Эпоха итальянского Возрождения стала возрождением идеалов и культуры, утраченных в предыдущие годы войны, а также возрождением различных социальных и политических разногласий в Европе в эпоху Средневековья. Это возрождение привело к полному изменению перспектив — в прямом и переносном смысле — в итальянском искусстве и культуре. В целом, это было новое время для Европы, и оно стало периодом истории, который будет жить в последующие века.
Оглавление
Что представляло собой итальянское Возрождение?
Ниже мы рассмотрим происхождение термина «ренессанс», а также обзор того, как этот период в Италии возник на основе предшествующих исторических событий, таких как Средневековье, что послужило катализатором роста и развития этого движения.
Возрождение
Считается, что эпоха Возрождения началась в Италии в 1300-х годах. Это было возрождение искусства, архитектуры, литературы, музыки, культуры, технологии, науки, теологии, географии и политики. Ренессанс был периодом «возрождения», который охватил многие страны Европы.
Это «возрождение» также стремилось возродить то, что называют «классической древностью», от древних времен Греции и Рима. Итальянское Возрождение стало новым открытием гуманитарных наук и, собственно, самого человечества.
Итальянские художники эпохи Возрождения больше внимания уделяли идеям гуманизма и натуралистическому изображению окружающего мира и людей.
На самом деле, само слово «ренессанс» — французское, но его происхождение идет от итальянского слова rinascita, что означает «возрождение». Джорджо Вазари (1511-1574), человек многих талантов (он был художником, теоретиком искусства, архитектором, писателем и инженером), впервые ввел этот термин для описания нового периода пробуждения в Италии в своей публикации Le Vite, что означает «Жизнь».
Le Vite считалась одной из лучших публикаций по истории искусства, особенно в период итальянского искусства. Она была написана в биографическом формате о различных художниках, архитекторах и скульпторах (ее более длинное название Le vite de’ pi ù eccellenti pittori, scultori, e architettori, что означает «Жизни самых выдающихся живописцев, скульпторов и архитекторов»).
Плита Джорджо Вазари, из книги «Жизнеописания самых выдающихся питторов, скульпторов и архитекторов» (Фьоренца: Appresso i Giunti, 1568), автор Джорджо Вазари (1511-1574); Библиотека Хаутона, общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Исторические взгляды на итальянское Возрождение
Считается, что эпоха итальянского Возрождения началась в 1300-х годах (14-й век). Это было во время средневекового периода в истории Италии, также называемого Средними веками, который, как считается, происходил в Европе с 400-х до конца 1400-х годов. Средние века можно рассматривать с точки зрения раннего Средневековья, Высокого Средневековья и Позднего Средневековья. Каждый этап имел свои собственные проблемы в политическом, экологическом и экономическом плане, которые повлияли на всю Европу и весь мир.
Средневековье также известно как «темные века» из-за широко распространенных войн, пандемий, таких как «черная смерть», и голода в результате изменения климата и экономических потрясений. В Средние века произошло много значительных событий. Падение Римской империи (ок. 476 г. н.э.) и свержение римского императора Ромула Августула на западе привело к началу Средневековья, включая подъем христианства и католицизма и широко распространенные вторжения и миграции людей по странам.
От падения Римской империи до подъема Средневековья эпоха Возрождения стала периодом перехода в более светлую эпоху существования.
Искусство раннего итальянского Возрождения зародилось во Флоренции, Италия, благодаря тому, что это движение уходило корнями в Римскую империю, а также благодаря богатым семьям, готовым поддерживать искусство. В эпоху Возрождения существовало два важных фактора, а именно: движение философских идеалов, называемое гуманизмом, и влияние богатых семей, в частности семьи Медичи.
Гуманизм
Гуманизм зародился в 1300-х годах и называется «интеллектуальным движением» того времени. Он был глубоко укоренен в философских идеях о важности человека и его месте в обществе. Это противопоставлялось средневековым идеалам, которые больше фокусировались на важности духовного и божественного — он фокусировался на роли центральности двух вышеупомянутых фигур, а именно человека и Бога.
Гуманизм эпохи Возрождения исследовал и изучал различные школы мысли, такие как грамматика, история, моральная философия, поэзия и риторика — это было известно как studia humanitatis. Эти темы изучения считались приемлемыми для изучения классических ценностей. Эта новая форма образования была также открыта не только для элиты, но и для публики, включая новые гуманистические библиотеки.
Данте, Петрарка, Гвидо Кавальканти, Боккачче, Чино да Пистойя и Гиттоне д’Ареццо (1544) Джорджо Вазари; Giorgio Vasari, Public domain, via Wikimedia Commons
Гуманисты ставили человека в качестве центральной решающей фигуры личной власти. Другими словами, человек находился в центре новых интеллектуальных занятий, таких как логика, эстетика, классические принципы, искусство и такие науки, как математика. Господство церкви, которая была такой большой частью европейского общества, было пересмотрено с точки зрения ее эффективности в определении того, что человек должен делать или кем он должен быть.
Термин «человек эпохи Возрождения» стал популярным описанием людей, наделенных этой вновь обретенной властью.
На начальных этапах Ренессанса наблюдалось большое возрождение и пересмотр греческой и латинской литературы на различные темы. Многие из этих классических текстов легли в основу новых подходов в живописи, архитектуре, а также принципов перспективы и красоты.
Примером классического текста является работа Витрувия, который был римским архитектором. Витрувий писал о своих идеалах в I веке до н.э., а именно о своей «триаде Витрувия», которая была основана на принципах красоты, единства и стабильности. Это позволило сосредоточиться на применении математических пропорций к таким видам искусства, как живопись, архитектура и особенно к пропорциям человеческого тела.
Петрарка (1304-1374), известный поэт, был известен как «отец Возрождения», поскольку он был ведущей фигурой, катализировавшей движение гуманизма. Хотя в это время католическая церковь играла большую роль, а сам Петрарка был католиком, он, тем не менее, верил, что Бог наделил людей силой для реализации их потенциала — эта форма мышления лежала в основе гуманизма.
Важно отметить, что Петрарка нашел труды раннего римлянина Марка Туллия Цицерона (106-43 гг. до н.э.), которые он перевел.
Платон (428/427 до н. э. — 348/347 до н. э.), греческий философ, был еще одной влиятельной фигурой для гуманистов эпохи Возрождения. Философия Платона была представлена на Флорентийском совете в 1438-1439 годах Георгием Гемистом Плетоном, или Плето (ок. 1355-1450/1452), который был философом византийской эпохи. Важность этой работы заключалась в том, что она повлияла на Козимо де Медичи, который был значительной фигурой экономической власти во Флоренции.
Считается, что Козимо Медичи спонсировал Accademia Platonica, «Платоновскую академию», где Марсилио Фичино (1433-1499), итальянский католический священник, перевел труды Платона. Однако это было опровергнуто несколькими научными источниками, которые заявили, что труды Фичино были переведены неправильно. Фичино называл Плетона «вторым Платоном» за его влияние на распространение трудов Платона на Западе.
Обрезанный фрагмент картины Рафаэля «Афинская школа» (1509), на котором изображены Платон (слева), указывающий вверх на идеалы, и Аристотель (справа), протягивающий руки к физическому миру; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Семья Медичи
Это подводит нас к семье Медичи, или Дому Медичи, которые оказали большое влияние на искусство, экономику, политику и итальянское общество в целом в эпоху Возрождения. Это происходило в основном во Флоренции, которая стала столицей для последователей идей классической эпохи — ее также называли «новыми Афинами».
В 1200-х годах семья Медичи начала заниматься банковским делом и торговлей во Флоренции после переезда из своего дома в Тоскане. Банк Медичи был основан Джованни ди Биччи де Медичи (ок. 1360-1429), который был отцом Козимо де Медичи (1389-1464), правившего Флоренцией.
Что важно знать о семье Медичи, так это их покровительство миру искусства. Козимо Медичи заказывал многим художникам картины, а также основал публичную библиотеку во Флоренции, среди прочих начинаний, которые поддерживали развитие искусства во Флоренции. Любовь Козимо Медичи к искусству и его коллекционированию часто подтверждается его цитатой:
«Все эти вещи приносят мне величайшее удовлетворение и довольство, потому что они не только для чести Бога, но и для моей собственной памяти. В течение пятидесяти лет я не делал ничего другого, кроме как зарабатывал и тратил деньги, и стало ясно, что трата денег доставляет мне большее удовольствие, чем их зарабатывание».
Характерные черты итальянского Возрождения
Существует ряд тем и мотивов, встречающихся во многих картинах эпохи Возрождения, а также определенные техники, используемые многими художниками того времени. Именно по этим признакам можно определить произведение искусства эпохи Возрождения.
Натурализм и реализм
Натурализм в итальянском искусстве изображал предметы в более реалистичной манере. Другими словами, он отражал внешний мир и людей так, как они выглядели. Это также было характерно для греческого и римского искусства, и художники итальянского Возрождения стремились подражать им. По-другому это называется реализмом.
Элемент реализма лучше всего проявился в том, как художники изображали анатомию, будь то в живописи или скульптуре. Многие художники изучали человеческую фигуру, чтобы лучше понять, как работает и выглядит человеческое тело. Некоторые художники, такие как Леонардо да Винчи, даже изучали настоящие трупы.
Витрувианский человек да Винчи (ок. 1942 г.); Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Contrapposto
Существуют различные живописные техники, которые художники начали использовать для усиления эффекта реализма в человеческих фигурах. Одним из примеров является контрапост, что в переводе с итальянского означает «противопоставление». Фигуры располагались так, чтобы одна сторона тела опиралась преимущественно на одну ногу, а другая сторона тела, ступни и бедра, казались ниже — иначе говоря, центр тяжести находился на одной стороне тяжелее, чем на другой. Такая техника изображения фигуры делала ее более реалистичной и динамичной. Кроме того, фигура передавала больше эмоций благодаря языку тела.
Леда и лебедь (ок. 1510-1515) Леонардо да Винчи; после Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Кьяроскуро
Еще один художественный прием, используемый в живописи, — контраст между светлым и темным, иначе известный как кьяроскуро, итальянское слово, означающее «светлое-темное». Художники использовали эту технику для передачи глубины и драматического акцента в своих композициях. Это также создавало ощущение реализма, изображая, как свет и тень появляются в реальной среде, придавая всей композиции трехмерность, что было значительным изменением по сравнению с двухмерными пространствами более ранних периодов искусства.
Отречение Святого Петра» (1660) Рембрандта. Левой рукой ученик Петр делает жест отречения в ответ на обвинения, выдвинутые служанкой Каиафы, которая стоит рядом с ним и держит свечу. Слева присутствуют два воина в доспехах, один из которых сидит за столом. Справа прикованный Христос оглядывается через плечо, когда его уводят; Рембрандт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Линейная перспектива (одноточечная перспектива)
Использование линейной перспективы, или одноточечной перспективы, также усилило ощущение реализма в картинах, придав им трехмерность. Эта техника была впервые применена Филиппо Брунеллески (1377 — 1446), итальянским архитектором и дизайнером. Он также считается одним из «отцов» эпохи Возрождения благодаря своим новаторским открытиям в области дизайна и архитектуры с научной и математической точек зрения.
Считается, что Брунеллески также изучал древнеримские архитектурные сооружения и скульптуры. Одноточечная перспектива фокусировалась на выбранной единственной точке зрения линий, сходящихся на горизонте. Это отличалось от того, как множественные точки зрения изображались на картинах в средние века.
Купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре, или «Собора Святой Марии Цветущей» (1377-1446), является известным сооружением во Флоренции, спроектированным Брунеллески. Купол отошел от известных «летающих крепостей», использовавшихся в готической архитектуре Средневековья. Он был создан с использованием различных самоподдерживающихся укреплений с большим фонарем на вершине купола, иначе называемым куполом.
Срез купола Флорентийского собора (Санта-Мария-дель-Фьоре), спроектированного Филиппо Брунеллески, 1414-36; общественное достояние, ссылка
Различаемые периоды итальянского искусства и художники
Итальянское Возрождение легче понять, если рассматривать его в разные периоды. Хотя некоторые делят его на четыре периода, четвертым из которых является маньеризм, здесь мы рассмотрим три основных разделения, которые имели место в связи с периодами итальянского Возрождения. Ниже мы обсудим временные рамки и выдающихся художников.
Проторенессанс («Треченто»)
Период Проторенессанса пришелся на 1300-е годы и по-итальянски называется Trecento, что означает «300». Точные годы приходятся на период между 1300 и 1425 годами. Проторенессанс стал первым переходом к эпохе Возрождения. Для этого периода искусства (живописи, скульптуры и архитектуры) было характерно натуралистическое изображение предметов.
Джотто ди Бондоне (ок. 1267 — 1337)
Одним из новаторских художников периода Проторенессанса был Джотто ди Бондоне, родившийся во Флоренции, Италия. Он был живописцем и архитектором и считался одним из лучших художников своего времени. Он был учеником художника Бенчивени (Ченни) ди Пепо, также известного как Чимабуэ (ок. 1240-1302), который был известен тем, что в византийский период до Ренессанса исследовал самые первые элементы натурализма. Однако Джотто, как сообщают научные источники, превзошел Чимабуэ в своем умении изображать окружающую природу с повышенным реализмом и вниманием к деталям.
Известно, что в своих картинах он подчеркивал человечность, что усиливалось использованием перспективы, эмоциональными деталями в фигурах и пышными костюмами, в которые они были одеты.
Темой Джотто были христианские истории и фигуры, и церковь заказала ему несколько фресок, в частности «Исаак, благословляющий Иакова» (ок. 1290-1295 гг.), которая находится в базилике Святого Франциска Ассизского. Джотто изобразил библейскую историю из Ветхого Завета, в которой Иаков дает своему отцу пищу, а Ребекка, мать Иакова, стоит рядом с Иаковом и Исааком.
Ключевой работой Джотто является «Плач (Оплакивание Христа)» (1305) — фреска, выполненная для капеллы Скровеньи (капелла Арены), расположенной в Падуе, городе в Италии. Эта фреска не является самостоятельной картиной, она входит в серию фресок, которые Джотто написал для капеллы о жизни Христа и матери Марии.
Сцена «Плач» (1305) из цикла фресок, выполненных Джотто для капеллы арены в Падуе (капелла Скровеньи); Джотто ди Бондоне, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Плач» изображает события, когда Христос был снят с креста, и мы видим окружающие фигуры, скорбящие о его смерти, в то время как мать Мария держит его на руках. На переднем плане мы видим около 10 фигур, на заднем плане их становится все больше. Над толпой изображены 10 скорбящих ангелов, также скорбящих в явной печали.
Что делает эту картину уникальной и великолепным примером зарождения искусства раннего итальянского Возрождения, так это то, как Джотто детально изобразил лица окружающих фигур, а также их руки и кисти, четко различимые в их жестикуляции. Наклон скалы справа почти уходит вниз, чтобы создать больший акцент на Христе на полу.
Все вышеперечисленные элементы создают ощущение перспективы и глубины картины, включая удаляющиеся фигуры слева от фона. Джотто как будто соединяет небо и землю с помощью наклонной скалы в центре, что создает большую реалистичность и ощущение связи с божественным.
Мадонна из Огниссанти (ок. 1300-1306 гг.) — еще одна важная работа Джотто, изображающая натуралистический стиль, характерный для эпохи Возрождения. На ней изображена Мадонна с сидящим на ее левой ноге Младенцем Христом, держащим правую руку вверх в жесте благословения. Две центральные фигуры, Мадонна и Младенец Христос, изображены значительно крупнее окружающих фигур.
Мадонна на троне (Мадонна Огниссанти) Джотто (ок. 1300-1306); Джотто ди Бондоне, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Трон также изображен более крупным с двумя ангелами, стоящими на коленях у его ступеней. Мы также замечаем, что все окружающие ангельские фигуры смотрят на Мадонну с младенцем, что указывает на то, как художник использует перспективу и пространственное расстояние, чтобы привести зрителя к центральной точке.
Кроме того, Джотто изобразил Мадонну с Младенцем более реалистично, так как их тонкая одежда, почти прозрачная, складывается вокруг их тела, указывая на плоть под ней. Это показывает нам человеческие аспекты божественного, что позволяет легче относиться к этим освященным фигурам.
Возможно, Чимабуэ написал ту же сцену до Джотто, однако уникальность картины Джотто «Мадонна с младенцем» заключается в реализме и детальном изображении не только человеческих фигур и их выражений, но и архитектурных деталей трона.
Благодаря вышеперечисленным стилистическим инновациям Джотто вдохновил многих скульпторов и художников в эпоху Раннего Возрождения.
Раннее Возрождение ( Кватроченто )
Период Раннего Возрождения пришелся на 1400-е годы, его также называют Кватроченто, что в переводе с итальянского означает «400». Точные годы могут варьироваться между 1425 и 1495 годами. Рассматривая картины этого периода, мы замечаем, что художники стали уделять больше внимания деталям в своих произведениях.
Под влиянием предшественников живописи эпохи Возрождения, таких как Чимабуэ и Джотто, художники сосредоточились на реалистичном изображении человеческих фигур и анатомической правильности. Художники также использовали более продуманную перспективу фигур и зданий и их расположение в окружающем пространстве. Это мастерство математически выверенной перспективы и размещения различных религиозных предметов особенно заметно в работах Пьерро делла Франческа, таких как «Крещение Христа» (ок. 1448-1450) и «Ослабление Христа» (ок. 1455).
Крещение Христа (ок. 1448-1450) Пьерро делла Франческа; Пьеро делла Франческа, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя художники Раннего Возрождения по-прежнему изображали сцены из Библии и рассказы о том, что ценилось церковью, они начали включать в свои произведения мифологические сюжеты, а также повседневные события и людей, что сместило акцент со святого на обыденное, в итоге сделав искусство более доступным для каждого.
Наряду с новыми сюжетами, мы также заметили, что художники стали изображать больше эмоций и человеческих качеств в своих произведениях. Это усилило понятие гуманизма, которое стремились подчеркнуть многие художники, снова преодолевая разрыв между божественным и человеческим, ставя человека центральной фигурой, испытывающей жизнь, природу и Бога.
Среди ведущих живописцев и скульпторов этого периода были Томмазо ди Сер Джованни ди Симоне, известный как Масаччо (1401-1428), и Донато ди Никколо ди Бетто Барди, прозванный Донателло (ок. 1386-1466). Масаччо высоко ценится как один из пионеров живописи эпохи Возрождения, особенно за использование линейной перспективы и создание правдивых изображений человеческих фигур. На него оказали влияние другие выдающиеся художники, такие как Брунеллески и Донателло.
Донателло (ок. 1386 — 1466)
Донателло родился во Флоренции и стал одним из лучших скульпторов в этот период эпохи Возрождения. В детстве он получил богатое образование, а его становление как художника началось под руководством ювелира. Он также работал ювелиром, пока занимался своей художественной карьерой. Он был близким другом Брунеллески и путешествовал с ним к различным греческим и римским руинам, где он нашел много вдохновения для своей работы в качестве художника.
Донателло выделялся среди предшественников скульптуры эпохи Возрождения тем, как он использовал перспективу в своих скульптурах. Он также использовал различные темы, начиная от Марии Магдалины, как мы видим в его гиперреалистичной деревянной резной статуе «Кающаяся Магдалина» (ок. 1453), до политических деятелей, как мы видим в Бюсте Никколо да Уццано (ок. 1433).
Статуя Донателло, Кающаяся Магдалина (Мария Магдалина) (1453-1455); I, Sailko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Донателло ввел в свои скульптуры новую технику, а именно барельеф, который также называют низким рельефом. Он создавал ощущение трехмерности благодаря тому, что часть скульптуры была слегка приподнята над поверхностью, иначе называемой «малой глубиной». Это видно из его раннего рельефа под названием «Святой Георгий, убивающий дракона» (1416-1417), который составляет основу его мраморной статуи «Святой Георгий» (1415-1417).
Давид (1440-1443) — один из самых известных скульптурных шедевров Донателло. Выполненный из бронзы, он изображает Давида, стоящего на высоте пяти футов в шляпе и сапогах, с мечом в правой руке и шлемом Голиафа частично между ног. Донателло произвел революцию в изображении Давида в это время, изобразив его в обнаженном виде, что стало первой обнаженной скульптурой, созданной со времен греческого и римского периодов.
Кроме того, эта скульптура выражает чувство нежности и женственности в изображении Давида, и многие научные источники обсуждают причины, побудившие Донателло изобразить библейскую фигуру именно таким образом. Важно отметить, что эта скульптура была выполнена как отдельно стоящая статуя, а не как часть архитектурного сооружения. Фигура также стоит в характерной позе contrapposto, что делает его более похожим на человека, а не на библейского персонажа, оторванного от повседневного опыта людей.
Бронзовая статуя Давида работы Донателло (ок. 1430-1450); Донателло, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Мы вновь увидим этого персонажа в аналогичной статуе Микеланджело в более поздние эпохи Возрождения.
Масаччо (1401 — 1428)
Масаччо родился в провинции Ареццо в Тоскане и считается первым художником эпохи Раннего Возрождения, использовавшим линейную перспективу. Под влиянием того, как архитектор Брунеллески использовал перспективу, Масаччо начал применять эту технику в своих картинах, что произвело революцию в том, как художники создавали картины из двухмерных изображений прошлого. Он также использовал другие техники, такие как кьяроскуро, чтобы подчеркнуть глубину и трехмерность, включая достижение более глубокого реализма в своих картинах.
Триптих Масаччо «Сан-Джовенале» (1422) — ранняя работа художника. Семья Ванни Кастеллани заказала эту работу. На ней изображены религиозные сцены Девы Марии с Младенцем Христом в центре, с двумя святыми на левой и правой панелях. Из надписей под триптихом следует, что слева изображены святые Варфоломей и Блез, а справа — святые Антоний и Ювеналий.
Триптих Сан-Джовенале (1422) работы Масаччо; Масаччо, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мы также замечаем, как Масаччо вводит намеренную перспективу в композицию: трон отступает на задний план, в то время как фигуры на переднем плане кажутся более крупными. Одна из его более поздних работ, «Уплата дани» (1425 — 1427 гг.), олицетворяет его успех в использовании линейной перспективы и более математически правильного расположения фигур для создания ощущения единства и гармонии.
Эта работа была выполнена в виде фрески для капеллы Бранкаччи в Санта-Мария-дель-Кармине, расположенной во Флоренции. На ней изображено то, что называют «непрерывным повествованием» — другими словами, на одной фреске изображены три истории. Она повествует о том, как Христос и Святой Петр платят сборщику налогов.
Деньги на дань (1426/1427) Масаччо; Масаччо, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мы заметим, как первая часть повествования изображена в центре фрески, где Христос с апостолами беседует с мытарем, который стоит спиной к зрителю. Мы видим, как Христос указывает пальцем влево, а Петр, находящийся слева от него, также указывает пальцем влево.
Это почти переносит нас в левую часть фрески, во вторую часть повествования, где мы видим Петра, наклонившегося у реки, достающего деньги из пасти рыбы. Это повествование легко понять из Евангелия от Матфея о том, как Иисус платит налог в рыбацкой деревне под названием Капернаум. Во время разговора Иисус говорит Петру, как сказано в Библии: «Возьми первую рыбу, которую поймаешь; открой ей рот и найдешь монету в четыре драхмы. Возьми ее и отдай им за мой и твой налог».
Когда мы смотрим на правую сторону, третью часть повествования фрески, мы снова видим Петра, но на этот раз только его самого и мытаря, который получает деньги, взятые из пасти рыбы. То, как фигуры жестикулируют и разговаривают друг с другом, а также детализация их мимики придают картине реалистичность.
Мы также видим трехмерность, на которую указывает то, как горы отступают на задний план, включая сборщика налогов, стоящего к нам спиной. Кроме того, Масаччо также включил свет и тьму, что видно по теням, создаваемым стоящими фигурами, и свету, исходящему с определенной стороны картины.
Фреска почти приглашает нас в свое пространство, которое полностью отличается от плоскостности и двухмерности более готического искусства до этого периода.
Сандро Боттичелли (ок. 1445 — 1510)
Алессандро ди Мариано ди Ванни Филипепи (ок. 1445-1510), известный также как Сандро Боттичелли, родился во Флоренции и в ранние годы был учеником известного художника Фра Филиппо Липпи (ок. 1406-1469). Боттичелли чрезвычайно известен, он был одним из первых художников, создавших картины, в которых не только изображалось использование перспективы и анатомического натурализма, но и сочетались эстетика и красота.
Он писал не только религиозные сюжеты, но и изображал множество мифологических фигур и персонажей, в частности Венеру, римскую богиню. Мы видим это в его популярных картинах, хранящихся в галерее Уффици во Флоренции, под названием «Примавера» (1477-1482) и «Рождение Венеры» (1485-1486).
La Primavera («Весна», 1482), Сандро Боттичелли; Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons
Обе картины посвящены мифологическим сюжетам. На картине Primavera, что в переводе с итальянского означает «Весна», центральной фигурой изображена Венера в окружении других мифологических персонажей. Эта картина стала первой европейской картиной с сюжетом, не связанным с христианскими повествованиями.
В «Рождении Венеры» богиня Венера снова изображена в качестве центральной фигуры, только здесь она стоит на большой раковине, приплывающей из океана на пляж. Справа ее встречает женская фигура, а слева — бог Зефир, который сдувает ее на берег.
Боттичелли изобразил ее почти в натуральную величину, что еще больше подчеркивает драматизм картины. Венера также изображена обнаженной, лишь слегка прикрытой своими длинными волосами — это было еще одно революционное изображение женской формы.
Венера не изображена с анатомическим реализмом, который мы так часто видим на картинах этого периода, что указывает на то, как Боттичелли переходил от символизма к реализму при написании своих фигур. Он также писал картины ради удовольствия изображать красоту.
Nascita di Venere («Рождение Венеры», ок. 1485); Сандро Боттичелли, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Высокое Возрождение («Чинквеченто»)
Период Высокого Возрождения пришелся на 1500-е годы и получил название Cinquecento, что в переводе с итальянского означает «500». Точные годы могут варьироваться между 1495 и 1520 годами. Хотя этот период продолжал использовать новые достижения в методах перспективы и гуманизма, наблюдавшиеся в более ранние периоды Возрождения, он считается пиком Ренессанса.
Хотя Флоренция была столицей в начале эпохи Возрождения, Высокое Возрождение происходило преимущественно в Риме благодаря усилиям папы Юлия II во время его правления с 1503 по 1513 год. Он стремился к тому, чтобы все культурные и художественные произведения находились в Риме, а не во Флоренции, поэтому он поручил многим известным художникам того времени писать для него картины.
В эпоху Высокого Возрождения были открыты новые инновации и художественные техники, такие как сфумато и квадратура. Художники также начали использовать масляную краску, которая была новым средством для живописи по сравнению с предыдущими периодами. Она также придавала более насыщенные цвета изображаемым предметам.
В картинах этого периода мы можем заметить более высокий уровень совершенствования таких принципов, как перспектива, расположение фигур, форма и цвет.
Хотя в эпоху Высокого Возрождения было много художников (живописцев, скульпторов и архитекторов), некоторые имена нам знакомы больше, чем другие, например, Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564) и Рафаэль (1483-1520). Эта «троица» создала огромное количество произведений искусства и изобретений, которые живут и по сей день.
Тайная вечеря (1495-1498) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Леонардо да Винчи (1452 — 1519)
Леонардо да Винчи был мастером своего времени, он был не только искусным художником, но и изобретателем, ученым, инженером и многим другим. Многие из его рисунков указывают на современные механические устройства, такие как вертолет. Он родился в Тоскане и начал свою карьеру художника в 14 лет. Он учился у другого великого художника и ювелира Андреа дель Верроккьо (1435 — 1488) и в более позднем возрасте работал в школе Верроккьо во Флоренции.
Среди известных работ да Винчи — «Дева со скал» (1483-1486), «Витрувианский человек» (ок. 1485), «Тайная вечеря» (1498), «Сальватор Мунди» (ок. 1500) и «Мона Лиза» (ок. 1503). Мы заметим, что в большинстве картин и рисунков да Винчи он изобразил повышенное чувство реализма и натурализма в своих сюжетах. Он также стал первопроходцем в технике сфумато, что в переводе с итальянского означает «дымчатый» из-за дымчатого эффекта, вызванного слоями краски и цвета, аккуратно наложенными друг на друга.
Когда мы смотрим на Мону Лизу, также известную как «Джоконда», да Винчи использовал различные техники, чтобы подчеркнуть реализм, который мы привыкли видеть у итальянских художников эпохи Возрождения. Использование сфумато придает композиции дополнительную мягкость. Да Винчи также использовал кьяроскуро, как мы видим на заднем плане, создавая большую глубину.
Ritratto di Monna Lisa del Giocondo («Портрет Моны Лизы дель Джокондо», 1503-1506); Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Микеланджело (1475 — 1564)
Микеланджело родился в Тоскане и с юных лет переехал во Флоренцию в качестве подмастерья у семьи Медичи. Со временем его творческая карьера развивалась, и в конце концов он переехал в Рим. Он был еще одним вундеркиндом своего времени и соперником Леонардо да Винчи. Он был скульптором и художником, изображавшим высокий уровень реализма в своих скульптурах и произведениях искусства.
Среди известных работ Микеланджело — знаменитый потолок Сикстинской капеллы, где находится «Сотворение Адама» (1508-1512), на котором изображены Адам слева и Бог справа, оба — сильные, мускулистые мужчины. В этом изображении человека и Бога Микеланджело продемонстрировал выражение гуманистической философии, одной из основных характеристик итальянского Возрождения.
Сотворение Адама (ок. 1511), Микеланджело; Микеланджело, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мы также замечаем это пристальное внимание к деталям в его скульптурах, например, в ранней статуе «Вакх» (1496-1497), «Piet à» (1498-1499) и популярном «Давиде» (1501-1504). Piet à была вырезана из одного блока мрамора в течение двух лет. На ней изображена мать Мария, держащая мертвое тело Иисуса Христа. Отличие от других изображений этой религиозной сцены заключается в спокойствии, которое решил изобразить Микеланджело. Мать Мария изображена как молодая женщина, а выражение ее лица отличается нежностью, что усиливает эмоциональные аспекты скульптуры при ее просмотре.
Микеланджело также построил скульптуру по форме пирамиды — вершина начинается с головы Матери Марии, а расширение от ее одеяний создает движение вниз, и стороны пирамиды, а основание обозначено основанием, на котором стоят фигуры.
Когда мы смотрим на статую Микеланджело «Давид», художник изобразил библейскую фигуру в обнаженном виде как сильного молодого человека. Мы видим, как он уверенно стоит в позе contrapposto, одной из типичных характеристик итальянского Возрождения. Что особенно заметно в этой статуе, так это умелое внимание и понимание Микеланджело к человеческой форме и анатомии, высеченной в мраморе. Хотя в эпоху Возрождения было много скульпторов, высекавших образ Давида, работа Микеланджело стоит выше всех остальных.
Давид» Микеланджело (1501-1504), Галерея Академии, Флоренция; Йорг Биттнер Унна, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Рафаэль (1483 — 1520)
Рафаэль (Раффаэлло Санцио да Урбино) был еще одним мастером эпохи Возрождения и соперником Леонардо да Винчи и Микеланджело. Он вырос в Урбино и начал свою художественную карьеру с детства под руководством своего отца, который также был художником. Со временем он переехал во Флоренцию из-за различных художественных начинаний и заказов. На Рафаэля оказали влияние художественные техники, использованные Леонардо да Винчи, а именно сфумато и кьяроскуро.
От других художников эпохи Возрождения Рафаэля отличало то, что он создал свой собственный стиль, который хотя и основывался на классических принципах того времени, но в то же время передавал чувство красоты и величия, особенно в использовании ярких цветов.
Среди известных работ Рафаэля — две фрески: «Диспут о Святых Таинствах» (1510) и «Афинская школа» (1509 — 1511), обе написаны в Станце делла Сегнатура, которая является одной из четырех комнат с фресками, написанными Рафаэлем в Апостольском дворце в Ватикане — эти комнаты также известны как «комнаты Рафаэля».
Афинская школа» — культовая работа Рафаэля, на ней изображена группа философов, стоящих в большом зале. Как следует из названия, это философы классической эпохи. В центре — Платон и Аристотель, а вокруг них — другие известные личности, такие как Пифагор, Птолемей и другие.
Скуола ди Атене («Афинская школа», 1509-1511) фреска Рафаэля, находится в Комнатах Рафаэля, Апостольский дворец, Ватикан; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта фреска является идеальным примером характеристик итальянского Возрождения благодаря использованию линейной перспективы и архитектурных конструкций, создающих глубину и трехмерность. Рафаэль изображает свет и тьму таким образом, что это создает дополнительную трехмерность, особенно заметную по свету, проникающему в здание с заднего плана, с намеком на голубые облака, видимые через окна.
Мы также замечаем глубину архитектурного и структурного мастерства художника в окружающем здании, арках и сводчатом потолке. Большая дуга на переднем плане создает эффект рамы, как будто сцена поставлена, и мы являемся частью сцены созерцающих и спорящих философов. Кроме того, Рафаэль не акцентировал внимание на каком-либо одном участке с более насыщенным цветом, чем другой, что делает композицию более легкой для восприятия и объединяет все элементы.
Ренессанс за пределами Италии и в будущем
Хотя Италия была культурным центром развития эпохи Возрождения, она, несомненно, распространилась и на другие европейские страны благодаря таким выдающимся художникам, как немец Альбрехт Дюрер и голландский / фламандский художник эпохи Возрождения Питер Брейгель. Кроме того, в Венеции была основана венецианская школа с такими выдающимися художниками, как Тициан, который повлиял на художников более поздних направлений искусства, таких как барокко.
Период итальянского Возрождения закончился около 1527 года из-за многих факторов, таких как война, в частности, падение Рима. Период, наступивший после эпохи Возрождения, называется маньеризмом, который начался около 1520 года в Риме и Флоренции. Маньеризм был еще одним направлением итальянского искусства, которое стремилось отойти от классических и натуралистических идеалов, установленных художниками итальянского Возрождения, — искусство стало более символичным и образным.
Несомненно, итальянское Возрождение как исторический период и как период итальянского искусства оставило отпечаток в культуре на века вперед. Благодаря новым открытиям и изобретениям почти во всех гуманитарных и интеллектуальных областях, он стал олицетворением «возрождения», как следует из названия. Более того, итальянские художники эпохи Возрождения задали основу и стандарты искусства в будущем, ведь мы до сих пор видим шедевры античности в современной поп-культуре — «человек эпохи Возрождения» продолжает жить.
Часто задаваемые вопросы
Что представляло собой итальянское Возрождение?
Итальянское Возрождение — это период в истории Европы, который стал динамичным переходом от средневекового периода. Это был период «возрождения», что также является определением термина Ренессанс. Он положил начало новому взгляду на жизнь, человека и Бога. Это было культурное движение, включавшее в себя все дисциплины, такие как искусство, наука, религия, география, астрономия, архитектура, литература, музыка и многое другое. Оно стремилось восстановить классические идеалы, которые были забыты в греческий и римский периоды.
Когда началось итальянское Возрождение?
Ренессанс начался в 14 веке и продолжался несколько десятилетий. Искусство итальянского Возрождения подразделяется на три периода, а именно: период Проторенессанса (1300-е годы), период Раннего Возрождения (1400-е годы) и Высокого Возрождения (1500-е годы).
Что характеризовало итальянское Возрождение?
Характерные черты итальянского Возрождения были в первую очередь связаны с новыми перспективами, открывшимися благодаря открытиям, сделанным в области искусства и науки. Гуманизм стал одной из основных философий, ставящей человека в центр и пересматривающей отношения с Божественным. Это было особенно заметно в том, как искусство стало более гуманизированным и натуралистичным, возвращаясь к классическим идеалам перспективы и пропорций в изображении человеческих фигур.
