С тех пор, как люди научились пользоваться руками, мы создавали произведения искусства. От ранних наскальных рисунков до потолка Сикстинской капеллы — художественное творчество человека может многое рассказать нам о жизни людей, которые его создали. Чтобы в полной мере оценить культурное, социальное и историческое значение различных произведений искусства, необходимо знать широкую хронологию истории искусства. В этой статье представлен обзор многих значительных эпох создания произведений искусства и исторических контекстов, из которых они возникли.
Оглавление
Эпохи в искусстве: С чего начать?
С тех пор как человечество осознало себя, оно создавало искусство, чтобы представить себя. Самые ранние наскальные рисунки, о которых мы знаем, были созданы примерно 40 000 лет назад. Мы находим картины и рисунки человеческой деятельности эпохи палеолита под скалами и в пещерах. Мы не можем точно знать причину, по которой первые люди начали создавать произведения искусства. Возможно, живопись и рисунок были способом записать свой жизненный опыт, рассказать истории маленьким детям или передать мудрость от одного поколения к другому.
Эти доисторические наскальные рисунки находятся в пещере Манда Гели в горах Эннеди, Чад, Центральная Африка. Верблюды были нарисованы поверх более ранних изображений крупного рогатого скота, возможно, отражая климатические изменения; Дэвид Стэнли из Нанаймо, Канада, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Хотя у нас есть эти изысканные примеры раннего художественного выражения, официальная история периодов искусства начинается только с романской эпохи. Официальная хронология художественных эпох не включает наскальные рисунки, скульптуры и другие произведения искусства каменного века или прекрасные фрески, созданные в Египте и на Крите около 2000 года до нашей эры. Причина такого решения заключается в том, что эти ранние эпохи художественного выражения были привязаны к относительно небольшому географическому пространству. Эпохи официального искусства, которые мы будем обсуждать сегодня, напротив, охватывают многие страны, часто всю Европу, а иногда Северную и Южную Америку.
Несмотря на отсутствие официального признания, эти самые ранние примеры человеческого художественного таланта вызывают много интересных вопросов. Почему животные, изображенные на наскальных рисунках, гораздо более реалистичны и ярки, чем животные, представленные в более поздние эпохи?
В этой статье мы надеемся дать вам некоторое представление о постоянно меняющемся художественном стиле человеческого творческого разума, исследуя сложности различных периодов искусства.
Краткий обзор временной шкалы периодов искусства
Как и во многих других областях человеческой истории, невозможно точно разграничить различные периоды искусства. Даты, указанные в скобках ниже, являются приблизительными, основанными на развитии каждого движения в нескольких странах. Многие периоды искусства значительно перекрывают друг друга, а некоторые из последних эпох происходят в одно и то же время. Некоторые эпохи длятся несколько тысяч лет, другие — менее десяти. Искусство — это непрерывный процесс исследования, в котором более поздние периоды вырастают из уже существующих.
| Период искусства | Годы |
| Романский стиль | 1000 — 1150 |
| Готика | 1140 — 1600 |
| Ренессанс | 1495 — 1527 |
| Маньеризм | 1520 — 1600 |
| Барокко | 1600 — 1725 |
| Рококо | 1720 — 1760 |
| Неоклассицизм | 1770 — 1840 |
| Романтизм | 1800 — 1850 |
| Реализм | 1840 — 1870 |
| Прерафаэлиты | 1848 — 1854 |
| Импрессионизм | 1870 — 1900 |
| Натурализм | 1880 — 1900 |
| Постимпрессионизм | 1880 — 1920 |
| Символизм | 1880 — 1910 |
| Экспрессионизм | 1890 — 1939 |
| Арт Ново | 1895 — 1915 |
| Кубизм | 1905 — 1939 |
| Футуризм | 1909 — 1918 |
| Дадаизм | 1912 — 1923 |
| Новый объективизм | 1918 — 1933 |
| Прецизионизм | 1920 — 1950 |
| Ар-деко | 1920 — 1935 |
| Баухаус | 1920 — 1925 |
| Сюрреализм | 1924 — 1945 |
| Абстрактный экспрессионизм | 1945 — 1960 |
| Поп-арт / оп-арт | 1956 — 1969 |
| Арте Повера | 1960 — 1969 |
| Минимализм | 1960 — 1975 |
| Фотореализм | 1968 — настоящее время |
| Низкопробный поп-сюрреализм | 1970 — сейчас |
| Современное искусство | 1978 — настоящее время |
Может показаться странным, что наш рассказ об эпохе искусства закончился 30 лет назад. Концепция художественной эпохи кажется неадекватной, чтобы охватить разнообразие художественных стилей, выросших с начала 21 века. Среди некоторых искусствоведов бытует мнение, что традиционная концепция живописи умерла в нашу эпоху быстрого темпа жизни. Мы не придерживаемся такой позиции. Вместо этого мы продолжаем делиться своим уникальным человеческим опытом через искусство, как это делали пещерные люди, вне нашей современной системы классификации.
Биргартен (ок. 1915) Макс Либерманн; Макс Либерманн, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Всеобъемлющая временная шкала художественных движений
Пришло время немного углубиться в социальный, культурный и исторический контекст каждой из представленных выше эпох искусства. Вы увидите, как многие эпохи черпают влияние из тех, что были до них. Искусство, как и человеческое сознание, постоянно развивается. Важно также отметить, что данная хронология искусства представляет собой историю западного и преимущественно европейского искусства.
Романский период (1000-1300 гг.): Обмен информацией через искусство
Историки искусства обычно считают романскую эпоху начала истории искусства. Романское искусство развивалось в период становления христианства около 1000 года нашей эры. В это время лишь небольшой процент европейского населения был грамотным. Служители христианской церкви, как правило, были частью этого меньшинства, и для распространения библейского послания им нужен был альтернативный метод.
Христианские предметы, истории, божества, святые и церемонии были исключительной темой большинства романских картин. Предназначенные для обучения масс ценностям и верованиям христианской церкви, романские картины должны были быть простыми и легко читаемыми.
В результате романские произведения искусства просты, со смелыми контурами и чистыми участками цвета. Романским картинам не хватает глубины перспективы, и на них редко изображаются природные сцены. Романская живопись имела несколько различных форм, включая настенные росписи, мозаики, панно и книжные картины.
В связи с христианской целью романской живописи, она почти всегда символична. Относительная важность фигур на картинах отражается в их размерах, причем более важные фигуры выглядят гораздо крупнее. Вы можете видеть, что человеческие лица часто искажены, а истории, изображенные на этих картинах, как правило, имеют высокую эмоциональную ценность. Романские картины часто включают мифологических существ, таких как драконы и ангелы, и почти всегда появляются в церквях.
На самом фундаментальном уровне картины романского периода служат цели распространения Библии и христианства. Название этой художественной эпохи происходит от круглых арок, использовавшихся в римской архитектуре, которые часто встречаются в церквях того времени.
Фронтон алтаря из Авии, ок. 1200 г.; Национальный музей искусства Каталонии, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Готическая эпоха (1100-1500 гг.): Свобода и страх идут вместе
Одна из самых известных эпох, готическое искусство выросло из романского периода во Франции и является выражением двух контрастных чувств эпохи. С одной стороны, люди переживали и праздновали новый уровень свободы мысли и религиозного понимания. С другой стороны, существовал страх, что мир идет к концу. Вы можете ясно увидеть выражение этих двух контрастных напряжений в искусстве готического периода.
Как и в романский период, христианство лежало в основе напряженности готической эпохи. По мере того, как появлялось все больше свободы мысли, и многие выступали против конформизма, сюжеты картин становились все более разнообразными. Оплот церкви начал рассеиваться.
Готические картины изображали сцены реальной человеческой жизни, такие как работа в поле и охота. В центре внимания оказались не божественные существа и мистические создания, а тонкости человеческого бытия.
В готический период человеческим фигурам уделялось гораздо больше внимания. Готические художники создавали более реалистичные человеческие лица, поскольку они становились более индивидуальными, менее двухмерными и менее неодушевленными. Считается, что этому способствовало развитие трехмерной перспективы. Художники также уделяли больше внимания таким ценным вещам, как одежда, которую они рисовали реалистично, с красивыми складками.
Воскрешение Лазаря (1310-1311), Дуччо ди Буонинсегна; Дуччо ди Буонинсегна, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Многие историки считают, что отчасти причиной того, что темы искусства стали более разнообразными в готическую эпоху, стало увеличение площади для живописи в церквях. Готические церкви были более просторными, чем церкви романского периода, что, как полагают, отражает возросшее чувство свободы в это время.
Наряду с вновь обретенной свободой художественного выражения, существовал глубокий страх перед приближением конца света. Предполагается, что это сопровождалось постепенным упадком веры в церковь, что, в свою очередь, могло послужить толчком к развитию искусства вне церкви. Действительно, к концу готической эпохи работы Иеронима фон Босха, Брейгеля и других были непригодны для размещения в церкви.
Мы не знаем многих отдельных художников, писавших в романский период, поскольку искусство было связано не с тем, кто его написал, а с тем, какое послание оно несло. Таким образом, отход от церкви также можно увидеть в огромном количестве известных художников готического периода, включая Джотто ди Бондоне. Во Франции, Италии, Германии, Нидерландах и других частях Европы начали возникать художественные школы.
Эпоха Возрождения (1420-1520): Пробуждение эпохи искусства, которой на самом деле никогда не существовало
Эпоха Возрождения, возможно, одна из самых известных, в ней работали такие художники, как Микеланджело и Леонардо да Винчи. Эта эпоха продолжала ориентироваться на индивидуального человека как на источник вдохновения и черпала влияние в искусстве и философии древних римлян и греков. Ренессанс можно рассматривать как культурное возрождение.
Частью этого культурного возрождения стало возвращение внимания к естественному и реалистичному миру, в котором жили люди. Трехмерная перспектива стала еще более важной для искусства эпохи Возрождения, что хорошо видно на примере статуи Давида, созданной Микеланджело. Эта статуя напоминает работы древних греков, поскольку она была сознательно создана так, чтобы ее можно было рассмотреть со всех сторон. Статуи двух последних эпох были двухмерными и предназначались для просмотра только спереди.
Давид Микеланджело (1501-1504); Livioandronico2013, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Та же трехмерная перспектива перешла в живопись эпохи Возрождения. Фрески, которые были изобретены примерно за 3000 лет до этого, получили новую жизнь у художников эпохи Возрождения. Сцены стали более сложными, а изображение людей — более тонким. Художники эпохи Возрождения рисовали человеческие тела и лица в трех измерениях с сильным акцентом на реализм. Краски, использовавшиеся в эпоху Возрождения, также представляли собой переход от темперных красок к масляным. Эпоха Возрождения часто считается началом создания великих голландских пейзажных картин.
Маньеризм (1520-1600): Окно в будущее китча
Конечно, этот заголовок отчасти шуточный. Не все произведения искусства, созданные в эту эпоху, являются тем, что мы сегодня понимаем под «китчем». То, что мы понимаем под китчем сегодня, зачастую искусственно, дешево и без особого «классического» вкуса. Напротив, причина, по которой мы называем искусство этого периода китчем, заключается в относительном преувеличении, характерном для него. Благодаря вновь обретенной свободе самовыражения в эпоху Возрождения, художники начали исследовать свой собственный уникальный и индивидуальный художественный стиль, или манеру.
Сам Микеланджело, по сути, не свободен от преувеличения, которое отличает эту эпоху. Некоторые искусствоведы не считают некоторые из его поздних картин произведениями эпохи Возрождения. Выражение чувств и жестов человека, даже предметы одежды, в картинах маньеристов намеренно преувеличены.
Небольшой S-образный изгиб человеческого тела, характерный для стиля Ренессанса, превращается в неестественный изгиб тела. Это первый европейский стиль, который привлек художников со всей Европы к месту своего зарождения в Италии.
Мадонна с длинной шеей (1534-1540), Пармиджанино; Пармиджанино, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эпоха барокко (1590-1760): Прославление власти и обман зрения
Прогрессия искусства, прославляющего человеческую жизнь над божественной властью, продолжилась и в эпоху барокко. Короли, принцы и даже римские папы стали предпочитать, чтобы их собственная власть и престиж прославлялись через искусство, а не через Бога. Чрезмерное преувеличение, характерное для маньеризма, сохранилось и в эпоху барокко: сцены картин становились все более нереальными и величественными.
На картинах эпохи барокко часто изображались сцены, где короли поднимались в небеса, смешивались с ангелами и приближались все ближе к божественности и силе Бога. Здесь мы действительно можем видеть прогрессию человеческого самовозвеличивания, и хотя сюжеты не уходят полностью от религиозной символики, человек все больше становится центральной силой в композициях.
Новые материалы, прославляющие богатство и статус, такие как золото и мрамор, становятся ценными материалами для скульптур. Противоположности светлого и темного, теплых и холодных цветов, символы добра и зла подчеркиваются сверх естественного. Увеличилось число художественных академий, поскольку искусство стало способом продемонстрировать свое богатство, власть и статус.
Барочные фрески на потолке собора в Любляне, Словения. Работа итальянского мастера Джулио Квальо в 1703-1706 годах и позднее в 1721-1723 годах; Петар Милошевич, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Период искусства рококо (1725-1780): Легкость и воздушность, французская фантазия
Картины эпохи рококо типичны для французской аристократии того времени. Название происходит от французского слова rocaille, что означает «раковина». Твердые формы, характерные для эпохи барокко, смягчились, превратившись в свет, воздух и желание. Картины этой эпохи были уже не сильными и мощными, а легкими и игривыми.
Цвета были светлее и ярче, в некоторых случаях почти прозрачными. Многие произведения искусства этого периода пренебрегали религиозной тематикой, хотя некоторые художники, например Тьеполо, создавали фрески во многих церквях.
Как и отношение французской аристократии того времени, искусство эпохи рококо полностью оторвано от социальной реальности. Пастушеская идиллия стала темой этого периода, представляя жизнь легкой и беззаботной, без ограничений, связанных с экономическими или социальными трудностями.
Классицизм (1770-1840): Возврат к классическим временам
Классицизм, как и эпоха рококо, зародился во Франции примерно в 1770 году. Однако, в отличие от эпохи рококо, классицизм вернулся к более ранним, более серьезным стилям художественного выражения. Как и в эпоху Возрождения, классицизм черпал вдохновение в классическом римском и греческом искусстве.
Искусство, созданное в эпоху классицизма, вернулось к строгим формам, двухмерным цветам и человеческим фигурам. Тон этих картин был, несомненно, строгим. Цвета утратили свой символизм. Искусство, созданное в эту эпоху, использовалось на международном уровне для воспитания чувства патриотизма у людей каждой нации. Части классицизма включают Луи-Сизе, ампир и бидермейер.
Идиллия детства (1900), Вильгельм Бугеро; Вильгельм-Адольф Бугеро, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Романтизм (1790-1850): Передышка от суровости всего этого
Из дат видно, что эта художественная эпоха возникла примерно в то же время, что и классицизм. Романтизм часто рассматривается как эмоционально насыщенная реакция на суровый характер классицизма. В отличие от строгой и реалистичной природы эпохи классицизма, картины романтической эпохи были гораздо более сентиментальными.
Исследование нематериального, эмоций и подсознания заняло центральное место. Примерно в это время люди начали ходить в походы, пытаясь исследовать мир природы. Однако они стремились познать не истинную реальность природного мира, а то, что он заставлял их чувствовать.
В искусстве эпохи романтизма не существует ощутимого или точно определяемого стиля. Английские и французские художники, как правило, фокусировались на эффектах теней и света, в то время как искусство, созданное немецкими художниками, отличалось большей серьезностью мысли. Художников-романтиков часто критиковали и даже высмеивали за их интерпретацию окружающего мира.
Реализм (1850-1925): Объективность над субъективностью
Как эпоха романтизма была реакционным движением по отношению к предшествовавшему ей периоду классицизма, так и реализм является реакцией на романтизм. В отличие от прекрасного и глубоко эмоционального содержания романтических картин, художники-реалисты представляли как доброе и прекрасное, так и уродливое и злое. Реальность мира представлена художниками-реалистами в неприукрашенном виде.
Эти художники пытаются показать мир, людей, природу и животных такими, какие они есть на самом деле. По выражению Гюстава Курбе, «искусство обязано превратиться в правду».
Как и романтизм, реализм не был популярен среди всех. Картины не особенно радуют глаз, а некоторые критики отмечали, что, несмотря на претензии художников на реализм, эротическим сценам как-то не хватает настоящего эротизма. Гете критикует реализм, говоря, что искусство должно быть идеальным, а не реалистичным. Шиллер тоже называет реализм «подлым», указывая на суровость, которую изображают многие картины.
Прудон и его дети (1865), Гюстав Курбе; Гюстав Курбе, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Импрессионизм (1850-1895): Возвещение эры современного искусства
Историки часто описывают движение импрессионистов как начало современной эпохи. Считается, что импрессионистское искусство закрыло книгу для классической музыки и других классических форм искусства. Импрессионизм также является, возможно, после кубизма, одним из самых легко узнаваемых периодов искусства. Импрессионизм, в котором участвовали такие художники, как Клод Моне и Винсент ван Гоф, оторвался от плавных мазков кисти и участков сплошного цвета, характерных для многих предшествующих ему периодов искусства.
Поначалу слово «импрессионизм» в мире искусства было сродни ругательству: критики считали, что эти художники писали не технично, а просто размазывали краску по холсту. Мазки кисти действительно значительно отличались от тех, что были созданы до них, иногда они становились неистово дикими. Четкие формы и линии исчезали в вихре красок. Отдельные точки совершенно новых цветов складывались вместе, особенно в разновидности импрессионистской живописи — пуантилизме. Сюжеты картин импрессионистов часто можно было узнать только на расстоянии.
Вид на Ветей-сюр-Сен (1880), Клод Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Значительным изменением, произошедшим в эпоху импрессионизма, стало то, что живопись стала происходить «en-plein-air», или на открытом воздухе. Во многом способность художников-импрессионистов передавать сложные и постоянно меняющиеся цвета природного мира была результатом этого изменения.
Художники-импрессионисты также начали отходить от желания читать лекции и преподавать, предпочитая создавать искусство ради искусства. Все большее значение приобретали галереи и международные выставки.
Символизм (1890-1920): Всегда есть нечто большее, чем кажется на первый взгляд
В этот период во Франции наступила эра символизма. Художники были увлечены изображением чувств и мыслей с помощью предметов. Излюбленными темами движения символизма были смерть, болезнь, грех и страсть. Формы были в основном четкими, что, по мнению искусствоведов, предвосхитило эпоху модерна.
Арт-нуво (1890-1910): Чистое золото Густава Климта
Хотя Густав Климт был далеко не самым важным художником в движении модерн, он является одним из самых известных. Его стиль идеально отражает движение модерн с мягкими, изогнутыми линиями, большим количеством цветов и стилистической характеристикой человеческих фигур. Во многих странах этот стиль известен как стиль Сецессион.
Поцелуй (1907-1908), Густав Климт; Густав Климт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Искусство, созданное в период модерна, включает в себя много симметрии и характеризуется игривостью и молодостью. В искусстве модерна много политического содержания, хотя многие критики не обращают на это внимания и противопоставляют ему декоративные аспекты. Через искусство эпохи модерна художники пытались вернуть природу в промышленные города.
Экспрессионизм (1890-1914): Привнесение политического аспекта в дискуссию
В эпоху искусства экспрессионизма мы снова видим возрождение важности выражения субъективных чувств. Художники этого движения не были заинтересованы в натурализме или в том, как все выглядит со стороны. В результате в некоторых картинах экспрессионистов присутствует оттенок агрессии, которые зачастую архаичны и немного диковаты.
Экспрессионизм зародился в Германии и был призван противопоставить себя импрессионизму. К началу Первой мировой войны картины экспрессионистов отличались тревожной интенсивностью. Предназначенный для критики власти и существующего социального порядка, экспрессионизм распространял эти политические идеи с помощью красок. Искусство начинало становиться политическим.
Кубизм (1906-1914): Разбирая вещи на части и снова собирая их воедино
Начиная с двух художников, Пабло Пикассо и Жоржа Брака, движение кубизма было посвящено фрагментации, геометрическим формам и множественным перспективам. Размерные плоскости повседневных предметов были разбиты на различные геометрические сегменты и собраны вместе таким образом, чтобы представить объект с нескольких сторон одновременно.
Кубизм был отказом от всех правил традиционной западной живописи и оказал сильное влияние на последующие стили искусства.
Гитара и очки (1912), Хуан Грис; Хуан Грис, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Футуризм (1909-1945): Художественный анархизм
Футуризм — это не столько художественный стиль, сколько политическое движение, вдохновленное искусством. Основанное футуристическим манифестом Томмазо Маринетти, который отвергал социальную организацию и христианскую мораль, время футуризма было полно хаоса, враждебности, агрессии и гнева. Хотя сам Маринетти не был художником, живопись стала наиболее заметным видом искусства в движении футуристов.
Эти художники решительно отвергали правила классической живописи, считая, что все, что передается из поколения в поколение (верования, традиции, религия), подозрительно и опасно. Воинственный характер движения футуристов привел к тому, что многие люди считали, что оно было слишком близко к фашизму.
Дадаизм (1912-1920): Истинная реальность о том, что жизнь — это чепуха
Дада означает очень многое и совсем ничего. Писатель Хьюго Балл обнаружил, что это маленькое слово имеет несколько разных значений на разных языках и в то же время, как слово, оно не означает вообще ничего. Движение дадаизма основано на понятиях алогичности и провокации и рассматривалось не только как движение искусства, но и как антивоенное движение.
Дадаистское движение поставило под сомнение нелогичность существующих правил, норм, традиций и ценностей. Это движение охватывало несколько видов искусства, включая письмо, поэзию, танец и перформанс. Частью движения было поставить под сомнение то, что можно классифицировать как «искусство».
Дадаизм представляет собой зарождение искусства действия, в котором живопись становится не просто портретом реальности, а скорее слиянием социальной, культурной и субъективной составляющих человеческого бытия.
Сюрреализм (1920-1930): Вещи становятся все более странными
Как будто чистая нелогичность движения дадаизма не была достаточно необычной, сюрреалисты считали мир снов источником всей истины. Одним из самых известных художников-сюрреалистов является Сальвадор Дали, и вы наверняка знаете его картину «Тающие часы» (1954).
Сюрреализм по своей сути является психоаналитическим направлением, и многие художники-сюрреалисты писали картины непосредственно из своих снов. Иногда имея дело с неудобными концепциями, скрытыми желаниями и табу, сюрреализм был прямой критикой укоренившихся идей и убеждений буржуазии. Как вы можете себе представить, этот стиль искусства не был популярным, когда он зародился, но он оказал большое влияние на мир современного искусства.
Пространство и время (в память о Л.В. Бетховене) (1974), итальянский художник Уильям Джирометти; Уильям Джирометти, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Новая объективность (1925-1965): Холодная и техническая
В то время как сюрреалисты пытались уйти от мира физических, конкретных и видимых объектов, движение «Новая объективность» обратилось к этим идеям. Многие темы в искусстве Нового Объективизма были социальной критикой. Турбулентность войны заставила многих людей искать хоть какой-то порядок, за который можно было бы ухватиться, и это хорошо видно в искусстве Нового объективизма.
Изображения, представленные в Новом объективизме, часто были холодными, безэмоциональными и техническими, а излюбленными темами были радио и лампочки. Как и в случае со многими современными движениями в искусстве, в движении «Новый объективизм» было несколько различных направлений.
Абстрактный экспрессионизм (1948-1962): Шаг в сторону от Европы
Абстрактный экспрессионизм считается первым художественным направлением, зародившимся за пределами Европы. Возникнув в Северной Америке, абстрактный экспрессионизм сосредоточился на живописи цветового поля и картинах действия. Вместо того чтобы использовать холст и кисть, ведра с краской выливались на землю, а художники использовали свои пальцы для создания изображений.
Благодаря таким известным художникам, как Марк Тоби и Джексон Поллок, это направление искусства отличалось от всех предшествующих. Нанесение краски иногда было настолько густым, что готовое произведение приобретало форму, не похожую ни на одну из предшествующих картин. Абстрактный экспрессионизм распространился по всей Европе. Как и у любого искусства, у него всегда есть критики: консервативные американцы во время холодной войны называли его «неамериканским».
Поп-арт (1955-1969): Искусство — это все
Для художников поп-арта все в мире было искусством. Реклама, консервные банки, зубная паста и унитазы — все было искусством. Поп-арт развивался одновременно в США и Англии и характеризуется однородными цветовыми блоками и четкими линиями и контурами. На живопись и графику повлияли фотореализм и серийная печать. Одним из самых известных английских поп-художников является Дэвид Хокни, хотя лишь несколько его прижизненных картин были написаны в этом движении.
Деталь картины Роя Лихтенштейна «Взрыв стены II», 1965; Колин Маклафлин, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Неоэкспрессионизм (1980-1989): Современное искусство
Начиная с 1980-х годов, неоэкспрессионизм появился с крупноформатными репрезентативными и жизнеутверждающими картинами. Берлин был центральной точкой этого нового движения, и на картинах обычно изображались города и жизнь больших городов. Название «неоэкспрессионизм» возникло на основе фовизма, и хотя берлинские художники распустились в 1989 году, некоторые художники продолжали писать картины в этом стиле в Нью-Йорке.
Искусство — это фундаментальная часть того, что значит быть человеком. Многие беды и радости, которые мы переживаем, могут быть точно переданы только с помощью художественного выражения. Мы надеемся, что это краткое изложение хронологии периодов искусства помогло вам получить некоторое представление о контекстах, связанных с некоторыми из самых известных произведений искусства, созданных человечеством.
