Ренессанс — это период времени после Средневековья, длившийся с 15 по 17 век. Слово «ренессанс» имеет французское происхождение и означает «возрождение». Это название подходит для данного периода, поскольку он является одним из самых переломных моментов в истории человечества. В эпоху Возрождения человечество воскресило квинтэссенцию классического периода во всех сферах жизни. Наука, политика, экономика и, прежде всего, искусство. Некоторые из самых почитаемых картин и скульптур были созданы в эпоху Возрождения.
Оглавление
История скульптурного искусства эпохи Возрождения
Начало эпохи Возрождения было вызвано многими сложными факторами, такими как расширение культурного обмена благодаря торговым путям и священным войнам, инновации, такие как печатный станок Гутенберга, и «черная смерть», которая пошатнула непреложные религиозные убеждения людей. Однако одним из самых важных факторов можно считать повторное открытие древних текстов. Историки приписывают это возрождение итальянскому ученому Франческо Петрарке.
Франческо Петрарка, широко известный как Петрарка, важен для эпохи Возрождения не только с этой точки зрения.
Голова Франческо Петрарки в профиль, между 1800 и 1849 годами; Неизвестный автор Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Петрарка обнаружил письма римского ученого Цицерона, в которых он нашел античную философию, основанную на логике и разуме. Это побудило других ученых по всей Италии и Европе в целом искать более древние тексты. Петрарка также стал известен как отец гуманизма — философии, которая придает значение человеку, а не божественной силе, управляющей его судьбой. Гуманизм стал определяющей характеристикой эпохи Возрождения.
К другим определяющим чертам относятся мастерство перспективы и натуралистическое направление в искусстве.
В эпоху Возрождения произошло слияние искусства и науки, что позволило художникам использовать математику для освоения линейной перспективы. Это позволило им создавать более трехмерные изображения, чего раньше никогда не было в искусстве. Это привело к тому, что художники стали стремиться к созданию наиболее реалистичных изображений и скульптур, на которые они только были способны, и это направление искусства теперь известно как натурализм.
Скульптура статуи, ваяющей саму себя, под названием «Бурильщик» (1901), автор Чарльз Нихаус; Стерджис, Рассел, без ограничений, через Wikimedia Commons
Искусство эпохи Возрождения часто делят на три фазы: Раннее Возрождение, Высокое Возрождение и Позднее Возрождение. Несмотря на огромное сходство, между этими тремя фазами есть некоторые отличительные факторы. В эпоху Раннего Возрождения Флоренция, которая в это время была независимым городом-государством, была эпицентром искусства в Италии. Во многом это было связано с возросшим меценатством католической церкви и семьи Медичи. На украшение города тратились большие суммы денег, особенно на скульптуры. Любимыми темами скульпторов Раннего Возрождения были греческая и римская мифология.
Высокое Возрождение известно как пик движения.
На этом этапе итальянская скульптура эпохи Возрождения распространилась на другие крупные города Италии, прежде всего на Рим. Мастера скульптуры эпохи Возрождения, наиболее известный из которых Микеланджело, получили заказ от католической церкви на создание скульптур для базилики Святого Петра и других священных соборов. По этой причине в эпоху Высокого Возрождения уменьшилось количество тем греческой и римской мифологии и увеличилось количество тем христианства.
Моисей (1513) Микеланджело для гробницы папы Юлия II; Лука Казартелли, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Поздний Ренессанс более четко отличается от двух предыдущих фаз благодаря распространению маньеризма. Скульптуры Высокого Возрождения демонстрировали гармонию, мысль и реализм. Маньеризм позднего Возрождения, напротив, характеризовался напряженностью, эмоциональностью и преувеличением. Считается, что скульпторы Позднего Возрождения не верили, что смогут превзойти работы своих предшественников, и поэтому должны были сделать что-то другое.
Маньеризм, наблюдаемый в эпоху позднего Возрождения, часто рассматривается как переход к эпохе барокко.
10 самых известных скульптур эпохи Возрождения
Некоторые из самых искусно выполненных скульптур в истории были созданы скульпторами эпохи Возрождения. Их понимание анатомии человека и способов работы с выбранным средством непревзойденно. Знаменитые скульптуры эпохи Возрождения стали религиозными иконами, а также туристическими достопримечательностями, которые покорили людей из всех слоев общества.
Врата рая (ок. 1425 — 1452 гг.) Лоренцо Гиберти
| Год изготовления | c. 1425-1452 |
| Материал | Позолоченная бронза |
| Размеры | 473 см x 767,5 см |
| Текущее местонахождение | Муза дель Опера дель Куомо, Флоренция, Италия |
Гиберти часто считают автором одной из самых ранних скульптур эпохи Возрождения. В 1403 году католическая церковь провела конкурс, кому поручить изваять двери для баптистерия во Флоренции. Гиберти выиграл конкурс с дверью, состоящей из 28 бронзовых панелей, каждая из которых изображала различные библейские сюжеты.
Для завершения работы ему потребовался 21 год.
В 1425 году Гиберти приступил к работе над дверями для восточного входа в Баптистерий. Для выполнения этого заказа он основал во Флоренции мастерскую, в которой обучались Донателло и другие известные скульпторы эпохи Возрождения. Даже с помощью его подмастерьев работа над дверями заняла в общей сложности 27 лет.
Райские врата (ок. 1425-1452) Лоренцо Гиберти; Rijksmuseum, CC0, via Wikimedia Commons
Райские врата состоят из 10 бронзовых панелей, которые были позолочены золотом. На них изображены различные люди, фигурирующие в Ветхом Завете, такие как Адам и Ева, Ной, Иосиф и другие важные библейские фигуры. Каждая из этих панелей обрамлена витиеватой растительностью, статуэтками пророков, бюстами художника и его отца.
Знаменитый скульптор эпохи Возрождения, Микеланджело, на самом деле является тем, кто дал название этому невероятному произведению искусства эпохи Возрождения. Увидев их, он заметил, что они похожи на «Porta del Paradiso», или «Врата Рая». До того, как Микеланджело дал им это прозвище, они были известны просто как Восточные двери.
Давид (ок. 1430 — 1440) работы Донателло
| Год создания | c. 1430-1440 |
| Материал | Бронза |
| Размеры | 51 см x 158 см |
| Текущее местонахождение | Национальный музей Барджелло, Флоренция, Италия |
Давид работы Донателло — одна из самых влиятельных скульптур эпохи Возрождения. Созданная где-то между 1430 и 1440 годами, она была заказана семьей Медичи для их двора. Однако позже она была перенесена в Палаццо Веккьо во время одного из многочисленных изгнаний Медичи из Флоренции.
Донателло сначала учился на ювелира, а затем в знаменитой мастерской Гиберти во Флоренции. Именно здесь он научился манипулировать металлами с такой точностью. В более поздние годы Донателло переехал в Рим, чтобы изучать римское искусство и архитектуру.
В эпоху Раннего Возрождения темы Древнего Рима и Греции были очень заметны в искусстве Ренессанса, что можно увидеть во многих работах Донателло.
Давид (ок. 1430-1440) Донателло; Donatello, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Есть две основные особенности, которые сделали «Давида» Донателло одной из самых известных скульптур эпохи Возрождения. Это одна из первых отдельно стоящих обнаженных натур, созданных со времен классического периода. В это время скульптуры почти всегда вписывались в архитектуру места, для которого они предназначались.
Уже одно это сделало статую Давида революционной скульптурой эпохи Возрождения.
Еще одна вещь, которая сделала Давида таким уникальным, — это техника натурализма, использованная Донателло при создании скульптуры. Она была не только очень пропорциональной, но и одной из самых точных скульптур библейской фигуры Давида в эпоху итальянского Возрождения. В Библии Давид — совсем маленький мальчик, когда он побеждает великана Голиафа. Это призвано продемонстрировать, что даже слабые могут победить сильных, если на их стороне Бог. Донателло показывает это через свое почти женоподобное изображение Давида. Лавр, римский символ победы, также можно увидеть на голове скульптуры в знак его триумфа.
Юдифь и Олоферн (ок. 1455 — 1460) работы Донателло
| Год изготовления | c. 1455-1460 |
| Материал | Бронза |
| Размеры | 236 см |
| Текущее местонахождение | Палаццо Веккьо, Флоренция, Италия |
Юдифь и Олоферн, созданная около 1455 года, была еще одной из знаменитых скульптур Донателло эпохи Возрождения. По заказу Медичи она должна была сопровождать Давида. Хотя, в отличие от Давида, «Юдифь и Олоферн» была когда-то позолочена, что видно по остаткам золота на мече Юдифи. На скульптуре также первоначально была надпись: «Царства падают через грех, города поднимаются через добродетель. Вот шея гордыни, перерубленная рукой смирения». Однако позже она была удалена Республикой из-за ассоциации с Медичи.
Скульптура изображает историю Юдифи, еврейской вдовы, и Олоферна, жестокого командира ассирийской армии. Олоферн планировал уничтожить город, в котором жила Юдифь. Чтобы спасти свой народ, она соблазняет и обезглавливает его, пока он отвлекается. Как и «Давид» Донателло, эта скульптура иллюстрирует, что даже слабые люди могут одержать победу над своими врагами, если они выполняют Божью работу.
Считается, что Донателло показал момент перед обезглавливанием, чтобы передать моральную борьбу Юдифи между нарушением одной из 10 заповедей и спасением своего города.
Юдифь и Олоферн (ок. 1455-1460), Донателло; I, Саилко, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons
Юдифь и Олоферн» была одной из первых скульптур итальянского Возрождения, созданных «в круге». Это означало, что она должна была рассматриваться со всех сторон без четкого фронтального обзора. Эта техника впоследствии стала очень популярной среди скульпторов эпохи Возрождения. Юдифь и Олоферн» — единственная скульптура Донателло, которую он подписал. Считается, что это произошло потому, что это было одно из его последних творений, и таким образом он хотел увековечить себя через свое произведение искусства.
Искусствоведы отмечают, что, хотя в эпоху Возрождения существует большое количество литературы о творчестве Донателло, о самом художнике известно очень мало. Многие считают, что это связано с тем, что он не пользовался популярностью по ряду причин.
Во-первых, считалось, что он был вспыльчивым и предпочитал держаться в тени. Во-вторых, говорили, что он был открытым гомосексуалистом, что было неприемлемо в то время. И, наконец, самое главное, он был близким другом семьи Медичи, которую жители Флоренции ненавидели за тиранию.
Пьета (ок. 1498 — 1499 гг.) Микеланджело
| Год изготовления | c. 1498-1499 |
| Материал | Мрамор |
| Размеры | 174 см x 195 см |
| Текущее местонахождение | Базилика Святого Петра, Ватикан |
Пьета» Микеланджело была заказана Жаном де Бильересом, французским кардиналом, жившим в Риме, для украшения его гробницы. Микеланджело завершил работу над «Пьетой» примерно в 1498 году, когда ему было около двадцати лет. Скульптура украшала место захоронения кардинала более 200 лет, но затем была перенесена в базилику Святого Петра в Ватикане.
Пьета изображает Деву Марию, держащую на коленях тело Христа после его распятия. Микеланджело хвалили за точность человеческих форм и внимание к деталям, особенно когда речь идет о скульптуре тканей. Он также умеет передавать и вызывать сильные эмоции через свои произведения искусства.
Хотя это одна из первых крупных скульптур Микеланджело, он уже проявил навыки мастера итальянской скульптуры эпохи Возрождения.
Пьета (ок. 1498-1499) Микеланджело; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Хотя «Пьета» широко считается шедевром, она все же подверглась некоторой критике. В основном это касается Девы Марии, которая выглядит слишком молодой для того, чтобы иметь сына средних лет. Микеланджело был глубоко религиозным человеком, поэтому он очень восхищался Девой Марией. Он заявил, что намеренно изваял ее такой юной, чтобы выразить ее чистоту и святость.
Пьета» — единственная из его скульптур, которую Микеланджело когда-либо подписывал. Считается, что он подслушал, как зрители обсуждали красоту Пьеты, однако они отдавали должное скульптуре художника из другого региона.
От досады Микеланджело вырезал свое имя на груди Девы Марии. Позже он пожалел об этом решении, сочтя его слишком тщеславным, и больше никогда не подписывал свои работы.
Давид (ок. 1501 — 1504) Микеланджело
| Год изготовления | c. 1501-1504 |
| Материал | Мрамор |
| Размеры | 517 см x 199 см |
| Текущее местонахождение | Галерея Академии художеств, Флоренция, Италия |
Давид» Микеланджело — самая известная скульптура эпохи Возрождения. Она была создана в период между 1501 и 1504 годами из чистого белого мрамора. Хотя она была заказана для площади Синьории во Флоренции, сейчас она хранится в Галерее Академии. Однако в более поздние годы для площади Синьории была создана копия статуи, чтобы ее могли видеть все желающие.
Считается, что Микеланджело взял за основу своего Давида греко-римского героя Геркулеса. Эти влияния классической эпохи очень часто встречаются в скульптуре итальянского Возрождения. Давид напоминает обнаженные натуры античности, показывая его как совершенный образец мужчины. Однако при внимательном рассмотрении скульптуры видно, что он слегка косоглаз. Искусствоведы утверждают, что это небольшое несовершенство было сделано намеренно.
Якобы из уважения к скульпторам классического периода, чтобы показать, что Микеланджело не пытался превзойти их.
Давид (ок. 1501-1504) Микеланджело; Michelangelo, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
В отличие от большинства изображений Давида в искусстве Ренессанса, Давид Микеланджело не сопровождается головой Голиафа. Вместо этого он показывает Давида за мгновение до его схватки с Голиафом. На лице Давида выражение сосредоточенности и решимости, показывающее, что он готов к битве. Через его плечо перекинута небольшая катапульта, иллюстрирующая тему превосходства стратегии над силой.
В эпоху Возрождения Флоренция была республикой. Однако ее свободе часто угрожала олигархическая семья Медичи и другие могущественные итальянские государства. Именно по этой причине библейский герой Давид стал символом Флоренции и ее борьбы с тиранами.
Когда статуя Давида, созданная Микеланджело, еще находилась на площади Синьории, он был расположен с устремленным на Рим взглядом, как предупреждение о недопустимости конфликта с Флоренцией.
Мадонна из Брюгге (ок. 1501 — 1504) Микеланджело
| Год изготовления | c.1501-1504 |
| Материал | Мрамор |
| Размеры | 200 см |
| Текущее местонахождение | Onze Lieve Vrouwekerk, Брюгге, Бельгия |
Микеланджело завершил работу над «Мадонной из Брюгге» около 1501 года. Скульптура была заказана богатым фламандским торговцем шерстью для размещения в его семейной часовне. Поэтому это единственная скульптура Микеланджело, которая покинула Италию при его жизни. Она осталась в Бельгии в Onze Lieve Vrouwekerk.
Мадонна из Брюгге — это необычное изображение архетипических Матери и Младенца. Обычно Дева Мария изображается с любовью смотрящей на младенца Иисуса. Однако на «Мадонне из Брюгге» Мария смотрит в пол, в сторону от своего ребенка. Она также едва держит младенца Иисуса, который выглядит так, словно вот-вот уйдет сам.
Считается, что торжественное выражение лица Марии свидетельствует о том, что она догадывается о судьбе своего сына.
Мадонна из Брюгге (ок. 1501-1504), Микеланджело; Michelangelo, CC0, via Wikimedia Commons
Обычно на картинах изображается улыбающийся, похожий на херувима младенец Иисус. Однако младенец Иисус на «Мадонне из Брюгге» имеет такое же каменное лицо, как и Дева Мария. Это еще раз показывает, что он знает о своей судьбе. То, как он стоит без особой помощи Марии, показывает, что однажды он станет лидером.
У «Мадонны из Брюгге» очень запутанная история, она дважды была украдена у бельгийцев.
В 1794 году знаменитая скульптура эпохи Возрождения была украдена французскими революционерами, которые захватили район и увезли «Мадонну Брюгге» с собой в Париж. Она оставалась в Париже до 1816 года, после изгнания Наполеона. В 1944 году, во время Второй мировой войны, она была снова украдена нацистами, которые тайно перевезли ее в фургоне Красного Креста. К счастью, она была найдена и возвращена в Бельгию два года спустя после окончания войны.
Геркулес и Какус (ок. 1525 — 1534) Бартоломмео Бандинелли
| Год изготовления | c. 1525-1534 |
| Материал | Мрамор |
| Размеры | 505 см |
| Текущее местонахождение | Пьяцца делла Синьория, Флоренция, Италия |
Скульптура Геркулеса и Какуса в стиле итальянского Возрождения была завершена Бартоломео Бандинелли примерно в 1534 году. История появления этой скульптуры очень бурная, на нее сильно повлияла политическая нестабильность того времени. Вероятно, именно поэтому в эпоху Возрождения скульптура не получила той похвалы, которую она получает сегодня.
Первоначально проект был заказан в 1507 году флорентийским республиканским советом под руководством Пьеро Содерини. Заказ был впервые передан Микеланджело и предназначался для сопровождения его «Давида». Скульптура должна была праздновать изгнание Медичи, семьи олигархов, из Флоренции в 1494 году. Однако папа Юлий II занимал Микеланджело различными проектами в Ватикане, такими как роспись потолка Сикстинской капеллы.
Хотя Микеланджело предпочитал скульптуру живописи, он чувствовал, что не может отказать папе из-за своих религиозных убеждений.
Геркулес и Какус (ок. 1525-1534), автор Бартоломмео Бандинелли; Морио, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons
В том же году, когда совет республики заказал скульптуру, для проекта был добыт блок каррарского мрамора. Однако в 1512 году с помощью католической церкви и испанских войск Медичи вернули контроль над Флоренцией. Во время этой политической нестабильности мраморная глыба была забыта. Когда в 1523 году он был вновь обнаружен, Джулио Медичи приказал Бандинелли взять его и создать скульптуру, символизирующую победу Медичи над своими врагами.
Однако в 1527 году Медичи снова были изгнаны, и мрамор был передан Микеланджело в полузаконченном виде.
Не успел Микеланджело приступить к работе, как в 1530 году семья Медичи в последний раз вернулась во Флоренцию. Медичи вернули мрамор Бандинелли. В качестве темы для скульптуры он выбрал римский миф о Геркулесе и Какусе. Миф повествует о чудовище Какусе, который крадет скот у Геракла. Геркулес, герой римской мифологии, убивает чудовище. Геркулес и Какус стали символизировать Медичи, похищающих гражданские свободы Флоренции. По этой причине картина подверглась резкой критике в свое время.
Персей с головой Медузы (ок. 1545 — 1554) Бенвенуто Челлини
| Год изготовления | c. 1545-1554 |
| Материал | Бронза |
| Размеры | 24,5 см x 71,5 см |
| Текущее местонахождение | Национальный музей Барджелло, Флоренция, Италия |
Персей с головой Медузы был создан около 1545 года знаменитым скульптором эпохи Возрождения Бенвенуто Челлини. Челлини изначально учился на ювелира, и бронзовый Персей с головой Медузы является свидетельством его невероятной способности обрабатывать металл.
Скульптура была отмечена как один из самых образцовых примеров маньеризма эпохи позднего Возрождения.
Как и многие другие знаменитые скульптуры эпохи Возрождения, «Персей с головой Медузы» был выполнен по заказу семьи Медичи. Для создания «Персея с головой Медузы» Челлини решил использовать нетипичную для того времени технику. Он сформировал единый слепок, с помощью которого отлил бронзу. Это еще раз продемонстрировало его невероятное мастерство художника, так как это было нелегко.
Персей с головой Медузы (ок. 1545-1554), Бенвенуто Челлини; Брэдли Вебер, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Персей с головой Медузы изображает одну из самых известных историй в греческой мифологии. В этом мифе Персею удается избежать превращения в камень под взглядом Медузы, посмотрев на ее отражение в своем щите. Челлини изобразил это в «Персее с головой Медузы», изваяв свое собственное отражение на задней части шлема Персея. Миф заканчивается тем, что Персей отрубает голову Медузы, пока она спит.
Челлини сделал основание своей скульптуры частью скульптуры, что было совершенно уникальным для того времени.
Убитое тело Медузы было использовано в качестве основания, на котором стоит Персей. Челлини также использовал основание как возможность передать тонкое политическое послание. Змеи выползают из тела Горгоны, олицетворяя Медичи, захвативших город Флоренцию и угрожающих их демократии.
Низложение (ок. 1547 — 1555) Микеланджело
| Год изготовления | c. 1547-1555 |
| Материал | Мрамор |
| Размеры | 277 см |
| Текущее местонахождение | Муза дель Опера дель Куомо, Флоренция, Италия |
Микеланджело начал работу над «Изложением» примерно в 1555 году, когда ему было около 70 лет. Это одна из последних скульптур, которые он создал перед смертью, и она не была заказной работой. По этой причине считается, что она предназначалась для украшения его собственной гробницы.
Из-за религиозной тематики ее иногда называют «флорентийской Пьета».
Снятие с креста было выполнено из чистого белого мрамора и состоит из четырех фигур. Христос, которого снимают с креста, Дева Мария, Мария Магдалина и священник, который будет бальзамировать Христа, Никодим. Многие искусствоведы считают, что фигура Никодима была изваяна по подобию самого художника.
Изложение (ок. 1547 — 1555), Микеланджело; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Говорят, что Микеланджело часто работал над «Изложением» до поздней ночи. Однажды ночью он расстроился и взял молоток, повредив скульптуру в нескольких местах. Неясно, что заставило его сделать это. Одни говорят, что это была неудовлетворенность работой, другие считают, что это была борьба с его религиозными убеждениями.
Каковы бы ни были причины, Микеланджело больше никогда не работал над картиной, продав ее в поврежденном и полузаконченном состоянии.
Картину «Изложение» купил Франческо Бандини, богатый флорентийский бизнесмен. Затем он поручил завершить скульптуру Тиберио Кальканьи, бывшему ученику Микеланджело. Из-за смены художника, а также повреждений, нанесенных Микеланджело, в скульптуре появилось много несоответствий, например, у Христа отсутствует нога. В конечном итоге «Изложение» было продано, уже в завершенном виде, Козимо Медичи III, который затем выставил его в различных музеях Флоренции.
Похищение сабинянки (ок. 1579 — 1583) работы Джамболоньи
| Год изготовления | c. 1579-1583 |
| Материал | Мрамор |
| Размеры | 410 см |
| Текущее местонахождение | Лоджия деи Ланци, Флоренция, Италия |
Похищение сабинянки» было завершено около 1579 года фламандским скульптором Джамболонья. В юности Джамболонья учился в Антверпене, а затем переехал в Рим, чтобы учиться у итальянских мастеров.
Его стиль маньеризма оказал особое влияние на эпоху барокко, которая последовала за поздним Возрождением.
Похищение сабинянки» часто называют «Изнасилование сабинянок». Однако это неправильный перевод латинского rapio, которое на самом деле означает «утаскивать». Скульптура рассказывает римскую легенду, в которой Ромул, один из основателей Рима, похищает несколько сабинских женщин. Он и его войска нуждались в женах, чтобы помочь им заселить территорию. Однако местное племя сабинов не позволило римлянам взять в жены ни одну из своих женщин. Поэтому они устроили религиозный праздник, чтобы собрать всех сабинских женщин и украсть их.
Похищение сабинянки (ок. 1579-1583), автор Джамболонья; Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Похищение сабинянки» вырезано из цельного блока мрамора, что требует огромного мастерства. Она была создана в круглой форме, а ее сложная композиция делает ее невероятным произведением искусства со всех точек зрения. На картине изображены три движущиеся фигуры: сабинянка с распростертыми руками, пытающаяся убежать, римский солдат, мышцы которого пульсируют, когда он пытается схватить ее; и пожилой мужчина, которого одни считают ее отцом, а другие — мужем.
Ясные эмоции и движения, показанные Джамболоньей, делают «Похищение сабинянки» таким важным произведением маньеризма.
Похищение сабинянки», выполненное по заказу семьи Медичи, широко прославилось в эпоху позднего Возрождения. Под их покровительством Медичи запретили Джамболонье покидать Флоренцию. Это было связано с тем, что они опасались, что монархи Испании и Австрии увидят его блестящие работы и позовут его работать на них.
На этом мы завершаем список знаменитых скульптур эпохи Возрождения. Мы увидели эволюцию мастерства и тем от Раннего Возрождения, Высокого Возрождения до Позднего Возрождения. Список великолепных скульптур, созданных в этот период, очень обширен. Вот почему было бы невозможно включить все великолепные скульптуры, созданные в этот период, в одну статью блога. Если вам понравилось читать об этих удивительных скульптурах и их захватывающей истории, мы приглашаем вас к дальнейшему знакомству.
Часто задаваемые вопросы
Какие черты определяют скульптуру эпохи Возрождения?
В скульптуре эпохи Возрождения обычно используется натурализм, который стремится сделать свои объекты как можно более реалистичными, используя пропорции и глубокую детализацию. Почти всегда тематика скульптур вдохновлялась римско-греческими или христианскими сюжетами. Наконец, в эпоху позднего Возрождения многие скульптуры были выполнены в стиле маньеризма — художественного направления, в котором использовались сложные формы и преувеличенные позы.
Как Микеланджело вырезал свои скульптуры?
Микеланджело был одним из величайших художников эпохи Возрождения и даже истории в целом. Обычно он вырезал свои скульптуры из отдельного блока мрамора, используя технику, называемую субтрактивной скульптурой. Когда его спрашивали, как он создавал такие прекрасные скульптуры, он часто отвечал, что просто давал волю тому, что уже было в мраморе.
