Картины сюрреалистов — Абсурдность и мечтательность сюрреалистического искусства

Картины сюрреалистов

Движение сюрреализма возникло в Европе как последствие Первой мировой войны, когда последствия жестокости, проявившейся во время войны, начали проявляться в искусстве необычным образом. Испытавший сильное влияние движения Дада, сюрреализм был наиболее известен своими визуальными произведениями искусства и трудами, в которых основное внимание уделялось подсознанию, иррациональному и силе сновидений. Несмотря на то, что сюрреалистическое искусство начало распространяться по всему миру, его популярность была подорвана началом Второй мировой войны.

Оглавление

Введение в сюрреалистическое искусство

Сюрреалистическое движение было основано поэтом Андре Бретоном в 1924 году в Париже и существовало как художественное и литературное движение. Манифест сюрреализма Бретона, написанный в том же году, стал первым документальным подтверждением того, что концепция сюрреализма была исследована в литературе, что привело к последующему развитию движения после Первой мировой войны.

Из-за травмы, которую пережило общество после войны, художники хотели создать новый вид реальности в своем искусстве. Они пытались понять тот тип мира, который позволил ужасам войны иметь место через абсурдные и странные изображения, включенные в их произведения искусства. Сюрреализм, таким образом, поощрял использование снов и подсознания при создании произведений искусства, что позволяло художникам сосредоточиться на своих истинных, внутренних чувствах, требующих внимания.

Уходя своими корнями в психоанализ, сюрреалистическое движение испытало большое влияние работ Зигмунда Фрейда, которые Бретон интенсивно изучал. Сюрреализм черпал вдохновение из предыдущего движения Дада, а также из современного включения авангардных идей в искусство, поскольку он распространил эти понятия на музыку, театр и философию в дополнение к изобразительному искусству.

Сюрреалистические картины

Мозг (обкуренный) (1982) Ханно Карлхубера, из серии «Энергия пространства», «Всасывание в комнату создается источником света. В данном случае источник света закрыт. Парящий человек может быть интерпретирован как находящийся во власти, космические камни — как препятствия. Это натуралистическое описание психических состояний»; Hanno Karlhuber, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Часто рассматриваемый как культурное и радикальное художественное движение, сюрреализм сосредоточился на концепции беспорядка, элемента неожиданности, удивительных сопоставлений и нелогичного отображения реальности. Художники были озабочены отходом от разума и логики и надеялись достичь свободной формы мышления в создаваемых произведениях искусства. Целью сюрреализма было освобождение мысли, языка и человеческого опыта от гнетущих ограничений рационализма.

В рамках сюрреалистического движения особое внимание уделялось понятию автоматизма, поскольку оно описывало практику, напоминающую свободные ассоциации, что позволяло художникам создавать произведения, сосредоточенные на их бессознательных мыслях. Таким образом, тип картин, созданных в рамках движения сюрреализма, исследовал диалог, существующий между снами и реальностью, поскольку художники подчеркивали важность подсознательных образов.

Произведения этого движения демонстрировали значительный отход от традиционных форм искусства, поскольку художники стремились раскрыть психологическую правду. Это привело к созданию абстрактных образов, чтобы представить изоляцию, которую испытывало общество после войны.

Десять самых известных произведений сюрреалистического искусства

На протяжении всего сюрреалистического движения было создано множество произведений искусства, которые точно отражали идеи, цели и характеристики, которые подчеркивал этот период искусства. При рассмотрении этих многочисленных произведений некоторые картины выделяются как определяющие работы сюрреализма. Ниже приведен список десяти наиболее узнаваемых и известных картин сюрреалистического искусства, о которых говорят и сегодня.

Знаменитые картины сюрреалистов

C… come condizionamento («C… для кондиционирования», 1976) итальянского художника Уильяма Джирометти, принадлежит его дочери; William Girometti, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Карнавал Арлекина — Жоан Миро (1925)

Художник Жоан Миро (1893 — 1983)
Дата написания 1925
Медиум Масло на холсте
Размеры 66 см x 90,5 см (26 дюймов x 35 5/8 дюйма)
Где в настоящее время находится Художественная галерея Олбрайт-Кнокс, Буффало

Одной из самых выдающихся сюрреалистических картин испанского художника Жоана Миро, а также его самым известным произведением является работа 1925 года под названием «Карнавал Арлекина» (Carnaval de Arlequín). В названии картины содержится отсылка к двум значимым словам в обществе того времени. Термин «арлекин» относился к персонажу итальянского комического театра, который всегда изображался в клетчатом костюме, а «карнавал», как считалось, обозначал праздник.

Произведения искусства сюрреализма

Портрет Жоана Миро в Барселоне, 1935 год; Карл Ван Вехтен, общественное достояние, через Wikimedia Commons

На картине «Карнавал Арлекина» изображен шумный праздник жизни, о чем свидетельствуют фигуры, которые как бы дрейфуют и подпрыгивают. Также предполагается, что этот праздник подражает празднику Марди Гра, когда христиане предавались жирной пище, а затем воздерживались от употребления продуктов животного происхождения до Пасхи. Эти карикатурные и биоморфные формы, которые Миро разбросал вокруг, представляют собой переполненную информацию, которая ошеломляет зрителя при первом знакомстве с этой картиной в стиле сюрреализма.

Независимо от того, что это за праздник, представлена очень случайная и хаотичная сцена, так как кажется, что Миро удалось воспроизвести на холсте все свои подсознательные мысли. Однако при внимательном рассмотрении этих фигур оказывается, что в их включении в работу есть определенный символизм.

Арлекин, расположенный слева от центра картины, имеет вытянутое белое тело с сине-красным шаром в качестве головы. Он выглядит очень грустным и изображен с проколом в животе, что, как считалось, означало бедность и голод Миро. Будучи бедствующим художником, Миро иногда едва мог позволить себе купить еду и описывал, что в конце дня приходил домой без еды в каком-то трансе. Именно это галлюцинаторное состояние позволило ему начать рисовать абстрактные формы, которые и составили эту картину.

Слева изображена длинная лестница, прислоненная к стене, — мотив, который Миро в дальнейшем будет использовать в ряде своих сюрреалистических картин. Символизируя его страх оказаться в ловушке, лестница, как говорят, существовала как инструмент, который обеспечит ему свободу, которой он жаждал. Кроме того, черный треугольник в окне в правом верхнем углу картины предположительно напоминал Эйфелеву башню, что подчеркивало великую мечту Миро покорить мир своим искусством и вырваться из нищеты, в которой он жил.

Уникальность «Карнавала Арлекина» заключается в том, что изображенные формы были созданы из голода, который Миро испытывал, когда входил в состояние, подобное трансу, в отличие от образов, пережитых во сне, как у других художников-сюрреалистов. Эта картина существует как рассказ о подсознании Миро в результате его экономических трудностей, что позволило придать изображенным формам определенную эмоциональность. Это значительный пример картины сюрреализма, поскольку Миро стал пионером в использовании антропоморфных форм в этой картине.

Битва рыб — Андре Массон (1926)

Художник Андре Массон (1896 — 1987)
Дата написания 1926
Медиум Песок, гессо, масло, карандаш и уголь на холсте
Размеры 36,2 см x 73 см (14 ¼ дюйма x 28 ¾ дюйма)
Где в настоящее время находится Музей современного искусства, Нью-Йорк

Французский художник Андре Массон с энтузиазмом практиковал автоматическое рисование в некоторых своих работах в стиле сюрреализма и часто экспериментировал с измененными состояниями сознания. Самой известной его картиной в рамках движения сюрреализма является произведение 1926 года под названием «Битва рыб».

  Примеры заявлений художников - взгляд на заявления известных художников

В этом произведении Массону удалось создать мощный аллегорический взгляд на человеческое состояние и бесконечные конфликты, которые происходили из-за разрушений, оставленных Первой мировой войной. Изобразив сюрреалистический подводный пейзаж, Массон нарисовал острозубых рыб, жестоко нападающих друг на друга в попытке продемонстрировать свои мысли о современном обществе после войны.

Задействовав весь холст при создании «Битвы рыб», Массон сумел сохранить замкнутую композицию, которая очень напоминала закрытую природу океанских глубин. Массон также умело расположил энергичные и плавные линии в своей работе, которые обеспечили определенное направление в работе и послужили направляющими точками, на которых зрители могли сосредоточиться. Эти штрихи кажутся очень твердыми и уверенными в своем месте, что демонстрирует уверенность Массона в стиле, который он пытался изобразить.

Что сделало это сюрреалистическое произведение искусства таким захватывающим, так это необычный метод, который применил Массон, поскольку его поразительный подход к созданию произведений искусства позволил внести элемент случайности в его работы.

В «Битве рыб» Массон включил в свою работу песок, свободно наносил на холст грунт, чтобы создать структуру для остальной части произведения, а также энергично рисовал и писал прямо из тюбиков с краской.

Хотя участки песка стали заметными фокусными точками, выбранная цветовая палитра также помогла подчеркнуть определенные области в произведении. Массон использовал холодные тона, которые захватывали зрителя и втягивали его в мрачную сцену, а также контрастные теплые тона вокруг областей, которые он хотел выделить. Эти различные цвета, в дополнение к органическим формам, которые использовал Массон, помогли сохранить поток и ритм внутри работы и создать интересное и захватывающее произведение, состоящее из неограниченных перерывов.

Темные цвета, такие как голубой и зеленый, помогли создать настроение депрессии и раскаяния в композиции, что отражает настроение в реальности после окончания войны. Более теплые цвета помогли привлечь внимание зрителей, а использованные красные цвета стали наглядным напоминанием об истинном ужасе, произошедшем в обществе.

Это произведение символизирует жизнь европейского общества после Первой мировой войны, поскольку изолированные и дикие рыбы, как говорят, олицетворяют смятенные и разорванные на части сообщества, которые остались восстанавливаться. Некоторые рыбы также изображены мертвыми, что, как считалось, символизировало тех людей, которые потеряли свои жизни в результате боевых действий или потрясений, пережитых после них.

Таким образом, эта работа является очень самоуверенным произведением искусства, поскольку символы, которые Массон поместил в свою композицию, были выбраны сознательно и использованы для передачи сообщения.

Это произведение считается невероятно влиятельным для движения сюрреалистов, поскольку Массон обратился к своему бессознательному разуму, чтобы создать иррациональную композицию, точно передающую хаос и страх, которые ощущались в обществе после Первой мировой войны.

Великий мастурбатор — Сальвадор Дали (1929)

Художник Сальвадор Дали (1904 — 1989)
Дата написания 1929
Медиум Масло на холсте
Размеры 110 см x 150 см (43,3 дюйма x 59,1 дюйма)
Где в настоящее время находится Национальный музей Центр искусства королевы Софии, Мадрид

Одним из самых известных представителей сюрреализма был испанский художник Сальвадор Дали, который впоследствии написал несколько самых знаковых работ, которые помогли определить это движение. Одной из самых ранних сюрреалистических картин Дали, написанных в 1929 году, была «Великий мастурбатор».

В то время, когда Дали написал картину «Великий мастурбатор», он был увлечен психоаналитической теорией Зигмунда Фрейда и был очень заинтересован в изучении бессознательных аспектов себя, включая сексуально подавленные механизмы и структуру эго. Поэтому эта картина рассматривается как автопортрет собственных сексуальных одержимостей Дали и его чрезмерно разросшегося эго, которое он неоднократно комментировал на протяжении всей своей карьеры.

Сюрреалистическое искусство

Портрет Сальвадора Дали, снятый в Hôtel Meurice, Париж, 1972; Allan warren, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Дали написал эту сновидческую сцену в невероятно сюрреалистическом пейзаже после того, как провел несколько дней со своей будущей женой Галой. Несколько других объектов желания были включены в это произведение искусства, например, упоминания о самой Гале и ссылки на оазис в пустыне. Считалось, что включение в картину неизвестных безликих фигур и насекомых символизирует его собственные параноидальные страхи.

Рассматриваемая как своего рода психический снимок подсознания Дали в то время, большая искаженная голова, доминирующая на картине, как говорят, является мастурбатором и одним из олицетворений самого Дали, который несколько раз появлялся в различных ситуациях на этой картине.

Голова, видимая только в профиль, отражала духовные и эротические изменения, которые Дали пережил из-за внезапного присутствия Галы в его жизни.

Рассматриваемый как очень тревожный автопортрет, «Великий мастурбатор» демонстрирует воображение, находящееся на пике своего развития. Это проявилось в странном изображении кузнечика, который сосал камень, превращающийся в изображение Дали.

Многие предполагают, что центральный образ основан на широко известном скальном образовании Куллеро, расположенном в Кап-де-Креус в Испании. Дали сравнил эту скалу с головой, нос которой вдавлен в землю, и впоследствии он неоднократно ссылался на эту скалу в своих поздних сюрреалистических работах. Это продемонстрировало навязчивую натуру Дали, поскольку эта скала стала самым притягательным и вездесущим объектом во многих его работах в стиле сюрреализма.

В этом произведении Дали обнажил свои внутренние страхи, личные тревоги и постоянные навязчивые идеи. Великий мастурбатор» является влиятельным произведением сюрреалистов, поскольку в нем представлена идея бегства от реальности, которая присутствовала в большинстве работ Дали. Это параноидальное изображение демонстрировало центральные характеристики, которые прослеживались в других работах сюрреалистов, а Дали был важным лидером движения.

Коварство образов — Рене Магритт (1929)

Художник Рене Магритт (1898 — 1967)
Дата написания 1929
Медиум Масло на холсте
Размеры 60,3 см x 81,1 см (23,7 дюйма x 31,9 дюйма)
Где в настоящее время находится Музей искусств округа Лос-Анджелес

Другим значительным художником, который способствовал развитию сюрреалистического движения, был бельгийский художник Рене Магритт. На его исследования в рамках сюрреализма сильно повлияли послевоенная атмосфера, охватившая общество, структуралистские теории языка и предполагаемый разрыв между языком и смыслом. Одна из самых известных работ Магритта, написанная в 1929 году, — «Коварство образов».

На этой картине изображено простое изображение трубы, а также французское высказывание, которое переводится как «Это не труба». Контраст, созданный Магриттом, продемонстрировал его идею о несоответствии между языком и значением, так как показана разница между означающим и означаемым объектом.

Сюрреалистическое искусство

Граффити картины Магритта «Ceci n’est pas une pipe» в Бухаресте; bixentro, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Эта юмористическая картина изображала разлад между языком и смыслом в обществе после Первой мировой войны, поскольку Магритт утверждал, что слова больше не представляют то, что они действительно означают. Из-за дисгармонии, возникшей в результате войны, сюрреалисты могли свободно исследовать деконструкцию языка, а картины Магритта в стиле сюрреализма вызывали у зрителей шокирующие мысли.

В «Коварстве образов» подчеркивалась вера Магритта в то, что искусство — это не реальность, а простое ее отображение. Таким образом, утверждение, содержащееся в этом произведении, оказалось верным, поскольку зрители смотрели не на трубу, а на изображение реальной вещи. Таким образом, Магритт создал трехсторонний парадокс из традиционного представления о том, что предметы должны соответствовать словам и изображениям.

  Поль Сезанн - художественная биография знаменитого постимпрессиониста

Как и другие художники сюрреалистического движения, Магритт стремился преодолеть присутствие рационализации и логики в искусстве, которые были навязаны художникам буржуазным обществом. Сюрреализм позволил Магритту устранить первоначальное значение знаков и символов, что вдохновило многих художников сделать то же самое. Кроме того, работы Магритта рассматривались как влиятельная отправная точка в концептуализме.

Магритт часто использовал методы, которые ставили под сомнение фактический вид его произведений искусства, поскольку они, казалось, не вписывались ни в картину, ни в саму реальность.

Напряжение, которое Магритт создавал между правдой и вымыслом, а также реальностью и сюрреализмом, было искусно показано в его работах. Это позволило «Коварству образов», наряду с другими его сюрреалистическими картинами, стать одними из самых знаковых произведений сюрреалистического искусства.

Постоянство памяти — Сальвадор Дали (1931)

Художник Сальвадор Дали (1904 — 1989)
Дата написания 1931
Медиум Масло на холсте
Размеры 24 см x 33 см (9,5 дюйма x 13 дюймов)
Где в настоящее время находится Музей современного искусства, Нью-Йорк

Еще одним значительным произведением искусства, написанным Сальвадором Дали во время движения сюрреализма, была его картина 1931 года «Постоянство памяти». Кроме того, это произведение искусства, несомненно, является одной из самых известных картин сюрреалистов в целом.

В картине «Постоянство памяти» Дали отдал дань концепции времени через изображенные им тающие часы. Считалось, что эти часы отражают внутреннюю работу подсознания Дали, а также передают простую и одновременно сложную мысль о том, что время, как его воспринимает общество, по сути, бессмысленно.

В этой абстрактной и мечтательной сцене капающие часы являются центральным мотивом, который изображен на фоне золотых скал Каталонии, где родился Дали. Включение гигантского носа, на котором тают часы, отсылает к предыдущей картине Дали «Великий мастурбатор» (1929).

Включив эту фигуру в обе свои работы, что, как считается, является своего рода самореференцией, Дали продемонстрировал свою навязчивую натуру, которая проявилась в его сюрреалистических картинах.

Дали проявлял большой интерес к идее подсознательного искусства и часто создавал галлюцинаторное состояние во время рисования. Это можно увидеть в некоторых объектах, которые он включал в свои картины, поскольку они, казалось, исходили из глубин его психики. Примером кажущегося абстрактного включения является изображение муравьев в его работах, которые часто повторяются в других его картинах в стиле сюрреализма. Считается, что муравьи символизируют увлеченность Дали концепцией распада и тем, что ничего нельзя сделать, чтобы остановить этот процесс.

Капающие часы и деформированное лицо кажутся полностью оторванными от реальности, что демонстрирует глубину, которую Дали исследовал в своем подсознании. Когда Дали спрашивали о значении часов на картине, он часто заявлял, что понятия не имеет, но при этом отказывался связывать изображение своих часов с понятием времени. Таким образом, Дали смог изобразить знакомые предметы незнакомыми способами, что полностью лишило их всякого смысла.

Эта работа стала очень важной для Дали, поскольку он постоянно возвращался к этой теме, используя различные стили, средства и вариации в других своих работах.

Его влияние распространилось на все сюрреалистическое движение, поскольку Дали смог легко исказить знакомые предметы до такой степени, что они казались частью абстрактного и фантасмагорического мира, что без труда передавало иррациональность, которой отличался сюрреализм.

Яйцо в церкви или змея — Андре Бретон (1932)

Художник Андре Бретон (1896 — 1966)
Дата написания 1932
Медиум Коллаж на бумаге
Размеры Неизвестно
Где в настоящее время находится Неизвестно

Известный как основатель сюрреализма, французский писатель и поэт Андре Бретон написал оригинальный манифест сюрреализма, который продолжил развитие и определение движения как художественной практики. Хотя в период сюрреализма Бретон сосредоточил свои усилия на писательской деятельности, в 1932 году он создал одно заметное произведение искусства под названием «Яйцо в церкви или змея».

Поскольку это одна из единственных визуальных работ Бретона, мало что известно о созданном им бумажном коллаже. Хотя «Яйцо в церкви или змея» — это коллаж, а не картина, не зря это произведение включено в список знаменитых сюрреалистических картин. Это потому, что оно по сути ставит под сомнение функцию автора, расширяя медиа и впервые используя фотомонтаж для визуального эксперимента. Таким образом, сочетание этих аспектов создало сильную загадочную и сюрреалистическую сновидческую сцену.

Сюрреализм живопись

Андре Бретон на фестивале дада в Париже, 1920 год, с плакатом, разработанным Франсисом Пикабиа; Неизвестный авторНеизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Название, выбранное Бретоном, является одновременно аллегорическим и загадочным благодаря его связи с религией, а выбранный предмет иллюстрирует интерес сюрреалистов к женскому телу и христианскому подавлению сексуального желания. Бретон стремился свести все сексуальные репрессии к простым символам и языку, которые обеспечили бы свободу самовыражения, как это продемонстрировано в его коллажах и работах.

Хотя Бретон писал и рисовал не так много, как другие художники-сюрреалисты, его вклад в движение был неоценим, поскольку его труды и мысли, как говорят, повлияли на самое ядро авангардного движения.

Варвары — Макс Эрнст (1937)

Художник Макс Эрнст (1891 — 1976)
Дата написания 1937
Медиум Масло на картоне
Размеры 24,1 см x 33 см (9,5 дюйма x 13 дюймов)
Где в настоящее время находится Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Немецкий художник Макс Эрнст был известен как влиятельный дадаист и сюрреалист. Во время своей карьеры в рамках сюрреализма Эрнст разработал технику, известную как «фроттаж», которая использовала карандашные потёртости предметов в качестве источника изображений. Самая известная работа Эрнста, созданная в рамках сюрреалистического движения, была написана в 1937 году и называлась «Варвары».

Картина Эрнста была написана под сильным влиянием теории бессознательного Зигмунда Фрейда, а «Варвары» — это исследование его подсознания, его собственных детских воспоминаний, а также языческих мифологических и сексуальных символов. Рассматривая концепцию варваров, Эрнст рассматривал их в соответствии с фрейдистскими концепциями личности, такими как эго, супер-эго и ид, поэтому их уместно поместить как существ в сюрреалистический пейзаж.

Художник сюрреалистических картин

Фотография Макса Эрнста в 1968 году; Неизвестный авторНеизвестный автор, CC0, via Wikimedia Commons

В «Варварах» изображены гигантские и злобные фигуры, которые, кажется, принимают форму птиц. Темная птица, кажется, ведет за собой, в то время как другая птица оборачивается, чтобы посмотреть на странное животное, которое висит у нее на руке. Вдалеке изображена маленькая женщина, которая, кажется, держится за неопознанное крылатое животное. Эрнст часто включал тему птиц в свои работы, так как считал, что они воплощают в себе некоторые человеческие элементы.

Странные узоры, нарисованные на телах фигур, были довольно угловатыми и грубыми, поскольку, как говорят, они навевали мысли о скалах и образовании окаменелостей. Эрнст добивался этого эффекта, накладывая краску на кусок картона и прижимая его к предметам, пока он был влажным, чтобы оставить отпечаток. Затем он дорисовывал фигуры кистью, соскабливая дополнительные слои краски.

В этом произведении искусства мифология была отражена в двух нарисованных фигурах, поскольку Эрнст считал их варварами. Рука темной птицы, поднятая к небу, представляла, как варвары всегда верили, что они — остров Атласа, удерживающий небеса от падения. Другая птица, как говорят, готовилась начать свое военное продвижение на землю, принадлежащую людям.

Таким образом, это отражало мысль Эрнста о том, что демократия способна превратиться в варварство, о чем свидетельствует начало войны.

Бесконечная делимость — Ив Танги (1942)

Художник Ив Танги (1900 — 1955)
Дата написания 1942
Медиум Масло на холсте
Размеры 101,6 см x 89 см (40 дюймов x 35 дюймов)
Где в настоящее время находится Художественная галерея Альберта Кнокса, Буффало
  Футуризм - взгляд назад на художественное движение футуризма

Французский художник Ив Танги оказал большое влияние на движение сюрреализма, поскольку его работы были выполнены в необычном, мгновенно узнаваемом стиле нерепрезентативного сюрреализма. Возможно, самой известной его работой того периода, написанной в 1942 году, была картина под названием «Неопределенная делимость».

В своих работах Танги использовал концепцию потока сознания, благодаря чему его сюрреалистические картины вызывали активные эмоции у зрителей, а не передавали конкретные объяснения картины.

Танги также находился под влиянием подсознания и сновидений, причем эти элементы появлялись в различных обстоятельствах в большинстве его работ.

На картине «Бесконечная делимость» изображены обычные предметы, которые были сложены вместе, чтобы сформировать фигуру человека, а также то, что казалось мольбертом художника. Танги позаимствовал визуальный символ у своего наставника, создав непонятную и таинственную структуру, которая заняла неопределенное пространство. Кроме того, форма структуры кажется неопределенной и расплывчатой, что придает картине дополнительную загадочность.

Помещенный на то, что кажется пляжем или голубой версией чистилища, Танги создал сопоставление между формами, состоящими из множества объектов. Это было сделано для того, чтобы вызвать чувство неопределенности в работе, поскольку зрители не могли определить, из чего на самом деле состоит созданный им мир. Тем самым Танги поднял важную философскую тему, задавшись вопросом, являются ли человеческие формы и предметы, созданные человеком, одним и тем же, или же они являются воображаемыми.

В «Бесконечной делимости» мечты и реальность сливаются через противоречивые формы, которые противостоят зрителю и требуют внимания. Что делает эту работу влиятельным произведением сюрреалистов, так это то, что Танги сосредоточился на выражении и вызывании ощущений, а не на объяснении смысла своей картины.

В 1950 году Психологический институт Вены выставил картины Танги наряду с работами больных шизофренией, чтобы проверить, сможет ли публика отличить одно от другого. Когда этого не произошло, сюрреалисты были в экстазе, поскольку это означало, что абстракция в их работах действительно не имеет никакого сходства с реальностью.

Я видел три города — Кей Сейдж (1944)

Художник Кей Сейдж (1898 — 1963)
Дата написания 1944
Медиум Масло на холсте
Размеры 92 см x 71 см (36 ¼ дюйма x 27 15/16 дюйма)
Где в настоящее время находится Художественный музей Принстонского университета, Нью-Джерси

Американская художница Кей Сейдж, которая была женой своего коллеги Ива Танги, была одной из немногих женщин-художниц в сюрреализме, оказавших невероятное влияние на движение. Ее самая значительная работа, написанная в 1944 году, — «Я видела три города».

Знаменитое сюрреалистическое искусство

Фотография Кей Сейдж на паспорт (1922); правительство США, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Работы Сейдж значительно отличались от работ других женщин в рамках сюрреализма, поскольку вселенные, которые она создавала на своих картинах, были неясными, непроницаемыми и нигилистическими. В картине «Я видел три города» Сейдж изобразила жуткую атмосферу, которая придала произведению ощущение призрака и призрачности. Она также противопоставила плавность драпировок, которые она использовала, ссылаясь на древнегреческую эстетику, резким геометрическим формам, что создало напряжение между современностью и классическим искусством в ее картине.

Пустынный пейзаж, кажется, контролируется высокой, скрытой человеческой фигурой, которая стоит на переднем плане работы и остается неизвестной. Клубящаяся драпировка, которая была невероятно хорошо прорисована, кажется неуместной в этой абстрактной и заброшенной обстановке, а сопоставление, созданное Сейдж, создает очень дезориентирующий эффект для зрителей.

Цвета, использованные Сейджем, очень приглушенные и тревожные, так как возникает ощущение, что в этом мрачном и убогом пейзаже может произойти что-то зловещее. Единственный заметный цвет, который можно увидеть, — это красный шест, который в некоторых местах торчит из материала. Считалось, что это символизирует внутренний стержень Сейдж и демонстрирует, что, несмотря на ее жалкие картины, внутри нее все еще есть какая-то форма жизни.

Картина была написана в конце Второй мировой войны, поэтому нельзя не задаться вопросом, является ли картина Сейдж изображением несчастья и разрухи, которые она видела в обществе. Название картины, в котором говорится, что Сейдж смотрит на три города, наводит на мысль, что это может быть картина, написанная в знак скорби по городам, разрушенным в результате войны.

Сын человеческий — Рене Магритт (1964)

Художник Рене Магритт (1898 — 1967)
Дата написания 1964
Медиум Масло на холсте
Размеры 116 см x 89 см (45,6 дюйма x 35 дюймов)
Где в настоящее время находится Частная коллекция

Другой значительной картиной Рене Магритта, написанной к концу периода сюрреализма, стала его работа 1964 года под названием «Сын человеческий». Между этой картиной и его «Коварством образов» 1929 года, говорят, что «Сын человеческий» является более выдающимся произведением, а также одной из самых знаковых сюрреалистических картин всех времен.

Состоящая из мужчины, одетого в шинель и шляпу-котелок, картина «Сын человеческий» была написана как автопортрет Магритта, который пытался передать важные сообщения о человеке. Магритт закрыл свое лицо парящим в воздухе зеленым яблоком, что прокомментировало непредсказуемые отношения между видимым и скрытым, а также сознанием и подсознанием в человеческой личности.

Сюрреализм Картины Художники

Рене Магритт, сфотографированный Лотаром Воллехом; Lothar Wolleh, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Скрывая свое лицо от посторонних глаз, Магритт подчеркивал стремление человека постоянно видеть то, что скрыто за видимым. Это было продемонстрировано через его глаза, которые можно увидеть проглядывающими сквозь листья яблока. Это вызывает у зрителей одновременно любопытство и раздражение, так как они не видят лица, и им приходится представлять, как Магритт изобразил себя. Кроме того, кусочки его глаз, которые видны над яблоком, создают немного тревожное ощущение, что за ним наблюдают.

Считалось, что название картины также отсылает к Иисусу, что способствовало созданию напряженности и страха в произведении. Этот религиозный подтекст также просматривается через включение яблока, поскольку некоторые искусствоведы считают, что оно представляет христианские верования об искушении Адама в Эдемском саду и гибели человечества.

Однако, что делает «Сына Человеческого» таким интересным, так это то, что, несмотря на то, что картина является автопортретом Магритта, она может, по сути, относиться к любому человеку, как это представлено безликой фигурой, изображенной на картине. Таким образом, «Сын человеческий» является влиятельным произведением искусства в конце сюрреализма, поскольку яркие и немного экстремальные цвета, использованные Магриттом, вдохновили начало абстрактного экспрессионизма и постмодернизма.

Хотя выше перечислены только десять произведений искусства, во время движения сюрреализма было создано еще много известных работ, которые стоит изучить. Вы увидите, что многие художники часто создавали более одной известной работы, о чем свидетельствует повторение двух художников в этой статье. Сюрреализм существует как невероятно интересное движение, о чем свидетельствуют созданные творческие картины, похожие на дневные грезы.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий

Adblock
detector