998) представляет собой интерпретацию пространства и его края в Гранд-Каньоне. Его серия полароидов под названием «Столяры» была сфотографирована по кусочкам, чтобы сформировать более богатое целое.
Это привело к созданию его знаменитого фотомонтажа «Цветущее шоссе 11 — 18 апреля (вторая версия)» (1986). Он получил заказ от Vanity Fair и, проезжая по юго-западу, нашел объект на шоссе Pearblossom. Pearblossom Highway — это коллаж, созданный для имитации субъективного, кубистического восприятия пространства.
Одним из ключевых элементов в создании этого произведения была лестница, которая позволила Хокни сфотографировать различные элементы с разных точек зрения. Надпись на дороге была снята с лестницы, глядя вниз. Знак «Стоп» был снят со стремянки, но с уровня глаз. Его процесс включал в себя перемещение по всему объекту для достижения различных точек обзора и точек исчезновения.
Вклад Хокни в решение проблем фотографии и извечных вопросов преобразования пережитого опыта в двухмерную поверхность получил одобрение. Несмотря на то, что они были сделаны с помощью фотооборудования и техники, фотографии Хокни больше относились к миру живописи.
Дэвид Хокни всегда использовал новые технологии, включая фотографию, коллаж, ксерокопирование, факсы и, в конечном итоге, программное обеспечение для работы с изображениями, такое как Paintbox и Photoshop. В своих работах Дэвид Хокни переключается между любыми доступными стилями или средствами, которые позволяют ему выразить себя в автографическом стиле. Он осознает последствия новых медиа и считает, что они обладают революционным потенциалом.
В 2009 году он начал работать на своем iPhone, а позже с помощью стилуса на iPad. Это устройство повысило производительность его рисунка.
Он всегда рисовал, но поскольку у него всегда под рукой iPad, он может завершать работы быстрее, чем с помощью любого другого носителя. Используя это новое средство, Хокни создал множество пейзажей и портретов, в том числе «Без названия № 2» (2010).
Он понял, что на iPad он может быстрее создавать цвета, и его соблазнил особый эффект светящегося экрана устройства. Хокни нашел эту функцию полезной для достижения светящихся объектов и тонких цветовых диапазонов. iPad предлагает ему инструменты, которые были бы невозможны, если бы он ограничивался ручкой и бумагой.
Зрелые работы
Природа становится все более доминирующим мотивом в творчестве Дэвида Хокни. Влекомый красотой окружающей природы, Хокни всегда писал пейзажи. Его работы, выполненные в англо-американском стиле, представляют собой идеальное сочетание экстравагантного цвета и размеренной сдержанности. В 1997 году Хокни провел шесть месяцев в Йоркшире, чтобы быть рядом со своим старым другом Джонатаном, который был смертельно болен. Джонатан предложил Хокни провести время, рисуя его родной Йоркшир, и Хокни согласился.
Его яркие пейзажи мрачного Йоркшира, такие как «Йоркширские поля, Северный Йоркшир» (1997), стали возможными благодаря его американизированной цветовой палитре.
Когда Хокни начал работу над йоркширскими картинами, их масштаб должен был имитировать масштаб пейзажа. Поскольку его первоначальная студия была очень маленькой, картины создавались на открытом воздухе. Каждая картина состояла из шести больших холстов, которые собирались в единое целое. Это было логистическое решение, так как разделенные на части холсты было легче перевозить. Он даже придумал метод росписи очень больших поверхностей без использования лестниц. Хотя он известен своими масштабными картинами, он также способен работать в небольших масштабах.
В начале нового тысячелетия Хокни занялся акварелью, вернувшись к излюбленным темам, таким как портреты, натюрморты, его собаки, интерьеры и пейзажи. В своей работе Хокни обращается к ностальгическим, традиционным темам и техникам.
Он часто писал картины на пленэре. Картина Bigger Trees (2007), изображающая кучу деревьев возле водоема, является одним из самых популярных изображений этого периода. Состоящая из десяти панелей и размером четыре с половиной метра на двенадцать, Bigger Trees — самая большая картина Хокни, написанная на пленэре.
Английская сельская местность
Творчество Дэвида Хокни аполитично, но никто не может отрицать, что Хокни любит Англию. Он всегда возвращался в Йоркшир, где жила его мать, и провел много Рождеств в Восточном Йоркшире, в Бридлингтоне, даже когда жил за границей. Таким образом, его возвращение в Англию казалось логичным шагом, который говорил о том, что имело значение для него и его практики в то время. В 2008 году Хокни переехал в свою студию в Бридлингтоне. Это была его самая большая студия, и она позволяла ему работать в огромных масштабах.
Хокни знал йоркширский пейзаж всю свою жизнь, поэтому с 2010 года он начал экспериментировать с новыми способами его изображения.
Работая с пленкой, его команда в Бридлингтоне создавала цифровые фотопейзажи, используя новые современные камеры. Картина «Жонглеры» (2012), которую можно назвать кубистическим видео, изображает большое пространство, в котором каждый кадр представляет отдельный момент. Многокамерная видеоработа напоминает многопанельные картины, позволяя Хокни сделать фотографическое изображение более похожим на реальность.
Чтобы продолжить эксперименты с изображением необъятного пространства и высоких деревьев, Хокни вернулся к холсту. Поскольку ему было интересно запечатлеть природу в разные времена года, картины Дэвида Хокни вновь стали работать на основе наблюдений.
Леса Уолтагейта, где были созданы одни из самых интересных работ этого периода, отличаются необычайной красочностью. Он мог закончить панно за день или два и создавал около девяти полномасштабных картин в год. Он использовал такие природные эффекты, как туман. Он работал быстро, а когда туман исчезал, он придумывал, как запечатлеть его в памяти. С помощью масляной краски он наслаивал время, освещая его для зрителя. Время, проведенное Хокни в этих лесах, также стало для него открытием сложного качества ландшафта.
Нормандия
После жизни в Лондоне, Лос-Анджелесе, Париже и Бридлингтоне художник увлекся французской Нормандией. Здесь он живет и работает в настоящее время. Владелец галереи, друг, а теперь и сосед, посоветовал это причудливое место, и Хокни проникся спокойствием Нормандии.
С 2019 года художник посвятил себя изображению северного французского пейзажа, его текстур, цветов и природных переходов.
Работы, созданные им в этот период, были выставлены в парижском музее Эренжер. Часть из них была вдохновлена «Водяными лилиями» Клода Моне (1840-1926), которые хранятся в Музее Ленжерье в Париже, в том же здании, где сейчас выставлен его «Фриз» (2020-2021), длина которого составляет 90 метров, а высота — один метр.
Как и Моне до него, смена времен года, похоже, является тем, что сейчас занимает Хокни. Большую часть пандемии COVID-19 художник провел в Нормандии.
Он по-прежнему просыпается рано утром и сохранил свою трудовую этику. В 1960-х годах на одну картину у Хокни могли уходить месяцы. После жизненного опыта его процесс стал более быстрым и отточенным, и он стал более продуктивным, чем когда-либо.
Живая легенда
Биография Дэвида Хокни может похвастаться блестящей карьерой. На протяжении более семи десятилетий мир искусства держал его в своих теплых объятиях. Он был всемирно известен еще в студенческие годы, а впоследствии проводил выставки в крупнейших музеях мира, которые становились блокбастерами в средствах массовой информации, а его картины были одними из самых дорогих среди всех ныне живущих художников.
Люди, которые встречаются с Хокни, находят его восхитительным, красноречивым и всегда готовым обсуждать свои работы с обожающей его публикой.
В настоящее время его работы канонизируются в крупных ретроспективах, как, например, в Музее округа Лос-Анджелес в 1988 году. Это была его первая ретроспектива, в ходе которой было обследовано 20 лет его творчества, включая 250 работ в различных формах.
В 2017 году он получил крупную ретроспективу, которая путешествовала от Тейт в Лондоне до Центра Помпиду в Париже и, наконец, до Метрополитен-музея в Нью-Йорке. Большая ретроспектива охватила шесть десятилетий, начиная от студенческих работ Хокни до калифорнийских бассейнов, йоркширских пейзажей и его последних рисунков на iPad.
В 2018 году одна из самых известных картин Хокни, «Портрет художника (бассейн с двумя фигурами)» (1972), была выставлена на аукцион Christie’s в Нью-Йорке. Она стала самым дорогим произведением ныне живущего художника, на мгновение уступив место Джеффу Кунсу. Картина была куплена за головокружительную сумму в 90 миллионов долларов.
Сердце, рука и глаз
Творчество художника Дэвида Хокни привлекает тем, что он вплетает свою личность в жизнь картины. Биография Дэвида Хокни может уходить корнями в обыденную тоску послевоенной Великобритании, но она окрашена его сексуальной, тропической жизнью в Лос-Анджелесе. Будь то сельская местность Йоркшира или цветущая Нормандия, Хокни никогда не привязывал себя к одному направлению, стилю или месту. Действительно, его работы демонстративно не поддаются классификации в рамках текущих художественных движений и тенденций, что и делает их блестящими.
Хокни часто использует китайскую поговорку: «В живописи нужны три вещи: рука, сердце и глаз». В свои 74 года все эти три вещи, похоже, находятся в идеальном рабочем состоянии. Хокни более четко представляет себе, какие работы он по-прежнему хочет создавать, и становится все более плодовитым. Он продолжает развиваться и реагировать на свое непосредственное окружение, не давая себе расслабиться. Это человек, который любит рисовать и не собирается сбавлять обороты.
Часто задаваемые вопросы
Занимается ли Дэвид Хокни натюрмортами?
Помимо любимых тем, таких как его друзья и собаки, работы Дэвида Хокни включают натюрморты и повседневные предметы, такие как пепельницы, стаканы и очки. В свое время его особенно интересовали очень близкие предметы.
Почему картина Дэвида Хокни называется A Bigger Splash?
Картина A Bigger Splash (1967) названа так потому, что она является первой из серии трех картин. A Little Splash (1966), Splash (1966) и A Bigger Splash (1967). Названия используются для описания размера картины, а не реального всплеска.
Что происходит с Дэвидом Хокни и курением?
Дэвид Хокни известен тем, что публично защищает свое право на курение и критикует то, что он называет «полицией здоровья».
