Фрида Кало считается народным героем благодаря своему яркому характеру и разнообразному происхождению. Она стала символом женской силы воли, страсти к Мексике и ее истории, а также стойкости перед лицом трудностей. Помимо всего прочего, она была настоящей женщиной, которая твердо стояла в своих убеждениях. Оригинальные картины Фриды Кало, как правило, затрагивали глубокие личные темы, в них сочетались реальность и воображение. Если вы когда-нибудь задавали себе вопрос: «Чем известна Фрида Кало?», то смотрите дальше, мы кратко рассмотрим ее жизнь, а также самые известные картины Фриды Кало.
Оглавление
Кто такая Фрида Кало?
Фрида Кало была мексиканской художницей, которая исследовала в своих картинах различные темы, такие как раса, пол и сексуальность. Она известна своими провокационными и часто автобиографическими работами, и сегодня Кало является уважаемой феминистской иконой и знаменитым художником.
Гравюра Фриды Кало, 1932 год; Гильермо Кало, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Она родилась в 1907 году в Голубом доме в Койоакане, деревне на окраине Мехико. Ее отец, Вильгельм, был родом из Германии и в юности переехал в Мексику, где прожил всю оставшуюся жизнь, в конечном итоге возглавив семейную фотографическую компанию. Матильда, мать Фриды Кало, имела смешанное мексиканское и испанское происхождение и воспитывала Фриду и ее младших братьев и сестер в дисциплинированном и набожном доме.
Кало всегда утверждала, что родилась в 1910 году, в тот самый год, когда в Мексике произошла революция, чтобы другие могли связать ее с современной Мексикой.
Этот взгляд открывает нам уникальную личность, с ранних лет отмеченную глубоким чувством автономии и неповиновения обычным моральным и социальным нормам, движимую преданностью и страстью, поддерживающую свой «мексиканизм» и традиционные верования в противовес господствующей американизации, сохраняя при этом своеобразное чувство юмора. Она также была известна своими знаменитыми цитатами из произведений искусства — вы можете ознакомиться с ними в нашей статье «Цитаты Фриды Кало».
Матильда, Адриана, Фрида и Кристина Кало (1916); Гильермо Кало, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ее жизнь определялась сильной болью, начиная с полиомиелита в возрасте пяти лет, а затем последовала авария на автобусе, которая привела к обширным повреждениям ее тела. Многие из ее шедевров были созданы, когда она лежала в постели. Картины Кало, как правило, отличаются изображением агонии, вызванной ее личными травмами, потерями и многочисленными операциями. 55 из 143 работ являются автопортретами Фриды Кало, которые часто включают аллегорические изображения физических и душевных шрамов.
В молодости Кало связалась с легендарным мексиканским художником Диего Риверой, который признал, что художественный стиль Фриды Кало действительно оригинален и является отличительно мексиканским.
Они поженились в 1929 году, вопреки недовольству семьи Кало, разошлись, а затем снова поженились в 1940 году. У нее было несколько партнеров, как мужчин, так и женщин, включая Леона Троцкого и жену Андре Бретона. За несколько дней до своего ухода из жизни 13 июля 1954 года она записала в дневнике: «Надеюсь, уход будет приятным — и я желаю никогда не возвращаться — Фрида». В официальном заключении коронера было указано, что причиной смерти стала легочная эмболия, хотя некоторые предполагали, что она умерла от случайной передозировки.
Автопортрет (1941) Фриды Кало; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Взгляд на самые важные картины Фриды Кало
Теперь, когда у нас есть лучшее представление о человеке, настало время погрузиться в знаменитые картины Фриды Кало. Они дадут нам представление о важности художественного стиля Фриды Кало и ее мотивах. Эти картины Фриды Кало также дадут еще более глубокое понимание ее психики и мыслей, чем ее биография.
Фрида и Диего Ривера (1931)
| Дата завершения | 1931 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 100 см x 78 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей современного искусства Сан-Франциско |
В этой работе Кало как будто примеряет на себя роль домохозяйки, чтобы понять, насколько она ей подходит. Ее не беспокоит ее статус художника, она предпочитает играть покорную и поддерживающую позицию, хватаясь за руку своего творческого и знаменитого супруга. Действительно, большую часть своей творческой деятельности Кало была окутана тенью Риверы, и лишь позднее, при жизни, она добилась широкого признания. Этот ранний двойной портрет был создан в основном в честь свадьбы Кало с Риверой.
В то время как Ривера держит в руках палитру и кисть, символы его творческого мастерства, Кало ограничивает свою позицию позицией супруга, изображая себя в маленькой рамке и без творческих аксессуаров.
Кало также предстает в обычном мексиканском женском наряде, надев типичный малиновый плащ под названием ребозо и нефритовые украшения. Позы персонажей похожи на обычные супружеские портреты, в которых женщина расположена слева от супруга, что символизирует ее более низкое социальное положение как женщины. Художница все же обращается к своей личной палитре в эскизе, сделанном в следующем году под названием «Фрида и выкидыш», как будто травма от потери ребенка и невозможности создать семью полностью перенаправляет ее внимание на создание искусства.
Больница Генри Форда (1932)
| Дата завершения | 1932 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 30 см x 38 см |
| В настоящее время хранится в музее | Коллекция Долорес Ольмедо, Мексика |
Большое количество картин Фриды Кало 1930-х годов, особенно по масштабу, формату, структурному расположению и пространственной конфигурации, связано с теологическими произведениями ex-voto, которых у нее и Ривера была значительная библиотека, насчитывающая многие сотни лет. Ex-voto помещают в храмы или памятники в знак благодарности за искупление, ответ на мольбу или предотвращение беды.
Ex-votos часто создаются на крошечных металлических поверхностях, изображая происшествие, а также Деву или святых, которым они подносятся.
Кало использует метод ex-voto, но принижает его, ставя себя в центральное положение вместо того, чтобы документировать чудесные действия мучеников в больнице Генри Форда. Скорее, она изображает свою собственную историю, как будто она сама мученица, и произведение создано не в благодарность Всевышнему, а в бунте, задаваясь вопросом, почему он причиняет ей мучения.
На этой картине Кало истекает кровью на матрасе после выкидыша. Из обнаженного торса вытекают шесть похожих на вены струек, каждая из которых связана с каким-либо символом. Один из шести предметов — зародыш, подразумевая, что серпантин является аналогией пуповины. Остальные предметы, окружающие Кало, — это объекты, которые она вспоминает или видела во время пребывания в клинике. Улитка, например, отсылает к времени, которое потребовалось для завершения выкидыша, а цветок был реальной вещью, подаренной ей Диего.
Художница демонстрирует свое стремление к связи со всем, что ее окружает, включая повседневное и символическое, а также осязаемое и реальное. Возможно, именно через это стремление к связи Кало пытается стать матерью, несмотря на невозможность иметь собственного ребенка.
Мое рождение (1932)
| Дата завершения | 1932 |
| Средство | Масло на цинке |
| Размеры | 30 см x 35 см |
| В настоящее время хранится в музее | Частная коллекция |
Это тревожное произведение искусства, где и роженица, и родившийся младенец кажутся мертвыми. У роженицы голова завернута в белый лен, а младенец, появляющийся из живота, кажется мертвым. Поскольку в момент создания этой работы мать Кало только что умерла, можно сделать вывод, что завуалированная похоронная фигура — это ее мать, а младенец — Кало. Она недавно потеряла собственного ребенка и заявила, что она — незамеченная материнская фигура. Дева Скорбящая, висящая над кроватью, подразумевает, что это изображение родительской агонии и горя.
Рядом с многочисленными маленькими набросками себя, Кало написала в своем дневнике: «Та, которая родила себя, также сочинила самую изысканную поэзию в своей жизни».
Подобно нескольким другим оригинальным картинам Фриды Кало, эта работа изображает Кало, скорбящую о смерти ребенка и в то же время обладающую силой духа, чтобы создать великую работу в результате этого горя. Картина выполнена в набожном стиле (крошечная картина коренных мексиканцев, вдохновленная иконографией католической церкви) с благодарностью Богородице, находящейся под картиной.
Скорее, Кало оставила эту часть незаполненной, как будто она не хочет выразить благодарность ни за собственное зачатие, ни за то, что теперь она не может иметь детей.
Картина, по-видимому, передает мысль о том, что очень важно признать, что зачатие и смертность неразрывно связаны. Многие считают, что на «Мое рождение» оказала большое влияние скульптура ацтеков, которую Кало хранила дома, изображающая Тлазолтеотля, божество плодородия и акушерства.
Мои бабушка и дедушка, мои родители и я (1936)
| Дата завершения | 1936 |
| Средство | Темперная краска и масло на цинке |
| Размеры | 31 см x 34 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Это мечтательное семейное дерево было выполнено на цинке вместо холста, что подчеркивает интерес автора к мексиканским ретабло 18 века. Кало создала это произведение, чтобы подчеркнуть как свое европейское еврейское происхождение, так и мексиканскую этническую принадлежность. Ее отцовская половина, немецкие евреи, изображена на правой стороне картины у океана (что отражает поездку ее отца в Мексику), в то время как материнская половина, мексиканская, представлена слева картой, мягко очерчивающей географию Мексики.
Хотя знаменитые картины Фриды Кало носят ярко выраженный личный характер, она часто использовала их для передачи подрывных или геополитических идей.
Эта картина была создана сразу после того, как Гитлер ввел в действие Нюрнбергские законы, запрещающие смешанные браки. Здесь Кало одновременно признает свое смешанное происхождение и противостоит нацистской идеологии, используя структуру, использовавшуюся нацистским режимом для оценки этнического превосходства — генеалогическое древо. Помимо геополитики, малиновая нить, которой связаны родственники, напоминает о пуповине, связывающей младенца Кало с матерью, и эта тема присутствует во многих картинах Фриды Кало.
Фуланг-Чанг и я (1937)
| Дата завершения | 1937 |
| Средство | Масло на доске |
| Размеры | 40 см x 28 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Это произведение искусства было одним из тех, которые больше всего заинтриговали Андре Бретона, создателя движения сюрреалистов, когда его премьера состоялась во время выставки Кало в 1938 году в галерее Жюльена Леви в Нью-Йорке. Картина, представленная на выставке в Нью-Йорке, представляет собой автопортрет художницы и ее домашней обезьянки Фуланг-Чанг, которая служит доверенным лицом детей, которых она и Ривера не смогли зачать. Характерная компоновка портрета отражает ее увлечение произведениями искусства эпохи Возрождения с изображением Мадонны с младенцем. После выставки в Нью-Йорке была установлена дополнительная рама с зеркалом.
Последующая установка зеркала является заявлением, приглашающим зрителя внутрь произведения искусства: именно во время месяцев, проведенных дома после несчастного случая, она впервые начала создавать портреты, углубляясь в свои мысли, пристально вглядываясь в свое отражение.
Если смотреть под таким углом, добавление зеркала дает удивительно личный взгляд как на художественные процессы художницы, так и на ее внутреннее отражение. На нескольких автопортретах Фриды Кало изображены приматы, собаки и птицы — все они были ее компаньонами.
Маленькие паукообразные обезьянки, как и те, что принадлежали Кало, со времен Средневековья считались символом сатаны, богохульства и идолопоклонства, в итоге они стали символизировать гибель человечества, разврат и воплощение желания. В прошлом эти приматы изображались как предупреждение об опасностях навязчивой привязанности и основных склонностях человечества.
На работах 1939 и 1940 годов Кало изображена со своей обезьяной. На второй картине, завершенной в 1945 году, Кало изобразила обезьяну, а также свою собаку. Эта маленькая собачка, часто сопровождавшая художницу, названа в честь легендарного ацтекского бога, который, как считается, символизировал гром и разрушение, а также близнеца Кецалькоатля, оба из которых исследовали подземный мир. Все эти изображения, особенно «Фуланг-Чанг и я», имеют «пуповины», обвитые вокруг горла Кало и существ.
Кало — Мадонна, а ее собаки берут на себя роль священного (но глубоко аллегорического) ребенка, о котором она тоскует.
Самоубийство Дороти Хейл (1938)
| Дата завершения | 1938 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 49 см x 60 см |
| В настоящее время хранится в музее | Художественный музей Феникса |
Дороти Хейл была шоу-герл из США. У нее было несколько неудачных романов, и ее бизнес шел на спад, когда ее супруг погиб в автокатастрофе. Она покончила с собой 21 октября 1938 года, потому что испытывала серьезные денежные затруднения и была вынуждена полагаться на щедрость своих богатых знакомых. Она выпрыгнула с верхнего балкона своего роскошного кондоминиума в Нью-Йорке в своем любимом черном платье и с букетом крошечных желтых цветов.
Клэр Бут Люс, близкая, личная подруга Дороти и поклонница Фриды Кало, а также основательница журнала «Vanity Fair», заказала Кало картину памяти их ушедшей общей подруги за 400 долларов почти мгновенно.
Клэр хотела представить эту картину как дань уважения убитой горем матери Дороти. Она предполагала, что Фрида Кало создаст стандартную картину Дороти, чтобы поместить ее над мантией.
Самоубийство Дороти Хейл (1938), Фрида Кало; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Клэр пришла в ужас, когда в августе 1939 года картина была открыта. Она подумывала сжечь ее, но ее спутники убедили ее не делать этого. Эта картина — одна из самых пугающих картин Фриды Кало и одна из самых спорных ее работ, на которой изображены все стадии смерти Хейл.
На картине изображена Хейл, стоящая на карнизе, падающая вниз, а затем лежащая на окровавленном тротуаре внизу. Клэр подарил картину Фрэнку Крауниншилду, чей ребенок передал ее обратно семье Клэра, когда Фрэнк умер. После этого картина хранилась в течение многих лет. В частном порядке она была подарена Художественному музею Феникса и сейчас выставлена там.
В момент создания этой работы Кало была в глубокой печали и подумывала о самоубийстве, так как недавно рассталась с Диего. В этой работе можно увидеть сочувствие Кало к женщинам, доведенным до отчаяния брошенными мужчинами.
Что дала мне вода (1938)
| Дата завершения | 1938 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 91 см x 70 см |
| В настоящее время хранится в музее | Частная коллекция |
Большая часть фигуры Кало скрыта в этом произведении искусства. Мы видим бок ванны с пробкой, а также пальцы ног художницы, что является редкостью. Кроме того, Кало находится на высоте птичьего полета и смотрит на воду сверху. Внутри воды Кало создает еще один автопортрет, где более типичное изображение лица заменено множеством символов и повторяющихся тем. В этой работе можно увидеть изображения ее семьи, одежду коренных жителей Техуаны, проколотый конх, безжизненную птицу, двух женщин-партнеров, труп, рушащуюся башню, отплывающее судно и тонущую женщину.
Эта работа была опубликована в издании Бретона о сюрреализме и живописи, а Хайден Эррера в своей книге о Кало пишет, что сама художница считала эту работу исключительной.
Персонажи и вещи, плавающие в море картины Фриды Кало, образуют одновременно удивительный и реальный мир воспоминаний, напоминающий по стилю гобелены художника эпохи Возрождения Питера Брейгеля Старшего. Кало заявила, что это была печальная картина, оплакивающая отсутствие ее молодости. Возможно, задыхающийся человек в центре представляет внутренние эмоциональные страдания Кало. Художница осознавала психологические последствия своих работ.
В беседе с Эррерой Кало выразила «точку зрения на себя, которая изображена на этой картине» в «длительном метафизическом диалоге». Ее концепция касалась картины себя, которую вы имеете, поскольку вы не видите свой мозг.
Мозг — это то, что выглядит, но не поддается наблюдению. Это то, что человек берет с собой, чтобы смотреть на жизнь. На этой картине голова создательницы так правильно заменена внутренними идеями, которые доминируют в ее мозгу. Между бедер Кало изображен цветок, напоминающий половые губы, и клок волос на теле, а в центре воды — изображение смерти от удушья.
Это чрезвычайно чувственное искусство, но оно также демонстрирует одержимость смертью и страданиями. Тема ванны в искусстве стала заметной со времен «Смерти Марата» Жака-Луи Давида и использовалась различными художниками, включая Трейси Эмин и Франческу Вудман.
Две Фриды (1939)
| Дата завершения | 1939 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 174 см x 173 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей современного искусства |
Этот двойной автопортрет — одна из самых известных картин Фриды Кало, которая отражает внутренние страдания художницы после разрыва с Риверой. Сбоку художница изображена в современной европейской одежде, в наряде, который она носила на свадьбе с Риверой. Учитывая сильный патриотизм Риверы во время их союза, Кало все больше интересовалась своим коренным наследием и решила изучать мексиканскую одежду, которую она демонстрирует на снимке справа. Именно мексиканская версия Кало держит кулон с фотографией Риверы.
Бурное небо вдали, а также раненое сердце иллюстратора — основная икона христианства, а также церемониальное подношение ацтеков — подчеркивают внутренние муки и телесные страдания Кало.
Значимые мотивы в картинах Кало обычно имеют несколько уровней значимости; повторяющаяся тема кровотечения означает как духовные, так и телесные страдания, а также противоречивое отношение художницы к традиционным представлениям о гендере и репродукции.
Несмотря на то, что сердца обеих фигур видны, у женщины в белом европейском костюме, похоже, сердце разделено, и вена, вытекающая из ее сердца, разорвана и фонтанирует. Вена, вытекающая из груди женщины в костюме Техуаны, все еще цела, поскольку она соединена с крошечной фотографией Диего в детстве. В то время как сердце Кало остается неизменным в мексиканском одеянии, континентальная Кало, отчужденная от своего возлюбленного Диего, свободно разливается по ее одеянию.
Две Фриды» — не только одна из самых известных картин Кало, но и самое большое ее произведение.
Автопортрет с обрезанными волосами (1940)
| Дата завершения | 1940 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 40 см x 28 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
На этом автопортрете художница изображена в двусмысленной форме. Историки интерпретируют это действие как боевую реакцию на просьбу Риверы о разлуке, отражающую ее уязвленное чувство женской чести и идентичности из-за неудач в отношениях. Ее мужественная одежда также напоминает о ранних семейных фотографиях, на которых Кало решила надеть пиджак. Индивидуальность Кало также проявляется в ее стриженых волосах.
В левой руке у нее одна отрезанная косичка, а несколько локонов волос лежат на земле. Отрезание косы символизирует отказ от детства и чистоты, но это также можно интерпретировать как разрыв связующей нити (возможно, пуповины), которая объединяет двух людей или два образа жизни. В любом случае, косы были важной частью образа Кало как обычной мексиканки, и, отрезав их, она избавилась от части своего прежнего «я».
Рассыпанные по земле локоны напоминают автопортрет, созданный легендарной мексиканской героиней Ла Ллорона, которая сегодня лишена женских черт.
Когда брошенные нити локонов активно растут у ее ног, Кало держит ножницы; локоны, кажется, обладают собственным разумом, поскольку они закручиваются в спираль по ковру и по ногам сидящей. Над своей мрачной фотографией Кало написала слова и мелодию баллады, в которой жестоко говорится: «Послушай, если я и обожал тебя, то только за твои локоны, но раз ты лысая, я больше не хочу тебя», подтверждая собственное осуждение и отказ Кало от своих женских обязанностей.
В 1997 году фотограф Элина Бразерус сделала свадебные снимки, скорее всего, в знак уважения к творчеству Кало. Для свадьбы Бразерус коротко остригла волосы, остатки которых ее будущий муж сжимает в ладонях.
Жест обрезания локонов как знак переломного момента встречается и в работах других художниц, включая Ребекку Хорн и Франческу Вудман.
Автопортрет с терновым ожерельем и колибри (1940)
| Дата завершения | 1940 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 47 см x 61 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
На этом автопортрете Кало подалась вперед и устремила взгляд на наблюдателя. Художница показывает распутывающуюся гирлянду Христа в виде кулона, который впивается ей в горло, олицетворяя ее принадлежность к христианским святым и неизбывную боль, которую она испытывала после разбитой свадьбы. Погибшая птица качается в центре ее кулона — знак в мексиканском фольклорном обычае талисманов на удачу для романтической любви.
Черный кот, олицетворяющий несчастье и трагедию, стоит на коленях под ее плечом, а обезьяна, подарок Ривера, расположилась сбоку от нее.
Автопортрет с терновым ожерельем и колибри (1940), Фрида Кало; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Кало регулярно использовала растения и диких животных на фоне своего портрета в полный рост, чтобы создать маленькую, тесную обстановку, используя диких животных как мотив для оценки и сравнения отношений между женской плодовитостью и пустынной и макабрической иконографией переднего плана. Символизм «умершей» колибри, которая часто является сигналом большого процветания, должен быть перевернут. Кало, жаждущая свободы, обеспокоена и встревожена тем, что насекомые в ее локонах слишком хрупки, чтобы улететь далеко, а мертвое животное у ее горла стало препятствием, на которое посягнула соседская кошка.
Похоже, что картина отображает разочарование художника от невозможности напрямую передать сложные внутренние чувства.
Сломанная колонна (1944)
| Дата завершения | 1944 |
| Средство | Масло на мазоните |
| Размеры | 39 см x 30 см |
| В настоящее время хранится в музее | Коллекция Долорес Ольмедо, Мексика |
Эта картина — особенно пронзительное изображение душевных и телесных страданий Кало. Хайден Эррера, биограф художницы, говорит об этой работе: «Трещина, подобная трещине при землетрясении, разрывает ее надвое». Обнаженное тело намекает на операции и страх Фриды, что она может развалиться на куски, если не наденет свой стальной пояс.
Разрушающийся позвоночник художницы заменен раздробленной ионной колонной, а зазубренные металлические гвозди пробивают ее торс. Суровый холод этой имплантированной колонны повторяет металлический стержень, который вошел в ее живот и матку во время аварии. В более широком смысле, разрушенный архитектурный элемент вызывает образы силы и хрупкости женского тела. Помимо физических пропорций, ткань, драпирующаяся на бедрах Кало, напоминает набедренную повязку Христа.
Кроме того, Кало показывает свои шрамы, словно христианская святая; отождествляя себя со святым Себастьяном, она сочетает телесную агонию, открытость и эротизм, чтобы передать идею психологических мук.
Сломанная колонна (1944), Фрида Кало; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Слезы текут по щекам художницы, как и на многих мексиканских изображениях Мадонны; ее глаза смотрят куда-то за пределы картины, как бы отдавая тело и призывая душу. Вследствие таких портретов, как этот, Кало теперь считается магическим реалистом. Ее глаза остаются неизменными и подлинными, в то время как остальная часть изображения причудлива.
Она не особенно озабочена функционированием бессознательного или алогичными диссонансами, которые чаще встречаются в работах сюрреалистов. Школа магического реализма становилась все более модной в Латинской Америке (особенно среди таких авторов, как Габриэль Гарсиа Маркес), и ученые посмертно включили в нее Кало.
Понятие травмы, изображенной на этой картине, известно в испанском языке как «чингада».
Этот термин имеет множество взаимосвязанных коннотаций и понятий, таких как ранение, повреждение, разрыв или введение в заблуждение. Термин происходит от глагола «проникать» и обозначает доминирование мужского начала над женским. Он связан с положением жертвы. Концерт и скульптурная композиция Ребекки Хорн «Единорог» 1970 года, скорее всего, были навеяны этим произведением искусства.
В этой работе Хорн бродит обнаженной по сельскохозяйственной равнине, ее торс обернут в тканевый лиф, который выглядит очень похожим на тот, что надела Кало в «Сломанной колонне». С другой стороны, вертикальная, уходящая в небо колонна в работе перформансистки прикреплена к ее черепу, а не вживлена в ее грудь.
Презентация имеет мифологический и религиозный смысл, схожий с картиной Кало, но колонна снова завершена и мощна, возможно, отдавая дань уважения упорству и творческим достижениям Кало.
Без надежды (1945)
| Дата завершения | 1945 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 28 см x 36 см |
| В настоящее время хранится в музее | Коллекция Долорес Ольмедо, Мексика |
Кало была неподвижна большую часть своей жизни из-за хронической агонии и многочисленных процедур, ставших следствием серьезных травм, полученных в ужасной автобусной аварии в 1925 году, а также многочисленных болезней. Картина была завершена в 1945 году, после последнего приступа болезни, в результате которого она исхудала и истощилась. Кало насильно кормили жирной пюреобразной пищей, которую давали ей каждые два часа.
На картине изображена больная Кало со слезами на глазах, лежащая в постели среди мертвой бесплодной пустыни, освещенной солнцем и луной. В традиции ацтеков солнце символизирует человеческие жертвоприношения, и Кало чувствует себя так, словно ее зарезали. Луна символизирует женщин, возможно, женственность, которой ее лишил выкидыш, еще один эффект трагической трагедии в молодости. Она лежит под белыми медицинскими одеялами, покрытыми крошечными организмами, которые символизируют постоянные болезни, поразившие ее организм.
На многих картинах Фриды Кало ее взгляд спокоен, как будто она примирилась со страданиями и переносит их. Однако на этой картине весь оптимизм и терпение, кажется, потеряны.
Ее руки связаны под одеялами, и она почти не контролирует свое положение. Над ее туловищем возвышается гигантская воронка, вливающаяся в ее губы, сверху нагромождено и выливается ужасающее месиво из рыбьих потрохов, вытекающих трупов и других гротескных вещей. Огромная деревянная панель, построенная ее отцом, чтобы Кало могла творить в неподвижном состоянии, превратилась в каркас, который держит воронки, питающие ее. Типичная мексиканская сахарная голова с надписью Фриды через лоб сидит на вершине кучи гнилых продуктов, в соответствии с мексиканским обычаем Дня мертвых, который чествует тех, кто умер. Это еще один яркий пример плачевного состояния Кало.
«Для меня не существует ни малейшей надежды… все течет в ритме с тем, что несет желудок», — написано на обороте работы.
Раненый олень (1946)
| Дата завершения | 1946 |
| Средство | Масло на мазоните |
| Размеры | 30 см x 22 см |
| В настоящее время хранится в музее | Частная коллекция |
Картина 1946 года «Раненый олень» развивает концепцию чингады и тему Святого Себастьяна, которая ранее рассматривалась в «Сломанной колонне». На лесной поляне наивная Кало, гибридизация оленя и самки, ранена, истекает кровью, ее преследуют. Художник гарантирует ей выживание, глядя прямо на зрителя, несмотря на то, что валы постепенно убьют ее.
Художница надела жемчужную серьгу, как бы подчеркивая конфликт, который она испытывает между жизнью в общине и желанием жить более свободно среди дикой природы.
Раненый олень (1946), Фрида Кало; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Кало изображает себя в виде полнотелого самца с огромными стойками и гениталиями, а не изящного и милого олененка. Это не только подразумевает, как и ее подобранный вид на ранних семейных фотографиях, что Кало заинтересована в смешении полов для формирования андрогенного характера, но и демонстрирует, что она пыталась идентифицировать себя с другими великими художниками истории, большинство из которых были мужчинами.
Конечности под ногами оленя символизируют пальмовые ветви, положенные под ноги Иисуса, когда он приземлился в Иерусалиме. С этого момента и до самой смерти Кало отождествляла себя с католическим персонажем Святого Себастьяна. В 1953 году она закончила картину, на которой изобразила себя с одиннадцатью дротиками, пронзающими ее плоть. Художница Луиза Буржуа, которая также была озабочена изображением агонии, использовала Святого Себастьяна как повторяющуюся фигуру в своих работах.
Первоначально она изобразила его в 1947 году в виде идеализированной последовательности фигур, едва ли идентифицируемой как портрет; созданный с помощью акварели и карандашей на розовой бумаге, но позже она создала скульптуру из розовой ткани, изображающую фигуру, израненную дротиками, страдающую от нападения и ужасающуюся, подобно Кало.
Плачущие кокосы (1951)
| Дата завершения | 1951 |
| Средство | Масло на доске |
| Размеры | 23 см x 30 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей искусств округа Лос-Анджелес |
Под конец жизни здоровье Фриды Кало ухудшилось настолько, что она больше не хотела изображать себя на автопортретах, а также практически была вынуждена работать в меньшем масштабе. Она переключила свое внимание на натюрморты, поскольку они больше подходили для меньшего размера и требовали меньшей точности. Несмотря на смену тематики ее известных фигуративных работ, ее натюрморты смогли передать широкий спектр эмоций.
Плачущие кокосы» — это натюрморт, состоящий из цитрусовых, кусочка папайи и двух кокосов, расположенных на простом зеленом фоне. Здесь также есть крошечный флажок из лайма с надписью «Нарисовано с большой преданностью». Фрида Кало создала эту картину в подарок Елене Бордер, но та вернула ее художнице, поскольку ей не понравились безжизненные, мрачные цвета, и она хотела поменять ее на другую работу. Однако Кало скрыла имя Елены и перепродала картину, не предоставив ей замены. Два кокосовых ореха, которые кажутся рыдающими, являются центральной точкой композиции, как видно из названия.
Кокосы становятся олицетворением меланхолии, а следы на их кожуре напоминают плачущие глаза.
Красота и умение рисовать Фриды Кало стали ухудшаться по мере ухудшения ее здоровья, и она больше не хотела изображать себя, поэтому она выбрала эти кокосовые орехи в качестве альтернативного средства для передачи ее мучений по поводу своей судьбы. Цвета более плоские и тяжелые, чем в предыдущих картинах Фриды, а расположение подчеркивает одиночество и печаль.
Работа кистью, которой не хватает точности и тонкости, характерных для картин Кало, еще больше указывает на ухудшение ее здоровья. Это сопоставление особенно бросается в глаза при сравнении с другими картинами того же года. В конечном счете, эта картина отражает огромный гнев и печаль Кало по поводу того, что она была заточена в своей больной раме, которую она в конечном итоге отвергла как источник творческого вдохновения в пользу обычных предметов, таких как фрукты и кокосы, которые она изобразила на картине «Плачущие кокосы».
И на этом мы завершаем список важных картин Фриды Кало. Мы узнали, сколько автопортретов Фриды Кало содержали символы ее борьбы с физическими недугами и неопределенной ролью женщины и мексиканки. Оригинальные картины Фриды Кало сделали многое, чтобы пролить свет на мексиканскую культуру и тяжелое положение женщин в целом.
Часто задаваемые вопросы
Чем известна Фрида Кало?
Фрида Кало признана героем благодаря своей уникальной личности и разностороннему воспитанию. Она стала фигурой женской силы, известной своей любовью к Мексике и ее истории, а также упорством перед лицом трудностей. Прежде всего, она была искренним человеком, твердо придерживавшимся своих взглядов. Оригинальные картины Фриды Кало часто носили глубоко личный характер, в них смешивались правда и фантазия.
Каким был художественный стиль Фриды Кало?
В картинах Фриды Кало прослеживаются очень смешанные влияния. В знаменитых картинах Фриды Кало смешивались элементы наивного искусства с сюрреализмом и современным искусством. Она также считалась одним из художников магического сюрреализма.
