Движение неоклассицизма зародилось в Риме и в значительной степени возникло под влиянием работ Иоганна Иоахима Винкельмана, опубликованных во время раскопок древнеримских городов Геркуланум и Помпеи. Повторное открытие классического стиля вызвало возрождение интереса к греко-римским идеалам в области искусства, культуры и древностей. Это увлечение античностью стало основой вдохновения для многих великолепных произведений искусства. После собственного исследования мы сделали подборку из 10 самых известных неоклассических картин, которые мы рассмотрим в этой статье.
Оглавление
Что означал период неоклассицизма?
Неоклассицизм — это термин, обозначающий движения, происходившие в западном изобразительном и декоративном искусстве, которые были преимущественно вдохновлены искусством и культурой Древней Греции и Рима. Концепция, которой придерживались древние греки, о том, что красота существует во внешнем виде и форме, очень важна для понимания неоклассицизма.
Мы видим, что неоклассицизм был возрождением этого классического стиля, где техническое мастерство, баланс и точная форма были предпочтительнее индивидуальности художника.
Чтобы получить реальное представление о художественном движении неоклассицизма, важно определить место этого периода в истории. Неоклассицизм развился в середине 18 века как реакция и оппозиция чрезмерной фривольности и пышности предшествующих ему направлений барокко и рококо. Неоклассицизм стал примером рационального мышления эпохи Просвещения, наступившей в 18 веке. Неоклассическое движение продолжалось до начала 19 века, где оно соперничало с движением романтизма.
Классическая аллегория (ок. 1800) неизвестного художника; Неизвестный автор Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Археологические находки, сделанные при раскопках древнеримских городов Геркуланум и Помпеи в 18 веке, послужили основанием для возрождения классического искусства. Иоганн Иоахим Винкельман, немецкий историк искусства и археолог, опубликовал работы, написанные после этих раскопок, которые, в свою очередь, возродили интерес к классицизму в искусстве.
Этот возрожденный интерес вскоре распространился по всей Европе вместе с популярностью Гранд-тура.
Рим был в авангарде неоклассицизма, но вскоре это движение распространилось и на остальную Европу. Когда студенты-искусствоведы возвращались из поездки в Италию, они привозили с собой новаторские идеи, вызванные новым открытием греко-римских идеалов в области искусства, культуры и древностей. Это стало основой вдохновения для многих невероятно известных неоклассических картин.
Большая одалиска (1814), Жан Огюст Доминик Ингр ; Jean Auguste Dominique Ingres, Public domain, via Wikimedia Commons
Неоклассические произведения искусства характеризовались использованием неглубокого пространства, нединамичных и сильных линий, темных и приглушенных цветов, без заметных мазков кисти и четких форм для выражения моральных образов самопожертвования и самоотречения. Картины этого движения были представлены хорошо продуманными, исторически точными декорациями и костюмами.
Неоклассицисты считали, что искусство должно быть серьезным. В этих картинах использовались сдержанность и спокойствие.
Неоклассическое искусство фокусировалось на героических изображениях из классической истории и литературы, которые соответствовали предполагаемому этическому превосходству античности. Проще говоря, неоклассицизм был не просто художественным течением. На самом деле, французские неоклассицисты поддерживали Французскую революцию и использовали свое искусство для выражения своих убеждений в поддержку политических потрясений.
Жанна д’Арк на коронации Карла VII (1854), Жан Огюст Доминик Ингр; Jean Auguste Dominique Ingres, Public domain, via Wikimedia Commons
10 самых известных неоклассических картин
Период неоклассицизма начался в середине 1700-х годов и продолжался до 1800-х годов. Он проложил путь для многих невероятных произведений искусства. Неоклассическое движение охватывало идеалы и темы из прошлого. На картины оказали сильное влияние искусство и культура Древнего Рима и Греции, и мы видим это в стиле и тематике картин. Основное внимание в этих картинах уделялось балансу, порядку, техническому мастерству и исторической точности.
Вот наша подборка 10 самых известных неоклассических картин.
Парнас» (1761) Антона Рафаэля Менгса
| Художник | Антон Рафаэль Менгс |
| Дата написания | 1761 |
| Средство | Масло на панели |
| Размеры | 55 см x 101 см |
| Где находится в настоящее время | Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия |
Картина Антона Рафаэля Менгса «Парнас» была создана как эскиз к его великолепной фреске на вилле Альбани в Риме. Фреска Менгса способствовала становлению живописи неоклассицизма. В своей картине «Парнас» Менгс отошел от традиций барокко и использовал художественные традиции неоклассицизма.
Композиция картины была вдохновлена фресковой версией «Парнаса» Рафаэля, находящейся в Станце делла Сегнатура Ватиканского дворца в Риме.
Центральной фигурой на картине является Аполлон, бог солнца согласно греческой мифологии, он несет лиру и лавровый венок, которые являются узнаваемыми символами, традиционно ассоциирующимися с ним. По обе стороны от Аполлона его окружают музы. Справа Менгс изобразил Каллиопу, Эвтерпу, Полигимнию, Уранию и Мельпомену. Слева от Аполлона — Клио, Эрато, Талия и Терпсихора.
Парнас (после 1761 года) Антон Рафаэль Менгс ; Антон Рафаэль Менгс, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Историк искусства Й.Й. Винкельман, который был близким другом Менгса, посоветовал ему сделать композицию «Парнаса» простой, немноголюдной и неглубокой, а фигуры изобразить статными в статичных позах. Хотя в изображении Менгса можно заметить влияние Рафаэля, композиция картины Менгса все же достаточно оригинальна.
Среди других влияний Менгса были древние фрески, которые он видел на местах раскопок в Помпеях и Геркулануме.
Вклад Менгса в искусство был широко почитаем, поскольку он считался одним из величайших европейских живописцев своего времени. Его изображение Парнаса сыграло важную роль в становлении популярности живописи неоклассицизма в Италии, которая затем распространилась на остальную Европу.
Смерть генерала Вульфа (1770) Бенджамин Уэст
| Художник | Бенджамин Уэст |
| Дата написания | 1770 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 151 см x 213 см |
| Где находится в настоящее время | Национальная галерея Канады |
Бенджамин Уэст был британско-американским художником, который прославился своими картинами с историческими сценами. Одной из самых известных его неоклассических картин была «Смерть генерала Вульфа», законченная в 1770 году. Картина представляет собой изображение битвы при Квебеке в момент гибели генерала Джеймса Вулфа. Генерал Вулф — центральная фигура на поле боя, он лежит, и его подпертое тело служит основанием пирамидальной формы, которую образуют окружающие его офицеры, пик которой приходится на частично поднятый флаг, создавая треугольную композицию.
Картина служит примером искусства неоклассического стиля, это видно по тому, как бледные лица фигур освещены в христоподобной манере, что делает их эмоциональным фокусом картины.
В левой части картины фигуры находятся в позе, передающей их страдания, что напоминает изображение оплакивания Христа. Картина Уэста передает ощущение драмы на поле боя с героической жертвой, означающей конец битвы, что способствует предположению о мученичестве.
Смерть генерала Вульфа (1770), Бенджамин Уэст; Бенджамин Уэст, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В этой знаменитой неоклассической картине Уэст изобразил современное событие, и в связи с этим он решил одеть свои фигуры в современные мундиры, а не в костюмы в классическом стиле. В то время это вызвало споры, но новаторский выбор Уэста был сделан для обеспечения исторической точности. Однако, благодаря включению в картину определенных идентифицируемых фигур, которых на самом деле не было во время битвы, мы понимаем, что Уэст изобразил смерть генерала Вулфа скорее фигурально, чем буквально.
Хотя включение исторических фигур, таких как капитан Харви Смайт, который изображен держащим руку Вулфа, придает картине ощущение исторической важности, они, в свою очередь, делают изображение Уэста исторически неточным.
В картине «Смерть генерала Вулфа» мы видим художественную интерпретацию Уэстом исторического события, целью которой было создание культовой картины с изображением британского героя генерала Вулфа. Выбор Уэста одеть фигуры в современную униформу повлиял на многих художников в сторону написания современных исторических сцен, которые в других случаях были написаны в греческой или римской обстановке. Несмотря на то, что движение уже началось, успех картины Уэста «Смерть генерала Вульфа» закрепил стиль современной исторической живописи.
Клятва горациев (1784) Жак-Луи Давид
| Художник | Жак-Луи Давид |
| Дата написания | 1784 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 329,8 см x 424,8 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Лувра, Париж, Франция |
Художник-неоклассик Жак-Луи Давид считается пионером неоклассической живописи. Картина Давида «Клятва Горациев» сразу же получила огромный успех у публики и критиков и считается одной из самых известных неоклассических картин этого направления. На картине Давида изображена римская легенда, сцена о двух воюющих городах, Альба-Лонге и Риме. Каждый город выбирает трех своих мужчин для участия в войне, вместо того чтобы отправлять на войну целые армии.
Город-победитель определялся победителями в поединке.
Картина представляет собой изображение римской семьи Горациев. Три сына стоят в приветствии с вытянутыми руками в знак верности своему отцу, который держит их мечи. Визуально мечи составляют центральную точку изображения, а схождение рук фигур уравновешивает композицию картины и дополнительно передает важность солидарности, патриотического самопожертвования, долга и верности.
Клятва Горациев (1784), Жак-Луи Давид; Анн-Луи Жироде де Русси-Триосон, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Клятва Горациев» демонстрирует квинтэссенцию искусства неоклассического стиля с такими компонентами, как героические фигуры, сдержанные цвета, сильные линии и центральная перспектива. Мазки кисти Давида не видны, особенно в сравнении с предыдущими направлениями, такими как размашистые мазки кисти, характерные для направления рококо.
Этот технический выбор призван подчеркнуть значимость истории, стоящей за произведением Давида, а не сосредоточиться на самой картине. Нет никакого отвлечения от темы.
Контраст темного фона и выделенного переднего плана создает ощущение мрачной решимости драматической сцены. Картина стала символом Французской революции, когда соотечественники приняли и осознали свою ответственность и долг перед своей страной. Искусство неоклассического периода Давида изобразило историю, которая была морально возвышенной, она пропагандировала важность гражданского долга и отражала ценности, связанные с неоклассическим идеализмом и эпохой Просвещения.
Корнелия, мать Гракхов, указывающая на своих детей как на свои сокровища (ок. 1785 г.), работа Ангелики Кауффманн
| Художник | Анжелика Кауффман |
| Дата написания | c. 1785 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 101,6 см x 127 см |
| Где находится в настоящее время | Музей изобразительных искусств штата Вирджиния, США |
Анжелика Кауффманн была известной неоклассической художницей швейцарского происхождения. На ее картине «Корнелия, мать Гракхов, указывающая на своих детей как на свои сокровища» архитектура в римском стиле обрамляет двух женщин, одетых в типичные древнеримские одежды. Трое детей, изображенных на картине, одеты в тоги и кожаные сандалии. Эта знаменитая картина являла собой образец добродетели.
С возрождением интереса к античному искусству и культуре возросло количество картин в стиле неоклассицизма, на которых изображались сюжеты классической древности.
Сцена, изображенная на картине Кауффмана, рассказывает о древнеримской женщине Корнелии, которая родила детей, ставших в будущем политическими лидерами. На картине изображена встреча между Корнелией, которая является центральной стоящей фигурой, и римской матроной.
Посетительница Корнелии, сидящая женщина в красном в правой части картины, показала Корнелии свои изысканные драгоценные камни и украшения. Когда посетительница просит Корнелию преподнести в ответ свои сокровища, Корнелия скромно преподносит своих детей, вместо того чтобы показать драгоценности и самоцветы. Кауффман искусно изобразил смущение и тревогу посетительницы, нахмурив брови и слегка приоткрыв рот.
Корнелия, мать Гракхов, указывающая на своих детей как на свои сокровища (ок. 1785), автор Ангелика Кауффманн; Angelica Kauffmann, Public domain, via Wikimedia Commons
В исторических картинах Кауффмана в центре внимания преимущественно находились женские сюжеты из классической мифологии и истории. Интерпретация Кауффманном классического идеализма и героизма обеспечивала включение женщин в повествование и отводила им центральную роль. Она подорвала господствующие условности, составляющие жанр исторической живописи, и предоставила своим зрителям новый взгляд на историю и ее различные представления.
Посыл картины ясен: самое ценное для женщины — это не материальные ценности, а ее дети, за которыми будущее.
Неоклассические произведения искусства должны были улучшить зрителя, передавая ему моральное послание, что и было сделано в картинах Кауффмана в стиле неоклассицизма. Кауффман оказал решающее влияние на художественную сцену Великобритании. Картина Кауффманна «Корнелия, мать Гракхов, указывающая на своих детей как на свои сокровища» по праву позиционирует ее как центральное явление в искусстве неоклассицизма.
Король Лир, плачущий над мертвым телом Корделии (1786 — 1788), Джеймс Барри
| Художник | Джеймс Барри |
| Дата написания | 1786 — 1788 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 269,2 см x 367 см |
| Где находится в настоящее время | Тейт, Лондон, Великобритания |
Джеймс Барри был ирландским художником-неоклассиком. Он считается новатором в контексте ирландского искусства. Неоклассическая картина Барри «Король Лир, плачущий над мертвым телом Корделии» принадлежит к коллекции, которая была создана для Шекспировской галереи Олдермана Бойделла. На этой работе изображен опустошенный король Лир, держащий на руках тело своей дочери Корделии.
Барри изобразил трагическую сцену на фоне героического пейзажа, где на заднем плане виден Стоунхендж.
Решение Барри изобразить именно этот момент сюжета «Короля Лира» оставило критиков равнодушными. Картина Барри смогла передать сюжет не через повествование, а с помощью стилистических кодов и композиции. Если вы обратите внимание на короля Лира, он стоит не в центре картины, а в правой ее части. Важно отметить фигуру короля Лира по отношению к другим элементам картины.
Король Лир, плачущий над мертвым телом Корделии (ок. 1786), Джеймс Барри; Джеймс Барри, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В центре картины Олбани и Эдгар, добродетельные мужчины, которые должны унаследовать состояние короля Лира, изображены в разных стилистических манерах. Фигура Эдгара героически смоделирована в греческом стиле, что соответствует общему стилю картины с ее четкими очертаниями, контурами и пространственной организацией, характерными для искусства неоклассического периода. Только фигура короля Лира не вписывается в сцену, как будто он вторгается в классическую сцену.
По сути, неоклассическое искусство Барри иллюстрирует два различных стиля 18 века, которые ассоциировались с Рафаэлем и Микеланджело. Барри отдавал предпочтение элегантности и сдержанности Рафаэля перед грандиозностью Микеланджело.
Композиция Барри носила стратегический характер и демонстрировала важность античности, в то время как неантикварное, которое он ассоциировал с фигурой короля Лира, считалось недействительным.
Барри был сторонником искусства неоклассического периода и исторической живописи. Однако после своего первого успеха как художника-неоклассика он был исключен из Королевской академии искусств в Лондоне. Барри умер в бедности, но его работы широко известны и по сей день, и он по-прежнему считается величайшим художником XVIII века в ирландской исторической живописи.
Автопортрет с дочерью (1789) Элизабет Луиза Виже Ле Брюн
| Художник | Элизабет Луиза Виже Ле Брюн |
| Дата написания | 1789 |
| Средство | Масло на дереве |
| Размеры | 130 см x 94 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Лувра, Париж, Франция |
Элизабет Луиза Виже Ле Брюн была известной французской художницей конца XVIII века, известной своими портретами. Хотя художественный стиль Ле Брюн в основном считается соответствующим стилю рококо, в ее живописи были использованы элементы неоклассицизма, что позволило ей соответствовать зарождению искусства неоклассического стиля.
Скромный портрет Ле Брюн контрастировал с обилием исторических картин и картин на мифологические сюжеты, которыми был наполнен конец XVIII века, и иллюстрировал интимные отношения между ней и ее дочерью Жюли.
Тень, отбрасываемая подбородком Ле Брюна на правый глаз Жюли, когда Жюли прижимается к шее Ле Брюна, вызывает чувство близости и прикосновения, которое может ощутить зритель. Их руки обхватывают друг друга, а их тела вместе образуют форму пирамиды, как будто они слились в одно целое, а их лица выражают естественную и искреннюю привязанность. Треугольная композиция фигур напоминает «Мадонну с младенцем» Рафаэля на его картине «Малая кауперовская мадонна». Отсылка к Рафаэлю придает картине вневременное качество.
Автопортрет с дочерью (1789) Элизабет Луиза Виже Ле Брюн; Elisabeth Louise Vigée-LeBrun, Public domain, via Wikimedia Commons
Голый фон освещает их фигуры мягким светом. Ле Брюн изобразила себя в платье, напоминающем древнегреческий стиль. Изображение одежды древнего периода находилось под влиянием неоклассицизма. Это можно интерпретировать как придание классического значения силе материнства.
Ле Брюн адаптирует типично стоический стиль картин неоклассицизма к тому, который изображает близость между матерью и дочерью, рисуя их теплые объятия.
Ле Брюн сделала себе имя, отчасти потому, что служила портретистом Марии-Антуанетты, что само по себе свидетельствует о ее огромных талантах. Важно помнить, что в Королевской академии изящных искусств во Франции только четыре должности были доступны художникам-женщинам. Ее способность запечатлеть универсальную привязанность между матерью и дочерью и передать их близость зрителю демонстрирует ее гениальность как художника и то, почему она была одной из четырех женщин-художниц, принятых в Академию.
Смерть Марата (1793) Жак-Луи Давид
| Художник | Жак-Луи Давид |
| Дата написания | 1793 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 162 см x 128 см |
| Где находится в настоящее время | Королевский музей изящных искусств Бельгии |
Одним из самых известных изображений Французской революции является картина Жака-Луи Давида «Убитый Жан-Поль Марат», который был одним из лидеров французской революции. Картина, написанная в 1793 году в неоклассическом стиле, изображает мертвое тело Марата, скорчившееся над ванной, залитое кровью, с пером и письмом в руке, после того как Шарлотта Кордей убила его 13 июля 1793 года.
Оригинал картины хранится в Королевском музее изящных искусств Бельгии, а копия, созданная студией Давида, является частью экспозиции Лувра в Париже.
Хотя искусство неоклассического периода было возрождением античности, в нем часто изображались современные сюжеты и сцены, которые были важны и актуальны для того времени. В картине «Смерть Марата» Жак-Луи Давид изобразил политически окрашенную картину, которая запечатлела важнейшее событие в истории. В соответствии с акцентом на историческую точность и реализм во время движения неоклассицизма, «Смерть Марата» изображает политический материал, не изменяя его.
Смерть Марата (1793), Жак-Луи Давид; Jacques-Louis David, Public domain, via Wikimedia Commons
Картина демонстрирует фирменный стиль неоклассической живописи Давида. Если вы посмотрите на композицию, то увидите, что она идеально сбалансирована; с Маратом в ванне на переднем плане образуется горизонтальная плоскость, которая уравновешивает минималистский фон картины. Свет резко освещает тело Марата, список в его руках, перо и орудие убийства, лежащее на полу в крови.
Если вы обратите особое внимание на изображение различных деталей, таких как установка ванны, зеленый ковер, перо и бумаги, вы заметите, что они относительно правдивы и реалистичны.
Однако в целом вы заметите, что стиль черпает вдохновение в классическом идеализме. Изображение Марата Давидом идеализировано и представляет собой скорее безупречного мученика, чем реалистичное изображение, например, Марат изображен с безупречной кожей вместо того, чтобы показать его явно выраженный дерматит.
Есть сходство с «Пьетой» Микеланджело, где обе работы изображают свисающую вытянутую руку; и «Погребением Христа» Караваджо, где обе картины подчеркивают драматизм и свет. Марат был изображен как «мученик революции», где его тело было выделено сияющим мягким светом, как это делается в христианском искусстве.
Различные отсылки Давида к классическому искусству подчеркивают его значение как знаменитой неоклассической картины и вклад во Французскую революцию.
Турецкая баня (ок. 1852 — 1862) Жан-Огюст-Доминик Ингр
| Художник | Жан-Огюст-Доминик Ингр |
| Дата написания | c. 1852 — 1862 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 108 см x 110 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Лувра, Париж, Франция |
Жан-Огюст-Доминик Ингр был выдающимся французским художником-неоклассиком, и одной из его самых известных неоклассических картин была «Турецкая баня». Картина была завершена между 1852 и 1859 годами, позже, в 1862 году, в нее были внесены изменения. Ингр изобразил группу обнаженных женщин в различных позах у бани внутри гарема. Ингр смог вызвать в памяти более ранний стиль, более западный, а также Древний Ближний Восток через свою картину, чтобы изобразить мифологическую тематику.
В «Турецкой бане» были расширены различные фигуры и мотивы, которые Ингр использовал в своих предыдущих картинах. Если вы посмотрите на центральную фигуру на переднем плане, которая повернута спиной и играет на мандолине, вы увидите, что она поразительно похожа на фигуру в «Вальпинсонской купальщице» из его картины 1808 года. Большое вдохновение также было почерпнуто из его картины «Великая одалиска» 1814 года. Фигуры в «Турецкой бане» не были написаны с живых моделей, они были вдохновлены его предыдущими картинами и рисунками.
Считается, что картина в значительной степени основана на рассказе леди Мэри Монтагу, которая описывала турецкий гарем, где она упомянула, что видела двести женщин в различных позах, которые беспечно растянулись.
Турецкая баня (ок. 1862), Жан Огюст Доминик Ингр ; Jean Auguste Dominique Ingres, Public domain, via Wikimedia Commons
В своем изображении Ингр исказил и изменил анатомию своих обнаженных натур в известной ему манере, чтобы создать фигуры, которые кажутся почти бескостными и извилистыми. Фигуры расположены гармонично и округло, с изогнутым расположением, которое усиливает эротический характер картины.
Мягкий и холодный свет освещает сцену, где бледная кожа женщин уравновешивается тонким включением экзотических узоров в тканях, драгоценностях и вазах, которые способствуют ощущению экзотических духов, витающих в воздухе, и парного тепла от текущей воды в бане.
Ингр включил в свои картины классические элементы, характерные для искусства неоклассического стиля. Ингр использовал приглушенные цвета и подчеркивал линейный дизайн в своих картинах, где его плотная работа кистью и техническое мастерство создавали изображения, которые были более реалистичными. Ингр считал, что именно линия, а не цвет, передает эмоции в его картинах.
Работы Ингреса оказали влияние на Матисса и Пикассо и могут рассматриваться как один из основных предшественников современного искусства.
Рождение Венеры (1879) Вильгельма-Адольфа Бугеро
| Художник | Вильгельм-Адольф Бугеро |
| Дата написания | 1879 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 300 см x 218 см |
| Где находится в настоящее время | Музей д’Орсэ, Париж, Франция |
Картина «Рождение Венеры» считается одной из самых известных неоклассических картин Вильгельма-Адольфа Бугеро. Бугеро изобразил историю происхождения Венеры из римской мифологии. В искусстве неоклассического стиля Бугеро изобразил транспортировку Венеры, полностью созревшей обнаженной женщины, в раковине из океана в Пафос на Кипре.
Венера, богиня красоты и любви, воплощала классические римские и греческие идеалы красоты и женской формы.
Композиция и сюжет напоминают предыдущие изображения картины эпохи Возрождения, такие как «Триумф Галатеи» Рафаэля с окруженными херувимами и «Рождение Венеры» Сандро Боттичелли. Однако, в отличие от картин Боттичелли и Рафаэля, Бугеро изобразил Венеру, подражая картинам неоклассицизма того времени с их классическими сюжетами и утонченным натурализмом, который вписывался в новый художественный стиль того времени.
Рождение Венеры (1879), Вильгельм-Адольф Бугеро; Вильгельм-Адольф Бугеро, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта картина считалась шедевром и иллюстрировала техническое мастерство Бугеро, а ее огромные размеры — три метра в высоту — делали Венеру в натуральную величину. Хотя Бугеро изобразил Венеру реалистично, его портрет все же ограничивал ее ролью идеала. Венера Бугро окружена восхищенными нимфами и херувимами, она элегантно стоит в позе «S», изогнутой контрапостом, которая была интерпретацией Бугро Венеры Анадиомены, помещая ее в классические римские и греческие сказания древности.
Бугеро позволяет зрителю рассмотреть каждый аспект Венеры, не стесняясь чувственности и наготы. Картина Бугеро в ее техническом совершенстве была признана большим успехом, за что он получил значительное признание.
Заблуждение и покой (1895) Джон Уильям Годвард
| Художник | Джон Уильям Годвард |
| Дата написания | 1895 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 60,6 см x 133 см |
| Где находится в настоящее время | J. Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес, США |
Джон Уильям Годвард — британский живописец, один из последних представителей неоклассического движения. Работы Годварда, вдохновленные классицизмом, с их тщательным вниманием к историческим деталям и чувственными фигурами, отражают его чувствительность и сложность как художника. Его картина Mischief and Repose иллюстрирует интерьерную сцену из Древнего Рима или Греции, которая следует неоклассической традиции.
Лежащая слева женщина, растянувшаяся на мраморной скамье на тигровой шкуре, — это «Поза», а женщина справа, сидящая на черной звериной шкуре, — «Заблуждение».
Женщины не вступают в контакт со зрителем, а холодный, академический, неоклассический стиль картины вместе с изображением бледной кожи Годуорда делает обе фигуры похожими на окаменевшие статуи, подражающие остальной мраморной комнате.
Mischief and Repose (1895) Джона Уильяма Годварда; Центр Гетти, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Две молодые женщины на картине Годварда одеты в струящиеся прозрачные одеяния, которые были созданы по образцу античного хитона. Для того, чтобы добиться прозрачной драпировки на своих фигурах, он сначала рисовал своих моделей обнаженными, затем наносил драпировку поверх моделей, которую затем соскабливал до полного высыхания краски, чтобы создать эффект прозрачности. Изображение мрамора на его картинах демонстрирует интенсивное археологическое изучение им классического периода, он был широко известен как мастер этого ремесла.
В своих картинах Годвард демонстрировал свои технические навыки. Его внимание к деталям было впечатляющим, поскольку он тратил время на изучение различных элементов, которые будут изображены на его картинах, включая архитектуру и одежду, которую он изображал на своих картинах. Все это было сделано в попытке сделать его изображения как можно более реалистичными. Такая преданность своему ремеслу сделала Годварда мастером искусства неоклассического периода, поэтому он считался одним из самых талантливых художников этого направления.
Известные неоклассические картины, о которых мы говорили в этой статье, остаются влиятельными произведениями искусства. Это движение, которое было возрождением классического стиля Древнего Рима и Греции, создало огромный выбор вдохновенных и поистине великолепных картин. Хотя в нашем списке представлены только 10 самых известных неоклассических картин, важно отметить, что существует множество великолепных картин неоклассицизма, не входящих в этот список. Если вам понравилась наша статья, мы рекомендуем вам продолжить знакомство с нашим сайтом, где вы найдете еще много тем по искусству.
Часто задаваемые вопросы
На чем сосредоточилось искусство неоклассицизма?
Неоклассическое движение ориентировалось на предшествующие художественные стили Древнего Рима и Греции. Неоклассицизм был больше ориентирован на оценку античности, чем на ее восприятие как образа жизни, так как в неоклассицизме часто изображались современные сюжеты и сцены. Главным убеждением этой эпохи было то, что произведения искусства неоклассицизма должны выражать идеальные добродетели и поэтому могут внушать зрителям морализаторские настроения.
Что вдохновило неоклассицизм?
Неоклассицизм был вдохновлен археологическими находками при раскопках древнеримских городов Геркуланум и Помпеи в XVIII веке. Обнаружение древнеримских и древнегреческих артефактов и археологических памятников послужило основанием для возрождения классического искусства. Немецкий историк искусства и археолог Иоганн Иоахим Винкельман опубликовал работы, последовавшие за этими раскопками, которые еще больше возродили интерес к классицизму в искусстве.
Где зародился неоклассицизм?
Неоклассицизм зародился в Риме, но вскоре это движение распространилось на остальную Европу. Распространение неоклассицизма во многом было обусловлено влиянием опубликованных работ Иоганна Иоахима Винкельмана. Популярность движения росла и распространялась по всей Европе благодаря тому, что когда студенты-искусствоведы возвращались из поездки Grand Tour по Италии, они привозили с собой новаторские идеи, вызванные повторным открытием греко-римских идеалов в области искусства, культуры и древностей. Это стало основой вдохновения для многих невероятно известных неоклассических картин.
Каковы характерные черты неоклассической живописи?
Неоклассические произведения искусства характеризовались использованием неглубокого пространства, нединамичных и сильных линий, темных и приглушенных цветов, без заметных мазков кисти и четких форм для выражения моральных образов самопожертвования и самоотречения. Картины этого направления были представлены хорошо продуманными, исторически точными декорациями и костюмами. В этих картинах использовались сдержанность и спокойствие.
