Кинетическое искусство, или искусство, включающее в себя движение, является постоянно растущей практикой в мире искусства. Технологический прогресс и растущее значение машин в современном мире послужили источником вдохновения для многих художников, включая пионера кинетического искусства Наума Габо. От движущихся скульптур до статичных визуальных иллюзий — движение кинетического искусства очень обширно.
Оглавление
Что такое кинетическое искусство?
В целом, любое произведение искусства, которое вращается вокруг увлечения движением, можно считать кинетическим искусством. Художники кинетического искусства предлагают нам художественное выражение растущей современной эпохи с ее технологическими пересечениями и философией. Художники-кинетисты исследовали искусство, которое может распространяться как в пространстве, так и во времени, и произведения искусства, которые изменяются при взаимодействии со зрителем. Механизированные скульптуры, меняющие свой облик в течение определенного периода времени, как бы отражают стремительную эволюцию современного века.
В то время как одни художники кинетического искусства фокусировались на смешении науки и механизации, другие создавали произведения, исследующие механизированное движение, а третьи использовали кинетическое искусство как представление утопических возможностей, при которых современная жизнь зависит от интеграции машины и человека. Некоторые художники пошли еще дальше в интеграции человека и машины, используя свое искусство для изучения взаимосвязи между биологическими человеческими телами и шестеренками и поршнями металлических машин.
Хотя сегодня термин «кинетическое искусство» чаще всего ассоциируется с трехмерными произведениями, которые движутся либо естественным образом, либо в результате работы машины, он возник из картин художников-импрессионистов, таких как Эдгар Дега и Клод Моне. Эти художники-импрессионисты XIX века подчеркивали движение фигур, океана и света. Другие ранние кинетические работы на холсте включают те, которые растягивают перспективу зрителя и включают в себя многомерное движение.
Некоторые произведения кинетического искусства исследуют виртуальное движение, при котором движение можно воспринимать только под определенным углом. Термин «видимое движение» часто путают с виртуальным, но он относится к движению в произведении искусства, которое приводится в движение механическими или электрическими двигателями или машинами. Как виртуальный, так и кажущийся кинетический стили имеют сходство с оп-артом, который играет с оптическими иллюзиями. Однако это сходство не настолько велико, чтобы относить эти формы кинетического искусства и оп-арта к одному зонтичному термину.
Золотой век кинетического искусства пришелся на середину 20-го века. Такие художники, как Наум Габо и Александр Колдер, начали создавать искусство, которое было по-настоящему динамичным и трехмерным. Каждый художник привнес свой собственный взгляд на кинетическое искусство, и поэтому мы не можем определить это направление как единый стиль или форму.
Развитие движения кинетического искусства
Как видно из приведенного выше краткого введения, движение кинетического искусства конца 19-го и 20-го веков имеет множество аспектов. В следующем разделе мы рассмотрим каждую из выдающихся эпох, чтобы дать определение кинетического искусства. Глубоко погружаясь в ключевые идеи и художников-первопроходцев каждого направления, мы надеемся дать вам всестороннее понимание этого движения 20-го века. Хронология беспорядочна, и вы заметите, что теории о кинетическом ритме в искусстве развивались в разных местах в разное время.
Импрессионизм: Запечатление движения в красках
Три самых выдающихся художника-импрессиониста XIX века добились больших успехов в передаче в своем искусстве приливов и отливов жизни. Моне, Дега и Эдуард Мане были пионерами изменений в композиционном стиле и инноваций в технике живописи, которые позволили художникам более реалистично передать движение. Другим значительным пионером кинетического искусства в конце 19 века был Огюст Роден. Роден использовал несколько иные техники, чтобы передать движение окружающего мира. Роден критиковал трех других импрессионистов, утверждая, что они не могут изобразить жизненность и временность движения.
Эдуард Мане (1832-1883)
Хотя многие считают Мане художником-импрессионистом, практически невозможно приписать его работам единый стиль. Одна важная тема, которая пронизывает каждое проявление его стиля, — это движение. Возможно, самой известной его картиной, рассматривающей движение, является «Испанский балет» (1862).
В этой картине Мане согласовывает жесты фигур с контурами, создавая ощущение трехмерной глубины. Глубина внутри каждой фигуры распространяется между ними в композиции. Один из самых поразительных способов, которым Мане удается передать движение в этом произведении, — это создание чувства дисбаланса. Рассматривая эту картину, мы как будто находимся на грани момента, который вот-вот пройдет. Зритель оказывается в мимолетном моменте, подчеркнутом смутным ощущением тени и цвета.
Год спустя Мане продолжил изучение движения в картине «Пикник в парке» (Le dejeuner sur l’herbe), запечатлевшей пикник в парке. Женщина на заднем плане масштабирована неправильно для ее положения в композиции. Отсутствие точного расстояния в этой композиции создает почти инвазивный снимок момента движения.
Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Клод Моне (1840-1926)
Моне — один из самых выдающихся художников-импрессионистов, его картины невероятно реалистично передают изменения света. Моне основывал свои картины на художественной интерпретации отпечатка сетчатки глаза — картины света, попадающего на сетчатку глаза в определенный момент. Этот метод живописи воплощается в изображениях, которые фиксируют мельчайшие изменения света и цвета. Таким образом, картины Моне запечатлевают мир в движении, на грани перемен.
К концу 1870-х годов Моне начал разрабатывать новый, более стремительный стиль живописи. Неточные мазки кисти в его картине «Бато-ателье на Сене» 1875 года приводят пейзаж и фигуры в движение. Именно эта картина, наряду с другими, демонстрирует, как Моне переосмысливает стиль импрессионизма. Изоляция света, цвета и движения определила ранний импрессионистский стиль живописи. Моне начал создавать особый стиль, который объединил все эти элементы и сосредоточился на традиционных импрессионистских сюжетах. Эти картины словно вибрируют от движения мира, который они запечатлели.
Эдгар Дега (1834-1917)
Многие искусствоведы считают, что работы Дега являются интеллектуальным дополнением работ Мане. У Дега был довольно радикальный стиль для эпохи импрессионизма. Хотя его сюжеты типичны для импрессионистского стиля, включая лошадей и балетных танцоров, он никогда не позволял предметам затмить его попытки передать движение в красках. Например, в картине «Молодые спартиаты занимаются борьбой» (1860) Дега представляет классическую обнаженную натуру, но помещает фигуры с резкими позами в плоский двухмерный пейзаж. Такое сопоставление подчеркивает движение фигур.
В одной из своих самых противоречивых картин Дега представляет уникальную интерпретацию различных движений, привнося многомерность в плоский холст. Оркестр в картине «Оркестр оперы» (1868) расположен в центре зрения зрителя, а танцоры насыщают задний план. И снова сопоставление двух тематических групп, погруженных в различные движения, создает ощущение движения внутри композиции.
Попытки Дега изобразить динамичное движение, наконец, начали реализовываться к концу XIX века. Особенно хорошим примером может служить картина Chevaux de Course (1884), картина из серии, изображающей момент раздумья между лошадью и всадником. Импрессионисты были очень впечатлены этой серией, но пришли в ужас, когда узнали, что он использовал фотографии в качестве референсов. Дега не был обеспокоен такой реакцией, и его дальнейшее использование этого метода вдохновило Моне на применение аналогичных приемов.
Эдгар Дега, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Огюст Роден (1840-1917)
Вначале Роден выразил свою признательность за эффект вибрации и пространственное восприятие, которые Моне и Дега сумели передать в своих картинах. Роден был одновременно художником и критиком, он написал и опубликовал множество рецензий, восхваляющих стиль импрессионистов. В этих работах Роден утверждал, что Дега и Моне смогли создать иллюзию искусства, которая через моделирование и движение передавала движение жизни.
Однако эти настроения не перешли в творчество самого Родена. Когда он начал заниматься скульптурой, он также начал задаваться вопросом, как художник может передать движение жизни в такой застойной среде, как скульптура. Хотя в его поздних статьях не было прямых нападок на художников-импрессионистов, таких как Дега и Моне, он распространил свои новые теории о том, что импрессионизм не может передать движение. Вместо этого Роден утверждал, что импрессионизм просто изображает движение в статичной форме.
Джордж Чарльз Бересфорд, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Раннее кинетическое искусство и сюрреализм 20-го века
Свободные границы и исследовательский характер сюрреализма 20-го века позволили легко перейти к кинетическому искусству. Хотя художники, творившие в эту эпоху, использовали движение, формально кинетическое движение все еще находилось в зачаточном состоянии. Однако эти художники демонстрируют глобальное движение к включению кинетических ритмов в искусство.
В сюрреализме художники исследовали темы и техники, которые ранее были социально неприемлемы. Не ограничиваясь изображением исторических событий, пейзажей и других традиционных сюжетов, художники стали находить новый смысл и стиль в обыденном. Именно эти странности и отклонения от традиций стали первыми центральными точками кинетического искусства. Кинетическое искусство, пионерами которого стали такие художники, как Джексон Поллок, Альберт Глейзес и Макс Билл, начало развиваться в начале 20 века.
Альберт Глейзес (1881-1953)
В конце XIX — начале XX века Глейзес был одним из самых выдающихся философов искусства. Его трактаты и теории, основанные на кубизме, привели его в центр художественных дискуссий. В 1910-х и 1920-х годах Глейзес стал поддерживать более ритмичное направление в искусстве, вместо более пластичного традиционного стиля. Известность Глейзеса способствовала укреплению этих взглядов. Примерно в это время Глейзес опубликовал теорию движения в искусстве, основываясь на своих теориях художественного использования и психологического воздействия движущегося искусства. Согласно Глейзесу, полный отказ от внешних ощущений подразумевается в человеческом творчестве. Для Глейзеса именно этот факт делал искусство подвижным, в то время как другие считали его жестким и статичным.
Одна из основных теорий Глейзеса гласила о необходимости наличия в искусстве ритма. Ритм в искусстве, по Глезесу, выражался в совпадении фигур в трехмерном или двухмерном пространстве в визуально привлекательном виде. Математическая точность должна лежать в основе размещения различных фигур в композиции таким образом, чтобы они, казалось, взаимодействовали друг с другом. Черты этих фигур также должны быть немного расплывчатыми, чтобы их движение в пространстве холста было правдоподобным для зрителя. На протяжении 1930-х годов, по мере роста популярности кинетического искусства, Глейз изучал концепцию художественного движения по отношению к зрителю и обновлял свои публикации и исследования.
Пьер Шумофф, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джексон Поллок (1912-1956)
Может показаться удивительным включение Поллока в эту статью, потому что его работы не являются мобилями и скульптурами, которые обычно ассоциируются с кинетическим движением. Однако во многих отношениях его работы стояли в авангарде стремления изобразить движение через искусство. С точки зрения художников-кинетистов, Поллок является непревзойденным лидером. Новые методы и стили живописи, которые разработал Поллок, позволили ему пойти на шаг дальше художников-импрессионистов. В то время как Моне и Дега могли захватывающе передать движение фигур и пейзажей, Поллок смог создать движение в абстракции.
Работы Поллока часто ассоциируются с Action Painting, термином, введенным в 1950-х годах критиком Гарольдом Розенбергом. У Поллока было желание создать анимацию в каждом аспекте своих картин, используя нетрадиционные инструменты, такие как ножи и палочки. Этот стиль живописи в конечном итоге превратился в его знаменитую технику капель. Движение не только уникально вовлечено в творческий процесс капельных картин Поллока, но и неоспоримо четко прослеживается в конечном произведении.
Макс Билл (1908-1994)
В 1930-е годы Билл стал преданным учеником движения кинетического искусства. Для Билла красота кинетического искусства заключалась в чисто математической точности, которая лежала в его основе. Билл использовал математические понятия и принципы для создания объективного движения в своих работах. Он применял эту теорию ко всем своим скульптурам из мрамора, латуни, меди и бронзы. Билл также любил включать в свои скульптуры небольшие визуальные иллюзии. Например, «Строительство с подвешенным кубом» (1936) — это передвижная скульптура, которая кажется идеально симметричной с одного угла, но как только зритель перемещается вокруг скульптуры, симметрия начинает разрушаться.
Конструирование движения кинетического искусства: Скульптуры и мобили
Движение кинетического искусства официально зародилось в 1920 году с манифеста реализма Антуана Певзнера и Наума Габо. В манифесте говорилось следующее:
«Мы отвергаем: тысячелетнюю ошибку, унаследованную от египетского искусства: статические ритмы представляются единственным элементом пластического творчества. Мы провозглашаем новый элемент в пластических искусствах: кинетические ритмы, которые являются необходимыми формами нашего восприятия реального времени.»
По мнению Габо и Певзнера, чтобы искусство было истинным отображением мира, который мы переживаем, мы должны представлять его настолько реалистично, насколько это возможно. Чтобы сделать художественные изображения максимально реалистичными, художники должны учитывать восприятие света, цвета, формы и, что немаловажно, движения. Если не учитывать кинетические движения нашего опыта, то это значит создать неполное изображение.
После революции Габо и Певзнер переехали в Россию, и в этом контексте они стали тесно связаны с конструктивизмом. В результате на их ранние исследования кинетического искусства сильно повлияли элементы конструктивистского искусства, включая принципы из архитектуры и инженерии о функциональности и растущих механических технологиях. Приверженность реалистичному изображению мира соответствует конструктивистским теориям о функциональности, технологическом развитии и научных исследованиях.
Национальный парк Джошуа Три, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Наум Габо (1890-1977)
Многие считают, что именно Габо зажег искру движения кинетического искусства в начале 20 века. После возвращения в Россию вместе со своим братом, Антуаном Певзнером, он стал принимать все большее участие в супрематизме и конструктивизме. Оба эти художественные движения стремились размыть границы между функциональными технологиями и художественными творениями. Мы можем увидеть конструктивистские принципы во многих скульптурах Габо, которые исследуют новые технологические и научные достижения и часто являются методичными и фактичными. Для Габо и других марксистских конструктивистов того времени искусство должно иметь функционально выраженную социальную ценность.
Одним из самых влиятельных открытий и вкладов Габо в кинетическую скульптуру стало использование им пустого пространства. Вместо того чтобы вырезать или лепить свои скульптуры из блоков материала, Габо использовал взаимосвязанные, но отдельные компоненты. Эта техника позволила Габо с большей легкостью включать пространство в свои скульптуры, а контраст между формой и пустотой стал центральной частью его работ. Использование взаимосвязанных компонентов также позволило Габо создавать динамичные скульптуры, которые иногда включали движущиеся части или статичные элементы, которые, казалось, двигались.
Кинетические скульптуры Габо стоят на пороге движения кинетического искусства. Его идеи, касающиеся функциональности, технологического прогресса и движения, пронизывают кинетическое движение. Первая кинетическая скульптура Габо широко считается первым произведением кинетического движения. Кинетическая конструкция» (1920) — это скульптура из металла и дерева с электродвигателем, которая оказала влияние на многих других художников кинетического направления, включая Ман Рэя, Владимира Татлина и Александра Родченко.
Владимир Татлин (1885-1953)
Еще одна центральная фигура растущего российского конструктивистского движения, Татлин прославился своими скульптурными творениями, сочетающими аспекты футуризма и уроки синтетического и аналитического кубизма Пикассо. Татлин получил художественное образование в традиционном стиле иконописца. Этот стиль недолго развлекал Татлина. В соответствии с ориентацией конструктивистов на функциональную скульптуру, использующую уникальные свойства различных материалов, Татлин начал создавать искусство, исследующее социальные проблемы.
Возможно, самой известной работой Татлина является его проект башни Татлина, также известной как памятник Третьему Интернационалу (1920). Большая стальная конструкция с вращающимися комнатами и различными другими технологически продвинутыми элементами была поистине воплощением конструктивистского и кинетического искусства. Башня была задумана как памятник и штаб-квартира общества Коммунистического Интернационала. Хотя здание так и не было реализовано, его дизайн является свидетельством ценностей кинетического искусства и революционного конструктивизма.
Александр Родченко (1891-1956)
Друг и коллега Татлина, Родченко — еще один известный русский конструктивист и кинетический художник. Родченко наиболее известен тем, что развивал то, что он называл «беспредметизмом». Продолжая изучать мобили и скульптуры, Родченко начал работать с объектами, которые на самом деле не были подвижными. Вместо этого в его ранних работах сопоставлялись объекты из различных материалов, форм и текстур, чтобы вызвать у зрителя новые идеи. Многие работы Родченко включают элементы прерывистости. Например, работа 1915 года на холсте под названием «Танец, беспредметная композиция» передает ощущение движения через абстрактное расположение различных форм, цветов и текстур.
Позже в своей карьере, в середине 1920-х и 1930-х годов, Родченко начал экспериментировать с мобилями. В 1920 году Родченко создал деревянный подвесной мобиль под названием «Висячая конструкция». Эта естественно вращающаяся мобильная скульптура висит на одной нити. Концентрические круги в нескольких разных плоскостях подчеркивают ощущение движения при вращении мобиля, хотя скульптура вращается только вертикально и горизонтально.
Александр Колдер (1898-1976)
Колдер, пожалуй, один из самых известных художников-кинетиков, он особенно прославился своими уникальными мобилями и величественными общественными скульптурами. Американский художник впервые начал привлекать к себе внимание в 1920-х годах в Париже и стал одной из самых выдающихся фигур американского модернизма. Колдер также является одним из пионеров движения кинетического искусства, известного тем, что его работы наполнены движением.
Свои эксперименты с движением Колдер начал с создания фигурок из проволоки. Вместо того чтобы рисовать фигурки на листе, он рисовал их в физическом пространстве. Эти анимированные рисунки, с их гибкой проволочной структурой, несли в себе гораздо больше движения, чем бумажный рисунок. Вскоре Колдер отошел от фигуративной скульптуры и начал создавать абстрактные подвижные формы. Используя отрезки проволоки с центральной рамой и различные металлические формы, которые висели в абстракции.
Исходя из их формы, многие историки не считают эти ранние мобили Колдера примерами кинетического искусства, но к 1960-м годам Колдера стали считать мастером мобилей. Кошачий мобиль Колдера (1966) — прекрасный пример его кинетических мобилей. Голова и хвост кошки, кажется, находятся в беспорядочном движении, в то время как тело остается неподвижным. Кинетический ритм произведения подчеркивается этим контрастом между движением и застоем. Как и многие художники кинетического искусства, Колдер полагался на математические формулы, чтобы довести до совершенства движение в своих мобилях.
Кинетическое искусство — это далеко идущее и невероятно широкое движение. От ранних импрессионистов, изображавших меняющиеся свет и цвет, до механически сконструированных скульптур Татлина и Габо, не существует единого определения кинетического искусства. В основе всех этих высказываний лежит желание запечатлеть движение времени, пространства и материи в окружающем нас мире.
