С момента зарождения модернизма задавались определенные вопросы о природе и различии между двухмерным искусством и абстрактной скульптурой. Константин Бранкузи в начале 20 века выделил фундаментальный вопрос о том, что должны были передавать знаменитые абстрактные скульптуры: репрезентацию предмета или его сущностную природу? В последующие годы Пабло Пикассо продемонстрировал, что абстрактную статую или скульптуру не обязательно высекать, лепить или отливать: ее можно построить или собрать. Ниже мы рассмотрим некоторых известных художников абстрактной скульптуры и их работы.
Оглавление
История искусства абстрактной скульптуры
Абстрактная скульптура родилась в результате тяжелой руки индустриализации и все возрастающего количества скульпторов, дистанцирующихся от общепринятой концепции скульптуры. Огюст Роден, без горячего желания бросить вызов традициям, был, в действительности, основателем современной скульптуры. Роден удалил жесткие контуры традиционного трехмерного творчества, чтобы освободить место для своих массивных скульптур в приближающемся современном 19 веке.
Внимательно следя за некоторыми наиболее значительными и ключевыми авангардными разработками и их изобретениями в 2D-произведениях, было представлено новое понятие полезности объекта. Такое исследование способствовало формированию новой связи между предметом и окружающей средой, не говоря уже о разработке уникального эстетического лексикона.
Включение и использование общих ресурсов отклонилось от традиционных концепций моделирования и материалов, таких как керамика, гипс, камень или металл. 3D-объекты начали танцевать, двигаться и сверкать, ставя под сомнение их основную сущность, а также природу художественного творчества.
Первые дни абстрактного скульптурного искусства
Потребовалось некоторое время, чтобы абстрактные скульптуры прорвались наружу. Она должна была разорвать цепи традиций многих поколений, которые восхваляли идеальную человеческую форму в портретах, бюстах и скульптурах. Трехмерные представления начали обретать особую форму и цель с развитием кубизма.
Кубистские скульптуры Пикассо, рассматриваемые как еще одна область для исследования, поскольку они оторвались от традиционной идеи моделирования, продемонстрировали, что эти новые предметы также допускают взаимодействие геометрических форм, уплощение их поверхностей и дробление.
От скульптуры больше не требовалось изображать что-либо; вместо этого она могла просто существовать и служить репрезентацией уникального вида искусства.
Гипсовая скульптура «Голова женщины (Фернанды)» (1909) Пабло Пикассо, находится в Тейт Модерн в Лондоне; Wmpearl, CC0, via Wikimedia Commons
С одной стороны, он стремился установить связь с духовными, интеллектуальными и церемониальными символами отдаленных африканских и азиатских цивилизаций. С другой стороны, он изображал столкновения послевоенного периода и тяготы каждого дня. Пикассо искал все, что было доступно ему в его парижской студии во время войны, и начал собирать свои нерепрезентативные, а иногда и очень провокационные предметы.
Это был новый способ взглянуть на скульптуру и построить ее, и он сразу же стал популярным. Подобно коллажным работам Пикассо и Жоржа Брака, первоначальное представление о том, как может выглядеть и чем быть скульптура, позволяло использовать любой материал, который он считал необходимым.
Значительные влияния, сформировавшие абстрактную скульптуру
Концепция того, что абстрактные статуи могут быть выполнены как объекты ассамбляжа и что знаменитые художники-скульпторы не обязаны зависеть от традиционного использования мрамора или дерева, была принята итальянским футуризмом, дада, абстрактным экспрессионизмом, сюрреализмом и минимализмом.
Каждое из вышеупомянутых движений добавило еще одну существенную характеристику к становящемуся все более глобальным словосочетанию «Абстрактная скульптура».
Кубизм предложил новый взгляд на материалы, в то время как итальянский футуризм дал искусству новую цель — стать средством для воплощения движения, динамизма и технологии. Кинетическая скульптура возникла из этой точки зрения, принеся с собой уникальный взгляд на понятие массы и ее растворение под тонким воздействием света и движения.
Реплика фонтана (1917) Марселя Дюшана; Марсель Дюшан, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Вдохновленный этой концепцией Марсель Дюшан, пионер одного из самых радикальных направлений искусства, дадаизма, вскоре внедрил использование механического движения в свои работы. До этого он впервые ввел понятие «редимейд», которое привнесло свою изюминку в интерпретацию скульптуры.
Повседневные предметы вошли в моду, принеся с собой такие тенденции, как искусство вторсырья и хлама, а также такие фразы, как «комбайны», которые использовались для характеристики сочетания живописи и скульптуры в работах Роберта Раушенберга.
«Истиной является не внешняя форма вещей, а их суть. Исходя из этого принципа, никто не может выразить нечто истинное, имитируя его внешнюю поверхность», — говорил Бранкузи. Однако, как и в каждой творческой форме, в нее прокрадывается стремление к душе и умоляет заглянуть в холодные материалы, чтобы увидеть в них жизнь.
Щенок (1992) Джеффа Кунса, пример современной скульптуры; Zarateman, CC0, via Wikimedia Commons
Работа с элементами — это один конец спектра, а другой — более мягкая сторона, сосредоточенная на попытках понять, как скульптура может быть использована как средство выражения разнообразных реалий жизни, а не как средство копирования мира.
Знаменитое замечание Константина Бранкузи точно характеризует абстрактное скульптурное искусство, которое фактически революционизировало взаимодействие пространства и объекта и отошло от прежних канонов. Наряду с его работами, работы известного скульптора Генри Мура способствуют более глубокому исследованию форм, процессов и пропорций.
Оба они подчеркивали концепцию прямолинейной резьбы, сюрреалистические биоморфные формы и ценность сырьевых ресурсов, что способствовало разветвлению скульптуры и формированию двух параллельных нитей ее развития.
Знаменитые художники-скульпторы абстрактного искусства
Знаменитые художники-скульпторы 20-го века были пионерами в исследовании всего спектра трехмерной абстракции. Все художники абстрактной скульптуры, представленные в этом списке, внесли свежую струю в дух скульптуры 20-го века, что полностью изменило траекторию развития современного искусства.
Это произошло благодаря их разрушительным инновациям формы, методов содержания и материалов, аналитической обработке окружающей среды, а также различным взглядам и перспективам на то, что такое искусство.
От создания абстрактных деревянных скульптур до работы с менее традиционными материалами — все эти художники внесли свой уникальный вклад в искусство абстрактной скульптуры. Вот наш список влиятельных скульпторов и их знаменитых абстрактных скульптур.
Константин Бранкузи (1876 — 1957)
| Национальность | Румын |
| Дата рождения | 19 февраля 1876 года |
| Дата смерти | 16 марта 1957 года |
| Место рождения | Хобита, Румыния |
Константин Бранкузи, выдающийся скульптор XX века, соединил модернизм и трансцендентность в своих работах, которые демонстрируют идеальные и архетипические образы своих предметов. Его провидческие скульптуры, с их простыми и упрощенными формами и обтекаемым видом, стремятся раскрыть скрытые истины.
Он утверждал, что художник должен уметь «выкапывать сущность, которая находится внутри материи». Особое внимание он уделял средствам массовой информации, впервые применив метод прямой резьбы.
Фотопортрет Константина Бранкузи, сделанный Эдвардом Штайхеном в 1922 году; Edward Steichen, Public domain, via Wikimedia Commons
Работая в основном с камнем, мрамором, бронзой, деревом и металлом, он днями дорабатывал свои окончательные скульптуры, чтобы добиться иллюзии «выхода из основной массы в какую-то безупречную и полную реальность». Искусство Бранкузи находилось под сильным влиянием сказок, фольклора и «примитивных» обществ, несмотря на то, что он настаивал на изобразительном аспекте своей темы.
Поцелуй (1908)
| Год создания | 1908 |
| Средство | Бронза |
| Размеры | 237 см × 234 см × 54 см |
| Текущее местонахождение | Музей Барбары Хепворт |
Бранкузи создал несколько вариантов «Поцелуя», в каждом из которых геометрические контуры и редкие элементы уменьшались, а работа все дальше уходила в сторону абстракции. Его абстрактная техника подчеркивает основные геометрические линии, которые гармонизируют естественные формы его ресурсов с символическими ссылками репрезентативной живописи. Форма первоначального блока материала здесь сохранена. Другая репродукция «Поцелуя» украшает надгробие на кладбище Монпарнас.
Это символическая абстрактная статуя двух обнимающихся влюбленных, мотив, изображенный в нескольких эротически заряженных произведениях искусства.
Жан Арп (1886 — 1966)
| Национальность | немецко-французский |
| Дата рождения | 16 сентября 1886 года |
| Дата смерти | 7 июня 1966 года |
| Место рождения | Страсбург, Франция |
Стиль Жана Арпа был отождествлен с дадаизмом и сюрреалистическим движением и считался предтечей абстрактного искусства. Наибольшую известность ему принесли биоморфные объекты, выполненные из гипса, бронзы и камня. Однако он также писал картины, рисовал, делал коллажи и писал стихи. Свои абстрактные статуи он называл органической абстракцией, поскольку для них характерны волнистые линии.
Его искусство было глубоко основано на природе, но при этом оставалось нерепрезентативным.
Его самые абстрактные творения, включающие растения или людей, намекают на биологические аспекты. Он ограничил участие сознательного разума, включив совпадения и случайности в качестве важных компонентов своего творческого подхода.
Его считают одним из самых изобретательных скульпторов 20-го века. Эти биоморфные конструкции, созданные под влиянием природы, оказали большое влияние на последующие поколения художников-абстракционистов.
Скульптура «Затерянные в лесу» (1932)
| Год создания | 1932 |
| Средство | Бронза |
| Размеры | 90 мм × 222 мм × 154 мм |
| Текущее местонахождение | Тейт Модерн |
Арп создал стиль биоморфной скульптуры в 1920-х и 1930-х годах, который подразумевал связь между творческим изобретением и природным творением. Формы его работ напоминают выветрившиеся камни, цветы и другие вещества естественного происхождения, как, например, в «Скульптуре, которую можно потерять в лесу».
Он создавал эти скульптуры полуавтоматическим методом, шлифуя гипсовую фигуру, пока не был доволен формой.
«Я тружусь до тех пор, пока в ее тело не перельется достаточное количество моей жизни», — объясняет он. Чтобы связать свое искусство с природой, он размещал скульптуры в лесах недалеко от своего дома в Мёдоне, где их могли обнаружить случайные прохожие.
Наум Габо (1890 — 1977)
| Национальность | русский |
| Дата рождения | 5 августа 1890 года |
| Дата смерти | 23 августа 1977 года |
| Место рождения | Брянск, Россия |
Наум Габо, русский скульптор, был предтечей кинетического искусства. Габо и его брат, Антуан Певзнер, утверждали в реалистическом манифесте конструктивизма, что искусство имеет ценность и роль вне государства и что геометрическая концепция должна быть основой скульптуры.
Он разбивал твердые тела на взаимосвязанные линии, плоскости и геометрические формы, используя полупрозрачные материалы для представления объемов пустого пространства.
Фотография Наума Габо, сидящего на своей работе «Цветок и пчела», сделанная в 1957 году; Герберт Беренс (ANEFO), CC0, via Wikimedia Commons
Он писал, что «пространство и время — единственные структуры, на которых основана жизнь, и поэтому искусство должно быть создано, так как это его основные составляющие». Его абстрактные творения обычно создавались из стекла, металла и пластика.
Его революционный подход к скульптуре и визуальному языку был параллелен обществу и человечеству.
Строительство в космосе (1939)
| Год создания | 1939 |
| Средство | Ацетат целлюлозы |
| Размеры | 220 × 270 × 180 мм |
| Текущее местонахождение | Тейт Модерн |
На протяжении всего периода пребывания Наума Габо в Лондоне, начиная с марта 1936 года и до начала Второй мировой войны в сентябре 1939 года, он создал несколько значительных работ из пластика, включая «Строительство в пространстве». Если в более ранних скульптурах Габо использовались различные компоненты и тона, то эти проекты были выполнены из прозрачного пластика.
Благодаря этому он смог достичь нового уровня концептуальной чистоты. Конструкция в пространстве» была первой работой, полностью состоящей из полупрозрачных плоскостей, и существовала как изысканный формальный ответ на проблему, которую Габо поставил перед собой за 20 лет до этого — показать динамическую внутренность объектов.
Генри Мур (1898 — 1986)
| Национальность | Англичанин |
| Дата рождения | 30 июля 1898 года |
| Дата смерти | 31 августа 1986 года |
| Место рождения | Каслфорд, Великобритания |
Генри Мур, которого многие считают основателем современной британской скульптуры, запомнился прежде всего своими полуабстрактными гигантскими бронзовыми скульптурами, которые можно встретить по всему миру в качестве произведений искусства. На его стиль повлияло доколумбово, классическое и африканское искусство, а также сюрреализм.
На Мура также оказали большое влияние известные модернисты, такие как Арп, Пикассо, Бранкузи и Джакометти.
Фотография Генри Мура в его студии в Англии, сделанная в 1973 году; Allan warren, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Мать и ребенок, а также лежащая фигура были распространенными темами в его работах. Он был очарован пейзажами и природой, поэтому использовал абстрактные формы, чтобы провести аналогию между человеческим телом и миром.
Используя технику прямой резьбы, он в основном работал с такими материалами, как дерево и камень.
Три стоящие фигуры (1947)
| Год создания | 1947 |
| Средство | Камень |
| Размеры | 2.1m |
| Текущее местонахождение | Парк Бэттерси |
Абстрактная статуя состоит из трех стоящих дам, одетых в струящиеся одежды, две из которых находятся ближе друг к другу и рассматривают третью. Каждая из них имеет основные черты лица, такие как отверстия для глаз. Фигуры Мура возникли из серии набросков под влиянием его впечатлений от людей в подземных бомбоубежищах во время Второй мировой войны.
Возможно, они были вдохновлены рисунком Мура 1948 года «Три судьбы», который похож на «Три грации». В 1968 году Мур заметил, что его скульптура «как будто три дамы ждут там, предвкушая, что что-то упадет с неба».
Три стоящие фигуры (1947) Генри Мура, находится в парке Баттерси в Лондоне; Yair Haklai, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Луиза Невельсон (1899 — 1988)
| Национальность | Американец |
| Дата рождения | 13 сентября 1899 года |
| Дата смерти | 17 апреля 1988 года |
| Место рождения | Переяслав, Украина |
Творчество Луизы Невельсон было связано с различными стилями, такими как кубизм, абстрактный экспрессионизм и сюрреализм, и наиболее известна она благодаря своим абстрактным деревянным скульптурам размером с комнату. В ее огромных ассамбляжах использовался метод, мотивированный понятием readymades, в котором она использовала брошенные деревянные артефакты, полученные с городских свалок.
Эти деревянные артефакты были кропотливо размещены для создания новаторских повествований после того, как были специально отобраны за их способность вызывать в памяти формы города, природы и небесных тел.
Фотография Луизы Невельсон, сделанная Линном Гилбертом в 1976 году; Линн Гилберт, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Эти скульптуры, в основном монохромные и черные, с редкими заходами в золотой и белый цвета, выражали ее личный рассказ о перемещении и самоизобретении. В более поздние годы она экспериментировала с коммерческими материалами, такими как алюминий, оргстекло и сталь.
Королевский прилив 1 (1960)
| Год создания | 1932 |
| Средство | Бронза |
| Размеры | 90 мм × 222 мм × 154 мм |
| Текущее местонахождение | Тейт Модерн |
Мерцающее золото, простирающееся от пола до потолка, придает Royal Tide I вид роскошного позолоченного алтаря, как будто абстракции скульптуры были алхимически заколдованы в их метаморфозе от повседневных отходов к предмету искусства.
Примечательно, что она называла «Королевский прилив I» и подобные работы своим «барочным периодом», связывая таким образом свою современную абстрактную скульптуру с пышными и роскошными произведениями эпохи барокко XVI века.
В отличие от других своих работ свободной формы, Невельсон поместила различные компоненты в «Королевском приливе I» в матрицу из деревянных ящиков одинакового размера и обеспечила целостный порядок во всей работе.
Барбара Хепворт (1903 — 1975)
| Национальность | Американец |
| Дата рождения | 13 сентября 1899 года |
| Дата смерти | 17 апреля 1988 года |
| Место рождения | Переяслав, Украина |
Барбара Хепворт была предтечей абстрактной скульптуры, став всемирно известным скульптором в эпоху, когда женщины-скульпторы были редкостью. Она хорошо известна своими высеченными из камня биоморфными работами, которые были вдохновлены ее ранней любовью к органическим структурам и материалам.
Она объединила широкий спектр физических элементов с исключительным пониманием их свойств, используя сложный и многогранный скульптурный язык и концепции.
Она отражает связь между измерением и пространством, исследуя отсутствие, а также присутствие в скульптуре. В ее абстрактных работах часто присутствуют пустые внутренние пустоты, которые нарушают гладкую текстуру поверхности.
Две формы (1969)
| Год создания | 1969 |
| Средство | Бронза |
| Размеры | 237 см × 234 см × 54 см |
| Текущее местонахождение | Музей Барбары Хепворт |
Это абстрактное скульптурное произведение искусства широко считается одним из самых узнаваемых произведений в Великобритании. Скульптура была построена всего за шесть лет до смерти Хепворт во время пожара в ее мастерской в Сент-Айвсе в 1975 году.
Она состоит из двух вертикальных бронзовых полукругов, образующих разорванный круг около двух метров в поперечнике, каждый из которых пронизан одним огромным отверстием. Обе части припаяны к бронзовому основанию.
Две формы (1969), Барбара Хепворт; Talmoryair, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Моррис Сингер отлил все три детали в Лондоне, и все они пустые. В 1966 году, после того как у нее диагностировали рак, Хепворт создала это произведение искусства. Вы можете пройти через «Разделенный круг» — вам не нужно делать это физически, чтобы почувствовать это», — говорила она, желая, чтобы зритель физически участвовал в ее творчестве.
Энтони Каро (1924 — 2013)
| Национальность | Англичанин |
| Дата рождения | 8 марта 1924 года |
| Дата смерти | 23 октября 2013 года |
| Место рождения | Нью-Мейден, Великобритания |
Энтони Каро, значительная фигура в современной скульптуре на протяжении почти полувека, исследовал все возможности трехмерной абстракции. Он создавал огромные творения, грандиозные как по форме, так и по размеру, используя самые разные материалы — от дерева до веревок.
Несмотря на то, что часть его работ придерживается точной, логичной геометрии, его фирменные скульптуры передают лирическое движение, кажущуюся невесомость, спонтанность и случайность.
Его металлические абстрактные скульптуры были представлены без пьедесталов, прямо на земле, раздвигая границы. Устранение пьедестала было драматическим шагом в то время, изменившим взаимодействие между искусством и наблюдателем.
Раннее утро (1962)
| Год создания | 1962 |
| Средство | Металл |
| Размеры | 2,9 м x 6,2 м x 3,35 м |
| Текущее местонахождение | Галерея Тейт |
В 1950-х годах Каро работал подмастерьем у Генри Мура, но работы Дэвида Смита побудили его отойти от полуфигуративного искусства Мура и перейти к более абстрактным произведениям, созданным из промышленных металлических деталей.
Работа «Раннее утро» была создана дома у Каро, но массивное произведение невозможно было полностью рассмотреть в маленькой комнате, поэтому Каро с другом поздно вечером разобрали его и восстановили на открытом воздухе.
Первый правильный взгляд Каро на скульптуру рано утром на следующий день вдохновил его на название. Первоначально она была покрашена в зеленый цвет, чтобы объединить различные части в единое целое. Каро был недоволен результатом, поэтому его жена Шейла предложила покрасить ее в красный цвет.
Сол ЛеВитт (1928 — 2007)
| Национальность | Американец |
| Дата рождения | 9 сентября 1928 года |
| Дата смерти | 8 апреля 2007 года |
| Место рождения | Коннектикут, США |
Сол ЛеВитт, пионер минимализма и философского искусства, был наиболее известен своими геометрическими абстрактными скульптурами, хотя он также создавал настенные рисунки, конструкции, картины и концептуальные работы.
Создав уникальный радикальный стиль искусства в 1960-х годах, ЛеВитт считал, что наиболее значимой частью работы является идея или концепция.
Он использовал простые конструкции, применяя собственные формулы, приближенные к математическим уравнениям, подчеркивая концепции и процессы и сводя создание искусства к его сути. Он часто давал расплывчатые инструкции своим подмастерьям или помощникам по созданию произведения искусства, которое он заранее задумал.
Это происходило потому, что ЛеВитт считал, что конечный продукт не должен полностью контролироваться художником, что ставило под сомнение основные представления об искусстве.
Четырехгранная пирамида (1999)
| Год создания | 1999 |
| Средство | Бетонные блоки и раствор |
| Размеры | 458 см x 1012 см x 970 см |
| Текущее местонахождение | Сад скульптур Национальной галереи искусств, Вашингтон, округ Колумбия. |
Сол ЛеВитт был в авангарде концептуального и минимального искусства на протяжении более пяти десятилетий, начиная с начала 1960-х годов. Структуры (это название он предпочитал скульптурам) Сола ЛеВитта часто состоят из модульных, квазиархитектурных форм.
Как и во многих других своих работах, ЛеВитт разработал план и ряд шагов, которые должны были выполнить другие художники для «Четырехгранной пирамиды».
Четырехгранная пирамида (1999) Сола ЛеВитта, находится в Саду скульптур Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия; Дэвид из Вашингтона, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Группа каменщиков и инженеров работала вместе с художником над созданием Четырехгранной пирамиды на этом месте. Многоярусная пирамида, которую ЛеВитт первоначально использовал в 1960-х годах, отсылает к отмене в 1961 году правил начала 20-го века по отступу для зданий Нью-Йорка. Геометрическая структура четырехгранной пирамиды также связана с древними зиккуратами Месопотамии.
На этом мы завершаем рассмотрение истории и знаменитых художников абстрактной скульптуры. Мы рассмотрели некоторые из лучших примеров знаменитых абстрактных скульптур и удивительных скульпторов, которые их создали. От абстрактных деревянных скульптур до массивных металлических абстрактных статуй — эти примеры абстрактного скульптурного искусства проверили границы того, что может представлять собой скульптура.
Часто задаваемые вопросы
Что такое абстрактное скульптурное искусство?
Абстрактная скульптура возникла в результате тяжелого воздействия индустриализации и все большего числа скульпторов, дистанцировавшихся от традиционного понимания скульптуры. Без сильного желания бросить вызов традициям, Огюст Роден часто считается отцом современной скульптуры. Роден устранил грубые контуры традиционного трехмерного производства, чтобы освободить место для своих гигантских скульптур в наступающем современном 19 веке.
Что повлияло на искусство абстрактной скульптуры?
Идея о том, что абстрактные статуи могут быть выполнены как объекты ассамбляжа, и что знаменитым художникам-скульпторам не обязательно полагаться на традиционное использование мрамора или дерева, была принята дада, абстрактным экспрессионизмом, сюрреализмом и минимализмом. Каждое из вышеупомянутых движений добавило еще одну существенную особенность во все более глобальную фразу абстрактной скульптуры. Кубизм дал искусству новый взгляд на материалы, но итальянский футуризм дал искусству новую цель как средство для воплощения движения, энергии и технологии. Кинетическая скульптура развилась из этой точки зрения, принеся с собой совершенно иной взгляд на понятие массы и ее разрушение через тонкие силы света и движения.
