Классики раннего американского искусства в основном основывались на английском стиле живописи. Хотя в 19 веке появилось несколько известных американских художников, только в 20 веке великие американские художники стали признаваться на международном уровне. Сегодня мы познакомимся с наиболее значимыми знаменитыми американскими художниками, оставившими свой след в мире искусства.
Оглавление
Введение в искусство Америки
Что отличает великих американских художников, независимо от того, родились ли они в Соединенных Штатах или где-то еще? Без сомнения, это должен быть кто-то, кто может представить просторы страны, будь то ее пейзажи или изобилие потребительских товаров. Однако на протяжении большей части истории Соединенных Штатов знаменитым американским художникам приходилось уступать своим европейским коллегам, особенно французским художникам, которые внесли свой вклад в превращение Парижа в творческий центр XIX века.
Все изменилось после Второй мировой войны, когда нью-йоркский стиль вытеснил парижское искусство в результате того, что Америка вышла из войны невредимой, в то время как остальная часть континента лежала в разрухе.
С тех пор в США появилось множество новых художественных стилей, большинство из которых можно смело отнести к современным и постмодернистским. В то время как влияние страны в этой культурной форме искусства продолжает расти, страны с новыми фондами, включая Китай, Россию и многие арабские страны, также стремятся принять участие в громких тендерах. Поскольку большая часть исторического искусства уже находится под защитой, все реже на продажу выставляется что-либо примечательное, что еще больше повышает цены.
Знаменитая картина «Американская готика» (1930) Гранта Вуда; Грант Вуд, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Реализм, который отображал реальные общественные проблемы и жизнь обычных людей, был первым значительным направлением искусства в США. Абстрактный экспрессионизм был первым американским направлением, получившим международное признание. Он подчеркивал использование абстракции для передачи сильного эмоционального или выразительного смысла. Его сменил стиль поп-арт, который отличался использованием идентифицируемых образов из поп-медиа, таких как рекламные ролики, звезды и фигуры из графических романов. Соединенные Штаты также оказали влияние на неоэкспрессионизм и стрит-арт.
Потенциал американского искусства многообещающ, поскольку до сих пор неизученные сегменты цивилизации, такие как группы этнических меньшинств и женские художники, впервые получают значительное внимание и известность.
Наш список знаменитых американских художников
Как мы уже выяснили, американское искусство первоначально было сильно вдохновлено английским искусством. Однако вскоре американские художники разработали свои собственные региональные стили, которые отражали жизнь в Америке. Далее мы рассмотрим лучших из известных американских художников, которые подняли свои стили на новый уровень и добились национального и международного признания.
Гилберт Стюарт (1755 — 1828)
| Место рождения | Сандерстаун, Род-Айленд |
| Дата рождения | 3 декабря 1755 года |
| Ассоциированный стиль | Художник-портретист |
| Дата смерти | 9 июля 1828 года |
Гилберт Стюарт, самый плодовитый и изобретательный художник-масляник ранней национальной эпохи Америки, обладал огромным природным мастерством, которое он посвятил изображению человеческого сходства и личности, привнеся свой юмор и импульсивность в каждое из своих творений, например, в проницательные портреты Джорджа Вашингтона. Противоречивые на первый взгляд стороны жизни Стюарта характеризуют его репутацию и наследие.
Несмотря на приступы меланхолии, приковывавшие его к постели на несколько недель подряд, он был чрезвычайно творческим человеком, создав более 1100 портретов.
Автопортрет (ок. 1778) Гилберта Стюарта; Гилберт Стюарт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Он получил признание за свои шедевры, как и другие художники его уровня, несмотря на то, что в прошлом не смог завершить свои работы или завершил работы, которые ему наскучили. Он требовал огромные гонорары и при этом постоянно находился на грани банкротства. Многие заказчики, которые любили его компанию и ожидали получить хороший портрет, были разочарованы медлительностью и затягиванием работы художника.
«Мистер Стюарт считает привилегией гения презирать исполнение своих обязательств», — говорил Джон Адамс, который неоднократно работал у художника. Он хорошо знал традиции портретной живописи, с легкостью передавал качества джентльмена и роскоши и снова и снова преуспевал в создании картин, которые визуально отвечали потребностям и целям его клиентов.
Тем не менее, он утверждал, что его популярность была обусловлена скорее его собственными творческими талантами, чем личностью или достижениями его натурщиков.
Среди наиболее известных классических произведений американского искусства этого художника можно назвать следующие:
- Джордж Вашингтон (1796)
- Конькобежец (1782)
- Джон Адамс (1824)
The Skater (Portrait of William Grant) (1782), Gilbert Stuart; National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons
Фредерик Черч (1826 — 1900)
| Место рождения | Хартфорд, штат Коннектикут |
| Дата рождения | 4 мая 1826 года |
| Ассоциированный стиль | Пейзажная живопись |
| Дата смерти | 7 апреля 1900 года |
Романтизм был популярен во Франции и Великобритании в 1800-х годах как движение, противопоставленное рационализму эпохи Просвещения. Художники-романтики часто изображали пейзажи в романтизированной обстановке, подчеркивающей богатство и величие творения, часто с акцентом на его огромные масштабы. Это наследие продолжается в работах Фредерика Черча, который почитает нерушимую природу, что видно по его тщательно детализированным картинам. Сосредоточенности на природе способствуют низкие горизонтальные линии и интенсивное использование неба.
Мазки кисти Черча, как правило, «скрыты», поэтому нарисованная область плоская, а «характер» художника, предположительно, не существует.
Портрет Фредерика Эдвина Черча, между 1855 и 1865 годами; Мэтью Бенджамин Брэди, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Фредерик Черч был представителем второй волны Школы реки Гудзон, стиля в американской живописи, начало которому положил его учитель Томас Коул. Черч и Коул были ярыми протестантами, и взгляды Черча повлияли на его творчество, особенно на ранние работы. Произведения «Школы реки Гудзон» отличались акцентом на классические пасторальные места, а также романтическими чертами.
Они стремились передать грубую реальность нестабильной Америки, которая быстро угасала, а также уважение к природным особенностям.
Его пейзажи американского пограничья отражают «колониальную экспансию и обнадеживающие перспективы Соединенных Штатов в середине 19-го века». Тематика произведений искусства Черча отличалась от творчества Коула тем, что он отдавал предпочтение натуралистическим и часто величественным пейзажам, а Коул был склонен к аллюзиям. Искусство Черча постепенно переосмысливается в свете мотивов и смыслов.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Сердце Анд (1859)
- Айсберги (1861)
- Аврора Бореалис (1865)
Aurora Borealis (1865) by Frederic Edwin Church ; Frederic Edwin Church, Public domain, via Wikimedia Commons
Джеймс Эббот Макнейл Уистлер (1834 — 1903)
| Место рождения | Лоуэлл, Массачусетс |
| Дата рождения | 11 июля 1834 года |
| Ассоциированный стиль | Американский позолоченный век |
| Дата смерти | 17 июля 1903 года |
Джеймс Макнейл Уистлер участвовал в творческих потрясениях Лондона и Парижа конца XIX века, создал уникальную эстетику из разнообразных источников и создал свой вариант постимпрессионизма в середине 1860-х годов, когда большинство его сверстников-авангардистов все еще открывали для себя импрессионизм и реализм.
Уистлер родился в Лоуэлле, штат Массачусетс, но часть своего детства провел в Санкт-Петербурге, Россия, где его отец консультировал по вопросам развития железной дороги до Москвы, а Уистлер посещал уроки рисования в Императорской Академии наук. Уистлер вернулся на родину и поступил в Военную академию США в Вест-Пойнте.
Он занимался живописью у Роберта В. Вейра, но имел меньше способностей в других областях, включая химию, что привело к его исключению из школы в 1854 году.
Золото и коричневый: Автопортрет (ок. 1896/1898) Джеймс Макнейл Уистлер ; Джеймс Макнейл Уистлер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Уистлер, уже владевший французским языком с ранних лет жизни в России, решил выбрать профессию художника, пройдя обучение в Париже после службы в отделе эскизов Береговой и геодезической службы США, где он получил начальное образование в области офорта.
Уистлер создал монограммную подпись — причудливую бабочку, смоделированную на его начальных буквах, и использовал ее как элемент композиции, а не просто как подпись создателя.
Его стремление к полному единству распространялось на дизайн интерьеров, предметы обстановки, создание каркасов и даже целых экспозиций. Он стал ключевым персонажем движения «Эстетика», которое подчеркивало эстетические идеалы, изысканный вкус и творческий экспериментализм в дизайне и производстве мебели, металлургии, гончарных и стеклянных изделий, тканей и обоев и других предметов.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Мать Уистлера (1871)
- Комната с павлином (1877)
- Ноктюрн в черном и золотом (1877)
Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета (1875) Джеймс МакНилл Уистлер; Джеймс МакНилл Уистлер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мэри Кассатт (1844 — 1926)
| Место рождения | Город Аллегени, Пенсильвания |
| Дата рождения | 22 мая 1844 года |
| Ассоциированный стиль | Импрессионизм, современное искусство |
| Дата смерти | 14 июня 1926 года |
Мэри Кассатт была ключевой фигурой в движении импрессионистов. Когда она переехала в Париж, где провела всю оставшуюся жизнь, она подружилась с Эдгаром Дега. Ее прогрессирующее плохое зрение фактически положило конец ее профессиональному творчеству после 1910 года, и она скончалась в 1926 году.
Несмотря на то, что в то время женщинам было запрещено делать карьеру, Кассатт училась в Пенсильванской академии изящных искусств, когда ей было всего 16 лет.
Неудивительно, что она обнаружила, что преподаватели-мужчины и ее одноклассники были снисходительны и враждебно относились к ее присутствию. Кассатт также была недовольна медленным темпом обучения и ограниченным выбором программ. Она решила бросить школу и отправиться в Европу, где она могла самостоятельно изучать картины старых мастеров.
Мэри Кассатт сидит в кресле с зонтиком. На версо написано: «Единственная фотография, для которой она когда-либо позировала. Любезность Дюран-Рюэля.», 1913; Дюран-Рюэль, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В 1872 и 1874 годах Парижский салон принял ее работы на выставку, утвердив ее в качестве признанного художника. Она училась и рисовала в Испании, Бельгии и Риме, прежде чем переехать на постоянное место жительства в Париж. Несмотря на благодарность Салону за содействие ее карьере, Кассатт стала чувствовать себя более ограниченной его жесткими стандартами. Она начала творчески экспериментировать, больше не заботясь о том, что было популярно или востребовано на рынке.
Ее новое искусство критиковали за яркие цвета и жесткое изображение людей.
В этот период она нашла вдохновение в пастелях художника Эдгара Дега, работы которого подтолкнули ее к собственному пути. Кассатт стала известной благодаря своим портретам. Ее особенно интересовали женщины, участвующие в повседневных бытовых сценах, особенно мамы с детьми. Портреты Кассатт, в отличие от шедевров и произведений эпохи Возрождения, были необычны своей прямотой и честностью.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Детская ванна (1893)
- Чашка чая (1879)
- Вечеринка на лодке (1893)
The Boating Party (1893-1894) by Mary Cassatt; Mary Cassatt, Public domain, via Wikimedia Commons
Джон Сингер Сарджент (1856 — 1925)
| Место рождения | Флоренция, Италия |
| Дата рождения | 12 января 1856 года |
| Ассоциированный стиль | Портретная живопись |
| Дата смерти | 14 апреля 1925 года |
В 1856 году Джон Сингер Сарджент, ребенок врача из Америки, родился во Флоренции. Он изучал искусство во Франции и Италии, и его изображение мадам Готро произвело фурор на Парижском салоне в 1884 году. Люди утверждали, что картина, которая была выставлена под названием «Мадам Х», была соблазнительно сексуальной. Эти споры заставили Сарджента переехать в Великобританию, где он быстро занял место лучшего портретиста региона. В 1879 году Сарджент создал картину «Каролус Дюран»; виртуозная попытка получила высокую оценку и стала сигналом к тому, по какому пути пойдет его зрелое искусство. Его выставка в Парижском салоне послужила не только памятником его мастеру, но и предложением для портретных заказов.
Генри Джеймс сказал о ранних работах Сарджента: «Нервирующее» видение гения, находящегося на самой грани своей профессии, которому нечем больше овладеть».
Автопортрет (1906) Джона Сингера Сарджента; Джон Сингер Сарджент, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Самые лучшие портреты Сарджента отражают уникальность и характер портретируемых; его самые страстные поклонники считают, что в этом с ним может сравниться только Веласкес, который оказал большое влияние на Сарджента. Сарджент отказался от портретной живописи в 1907 году и в последние годы жизни сосредоточился на пейзажах; позже он также создавал скульптуры.
Его работы рассказывают о его путешествиях по всему миру, от Венеции до Корфу, Флориды и Монтаны, и каждое место давало визуальное богатство. В некоторых своих поздних работах Сарджент, казалось, почти полностью работал для себя. Его акварели, которые обычно изображали пейзажи из его поездок, были выполнены с радостной текучестью.
И в масле, и в акварели он изображал свою семью и друзей в восточных костюмах, отдыхающих в ярко освещенных помещениях, что позволяло использовать более яркие цвета и творческую обработку, чем в его контрактах.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Портрет мадам Х (1884)
- Эль Халео (1882)
- Гвоздика, лилия, лилия, роза (1886)
Гвоздика, лилия, лилия, роза (ок. 1886), Джон Сингер Сарджент; Джон Сингер Сарджент, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эдвард Хоппер (1882 — 1967)
| Место рождения | Наяк, Нью-Йорк |
| Дата рождения | 22 июля 1882 года |
| Ассоциированный стиль | Реалистическая живопись |
| Дата смерти | 15 мая 1967 года |
Эдвард был очень известным американским художником, чьи реалистичные изображения обычных городских пейзажей заставляют наблюдателя обратить внимание на странность окружающей среды. Он оказал значительное влияние на поп-арт и новых художников-реалистов конца 1960-х и начала 1970-х годов. Хоппер начал свою карьеру как художник-иллюстратор. С 1901 по 1906 год он обучался искусству у Роберта Анри, основателя Ашканской школы художников.
Хоппер неоднократно посещал Европу, но на него не повлияла исследовательская деятельность, процветавшая в то время среди французов, и он продолжал следовать своему собственному творческому пути на протяжении всей жизни.
Портретная фотография Эдварда Хоппера, 1937 год; Harris & Ewing, фотограф, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хоппер, как и художники Ашканской школы, изображал вечные истины городской жизни. Однако, в отличие от их бессистемно расположенных, живых полотен, его работы изображают неподвижных, безымянных людей и строгие геометрические формы в рамках моментальных снимков, которые передают неизбежное ощущение изоляции.
Характерное использование Хоппером освещения для изоляции людей и элементов в пространстве, будь то яркий свет рассвета или зловещее свечение ночного кафе, усиливало эту отчужденность его персонажей.
К середине 1920-х годов уже сформировался зрелый стиль Хоппера. Его последующий рост показал постоянное совершенствование его видения. Поздние работы, такие как «Солнечный свет второго этажа» (1960), отличаются чрезвычайно тонкими пространственными связями и еще более глубоким пониманием освещения, чем в работах 1920-х годов.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Ночные ястребы (1942)
- Раннее воскресное утро (1930)
- Дом у железной дороги (1925)
Солнечный свет второго этажа (1960) Эдвард Хоппер; Эдвард Хоппер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джорджия О’ Кифф (1887 — 1986)
| Место рождения | Сан Прери, Висконсин |
| Дата рождения | 15 ноября 1887 года |
| Ассоциированный стиль | Модернизм, прецизионизм |
| Дата смерти | 6 марта 1986 года |
Джорджия О’ Кифф, чья карьера продолжалась более 70 лет, была очень известной американской художницей. Несмотря на эволюцию художественных стилей, она оставалась верна своей собственной эстетике, которая была сосредоточена на выявлении фундаментальных, абстрактных форм в жизни. Она улавливала тонкие нюансы цвета, формы и света, которые наполняли ее работы энергией, и привлекала большое количество поклонников своими необычайно острыми навыками восприятия и замечательной ловкостью кисти.
Ее основными темами были пейзажи, флора и кости, которые она изучала сериями в течение многих лет, если не десятилетий. Картины были вдохновлены ее жизненным опытом и были либо общими, либо уникальными для мест, в которых она жила. Между 1911 и 1918 годами она стала учителем рисования и преподавала в различных начальных, средних и старших школах.
В течение всего этого времени она создала впечатляющую серию набросков углем, которые подтолкнули ее искусство — и ее карьеру — на новую территорию. Эти смелые картины использовали линии, формы и оттенки для создания абстрактных композиций.
Портрет Джорджии О’Кифф, 1950; Карл Ван Вехтен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Благодаря этим эскизам О’Киф обратила внимание на Альфреда Штиглица, известного фотографа и владельца галереи. При его поддержке и финансовой помощи О’Кифф бросила преподавание в июне 1918 года и переехала в Нью-Йорк, чтобы заняться живописью. Увеличенные крупные планы цветущих растений, которые О’Кифф начала создавать в 1924 году, погружают наблюдателя в происходящее. Увеличение самых маленьких лепестков до целого холста размером 30 × 40 дюймов подчеркивало их формы и линии, придавая им абстрактный вид, хотя на самом деле они были основаны на изучении природы.
Такие смелые композиции способствовали созданию имиджа О’Кифф как передового модерниста.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Отражение озера Джордж (1921-1922)
- Джимсонова трава (1936)
- Черный ирис (1926)
Отражение озера Джордж (ок. 1921-1922 гг.) Джорджия О’Кифф; Джорджия О’Кифф, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Норман Рокуэлл (1894 — 1978)
| Место рождения | Нью-Йорк, штат Нью-Йорк |
| Дата рождения | 3 февраля 1894 года |
| Ассоциированный стиль | Регионализм |
| Дата смерти | 8 ноября 1978 года |
В возрасте 14 лет Норман Рокуэлл понял, что хочет стать художником, и поступил учиться в Новую школу искусств. Когда ему было всего 16 лет, он был настолько предан своему ремеслу, что оставил школу и поступил в Национальную академию дизайна. После окончания школы Рокуэлл сразу же получил работу художника для журнала Boys’ Life. В 1930 году он женился на Мэри Барстоу, школьной учительнице, и у них родилось трое мальчиков. В 1939 году семья Рокуэлла переехала в Вермонт, и свежая обстановка, которая приняла художника, дала ему много материала для работы.
Популярность Рокуэлла во многом объяснялась тем, что он хорошо понимал обычную американскую обстановку, особенно очарование образа жизни в маленьком городке.
Фотография Нормана Рокуэлла; Bain News Service, издатель, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
То, что он показывал, часто было представлено с элементарной красотой и чувством юмора. Некоторые рецензенты считали, что ему не хватает подлинного художественного качества, однако мотивы Рокуэлла для изображения того, что он рисовал, коренились в окружающей его действительности.
«Возможно, когда я стал старше и обнаружил, что земля не является идеальным раем, каким я ее себе представлял, я инстинктивно решил, что если это не идеальная среда, то она должна быть такой, и поэтому изображал только идеальные ее элементы», — заявил он однажды. Тем не менее, Рокуэлл не полностью игнорировал проблемы того времени. В 1943 году он написал картину «Четыре свободы», вдохновленный президентом Франклином Д. Рузвельтом.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Свобода от нужды (1943)
- Свобода от страха (1943)
- Свобода слова (1943)
«За что нам бороться — свобода слова, свобода вероисповедания, свобода от нужды, свобода от страха». Плакат, иллюстрированный четырьмя картинами Нормана Рокуэлла для серии «Четыре свободы» журнала The Saturday Evening Post, 1943 год; Управление военной информации, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джексон Поллок (1912 — 1956)
| Место рождения | Коди, Вайоминг |
| Дата рождения | 28 января 1912 года |
| Ассоциированный стиль | Абстрактный экспрессионизм |
| Дата смерти | 11 августа 1956 года |
Джексон Поллок родился в 1912 году в Коди, штат Вайоминг. Поллок начал изучать искусство еще в средней школе. В возрасте 18 лет Поллок переехал в Нью-Йорк, чтобы посещать Лигу студентов-художников под руководством Томаса Харта Бентона, который вдохновлял и поддерживал его в течение последующего десятилетия. Во время Великой депрессии Поллок работал на WPA, правительственную организацию, которая обеспечила его источником денег и позволила ему посвятить свое время творческому росту.
Некоторые из работ Поллока, созданных в WPA, были утрачены, но те, что сохранились, свидетельствуют о неуклонном формировании глубоко личного визуального языка, включающего в себя отсылки к символам коренных американцев, мифологии, церемониям и его собственным видениям.
Портрет Джексона Поллока, 1928 год; Смитсоновский музей американского искусства, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поллок не был традиционным американским художником, но стал пионером нового метода производства. Поллок проливал, разбрызгивал и выливал краски и эмаль на неогрунтованный холст, лежавший на полу из твердой древесины в его мастерской на Лонг-Айленде, используя при этом все свое тело. Эта техника переосмыслила методы и оборудование традиционного станкового искусства и стала известна как живопись действием, техника, которая требовала полного телесного участия художника.
Поллок писал картины по всей поверхности холста, избегая каких-либо центров фокусировки, в результате чего получались сложные переплетенные узоры, которые отражали движения Поллока и перемещались по холсту.
Среди наиболее известных работ этого художника можно назвать следующие
Рой Лихтенштейн (1923 — 1997)
| Место рождения | Манхэттен, Нью-Йорк |
| Дата рождения | 27 октября 1923 года |
| Ассоциированный стиль | Поп-арт |
| Дата смерти | 29 сентября 1997 года |
Рой Лихтенштейн, один из важнейших представителей движения поп-арта, основал свое новаторское призвание на подражании, начиная с изображений, заимствованных из графических романов и рекламы в начале 1960-х годов, и заканчивая изображениями обычных предметов, форм искусства и самого изобразительного искусства. Ричард Гамильтон писал о методе нормализации Лихтенштейном тем, которые он выбирал для своих картин: «Воспроизвести Лихтенштейна — все равно что бросить рыбу обратно в воду». Он использовал проколотые шаблоны, чтобы имитировать и часто преувеличивать узор из точек, который можно увидеть на печатных изображениях.
Этот узор, известный как точки Бен-Дея, стал фирменным знаком его работ, привнеся в произведения американского изобразительного искусства видимость механической репликации.
Рой Лихтенштейн перед своей картиной «Ваам! (1963) на выставке в музее Стеделийк, 1967; Эрик Кох, CC0, via Wikimedia Commons
Его цветовая палитра была сведена к насыщенным первичным цветам, лишние детали были удалены, контрасты увеличены, и он «подчеркивал визуальные клише и визуальные правила коммерческих изображений». Он имитировал экспрессивное рисование, характерное для абстрактного экспрессионизма, с помощью сильных, графических воспроизведений мазков кисти в отпечатках. Однако, если Джексон Поллок воспринимался как человек, наделяющий свои цветовые нити виртуозной интенсивностью и драйвом, то Лихтенштейн превратил эту технику в нечто заезженное, коммерциализированное и повторяющееся.
«Видимая работа кистью в искусстве создает ощущение большого движения; тем не менее, в моих руках мазок кисти становится изображением грандиозного движения», — объяснял он впоследствии.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Whaam! (1963)
- Утопающая девушка (1963)
- Взгляни на Микки (1961)
Энди Уорхол (1928 — 1987)
| Место рождения | Питтсбург, Пенсильвания |
| Дата рождения | 6 августа 1928 года |
| Ассоциированный стиль | Поп-арт, современное искусство |
| Дата смерти | 22 февраля 1987 года |
Энди Уорхол, икона американского поп-арта, начал свою карьеру в Нью-Йорке как корпоративный и графический художник. За свою короткую и насыщенную событиями жизнь он уловил дух американского общества как художник и режиссер, поэт и писатель, а также преданный католик. Он был крупной личностью в искусстве, но он также бросил вызов традициям, открыто приняв свою гомосексуальность.
Уорхол был пионером поп-арта, художественного стиля, который пытался использовать образы и модели из популярной культуры, особенно рекламы и основных средств массовой информации.
Уорхол намеревался сосредоточиться на комиксах, но считал, что эта область уже занята другим известным американским поп-художником, Роем Лихтенштейном. В качестве альтернативы Уорхол сосредоточился на коммерческих товарах, таких как банки из-под супа, картонные коробки, мыльные подушечки Brillo, персики Del Monte и кетчуп.
Фотография американского художника Энди Уорхола в Музее Модерна, Стокгольм, перед открытием его ретроспективной выставки с коробками Brillo на заднем плане, 1968 год; Lasse Olsson / Pressens bild, Public domain, via Wikimedia Commons
Банки из-под супа часто выставляются в продуктовом магазине, выстроившись, как солдаты, в бесконечный ряд. С другой стороны, еда не всегда была привлекательна в работах Уорхола. Уорхол был поклонником серий, таких как коровы, цветочные композиции и долларовые купюры.
Вскоре после смерти Мэрилин Монро он создал серию работ, изображающую звезду в потрясающе ярких психоделических оттенках, которые подчеркивали ее лицо. Уорхол был известен как «художник современного потребления». Однако его увлечение выставками свидетельствует о страхе потери. Согласно легенде, он называл всех своих котов-мужчин Сэмами, что можно рассматривать как настоятельную потребность защитить настоящее от смерти.
В случае с Уорхолом будущее подтвердило его место как одной из самых значительных личностей Америки, чьи творческие приемы и юмористические остроты стали компонентом американской эстетической и культурной среды.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
- Банки супа Кэмпбелл (1962)
- Выстрел Мэрилин (1964)
- Диптих Мэрилин (1962)
Жан-Мишель Баския (1960 — 1988)
| Место рождения | Бруклин, Нью-Йорк |
| Дата рождения | 22 декабря 1960 года |
| Ассоциированный стиль | Неоэкспрессионизм |
| Дата смерти | 12 августа 1988 года |
Жан-Мишель Баския рано проявил склонность к живописи, научившись делать наброски и рисовать при поддержке матери и часто используя ресурсы (например, бумаги), которые присылал домой его отец, работавший аудитором. Баския и его мать регулярно посещали многочисленные музейные выставки в Нью-Йорке. По словам Баския, «я никогда не посещал художественные классы. Я провалил уроки искусства, которые посещал в средней школе. Я просто смотрел на кучу разных вещей. И именно глядя на искусство, я узнал о нем».
На творчество Баския оказало значительное влияние движение граффити 1970-х годов в Нью-Йорке. Баския часто был нищим, ночевал в домах друзей или на деревянных скамейках и зарабатывал на жизнь попрошайничеством, распространением наркотиков, продажей футболок и открыток.
В результате того, что он освоился в центре города, у него появилось больше возможностей для демонстрации своего искусства, и он стал заметным участником зарождающейся творческой сцены в центре города.
Обрезанная фотография Жан-Мишеля Баския в 1984 году; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Примерно в это время он также основал и играл со своей группой Gray. Тем не менее, Баския скептически относился к недостатку цветных людей в культуре центра города и в конце 1970-х годов начал уделять время уличным художникам в Гарлеме и Бронксе. Интенсивность метода Баскии, с кусочками краски и быстрыми линиями, была призвана раскрыть то, что он считал внутренним «я», тайными чувствами и сокровенными стремлениями своих персонажей. Вместо того чтобы сосредоточиться на идеализированном теле чернокожего мужчины, эти работы подчеркивали интеллект и страсть своих героев.
Среди наиболее заметных работ этого художника можно назвать следующие:
На этом мы завершаем список великих американских художников. Благодаря этим художникам мы и сегодня можем оценить и насладиться многими классическими произведениями американского искусства. Будь то ранний американский художник, пишущий маслом, или современный граффити-художник, все знаменитые американские художники привносили что-то свежее, что помогало им выделяться среди своих сверстников.
Вы также можете заглянуть в нашу статью на сайте google.
Часто задаваемые вопросы
В каком стиле были созданы классики американского искусства?
Знаменитые американские художники работали в большом разнообразии стилей. На протяжении многих лет американские художники принимали участие во многих направлениях. В зависимости от эпохи, стиль мог быть постимпрессионистским, поп-артом или даже модерном.
Кто является самым известным художником-масляником американского искусства?
Считается, что Джексон Поллок — самый известный американский художник, работавший маслом. Его стиль был очень уникальным. Он использовал движения всего тела для создания своих работ. Среди других известных американских художников — Эдвард Хоппер, Норман Роквелл, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джорджия О’Киф и Мэри Кассатт.
