Высокий Ренессанс стал вершиной эпохи Возрождения в европейской истории и изобразительном искусстве, особенно в Италии. Кульминацией этого периода стало появление нескольких великих, если не сказать гениальных, художников, которые запомнились во всей истории и поп-культуре. Ниже мы обсудим Высокое Возрождение как художественный период и исторические влияния, которые его сформировали.
Оглавление
Хронология периодов искусства эпохи Возрождения
Исторические предпосылки Высокого Возрождения
Эпоха Возрождения началась примерно в 1300-х годах (14-й век н.э.) и продолжалась примерно до 1600-х годов (17-й век н.э.). Этот период развивался после падения Рима в 476 году н.э., во время того, что в европейской истории было известно как Средневековье или Темные века. Наиболее заметным периодом искусства в эти темные времена было готическое искусство, а художественный стиль после Ренессанса назывался маньеризмом.
Период Возрождения в изобразительном искусстве делится на Ранний и Высокий. Период Высокого Возрождения был пиком художественного гения и таланта и, как считается, начался с момента создания Леонардо да Винчи картины «Тайная вечеря» в 1490-х годах и продолжался примерно до 1527 года.
Это был период, когда художники использовали техники Раннего Возрождения и, казалось, совершенствовали их, создавая шедевры.
Термин «Высокое Возрождение» был официально использован в 1800-х годах, впервые его ввел швейцарский историк Якоб Карл Буркхардт, который называл его по-немецки hochrenaissance. Однако термин «Ренессанс» имеет свою историю и восходит к тому времени, когда французский историк Жюль Мишеле в 1855 году использовал слово «ренессанс» для описания того, как закончилось Средневековье и наступил новый период в культуре Европы. Этот период был почти как «возрождение», и именно это означает французский термин «ренессанс».
Передняя обложка «Жизни» Джорджо Вазари (1550); Джорджо Вазари, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта концепция «возрождения» не была новой. Итальянский историк, художник и архитектор Джорджо Вазари использовал этот термин в своей знаменитой публикации «Жизнеописания», сокращенно «Жизнеописания самых выдающихся живописцев, скульпторов и архитекторов» (1550). Этот текст считается одним из первых художественно-исторических трудов, подробно описывающих итальянское Возрождение и содержащих биографии различных художников этого периода.
Но если пойти еще дальше, то работа немецкого историка и археолога Иоганна Иоахима Винкельмана оказала влияние на других теоретиков и художников. Его публикация «История искусства древности» (1764) стала основополагающей записью и хронологией античности и классического искусства древних цивилизаций, таких как египтяне, этруски, греки и римляне.
Якоб Буркхардт, с другой стороны, считался одним из «отцов-основателей» истории культуры. Он исследовал эпоху Возрождения комплексно, уделяя внимание всем аспектам, которые способствовали развитию и эволюции культуры, от политики до искусства, и тому, как они взаимосвязаны и влияют друг на друга.
Его знаменитая публикация под названием «Цивилизация эпохи Возрождения в Италии» (1860) была посвящена периоду итальянского Возрождения и, в частности, его историографии. Он также опубликовал последующую публикацию под названием «История Возрождения в Италии» (1867).
Краткий взгляд на раннее Возрождение
Для лучшего понимания эпохи Высокого Возрождения полезно вкратце рассказать о Раннем Возрождении и о том, как развивался этот период искусства. Раннее Возрождение началось примерно с 1400-х по 1490-е годы нашей эры.
На художников в этот период повлияли философские концепции, такие как гуманизм, и многие люди начали изучать гуманитарные науки в различных дисциплинах. Его истоки можно проследить в Северной Италии, откуда он развился в другие европейские страны. Другими словами, это была философская идеология, которая ставила человека в центр существования и бытия. Ее также называли классическим гуманизмом.
Потолок хора «Слава ангелов» работы Джузеппе и Доменико Валериани, церковь Санта Мария дельи Скальци, Венеция; Санта Мария дельи Скальци, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Математическая точность также развивалась в архитектуре с акцентом на пропорции под влиянием классических идеалов пропорций. Это также проявилось в живописи: в ней появилось больше перспективы и ракурсов, выполненных с помощью таких приемов, как trompe l’oeil (в переводе с французского — «обманывать глаз»).
Другие изменения в изобразительном искусстве включали акцент на реализме, изображении предметов с большим количеством деталей и в натуралистической манере по сравнению с часто жестким изображением предыдущих периодов, таких как византийское искусство. Другими словами, предметы были более реалистичными.
Рим и Папа
Художественное производство в эпоху Высокого Возрождения в основном осуществлялось в Риме. Папа Юлий II был главным покровителем Высокого итальянского Возрождения. Фактически, он стремился к тому, чтобы Рим стал центральным культурным центром. В период Раннего Возрождения культурным центром была Флоренция.
Папа Юлий II действовал с 1503 по 1513 год н.э. и пригласил многих великих художников, таких как Рафаэль и Микеланджело, работать для него в Риме. Он потратил значительные суммы денег, почти оставив город банкротом, чтобы поднять имидж и репутацию Рима и папства в искусстве и архитектуре.
Папа Лев X стал преемником папы Юлия II после его смерти. Действовавший с 1513 по 1521 год, Папа Лев X также продолжил так называемое папское покровительство. Он был сыном Лоренцо Медичи, богатого флорентийского правителя, банкира и мецената. Семья Медичи во Флоренции была основным меценатом в эпоху Раннего Возрождения.
Могила Микеланджело для базилики Сан-Пьетро папы Юлия II, выполненная по заказу семьи Медичи, в Винколи, Рим, Италия; Karelj, Public domain, via Wikimedia Commons
Искусство Высокого Возрождения
Как уже упоминалось выше, искусство Высокого Возрождения было почти как усовершенствование всех новых инновационных техник, использованных в период Раннего Возрождения. В этот период в живописи, архитектуре и скульптуре были широко представлены инновации и разработки, начиная с новых средств живописи, таких как масло, и заканчивая новыми техниками перспективы.
К числу великих художников эпохи Высокого Возрождения относятся также Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, известные как «большая тройка». Однако это были не единственные художники и архитекторы, создавшие шедевры. Ниже мы рассмотрим выдающихся художников, архитекторов и скульпторов эпохи Высокого Возрождения.
Сначала мы обсудим некоторые основные характеристики этого периода Возрождения.
Характеристика искусства Высокого Возрождения
Художественные характеристики Высокого Возрождения включают в себя разнообразные новые методы, которые в конечном итоге создали, казалось бы, гипернатуралистическую тематику. Реализм был вторичен по отношению к главной цели, которая заключалась в изображении чувства гармонии и красоты в произведениях искусства. В этом проявилось сильное влияние греческих и римских ценностей эстетики и гармонии.
Художники Высокого Возрождения также углубились в идеи гуманизма и создали концепцию «человека эпохи Возрождения» или «универсального человека». В ее основе лежала идея о том, что человек является центром Вселенной. Глубокие размышления и значение, придаваемое Богу и религии как центру Вселенной, не так высоко ценились, как раньше.
Предположительный автопортрет Леонардо да Винчи (ок. 1512 г.), человека эпохи Возрождения; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons
Однако художники по-прежнему изображали религиозные сюжеты, но они были наделены красотой и кажущейся божественностью, присущей человеческой форме. Человеческая форма была близка к совершенству в симметрии и пропорциях. В каком-то смысле можно сказать, что художники Высокого Возрождения нашли способ создать мост между божественным и телесным, общим для которых была красота.
Однако это была лишь одна часть «Универсального человека». Что делало «универсального человека» совершенным, так это его способности и навыки в области искусства и науки. Такие художники, как Леонардо да Винчи, считались гениями и олицетворяли собой универсальность всех способностей.
La Vierge, l’Enfant Jésus et sainte Anne («Дева Мария и младенец со святой Анной», 1503), Леонардо да Винчи; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons
В живописи такая техника, как сфумато, была впервые применена Леонардо да Винчи. Она смягчала линии и границы на картине, создавая в целом более плавный и туманный эффект. Она включала в себя сглаживание участков цвета, особенно от светлого к темному или наоборот, чтобы они сливались друг с другом. Термин s fumato происходит из итальянского языка и восходит к словам, связанным с «дымом» или «испарениями». Он также переводится как «мягкий» или «расплывчатый».
Квадратура — иллюзионистская техника, использовавшаяся в росписи потолков. Она заключалась в рисовании архитектурных конструкций внутри композиции, создавая впечатление, что это реальные архитектурные формы здания. Хотя эта техника зародилась в эпоху Раннего Возрождения, прежде всего у художника Андреа Мантеньи, она оказала влияние на таких художников, как Корреджо из эпохи Высокого Возрождения.
Художники Высокого Возрождения
Некоторые из наиболее известных художников Высокого Возрождения живы и по сей день, может быть, не лично, но в наших художественных галереях и поп-культуре. Все мы знаем знаменитую Мону Лизу (1503) или Тайную вечерю (ок. 1495), а также многие другие картины, впечатанные в нашу память и, возможно, даже в магниты на холодильнике или кофейные чашки.
Но кто же были художники, создавшие эти шедевры? Хотя художников в этот период было больше, только несколько имен были увековечены.
Донато Браманте (1444 — 1514)
Донато Браманте считался одним из лучших архитекторов эпохи Высокого итальянского Возрождения. Он также известен тем, что основал архитектурный стиль Высокого Возрождения. Вместе с другими известными художниками того времени, такими как Микеланджело и Рафаэль, он получил заказ от папы Юлия II.
Браманте начал свою архитектурную карьеру в Милане, где он участвовал в реализации многочисленных архитектурных проектов. В качестве примера можно привести трибунную часть церкви Санта Мария делле Грацие (1492-1499 гг.), которая в настоящее время является объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО, и клуатры церкви Сант-Амброджо (1497-1498 гг.). В конце концов, Браманте переехал в Рим, где участвовал в многочисленных архитектурных проектах. По заказу короля Фердинанда и королевы Изабеллы он построил Темпьетто (1502) для церкви Сан-Пьетро-ин-Монторио в Риме.
Картина Джорджо Вазари, изображающая Темпьетто Браманте, 1573 год; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Темпьетто считается одним из лучших примеров архитектуры Высокого Возрождения благодаря своей симметрии и гармонии форм. Он напоминает классическую скульптуру с колоннами дорического ордера и круглым куполом.
Одним из самых крупных начинаний Браманте было поручение папы Юлия II построить совершенно новую базилику Святого Петра (1506 — 1626). Новая базилика была спланирована в соответствии с усилиями Папы по обновлению города Рима. Она была построена как замена существующей Константиновской церкви, однако Браманте пришлось снести множество зданий, чтобы начать масштабный проект, что дало ему прозвище «Руинант». Браманте создал первоначальный макет в форме греческого креста с четырьмя опорами в качестве поддерживающих креплений.
Леонардо да Винчи (1452 — 1519)
Леонардо да Винчи считался и до сих пор считается гением своего времени. Будучи художником эпохи Высокого Возрождения, он внес в мир искусства не только живопись. Известный как эрудит (человек с глубокими междисциплинарными знаниями), он был также изобретателем — он нарисовал самые ранние планы вертолета и парашюта — дизайнером, скульптором, ученым и др. Его также называли первым «человеком эпохи Возрождения» в рамках движения Высокого итальянского Возрождения.
Да Винчи углубленно изучал анатомию человека, что видно из его знаменитого изображения человеческой формы под названием «Витрувианский человек» (ок. 1485 г.). Его картины считаются одними из самых реалистично изображенных, но при этом сохранивших религиозную тематику.
Витрувианский человек Леонардо да Винчи (ок. 1492); Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Леонардо да Винчи стал новатором многочисленных художественных техник, которые усиливали реалистичность его изображений. Эти техники включали в себя сфумато и кьяроскуро, которые создавали темные и светлые контрасты в живописи. Это придавало загадочность и глубину его композициям, а также завораживающие выражения лиц, которые можно увидеть на многих его работах.
Среди его знаменитых работ — «Дева со скал» (1483-1486), «Дама с горностаем» (1489-1490), «Тайная вечеря» (1498), «Мона Лиза» (ок. 1503) и многие другие.
Когда мы смотрим на «Деву со скал», предметом изображения этой картины является Дева Мария с двумя младенцами: один — Иисус Христос, а другой — Иоанн Креститель. Их сопровождает архангел Гавриил с правой стороны. Обстановка вокруг фигур довольно таинственна по своей природе, изображая различные скалистые, почти пещерные структуры на заднем плане с бассейном с водой и листвой со скалами на переднем плане.
Дева со скал (1503-1506) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мы замечаем Деву Марию как центральную фигуру композиции, так сказать, вершину того, что называется «пирамидальной» планировкой. В картине также искусно использованы такие техники, как кьяроскуро — контрасты темного и светлого, и сфумато, создающие ощущение глубины и трехмерности.
Да Винчи также использовал масляный пигмент, который был новым средством для живописи в то время. В эпоху Возрождения обычно использовалась темперная краска (в ней использовалось связующее вещество, например, яичный желток, смешанный с пигментами) и пигменты, просто смешанные с водой. Использование масла позволяло получить более детальное и гладкое изображение предметов, как мы видим на картинах да Винчи.
Тайная вечеря» — еще один шедевр да Винчи, изображающий Христа с 12 апостолами, сидящими за длинным столом. В основе картины лежит библейская история о последнем ужине перед распятием Христа, когда он сказал своим ученикам, что один из них предаст его. Мы замечаем влияние этой новости в динамизме выражений фигур, окружающих Христа. Композиция также изображает Христа как центральную фигуру, а все остальные фигуры и архитектурные сооружения окружают его, чтобы подчеркнуть его важность.
Тайная вечеря (1495-1498) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Да Винчи использовал одноточечную перспективу для достижения вышеупомянутой центральности фигуры Христа. Мы заметим это по трем окнам на заднем плане — среднее окно прямо за Христом почти освещает его фигуру. Стены по обе стороны композиции также движутся в аналогичном направлении к заднему плану. Окна открываются на пейзаж снаружи, который кажется райским, с горами и пышной зеленью.
Еще одним шедевром да Винчи является «Мона Лиза», которая сейчас хранится в художественной галерее Лувра в Париже. Она также называется «Джоконда» и является портретом Лизы Герардини. На ней изображена женская фигура, сидящая на стуле полубоком с левой рукой на подлокотнике и правой рукой сверху.
Мы видим богато детализированный пейзаж за «Джокондой», выполненный с использованием таких техник, как сфумато и кьяроскуро, что создает ощущение трехмерности. Черты лица Моны Лизы также более выразительны, чем на обычных портретах того времени. Мы замечаем слабую улыбку, которая создает ощущение загадочности. Эта улыбка на протяжении веков вызывала любопытство, вызывая желание узнать, что она чувствовала или переживала, когда был написан портрет.
Мона Лиза (или Джоконда, 1503-1505) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Микеланджело (1475 — 1564)
Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони, или просто Микеланджело, считался еще одним гениальным художником Высокого Возрождения. Он был живописцем, скульптором и архитектором, особенно знаменитым своим реалистичным изображением человеческих фигур. Это объясняется тем, что он много изучал анатомию человека, часто по мертвым человеческим телам. Он также был известен как соперник Леонардо да Винчи.
Среди его самых известных произведений искусства, включая живопись и скульптуру, — «Сотворение Адама» (1508-1512), «Страшный суд» (1536-1541), «Пьета» (1498-1499), «Давид» (ок. 1504) и многие другие.
Картины «Сотворение Адама» и «Страшный суд» были частью перекраски Сикстинской капеллы, выполненной по заказу папы Юлия II. Первая была частью фресковой росписи «Бытие», а вторая — частью заказа папы Климента VII, а затем папы Павла III.
Сотворение Адама (ок. 1511) Микеланджело; Микеланджело, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В «Сотворении Адама» мы видим мускулистую и четко очерченную фигуру Адама справа, протягивающего левую руку, чтобы коснуться вытянутой руки Бога справа. На Страшном суде изображена центральная фигура Христа с воздетыми вверх руками. Его окружают более 300 других фигур, среди которых выделяются Дева Мария, Иоанн Креститель и Святой Петр.
Пьета» — один из величайших шедевров Микеланджело в мраморной скульптуре. Она находится в вышеупомянутой базилике Святого Петра. На ней изображено мертвое тело Христа после распятия, которое держит на руках мать Мария. Эти две фигуры изображены с безмятежностью в выражении лица и тела, что не характерно для подобных скульптур, которые изображали больше боли и потрясения в выражениях лиц.
Pietá (1498-1499) работы Микеланджело. Базилика Святого Петра, Рим; Микеланджело, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Микеланджело также изобразил скульптуру в пирамидальном формате, начиная с вершины с головой Матери Марии и двигаясь вниз к основанию вместе с ее ниспадающими одеждами. Струящиеся одежды свидетельствуют о том, что художник уделял большое внимание деталям, работая с таким материалом, как мрамор.
Мы также видим это в «Давиде» Микеланджело, изображающем библейскую фигуру Давида в натуральную величину (17 футов) с рогаткой, из которой он убил Голиафа. Что делает эту статую шедевром своего времени, так это то, что Микеланджело изобразил фигуру Давида близкой к анатомическому совершенству. Мы видим это в его мускулатуре, усиленной характерной классической стойкой, называемой контрапосто.
Поза contrapposto подчеркивается тем, что Давид стоит с большей частью веса на одной ноге, в свою очередь приподнимая бедро. Этот динамизм позы также подчеркивает силу, присущую мышцам фигуры, когда они сгибаются, выходя из позы. Все эти эффекты способствуют общему натурализму, характерному для искусства Высокого Возрождения.
Давид» Микеланджело (1501-1504); Йорг Биттнер Унна, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Рафаэль (1483 — 1520)
Рафаэль, также Раффаэлло Санцио да Урбино, был художником и архитектором. Он был художником большую часть своей жизни и известен своей обаятельной личностью. Он также известен тем, что в своем живописном стиле изображал сущность легкой элегантности. Кажется, что он смог передать в своих картинах саму природу грациозности и пропорций.
Некоторые из его знаменитых работ изображены в комнатах Рафаэля в Апостольском дворце в Ватикане в Риме. Эти комнаты состоят из фресок, написанных Рафаэлем по заказу папы Юлия II. Это четыре комнаты: Sala di Costantino («Зал Константина»), Stanza di Eliodoro («Комната Гелиодора»), Stanza della Segnatura («Комната синьора») и, наконец, Stanza dell’Incendio del Borgo («Комната пожара в Борго»).
Знаменитая фреска Рафаэля «Афинская школа» (1509-1511 гг.) находится в Станце делла Сегнатура. На этой работе изображена группа выдающихся философов классической эпохи. Например, Платон и Аристотель являются центральными фигурами. Мы также обратим внимание на архитектурное пространство, нарисованное вокруг фигур, напоминающее базилику Святого Петра, спроектированную Браманте.
Скуола ди Атене («Афинская школа», 1511), Рафаэль; Рафаэль, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Композиция действительно изображена с искусным использованием цвета и перспективы. Рафаэль написал картину в приглушенных тонах, что создает больше гармонии для всей композиции, а не просто фокусирует внимание на единственной фигуре или предмете.
Кроме того, композиция выглядит привлекательной для нас, зрителей; мы можем почти шагнуть прямо в сцену и присоединиться к активному размышлению философов.
Рафаэль также создает перспективу, используя арки, уходящие на задний план и как бы выделяющие две центральные фигуры. Мы также замечаем голубое небо сквозь проемы в архитектуре, что создает впечатление возвышенности и нахождения в кажущемся возвышенном пространстве — вполне уместно, поскольку вся композиция сосредоточена вокруг философов и способности мыслить и созерцать.
Последняя работа Рафаэля — «Преображение» (1520), на которой изображены два библейских сюжета, один в верхней части композиции, другой — в нижней. В верхней части картины изображен Христос в сиянии света. Это относится к библейской истории о том, как Христос показал нескольким своим ученикам, кем он был на самом деле, известной как Преображение.
Преображение (1516-1520), Рафаэль; Рафаэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Нижняя часть картины, более темная по цвету, изображает группу людей, пытающихся помочь мальчику, которого считали одержимым. Мы замечаем, что мальчика держит на руках его отец. Контраст в композиции ясно указывает на двойное повествование, которое подчеркивается контрастами светлых и темных цветов («кьяроскуро»).
Рафаэль скончался, не успев завершить эту картину, однако его ученики внесли в нее последние штрихи. Эта картина стала влиятельной для других художников, таких как Караваджо, в эпоху барокко.
Корреджо (1494 — 1534)
Антонио Аллегри да Корреджо, или просто Корреджо, был одним из выдающихся художников Пармской школы в эпоху Высокого итальянского Возрождения. Пармская школа находилась в северных районах Италии в регионе Эмилия-Романья. Это был маленький городок и маленькая школа, но Корреджо был одним из талантливых художников, которые оживили ее в эпоху Высокого Возрождения.
Он был наиболее известен своими иллюзионистскими картинами, совершенствуя приемы, подчеркивающие трехмерность. Например, ракурс, сфумато и наложение различных аспектов картины. На него также оказали влияние Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль.
Среди его знаменитых работ — «Успение Богородицы» (1526-1530), хранящееся в Пармском соборе. Это фреска, написанная в форме купола, на которой изображена мать Мария, возносящаяся в небеса навстречу ожидающему Христу. Композиция дает эффект завихрения снизу вверх, часто описываемый термином «вихрь». Вдоль клубящихся сторон облаков мы замечаем ангелов.
Чем ближе мы наблюдаем за сценой, тем больше узнаем определенных персонажей, что указывает на композиционную стратегию, использованную Корреджо.
Успение Богородицы (1526-1530) Антонио да Корреджо; Antonio da Correggio, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Художник также изобразил фигуры ракурсами, создав тем самым глубину потолочной росписи при взгляде на нее снизу. Кроме того, они выглядят как часть архитектуры потолка, как будто эта небесная сцена происходит на самом деле, что свидетельствует о художественном мастерстве Корреджо в технике quadratura.
Это лишь один из примеров того, как Корреджо умело использовал краски и перспективу для изображения библейской сцены, которая одновременно украшает потолок собора. Эта картина также повлияла на художников эпохи барокко и рококо, например, на Пьетро де Кортона и Андреа Поццо.
Высокое Возрождение достигает своего апогея
Считается, что разграбление Рима положило конец Высокому Возрождению. Это произошло в 1527 году, когда император Священной Римской империи Карл V проник в город и разрушил большую его часть. До этого смерть Леонардо да Винчи и Рафаэля также притупила художественный блеск, озарявший Высокое итальянское Возрождение.
Художественное движение под названием маньеризм возникло после эволюции Высокого Возрождения, около 1520 года н.э. Маньеристы отошли от классических идеалов, которые так ценили художники Высокого Возрождения. Хотя художников Высокого Возрождения было гораздо больше, и их творчество пришлось на критическое время, связанное с открытиями в Европе, великие художники, упомянутые выше, стали основными образцами искусства, которые останутся в веках.
Высокое Возрождение продолжает озарять мир своим художественным великолепием. И так же, как это движение так искусно передало в своем искусстве классические идеалы, красоту, гармонию, гуманизм и инновации науки, оно так же осталось с миром, как одна из его потолочных росписей, создавая у нас впечатление, что оно полностью реально, и мы можем шагнуть в него в любой момент, украшая и воспитывая.
Часто задаваемые вопросы
Когда наступило Высокое Возрождение?
Высокое Возрождение наступило после Раннего Возрождения. Считается, что Высокий Ренессанс начался в 1490-х годах, когда Леонардо да Винчи создал картину «Тайная вечеря». Он продолжался примерно до 1527 года, когда император Священной Римской империи Карл V разграбил город Рим.
Какие основные техники использовались в эпоху Высокого Возрождения?
В эпоху Высокого Возрождения использовались техники, разработанные в эпоху Раннего Возрождения, но они были доведены до более высокой степени мастерства. К основным техникам относятся сфумато, кьяроскуро, ракурс (акцент на перспективе и исчезающих точках в композиции), а также иллюзионистские методы, такие как квадратура.
Кто были знаменитые художники эпохи Высокого Возрождения?
Тремя художниками-первопроходцами эпохи Высокого Возрождения были Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль. Они также известны как «Большая тройка» и были увековечены в современной истории о Черепашках-ниндзя.
Чем был знаменит Высокий Ренессанс?
Высокий Ренессанс был известен как период в общей эпохе Возрождения в Европе, когда была достигнута вершина, или зенит, созданных художественных произведений. К ним относились живопись, архитектура и скульптура. Художники Высокого Возрождения использовали техники, разработанные в эпоху Раннего Возрождения, и совершенствовали их.
Где происходило Высокое Возрождение?
Высокое Возрождение происходило в Риме, под главным покровительством папы Юлия II. Рим стал культурным центром художественного производства после Флоренции, где в основном проходил период Раннего Возрождения.
Каковы были основные идеи Высокого Возрождения?
Художники Высокого Возрождения верили в классические идеалы красоты и гармонии. Художники также создавали произведения, которые были более натуралистичными, изображая более глубокое чувство реализма в своих предметах. Хотя они по-прежнему изображали религиозные сюжеты, они одновременно показывали красоту и анатомическую точность человеческой формы в своих библейских фигурах.
