Испаноязычное искусство — взгляд на знаменитых испаноязычных художников и их работы

Испаноязычное искусство

Сегодня мы можем считать само собой разумеющимся, что испаноязычные художники — это те, кто живет и работает в испаноязычных странах. Но это определение усложняется карьерой таких художников, как Пабло Пикассо, Поль Гоген, Жан-Мишель Баския и Феликс Гонсалес-Торрес. Для того чтобы понять этот жанр, необходимо разобраться в его истории.

Оглавление

Краткая хронология испаноязычного искусства

Знаменитые произведения испаноязычного искусства — это глобальное явление, которое охватывает целый ряд художников в разные периоды. Художники майя и инков заложили свои основы наряду с испанскими и иберийскими художниками XVI и XVII веков, добавив тот конгломератный стиль, который стал ассоциироваться с латиноамериканским искусством.

Золотой век Испании (1492 — 1659)

Около 1500 года, в связи с политическим объединением и ростом Испанской империи под властью Габсбургов и католических монархов, Испания вступила в золотой век искусства. Испанские художники эпохи барокко, такие как Франсиско де Зурбаран (1598 — 1664) и Бартоломе Эстебан Мурильо (1617 — 1682), были отмечены за свой вклад.

Работы Зурбарана были более жесткими, а Мурильо был известен своими более мягкими мазками.

Примеры знаменитых испаноязычных произведений искусства

Возможный автопортрет Франсиско де Зурбарана в картине «Святой Лука как художник перед Христом на кресте» (1635 — 1640), автор Франсиско де Зурбаран; Francisco de Zurbarán , Public domain, via Wikimedia Commons

Зурбаран, испытавший влияние Караваджо, был ведущим художником Севильи середины 1600-х годов. Он был известен тем, что рисовал монахинь, монахов и мучеников для испанских религиозных орденов. С появлением живописи рококо жесткий стиль Зурбарана вышел из моды, сделав Мурильо звездой и заставив Зурбарана начать создавать работы для экспорта в новый мир. На картине Мурильо «Святое семейство» (1660) изображен молодой Иосиф, играющий с младенцем Иисусом. Его изображения католических религиозных образов были более реалистичным подходом к предмету.

Мурильо, наибольшее влияние на которого оказал Диего Веласкес, получил признание благодаря своим картинам, в которых религиозные образы сочетались с бытовыми сценами.

Новый Свет (1492 — ок. 1820 гг.)

Американский континент был грозным центром торговли задолго до испанского завоевания. Это был золотой век для коренного американского населения, которое распространилось по всей Америке. Если в Азии были кораллы, жемчуг и специи, то в новом мире — золото, серебро и новые виды растительности, такие как кукуруза и агава.

В результате этого обмена родились новые визуальные культуры.

Испаноязычные художники

Святое семейство (ок. 1600) Бартоломе Эстебан Мурильо; Бартоломе Эстебан Мурильо , Общественное достояние, через Wikimedia Commons

В ходе испанского завоевания испанские поселенцы создали социально-политические единицы, называемые энкомиендами, в таких местах, как Перу и Мексика, где они могли контролировать тихоокеанские порты и получать доступ к фарфору, нефриту, жемчугу и кораллам, которые хлынули в Южную Америку. Хотя Испания не могла предложить многого в плане торговли, она привезла с собой всемирно известное художественное образование.

Сюда прибыли десятки испанских художников, которые изменили ход развития визуальной культуры в новом мире. И наоборот, искусство коренных американцев оказало огромное влияние на европейское искусство.

Одним из самых больших влияний стал новый цвет мира Кармин, который сначала использовали Толтеки и Миштеки, а затем мир Ацтеков. Он происходит от жука-скарабея, который живет на кактусах и дает ярко-красный цвет. Яркий красно-оранжевый цвет кармина похож на малиновый и встречается на многих картинах эпохи барокко. Он используется в цветах на лифе инфанты, на всем заднем плане и на дублете креста Сантьяго на автопортрете Диего Веласкеса «Лас Менинас» (1656). Блеск, который был бы невозможен без инноваций из Нового Света.

Барокко Нового Света

Большая часть ранних колониальных изображений в Южной Америке была посвящена обращению коренного населения в христианство. Через искусство обращения коренные американские художники познакомились с европейскими техниками, и вскоре южноамериканцы начали писать себя в христианской иконографии. У них не было такой подготовки, как у художников-иммигрантов, но они использовали все, что могли, из европейского искусства, чтобы разработать совершенно новый стиль.

Импортированный, перегруженный стиль испанского и португальского барокко был преобразован в то, что мы можем назвать ультрабарокко. Богатства нового мира позволили реализовать амбициозные проекты, в которых сочетались готика, барокко, рококо, ислам и ренессанс с чувствами коренных американцев.

Пример знаменитых испаноязычных картин

Дева Апокалипсиса (ок. 1689 г.) Хуан Корреа, Мигель Кабрера и Хосе де Ибарра; Мигель Кабрера , Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Хуан Корреа (1646 — 1716) может считаться первым по-настоящему великим мексиканским художником. В картине «Дева Апокалипсиса» (ок. 1689) иконографические образы изображают версию Девы Марии, но, как и в аналогичных картинах того времени, таких как почитаемая Дева Гваделупская (1531), Мария стала символом местных идей и местных практик, а не прямым инструментом католицизма. В работах Хуана Корреа заметно острое влияние Зурбарана.

Вдохновленный Мурильо, Мигель Матео Мальдонадо-и-Кабрера (1695 — 1768) был одним из самых известных живописцев вице-королевской Мексики XVIII века.

Картина «Посещение» (XVIII век) представляет собой откровенное изображение Марии и Елизаветы, которые узнают, что Мария станет матерью Бога. На заднем плане Иосиф сжимает руки Захарии, который является мужем Елизаветы. На европейских картинах, изображающих посещение, Иосиф не присутствует. В Южной Америке по какой-то причине Иосиф стал гораздо более заметной фигурой.

  Картины Фриды Кало - взгляд на самые известные картины Фриды Кало

Школа Куско (16, 17 и 18 века)

Школа Куско развивалась в Куско и его окрестностях в конце XVI — начале XVIII века. Их римско-католические образы представляли собой смесь барокко, рококо и местной иконографии. Эти художники распространились по всему региону от Боливии до Эквадора и Перу. Многие из них не имели формального образования, но учились технике маньеризма у итальянского художника-иезуита Демокрито Бернардо Битти (1548-1610).

Диего Киспе Тито (1611 — 1681) был самым известным художником, вышедшим из этого движения, отчасти из-за того, что многие художники остались неизвестными.

Известные испаноязычные художники

Кармельская Дева, спасающая души в чистилище (где-то между 1600 и 1699 гг.), Диего Киспе Тито; Круг Диего Киспе Тито, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Святой Иосиф с младенцем Христом (19 век) изображает Иосифа, ведущего за руку младенца Христа. В отличие от большинства европейских религиозных изображений, Иосиф изображен молодым, красивым мужчиной. Быстро став святым покровителем в новом мире, многие изображения Иосифа означали отцовство и покровительство. Католическая церковь воспользовалась этим, чтобы дать понять, что она готова стать приемным отцом нового мира.

Движения за независимость

После Французской революции (1789 — 1799 гг.) наполеоновские войска прорвались через всю Испанию и захватили Мадрид. С 1800 по 1833 год Испания была погружена в войны за независимость. Габсбурги потеряли контроль над Испанией в 1700 году, что привело к появлению династии Бурбонов. Однако династия Бурбонов была уничтожена в результате Июльской революции 1830 года.

Под влиянием этих перемен Мексика обрела независимость в 1821 году после 400 лет испанского владычества.

Известные латиноамериканские художники

Автопортрет Хосе Марии Веласко Гомеса (1894), автор Хосе Мария Веласко Гомес; Национальный музей искусств, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В 19 веке наблюдался подъем таких художников, как Хосе Мария Веласко Гомес (1840-1912), который прославлял мексиканское наследие в таких картинах, как «Пирамида Солнца в Теотиуакане» (1878). Подобно тому, как Европа предъявляла претензии к великим цивилизациям прошлого, таким как греки и римляне, новый мир примирился со своими собственными великими цивилизациями.

Ацтеки и инки были живыми культурами, когда завоеватели стремились стереть их культуры, чтобы освободить место для христианства. Только в XIX и XX веках такие места, как Теотиуакан, Мексика, построенный ацтеками, подверглись археологическим раскопкам и стали основными символами национальной идентичности.

Мексиканская революция, начавшаяся в 1910 году, была направлена на свержение диктатуры Порфирио Диаса. Ее окончание в 1920 году оказало огромное влияние на испаноязычное искусство, и началась миссия по преобразованию страны.

Латиноамериканские художники

Въезд генерала Порфирио Диаса в Пуэблу (1902), автор Франсиско де Паула Мендоса; Музей Сумайя, общественное достояние, через Wikimedia Commons.

Великий всплеск творчества, который произошел после Мексиканской революции, ознаменовал собой движение к самопознанию и самореализации мексиканского народа. К 1925 году Мексика переживала художественный ренессанс, освободившись от европейских притязаний и католической морали.

Мехико стал меккой для художников и реформаторов, привлеченных его яркой жизнью.

Подобно церковным украшениям прошлого, фрески впервые стали популярными, поскольку в новом мире население было в основном неграмотным. Фрески были способом донести до людей социально-политические идеи с помощью изображений. И по сей день фрески остаются ключевой особенностью латиноамериканских кварталов по всему миру.

Латиноамериканские художники

Латиноамериканские художники были первопроходцами, которые не боялись говорить о социальных условиях своего времени. Как бы ни отличались они по происхождению или географическому положению, визуальные культуры испаноязычных художников объединяет качество видения. На протяжении всей истории искусства знаменитые картины испаноязычных художников вписывались в культурный контекст, создавая искусство, которое было одновременно красивым и значимым.

Диего Веласкес (1599 — 1660)

Диего Веласкес родился во внутреннем порту Севильи, который стал чрезвычайно богатым, поскольку был главным портом торговли с новым миром. Это был также крупный религиозный центр, в котором работали десятки художников, создававших украшения для церквей и монастырей.

В конце 1620-х годов Веласкес стал придворным художником короля Филиппа IV. За 40 лет работы Веласкеса в качестве главного художника испанского двора он прославился на всю Европу своими королевскими портретами. Когда Веласкесу было 57 лет, он завершил работу над картиной «Лас Менинас» (1656).

Знаменитые испаноязычные художники

Лас Менинас (Фрейлины) (1656-1657) Диего Веласкеса, находится в музее Прадо в Испании; Diego Velázquez , Public domain, via Wikimedia Commons

На огромном полотне изображена группа фигур в мастерской Веласкеса в королевском дворце в Мадриде. В центре картины стоит пятилетняя принцесса, инфанта Маргарита, окруженная членами своей свиты. Впервые Веласкес включил себя в число придворных, но более того, он показал себя в процессе написания картины.

В «Лас Менинас» Веласкес бросил вызов традициям королевского портрета.

Он перевернул композицию и сделал самые важные фигуры в сцене, короля и королеву Испании, практически отсутствующими, нарисованными только через слабое отражение в зеркале. Таким образом, они оказались за пределами картины, на месте зрителя. По этой причине «Лас Менинас» является одной из самых обсуждаемых и знаменитых картин в истории искусства.

Франсиско Гойя (1746 — 1828)

Испанский художник Франсиско Гойя считается последним из старых мастеров, и его работы помогли продвинуть западное искусство к модернизму. Гойя родился в конце XVIII века в период больших перемен в Испании. Идеи просвещения распространялись по Европе и ставили под сомнение традиционные представления, на которых было построено общество. Хотя он был придворным художником Карла III, он продолжал работать придворным художником в Мадриде во время французской оккупации.

Гойя провел много лет, как во время, так и после оккупации, создавая знаменитую серию «Бедствия войны» (1810-1820), в которой осуждались ужасы войны и зверства, совершенные обеими сторонами.

Знаменитые латиноамериканские художники

Бедствия войны № 39: Grande Hazana! Con Muertos! (между 1810 и 1820 гг.) Франсиско Гойя; Франсиско де Гойя , Общественное достояние, через Wikimedia Commons

  "Примавера" Сандро Боттичелли - анализ картины "Примавера"

Бедствия войны № 39: Grande Hazana! Con Muertos!» — одна из самых известных картин на шокирующую тему. Она была опубликована лишь спустя примерно 35 лет после смерти Гойи. Гойя создал эти изображения не для того, чтобы прославить или оправдать действия Испании. Вместо этого он представил конфликт как нагромождение отдельных актов резни и варварства.

Картина «Бедствия войны» разрушает представления о героизме и храбрости, которые заслоняют истинные ужасы войны.

Влияние этой работы было настолько широко ощутимо, что многие художники, пришедшие после Гойи, смотрели на войну столь же скептически. Картина Пикассо «Герника» (1937) приходит на ум как образ, продолжающий эту традицию.

Пабло Пикассо (1881 — 1973)

Большая часть творческой жизни Пабло Пикассо прошла во Франции, но следует отметить его связь с испанскими корнями. В 1906 году, увидев их в Лувре, Пикассо был очарован грубой суровостью древних иберийских голов. Тяжелые веки и огромные уши предложили Пикассо альтернативный способ изображения мира.

Масштабы этого влияния на Пикассо будут осознаны в 1936 году. В тот год его родную страну Испанию раздирала жестокая гражданская война. В апреле 1937 года, поддерживая испанских фашистов, эскадрилья немецких самолетов 5000 бомбами сравняла с землей город Герника, удерживаемый коммунистической оппозицией, уничтожив более 1500 мирных жителей.

В ответ Пикассо создал «Гернику» (1937), возможно, самую важную картину 20-го века.

На ней изображено огромное месиво из искореженных, расчлененных конечностей. Зазубренная вспышка в верхней части полотна символизирует взрыв. Женщина в левой части картины, несущая труп своего ребенка, имеет лицо, как будто растворившееся от горя. Ее ноздри и глаза капают с головы. Ее рот с пронзительным языком создает почти слышимое изображение пронзительного звука ее крика.

Впервые «Герника» была показана в испанском павильоне на Всемирной выставке в Париже в 1937 году.

Когда Испания столкнулась со Второй мировой войной, с нацистской Германией на одном конце и Советским Союзом на другом, картина стала символизировать варварские глубины, до которых может опуститься человечество. Она путешествовала более пятидесяти раз, прежде чем в конце концов была возвращена в Мадрид.

Хосе Клементе Ороско (1883 — 1949)

В таких фресках, как «Эпос американской цивилизации» (1932 — 1934), Хосе Клементе Ороско интегрировал истории и легенды коренных американцев в свой образ мексиканской идентичности, прослеживая траекторию вплоть до момента мексиканской революции. Эта стратегия окажет огромное влияние на искусство чикано, возникшее в начале XX века.

В эпических фресках Ороско сопоставление сцен древней Америки и современной Америки, в которых он подвергает критическому сомнению линейное повествование, затрагивает популярные истории о судьбе, идеологии и панамериканизме.

Первые четыре панели его фрески под названием «Кортес и крест» (1932-1934) изображают конкистадоров в сцене разрушения, большие валуны вздымаются к небу с обломками, зловещий крест, а под победным жестом закованного в броню Кортеса лежит груда обнаженных трупов.

Знаменитые латиноамериканские художники

Эпопея американской цивилизации (1932 — 1934) Хосе Клементе Ороско; английская Википедия в англоязычной Википедии, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Ороско нарушил американскую исключительность менталитета поселенцев, который стер другие культуры и сосредоточил англосаксонское повествование как историю Америки. Он сопоставил происходящее в 1930-е годы с образами испанской инквизиции, чтобы поставить под сомнение разворачивающиеся исторические события.

Не романтизируя мексиканскую идентичность, Ороско представил американскую историю с мексиканской точки зрения. Ороско изобразил Мексику как жертву внутренней и внешней коррупции. Он сосредоточился на крестьянской революции как эмблеме народной борьбы.

Революция представляла собой отказ от суверенной власти испанских завоевателей и либеральных правительств Мексики после обретения независимости. Будучи единственным темнокожим героем в современной части Дартмутских фресок, он олицетворял угрозу расового насилия, которая способствовала англо-американским страхам перед мексиканской революцией.

Диего Ривьера (1886 — 1957)

Диего Ривьера провел годы революции в Париже, изучая кубизм, где он стал пользоваться уважением своих коллег, среди которых был и Пикассо. Прославившийся на родине своими достижениями, он вернулся в Мексику в 1921 году после Мексиканской революции.

Наряду с Хосе Клементе Ороско и Давидом Альфаро Сикейросом, Ривьера был одним из «большой тройки» художников, которым было поручено покрыть стены общественных зданий фресками, рассказывающими о переписанной истории страны.

Настенные росписи Ривьеры повествовали о мифологии коренных американцев, испанском завоевании, чудесах индустриализации и восстании рабочего класса с помощью смелого использования цвета и упрощенных форм. Одна из лучших работ этого настенного движения — «История Мексики» (1929 — 1935), которая хранится в Национальном дворце в Мехико.

Жоан Миро (1893 — 1983)

Жоан Миро родился в Барселоне, но пейзажи и окрестности каталонского города Монт-Ройг стали важнейшими элементами его творчества. Картина «Возделанное поле» (1923), созданная в Монтройге, является, пожалуй, первым примером сюрреалистической живописи Миро. Она отсылала к его художественному наследию в доисторической латинской живописи.

Миро изобразил каталонский и французский флаги по обе стороны от шеста, в то время как испанский флаг развевался в одиночестве, возможно, демонстрируя свою поддержку порабощенного режима.

В 1934 году Испания погрузилась в смуту. Октябрьская революция охватила всю страну, что привело к экономическому спаду. Натюрморт со старым ботинком (1937) был создан во Франции, в то время как на родине, в Испании, происходила массовая резня тысяч людей.

Миро говорил, что символические элементы картины были подсознательными. Позже он понял, что вилка в яблоке может символизировать штык, пронзающий грудь врага. Использование цвета и тона вызывает клаустрофобическую реакцию на кусок старого хлеба и яблоко, пустую бутылку и старый ботинок.

Годы спустя художественные критики будут называть эту картину собственной версией «Герники» Миро.

Сальвадор Дали (1904 — 1989)

Сальвадор Дали родился на драматическом побережье северо-восточной Испании, и его творчество привлекало тем, что он рисовал невозможные миры, основанные на местах, которые он знал и любил. Чтобы полностью понять живопись Дали, необходимо знать Кадакес, город, где семья Дали проводила свои каникулы. Однажды Дали сказал: «Я не могу отделить себя от этого неба, этого моря, этих скал».

  Дженни Савиль - Исследование картин Дженни Савиль и ее вклада в искусство

Великий мастурбатор» (1929) основан на узнаваемой скале в Кадакесе, но его искажения реальности — это интерпретация Дали. На губах главного героя сидит кузнечик. Фигура в левой нижней части картины, чья тень ведет к двум другим фигурам, как говорят, представляет собой воспоминание Дали и его родителей о прогулке по пляжу в Кадакесе.

Став одним из самых известных художников, он вернулся в Кадакес в 1929 году, где написал несколько своих лучших картин. Его новое внимание к религиозному искусству привело его к картине «Христос Святого Иоанна Креста» (1951) с ее воздушным видом на распятие и побережье Кадакеса.

Фрида Кало (1907 — 1954)

Фрида Кало родилась в Мехико в 1907 году. Ее мать была коренной американкой из Оахаки, и она очень гордилась своим наследием. В 1910 году, когда Фриде исполнилось три года, по всей стране разразилась Мексиканская революция. Одной из интеллектуальных миссий послереволюционной Мексики была Национальная подготовительная школа. В 1922 году Фрида стала одной из первых студенток подготовительной школы.

В 21 год, когда насилие независимости было позади, Фрида присоединилась к творческой жизни города. Она общалась с сообществом марксистов, коммунистов, антиимпериалистов, лидеров, художников и политических изгнанников.

С ранних лет ее мучили болезни, и она умерла в возрасте 47 лет. Однако с годами ее глубоко личные и символические сюрреалистические картины сделали ее иконой искусства, феминистских и политических движений, а также поп-культуры.

Фрида Кало стала одной из самых известных художниц 20-го века.

Искусство чикано

Чикано возник как уничижительный термин, который мексиканцы использовали для описания мексиканцев, эмигрировавших в Америку. В конце 1960-х годов движение за гражданские права восстановило этот термин, который стал охватывать новый мексиканский опыт Америки.

Искусство чикано традиционно классифицировалось как народное искусство, и его корни уходят в мексиканские традиции фресок.

Карлос Альмарас был одним из первых художников чикано. Его картина Echo Park (Falling Angels), (1974) изображает абстрактные формы, спускающиеся на Echo Park, значимое место для латиноамериканцев. Картина «Еще одна авария (Полиция)» (1979) взята из его коллекции картин, посвященных автомобильным авариям, которые представляли угнетенное состояние внутри города.

На пастельной картине Лео Лимона из Лос-Анджелеса «Mas Guegod» (2000), что означает «больше игр», изображены ацтекские символы, окружающие курящую фигуру. Пастель стала распространенным средством в искусстве чикано благодаря своей доступности.

В искусстве чикано эти художники могут представлять свои собственные реалии, а не навязанные им определенные идентичности. Будучи американцами, которые в некоторой степени исключены из американской жизни, их опыт жизни во внутреннем городе, а также насилие и яркие эмоции, которые появляются, являются тем, что мы знаем как искусство чикано сегодня.

Патси Вальдес (1951 — настоящее время)

Одна из самых известных художниц чикана Патси Вальдес вышла из чиканского коллектива Asco, что по-испански означает «тошнота». Группа Asco вышла из панк-движения и действовала с 1972 по 1987 год. Экспериментируя с авангардными экспрессионистскими темами, Asco нарушила границы искусства чикано, которое до этого времени ограничивалось фресками и плакатами.

Вальдес была единственной женщиной из четырех членов-основателей. Ее картина «Голубая девушка в желтом платье» (1995) повторяет традиции, заложенные такими мексиканскими художницами, как Фрида Кало.

Композиция картины с ее перекошенными углами ставит нас в противоречие с традиционным снимком девочки, одетой в воскресное платье, в белых перчатках и маленьких розовых носочках, перед тем как идти на мессу.

Репрезентативная критика гендера в работах Вальдес придавала ее творчеству ярко выраженный феминистский характер. Ее картины сосредоточены на внутренних домашних пространствах, а ее изображения насыщены цветом, который создает сновидческие и эмоционально заряженные пространства.

Вальдес описывает свои картины как «фрагменты обстановки, которые я считаю воплощением моего опыта чикано».

Бесконечная эволюция

От древних форм искусства культур ацтеков, инков и майя до испанского золотого века и современных творческих сцен Мехико, Сан-Диего, Лос-Анджелеса или района залива — сердце испаноязычного искусства бьется благодаря различиям и внутренним связям, которые существовали на протяжении долгого времени.

Латиноамериканские художники никогда не отказываются от своего культурного влияния, а просто адаптируют прежнее влияние к новой среде. Эти эволюции представляют собой необходимость для постоянного изучения этого постоянно меняющегося жанра. Именно эти метаморфозы позволяют нам понять, чем на самом деле является испаноязычное искусство.

Часто задаваемые вопросы

Откуда взялся термин «испаноязычный»?

Англо-американские поселенцы освободили себя от варварства Испанской империи. Создание термина «испаноязычный» было основано на идеологическом различии между двумя колониями. Он разделял людей, которые не были белыми или англосаксами, и со временем термин испаноязычный стал синонимом неамериканского происхождения, не принимая во внимание тот факт, что границы между Соединенными Штатами и Мексикой были изобретением европейцев.

Что такое картины каста?

Картины Каста являются важной частью истории искусства Латинской Америки и демонстрируют влияние культуры на искусство. Картины Каста использовались для передачи превосходства белых, пропагандируя идею доминирования европейцев в социальной и расовой иерархии.

Какое отношение испаноязычное искусство имеет к африканскому?

Знаменитые произведения испаноязычного искусства часто включают в себя множество слоев культурного влияния. Испанские и португальские колонизаторы привезли с собой миллионы африканских рабов, что привело к интеграции вековых африканских традиций изобразительного искусства в регионе.

Кто самый известный из испаноязычных художников?

Самые известные испаноязычные картины были созданы Пабло Пикассо. Возможно, большую часть своего времени он проводил в Париже, но Пикассо был прежде всего испанским художником и всегда обращался за вдохновением к своим испанским корням.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий

Adblock
detector