Художники-абстракционисты — кто были самыми известными художниками-абстракционистами?

Абстрактные художники

Начавшись в начале 20-го века, движение абстрактного искусства сумело ввести различные виды абстракции в основной стиль живописи, который доминировал в художественном мире в то время. Рассматриваемое как авангардный стиль, абстрактное искусство стало очень влиятельным в формировании и развитии искусства, которое было непредставительным и по существу считалось «чистым искусством». Несмотря на то, что первоначально абстрактное искусство шокировало зрителей, оно стало более приемлемым, а в качестве центральных мотивов в создаваемых произведениях использовались простые цвета и формы.

Оглавление

Краткая история периода абстрактного искусства

Абстрактное искусство было невероятно заметным движением благодаря своему полному отходу от реальности. Изображаемые образы были полностью нефигуративными и беспредметными, поскольку в создаваемых произведениях не было ни одной конкретной ссылки на что-либо отдаленно реальное или изобразительное. В истории искусства некоторые ранние направления начали отклоняться в сторону абстракции, включая романтизм, импрессионизм и экспрессионизм. В произведениях искусства, созданных в эту эпоху, больше внимания уделялось визуальным ощущениям, а не изображению предметов.

Абстракция как художественный стиль способствовала материализации концепции «искусства ради искусства», которая заключалась в убеждении, что живопись и скульптура должны освободиться от всех внешних смыслов. Таким образом, художники-абстракционисты создавали искусство с мыслью, что их работы должны существовать просто для того, чтобы ими наслаждались. Концентрация была сделана на самой сути искусства, так как в произведениях этого периода акцент делался на элементах материала, текстуры, линии, тона, цвета и композиции, а не на точном изображении.

Известные художники-абстракционисты

Эффлоресценция (1937), Пауль Клее, масло и карандаш на картоне; Daderot, CC0, via Wikimedia Commons

Представляя собой решающий момент в модернизме, абстрактное искусство продвигалось вперед многими художниками-новаторами, которые считали, что эмоции, присутствующие в произведении искусства, являются наиболее важным аспектом. Выступив катализатором появления современного искусства, художники-абстракционисты быстро отказались от правил, определявших традиционное искусство, поскольку созданные ими произведения объединили в себе концепции абстракции и сюрреализма. Это открыло художникам путь к отходу от реалистического изображения в пользу фигуративных работ.

С наступлением 20-го века в мире искусства произошла революция, поскольку художники стали независимыми от визуального мира благодаря использованию абстракции в своих произведениях. Несмотря на то, что с момента зарождения абстрактного искусства прошло более века, это движение остается важным аспектом в постоянно развивающемся мире современного искусства.

Влияние абстракции было огромным, поскольку она привела к фундаментальным изменениям в истории искусства, которые наблюдаются и сегодня.

Десять самых известных художников-абстракционистов

Будучи влиятельными фигурами в абстрактном искусстве, а также в различных других художественных направлениях, многие художники-абстракционисты известны и сегодня. Их многочисленные картины остаются культовыми произведениями искусства, что привело к тому, что некоторые художники-абстракционисты сильно выделяются на фоне других. Хотя многие художники могут быть включены в этот рейтинг, сейчас мы рассмотрим десятку лучших художников-абстракционистов, чьи работы и репутация выдержали испытание временем.

Василий Кандинский (1866 — 1944)

Русский художник Василий Кандинский, считающийся самым известным художником-абстракционистом всех времен, был первопроходцем всего жанра абстракционизма. Кандинский сначала изучал право и экономику, но в возрасте 30 лет бросил академические занятия и занялся живописью, которая включала в себя натурные рисунки, эскизы и анатомические изображения. Приобретя известность в 1910-х годах, Кандинский запомнился как ведущая фигура в развитии современного искусства, а его работы считаются самыми ранними абстрактными картинами.

Хотя до 1913 года Кандинский занимался фигуративным искусством, он стал первым художником абстрактного модерна, который полностью и свободно использовал чистую абстракцию в своих работах. Кандинский считается создателем самой первой современной абстрактной картины, которая когда-либо существовала, и на протяжении своей карьеры он создал множество выдающихся произведений, но несколько картин остаются невероятно примечательными. К ним относятся «Без названия» (первая абстрактная акварель) (1910), «Композиция VII» (1913), «Квадрат фарбстудии» (1913) и «На белом II» (1923).

Художники-абстракционисты

Без названия (Первая абстрактная акварель) (1913), Василий Кандинский; Василий Кандинский, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Кандинский утверждал, что во время рисования его побуждала «внутренняя необходимость», которая требовала от него оставаться равнодушным к узнаваемым и неузнаваемым формам и рисовать только то, что он действительно чувствовал в данный момент. В большинстве абстрактных картин Кандинского его нерепрезентативные фигуры имели форму случайных геометрических форм, которые сопоставлялись с фигурами, парящими линиями и яркими цветами.

Считая, что цвет может быть независимым от всех внешних ориентиров, Кандинский экспериментировал с цветом таким образом, что он становился просто предметом в его работах. Живопись была очень духовной для Кандинского, поскольку он пытался передать глубокое чувство человеческих эмоций через свои абстрактные формы и яркие цвета. Он считал, что эти элементы способны преодолеть различные культурные и физические ограничения, делая его работы доступными для всех.

Популярные абстрактные художники

Без названия («Лирическая композиция») (1922) Василий Кандинский, акварель и индийские чернила на бумаге; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Музыка также составляла важную часть творчества Кандинского, поскольку он считал ее самой непревзойденной формой беспредметного искусства. Он считал, что музыка способна выразить универсальные эмоции и идеи так, как не могут другие визуальные языки, и Кандинский считал своей миссией поделиться этими идеями с остальным миром. Это привело к тому, что он назвал некоторые из своих более импульсивных и замысловатых работ «композициями».

Помимо того, что Кандинский был художником-абстракционистом, он был видным членом группы «Der Blaue Reiter» во время немецкого движения экспрессионизма, которое, как говорят, было неразрывно связано с абстрактной живописью. Кандинский также преподавал в школе Баухаус, пока ее не закрыли нацисты в преддверии начала Второй мировой войны.

На протяжении всей своей карьеры Кандинский манипулировал яркими цветами и формами, что повлияло на развитие абстрактного искусства, а его вклад позволил ему считаться «отцом абстрактного искусства».

Пит Мондриан (1872 — 1944)

Голландский художник Пит Мондриан был одним из самых известных художников-абстракционистов в период расцвета этого движения, поскольку он считался значительным новатором абстрактного искусства. Первоначально экспериментируя с фигуративными стилями в своих ранних работах, Мондриан быстро перешел к чрезвычайно абстрактному стилю, поскольку начал использовать в своих работах твердые геометрические формы.

Будучи сыном художника, Мондриан вырос в семье отца, который учил его рисовать. Однако он начал заниматься живописью только в зрелом возрасте, а абстрактным искусством занялся после окончания Первой мировой войны. Ни разу не изобразив религиозных деятелей, Мондриан стал известен благодаря уникальному решетчатому стилю живописи, который он создал.

Знаменитые художники-абстракционисты

Бродвейские буги-вуги (1942-1943) Пит Мондриан; Пит Мондриан, общественное достояние, через Wikimedia Commons

  Пропорция в искусстве - Что означает пропорция в искусстве?

Благодаря использованию квадратов, линий и насыщенных цветов Мондриан стал самым влиятельным представителем движения De Stijl, поскольку его работы способствовали использованию чистой абстракции путем сокращения основных аспектов, связанных с формой и цветом. Таким образом, большинство работ Мондриана состоят из очень структурных и нерепрезентативных форм, выделенных основными первичными цветами.

Среди его наиболее заметных работ — «Бродвейское буги-вуги» (1942-1943), «Композиция с красным, желтым и синим» (1937-1942) и «Композиция II в красном, синем и желтом» (1930). Уже по названиям его картин можно понять, что Мондриан предпочитал основные цвета — красный, желтый, синий, а также включал в свои работы черный, серый и белый.

Популярные художники-абстракционисты

Композиция с желтым, синим и красным (1942) Пит Мондриан; Пит Мондриан, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Используя этот стиль геометрической абстракции, Мондриан ввел термин «неопластицизм» для описания своих абстрактных работ, в которых использовались только прямые линии, три основных цвета и три нейтральных тона. По мере того как движение De Stijl набирало популярность, Мондриан стал известен благодаря своему вниманию к упрощению форм и тонов в своих работах.

Это привело к тому, что Мондриан стал важным лидером в развитии абстрактного искусства, поскольку его культовый стиль впоследствии повлиял на развитие движения Баухаус и минимализма. Оба эти жанра были основаны на работах Мондриана, причем Баухаус использовал чрезмерно упрощенные линии и теорию цвета, а Минимализм сосредоточился на геометрических формах и ограниченной цветовой палитре.

Методичное использование Мондрианом вертикальных и горизонтальных элементов позволило его работам развиваться логически, а его разработка неопластицизма стала ключевой в абстрактном искусстве. Мондриану потребовалось несколько лет экспериментов, пока в начале 1920-х годов он не нашел свой знаковый стиль, который стал рассматриваться как новый метод иллюстрации современной реальности.

Казимир Малевич (1878 — 1935)

Если рассматривать влиятельных русских художников-абстракционистов, которые помогли определить это движение, Казимир Малевич является важным дополнением к этому списку. Малевич известен в основном как художник, проложивший путь к супрематизму, который сосредоточился на основных геометрических формах, таких как круги, квадраты, прямоугольники и линии, которые были написаны с ограниченным выбором цветов. Экспериментируя с этим направлением, Малевич начал развивать радикальную абстракцию, что привело к тому, что его работы стали важными произведениями абстрактного искусства.

Произведения художников-абстракционистов

Черный квадрат (1924) Казимир Малевич; Казимир Малевич, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

В 1915 году, после роста популярности Кандинского, Малевич пошел по его стопам и отказался от репрезентативной живописи в целом. Это привело к тому, что Малевич разработал стиль, в котором основное внимание уделялось важности чистого чувства и сокращению живописных сцен, который стал известен как супрематизм. Появление этого стиля рассматривалось как новая живописная версия реализма и позволило Малевичу использовать редуктивный метод в своих работах.

Несмотря на работу с различными художественными стилями, Малевич провел большую часть своей карьеры, исследуя авангардный жанр супрематизма. В свои работы он включил собственное мышление и понимание концепции живописи, поскольку считал, что истинные формы и цвет способны «господствовать» над создаваемыми образами и историями. Наиболее известные работы Малевича, выполненные в стиле супрематизма, включают «Черный квадрат» (1915), «Супрематическую композицию» (1916) и «Белое на белом» (1918).

Работы абстрактных художников

Супрематическая композиция (1915) Казимира Малевича; Казимир Малевич, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Будучи пионером геометрического абстрактного искусства, Малевич экспериментировал в основном с квадратами, треугольниками и кругами в многочисленных созданных им работах. Хотя он заявлял, что его картины — это всего лишь композиции из плоских, абстрагированных участков краски, они способны дать мощные и многослойные символы и чувства, связанные с понятиями времени и пространства. Малевич считался более радикальным, чем кубисты и футуристы, в своем подходе к супрематизму, поскольку его работы следовали чрезвычайно методичному и расчетливому подходу.

Говорят, что Малевич был не только художником, но и плодовитым писателем. Его эссе об идеологии искусства затрагивали широкий спектр теоретических проблем, связанных с абстрактным искусством и его способностью направлять наши чувства и духовность в рамках создаваемых произведений.

Несмотря на свою известность, Малевич был вынужден отказаться от супрематизма и вернуться к фигуративному искусству в 1924 году, когда к власти пришел Иосиф Сталин. Это произошло потому, что абстрактное искусство было названо формой декаданса, которая должна быть подавлена, что привело к тому, что Малевичу пришлось изменить свой художественный стиль.

Джорджия О’Киф (1887 — 1986)

Одной из самых плодовитых женщин-абстракционисток была Джорджия О’Кифф, которая сыграла значительную роль в развитии американского модернизма и его связи с авангардными художественными движениями в Европе. На протяжении своей карьеры, которая охватывала семь десятилетий, О’Кифф создала значительное количество работ, в которых пыталась передать эмоции и силу объектов через абстракции природного мира.

Будучи одной из первых женщин-художниц американского модерна, абстрактные картины О’Кифф сосредоточились на изображении цветов, пустых пейзажей и натюрмортов крупным планом, причем эти элементы стали основными образами в большинстве американских художественных пейзажных картин. Поэтому к наиболее знаковым произведениям О’Кифф относятся изображения цветов, которые можно увидеть в картинах «Голубая и зеленая музыка» (1921), «Красная канна» (1924) и «Черный ирис III» (1926).

Полный список художников-абстракционистов

Голубая и зеленая музыка (1921) Джорджия О’Кифф; Джорджия О’Кифф, общественное достояние, через Wikimedia Commons

О’Кифф преуспела как абстрактный и фигуративный художник, поскольку она постоянно оспаривала границы художественного стиля в своих картинах. В своих работах она сочетала аспекты абстракции и репрезентации, что демонстрировало ее намеренное отклонение от традиционных художественных стилей в сторону более инновационных форм выражения.

Несмотря на то, что О’Кифф является одним из самых влиятельных художников-абстракционистов, О’Кифф, пожалуй, более известна своим уникальным изображением цветов в чувственной манере. Резко увеличенные крупные планы цветов придавали ее работам невероятно эротический смысл, поскольку считалось, что они представляют женскую анатомию. Однако О’Кифф заявила, что именно чувственная природа ее работ превратила их в абстрактные произведения, поскольку ее образы обладали способностью имитировать то, что зрители интерпретировали.

Искусство художников-абстракционистов

Красная канна (1919) Джорджия О’Кифф; Джорджия О’Кифф, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Хотя О’Кифф не следовала каким-либо конкретным художественным направлениям при создании произведений искусства, ее эксперименты с абстрактными мотивами в природе были ее самыми глубокими работами. Она играла с созданием очень детальных работ, а также работ, в которых удаляла все несущественные детали, чтобы сосредоточиться на форме и цвете. На протяжении всех ее многочисленных художественных изысканий картины О’Кифф оставались основанными на репрезентации, которая существовала как общий элемент во всех ее работах.

Если вы надеетесь завершить проекты, где вам нужна краска, которая будет хорошо работать на любом количестве поверхностей, то краска для рукоделия — это то, что вам нужно! Консистенция гладкая, кремообразная и простая в использовании.

Марк Ротко (1903 — 1966)

За звание самого известного абстрактного экспрессиониста всех времен с Джексоном Поллоком и Виллемом де Кунингом соперничает русско-американский художник Марк Ротко. Запомнившийся как важный член группы «Живопись цветового поля», Ротко при создании произведений искусства покрывал краской весь холст, а не отдельные участки.

  Ансельм Кифер - знакомство с жизнью и творчеством этого немецкого художника

Ротко, родившийся в Латвии, иммигрировал в Соединенные Штаты, когда был еще маленьким ребенком. Сначала он несколько лет проучился в Йельском университете, но затем бросил учебу, так как считал это учебное заведение претенциозным и расистским. Только после посещения друга в Нью-Йорке он начал рисовать, что привело к его переезду в город. За свою творческую карьеру Ротко прошел через ряд различных стилей, включая сюрреализм, прежде чем начал развивать свой собственный стиль. Это привело к появлению цветополевой живописи, в которой Ротко был пионером.

Знаменитые абстрактные художники

Фотография Марка Ротко, Йорктаун Хайтс, около 1949 года; Консуэло Канага, без ограничений, через Wikimedia Commons

В своих картинах Ротко сосредоточился на создании великолепного типа геометрической абстракции, рисуя сопоставимые блоки чистых цветов рядом друг с другом. В типичной картине Ротко изображал большие пятна пигмента, граничащие друг с другом, чтобы создать сравнение между цветами. Этот стиль прослеживается в большинстве его абстрактных работ того периода, таких как № 10 (1950), № 21 (красный, коричневый, черный и оранжевый) (1951), оранжевый, красный, желтый (1960) и без названия (черное на сером) (1970).

Благодаря такому контрасту Ротко смог создать визуальные вибрации через выбор цвета, что создавало впечатление, что его блоки парят над холстом при просмотре работ. При этом каждая работа вызывала сильный эмоциональный отклик, поскольку Ротко передавал в своих картинах различные типы настроений, которые вызывали различные реакции у разных зрителей.

Ротко добился большого успеха как художник, его работы выставлялись в Музее современного искусства, а также были отмечены в журнале Fortune. Это привело к большой ревности в его личных отношениях, что оставило Ротко одиноким человеком.

Несмотря на свой известный международный успех, Ротко, к сожалению, покончил жизнь самоубийством в 1970 году. Его работы, предшествовавшие его смерти, стали предвестием, поскольку его цветовая палитра становилась все более темной и выражала более тяжелые эмоции.

Клайффорд Стилл (1904 — 1980)

Еще один американский художник в нашем списке абстрактных художников — Клайффорд Стилл, который помог возвысить абстрактный экспрессионизм в выдающееся направление искусства, которым он стал известен. Хотя он не так широко известен, как его коллеги по Нью-Йоркской школе, Стилл был первым художником, который перешел к современному и радикально абстрактному стилю в своих работах, полностью лишенных какой-либо очевидной тематики.

Изначально Стилл создавал репрезентативные работы, а в середине 1940-х годов начал экспериментировать с чистой абстракцией и нерепрезентативностью, что в дальнейшем повлияло на его современников — абстрактных экспрессионистов. В своих работах Стилл использовал обширные поля ярких цветов, чтобы вызвать драматические конфликты, которые, по его мнению, происходили между человеком и природой. Этот стиль можно увидеть в его картинах под названиями PH-973 (1959), PH-971 (1957) и PH-960 (1960).

Доминирующая тема, которая существовала в работах Стилла, отсылала к экзистенциальной борьбе человеческого духа с неконтролируемыми силами природы. Стилл выражал эту концепцию через вертикальные и зубчатые образования, которые, казалось, вызывающе противостояли зрителям на большинстве его крупномасштабных картин, наряду с великолепным сочетанием цветов, которые он создавал.

Хотя восприятие его работ вращалось вокруг результатов сочетания цветов, Стиллс говорил, что никогда не хотел, чтобы в его работах цвет воспринимался только как цвет. Эта концепция также применялась к текстуре и формам его картин, поскольку он хотел, чтобы каждый элемент в его работах сливался воедино и создавал живую энергию, которую можно было бы почувствовать при просмотре работ.

Несмотря на свое признание, Стилл был печально известным человеком, с которым было трудно работать, он часто отвергал нью-йоркскую художественную сцену. Он отвергал большинство критических замечаний, направленных на его работы, что привело к тому, что он приложил немало усилий, чтобы контролировать то, как его картины выставляются, коллекционируются и даже продаются.

Виллем де Кунинг (1904 — 1997)

Одним из самых известных художников-абстракционистов всех времен был американский художник голландского происхождения Виллем де Кунинг, который в своих работах создал ярко выраженный американский стиль живописи. В возрасте 22 лет де Кунинг прибыл в Нью-Йорк после путешествия на корабле в качестве безбилетника. В 1934 году он вступил в Союз художников и начал рисовать фрески, но был вынужден отказаться от этого проекта, поскольку не имел законного гражданства. Де Кунинг смог открыть свою собственную художественную студию только после получения гражданства, где он работал до самой смерти.

Де Кунинг экспериментировал со стилем абстракции, искажая фигуры до такой степени, что формы казались абстрактными. Увлекаясь этим стилем, он никогда полностью не отказывался от изображения человеческой фигуры в своих абстрактных работах. Это изображение фигур можно увидеть в некоторых из его наиболее заметных работ, таких как «Женщина I» (1952), «Женщина III» (1953) и «Обмен» (1955).

Список абстрактных художников

Виллем де Кунинг в своей студии, 1961 год; Неизвестный автор Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Его абстрактные картины отличались от большинства его коллег, поскольку он продолжал ссылаться на человеческую форму через свои абстракции. Де Кунинг предпочитал изображать женскую фигуру, и эти картины подчеркивали его уникальное сочетание жестикуляционной абстракции и фигуративности. На де Кунинга также оказали большое влияние работы Пабло Пикассо в стиле кубизма, в результате чего он начал экспериментировать с неоднозначным смешением фигур и земли в своих картинах, а также расчленять, собирать и искажать свои фигуры в процессе работы.

Большинство ранних картин де Кунинга состоят из женских фигур, изображенных с использованием геометрических и абстрактных элементов. Только позже в своей карьере он перешел к более абстрактным образам в своих работах. Несмотря на то, что де Кунинг принял популярный образ мужественного, пьяного художника, он подходил к искусству с мягким и тщательным размышлением и считался одним из самых умных художников, связанных с Нью-Йоркской школой.

Известность де Кунинга привела к тому, что его картины часто продавались по историческим ценам. Картина «Женщина III» (1953) была продана за 137,5 миллиона долларов в 2006 году, а «Развязка» (1955) была продана за 300 миллионов долларов в 2015 году, что стало самой высокой ценой, когда-либо заплаченной за картину на тот момент.

Франц Клайн (1910 — 1962)

Американский художник Франц Клайн был наиболее известен своим участием в движении абстрактных экспрессионистов и считался одним из величайших художников-экспрессионистов своего времени. Хотя он использовал в своих работах те же концепции, что и другие художники-абстракционисты, творчество Клайна остается невероятно самобытным и пользуется заслуженным уважением с 1950-х годов.

Клайн был наиболее известен своими большими черно-белыми картинами, в которых уверенно использовал абстрактные мотивы, а также плавные и толстые мазки, которые часто пересекались, накладывались и взаимодействовали друг с другом. Этот стиль можно увидеть в таких его знаковых работах, как «Махонинг» (1956), «Без названия» (1957) и «Черничные глаза» (1959 — 1960). В этих работах Клайн использовал свои характерные жестикуляционные мазки, которые вызывали много эмоций в его картинах.

  "Страшный суд" Микеланджело - шедевр Сикстинской капеллы

Картины художников-абстракционистов

Сабра (1966), Франц Клайн; Педру Рибейру Симоэш из Лисбоа, Португалия, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Начав свою творческую карьеру как реалист, Клайн выработал свободный стиль, который он совершенствовал в ходе академического обучения и восхищения старыми мастерами традиционного искусства. Однако после переезда в Нью-Йорк и знакомства с Виллемом де Кунингом его стиль начал эволюционировать в абстрактный подход, которым он известен.

Работы Клайна, начиная с черно-белых произведений, в которых он экспериментировал с негативным пространством, и заканчивая яркими композициями, невероятно динамичными и наполненными энергией, иллюстрируют его эволюционирующую эстетику по мере развития его карьеры. Его абстракции, особенно нейтральные работы, сравнивали с городскими пейзажами Нью-Йорка, ландшафтом вокруг дома его детства и японской каллиграфией.

Нежелание Клайна приписывать своим работам какие-либо скрытые и тонкие смыслы было интересной позицией, поскольку это означало, что его работы можно было рекомендовать последующим поколениям художников-абстракционистов без предопределенных и, возможно, устаревших значений.

К концу жизни Клайн добился большого международного признания благодаря своему необычному подходу к жестовой абстракции, а его стиль повлиял на умы многих художников-минималистов.

Джексон Поллок (1912 — 1956)

Одним из самых знаковых художников-абстракционистов всех времен, чье имя является синонимом всего движения абстрактного экспрессионизма, является американский художник Джексон Поллок. Вдохновленный идеей спонтанного творчества и энергичных композиций, Поллок разработал одну из самых заметных художественных техник, появившихся в рамках этого движения, известную как капельная живопись. Для создания своих фирменных капельных картин Поллок капал, лил и разбрызгивал краску на большие холсты, установленные на полу, что обеспечивало ему полный доступ ко всему полотну.

В 18 лет Поллок переехал в Нью-Йорк, где познакомился с техникой жидкой краски, с которой начал экспериментировать. В конечном итоге это привело к созданию его печально известной техники «капельной живописи», когда он расписывал холсты, разложенные на полу, используя все свое тело под разными углами. Капельная живопись способствовала популяризации термина «Action Painting» в абстрактном экспрессионизме, который обозначал физический акт рисования как важный аспект завершенной работы.

Известные абстрактные художники

Портрет Джексона Поллока, 1928 год; Смитсоновский музей американского искусства, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Ряд влияний в жизни Поллока привел его к созданию капельной живописи. До создания своих культовых работ Поллок писал реалистические фрески в 1930-х годах, которые продемонстрировали ему возможности крупномасштабной живописи. Кроме того, сюрреализм способствовал его исследованию бессознательного, что можно проследить в его поздних работах, а кубизм определил его понимание пространства картины и того, как его следует использовать.

Считаясь первым значительным послевоенным художником Америки и впоследствии величайшим художником, Поллок продолжал использовать эту жестикуляционную технику нанесения краски во всех своих выдающихся работах. Его уникальный стиль прослеживается во всех его работах, включая «Номер 5» (1948), «Один: Номер 31» (1950) и «Номер 11 (Синие поляки)» (1952).

Картины, созданные с использованием техники капельной живописи, привели к тому, что Поллок стал невероятно известным художником. Однако на пике славы он отказался от этой техники, пытаясь создать сочетание абстракции и фигур в новых сериях картин. Эти картины оказались крайне непопулярными по сравнению с его капельными картинами, так как ни одна из них так и не была продана.

Абстрактная картина современного художника

Тумба в Винчестере, Англия, нарисованная в стиле «Летнего времени» Джексона Поллока. Это один из серии, на углу Грейт-Минстер-стрит и площади; Andy Mabbett, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Поллок развил один из самых радикальных абстрактных стилей, когда-либо существовавших в истории современного искусства. Его отстранение от линии и цвета и переопределение понятий «живопись» и «рисунок» придали новый смысл живописному пространству, которое с тех пор было расширено.

Капельные картины, созданные им в конце 1940-х годов, представляют собой одно из самых новаторских произведений всего столетия. Поллок достиг такого уровня славы, который оставался непревзойденным вплоть до появления в 1960-х годах художника Энди Уорхола.

Таким образом, помимо того, что Поллок считается самым известным художником-абстрактным экспрессионистом, он также считается одной из ведущих фигур искусства 20 века в целом.

Хелен Франкенталер (1928 — 2011)

Еще одна выдающаяся женщина в списке абстрактных художников — американская художница Хелен Франкенталер, которая прославилась во время движения абстрактных экспрессионистов. Считаясь одним из самых влиятельных художников 20-го века, Франкенталер изобрела технику, известную как техника пропитывания пятен, которая закрепила ее статус выдающегося художника. В рамках этой техники Франкенталер наливала разбавленную краску прямо на неподготовленные холсты и позволяла ей просочиться сквозь них, чтобы получить светящиеся цветовые пятна.

Начав свою карьеру в раннем возрасте, Франкенталер познакомилась с такими крупными художниками, как Роберт Мазервелл, Джексон Поллок и Франц Клайн, чья практика повлияла на ее представление об абстрактном экспрессионизме. Рассматривая произведения искусства, считающиеся культовыми работами абстракционизма, Франкенталер начала вырабатывать свой собственный подход к стилю, что привело к появлению ее техники Soak Stain. Ее прорыв в мире искусства привел к появлению живописи цветового поля, в которой она была одним из пионеров.

Композиции Франкенталер были воздушными по своей природе, поскольку они изображали празднование удовольствий, связанных с использованием чистого цвета в абстрактном, но нежном смысле. Этот стиль прослеживается в большинстве ее известных работ, включая «Горы и море» (1952), «Каньон» (1965), «Дикий бриз» (1974) и «Мадам Баттерфляй» (2000).

После экспериментов с фосфоресцирующими и туманными композициями, в которых преобладали большие пространства органического цвета, Франкенталер обратила свое внимание на другие художественные средства. Она начала исследовать универсальность гравюр на дереве, на которых она смогла достичь характеристик живописи, воспроизводя эффекты своей печально известной техники «мокрого пятна».

Франкенталер считалась уникальным художником абстрактного модерна благодаря тому, что она уделяла особое внимание природным пейзажам, которые она часто имитировала в своих работах.

Вместо того чтобы создавать произведения искусства, исследующие экзистенциальную конфронтацию, Франкенталер создавала нежные и мечтательные абстракции природы и возвышенного. Франкенталер сделала продолжительную карьеру, в которой сменилось множество поколений художников-абстракционистов, и продолжала выставлять свои работы на протяжении более шести десятилетий, продолжая создавать важные и постоянно меняющиеся произведения искусства.

Многие известные художники-абстракционисты вышли из этого периода творчества в 20 веке, что привело к созданию многих знаковых произведений искусства, о которых говорят и сегодня. Если вам понравилось просматривать наш список художников-абстракционистов, мы рекомендуем вам продолжить знакомство с другими художниками-абстракционистами, которые, возможно, не так известны, но все же значимы сами по себе.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий

Adblock
detector