Эпоха Возрождения известна своим горячим художественным вкладом в европейскую историю. В этот период было создано множество выдающихся произведений искусства, от «Моны Лизы» Леонардо да Винчи до «Сотворения Адама» Микеланджело. Движение эпохи Возрождения повлияло на последующие движения и оказало значительное влияние на развитие искусства. В этой статье мы рассмотрим 10 самых известных портретов эпохи Возрождения, которые были созданы в период с XV по XVII века.
Оглавление
Портреты эпохи Возрождения
Движение Ренессанса, охватившее Европу с 14-го по 17-й век, сосредоточилось на реализме в своих изображениях, поскольку оно перешло от абстрактных форм средневекового периода. Портреты эпохи Возрождения представляли людей в их истинном облике и отражали развитие гуманистического движения.
Эти произведения искусства не отличались особой экстравагантностью, фактически, фоны большинства портретов эпохи Возрождения были довольно простыми. Объект стал центром внимания картины. Художники писали реалистичные изображения людей, которые им позировали, не просто фиксируя их черты, а представляя яркий образ человека, стоящего перед ними.
Именно в эпоху Возрождения появилась масляная живопись, которая со временем стала стандартом для художников всего мира. В отличие от темперной живописи, которая была предыдущим художественным стандартом.
Ранее портреты существовали как часть больших композиций, таких как библейские или исторические повествования, но именно в 15 веке портреты стали частью искусства Ренессанса. Хотя на портретах эпохи Возрождения часто изображались люди более высокого социального статуса, именно во время этого движения впервые в истории практически любой человек мог сделать свой портрет — если только он мог за него заплатить.
10 самых знаменитых портретов эпохи Возрождения
Портретная живопись процветала во времена гуманистического движения в эпоху Возрождения. Оно восстановило древнеклассическое увлечение человеческими делами и подчеркнуло развитие личности, изображая ее отличительные черты. Больше внимания уделялось точному изображению человеческих фигур. Художники были озабочены реализмом и детализацией костюмов в своих произведениях. Возрождение портретной живописи в эпоху Возрождения привело к появлению большого количества художественных произведений, которые отмечаются и сегодня. Вот наш список 10 самых известных портретов эпохи Возрождения.
Человек в красном тюрбане (1433) Яна ван Эйка
| Художник | Ян ван Эйк |
| Дата написания | 1433 |
| Материал | Масло на панели |
| Размеры | 26 см x 19 см |
| Где находится в настоящее время | Национальная галерея, Лондон, Англия |
Ян ван Эйк был признан некоторыми учеными родоначальником современного портрета благодаря его картине «Человек в красном тюрбане». Было высказано предположение, что загадочная картина является автопортретом знаменитого художника, который представляет собой новый жанр. Среди знаменитых портретных картин эпохи Возрождения новаторское расположение ван Эйка в позе субъекта считается одним из первых примеров вида в три четверти.
Взгляд субъекта направлен на зрителя, что говорит о целенаправленном сосредоточении ван Эйка при создании своего образа.
Портрет мужчины в красном тюрбане (1433), Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Жанр автопортрета, придуманный в эпоху Возрождения самим человеком, демонстрирует стиль и таланты художника. Вычурный красный тюрбан на темном фоне создает поразительный контраст. Если вы присмотритесь, то заметите невероятную детализацию ярких бликов в местах, где складки материала ловят свет, и темных теней в складках — они были очень характерны для художественного стиля ван Эйка.
Ян ван Эйк смог достичь выдающейся степени реализма, которая ранее была неизвестна искусству портретной живописи эпохи Возрождения.
Его изображения человеческой плоти обладали столь отчетливым качеством натурализма, что казалось, будто он создал новое художественное средство. Ван Эйк был приписан к изобретению масляной живописи историком искусства и флорентийским художником Джорджо Вазари в 16 веке; этот миф был распространен в 19 веке. Хотя этот миф был опровергнут, его с тех пор называют «отцом масляной живописи».
Портрет Арнольфини (1434) Яна ван Эйка
| Художник | Ян ван Эйк |
| Дата написания | 1434 |
| Материал | Масло на дубовой панели |
| Размеры | 82,2 см x 60 см |
| Где находится в настоящее время | Национальная галерея, Лондон, Англия |
Еще одна картина почитаемого Яна ван Эйка, так как его скрупулезная работа вызывала огромное восхищение, — «Портрет Арнольфини», который широко считается одной из самых интригующих картин в истории европейского искусства. Предполагается, что на двойном портрете Яна ван Эйка изображены Джованни ди Николао ди Арнольфини, который был итальянским купцом, и его жена Костанца.
Являясь одним из самых известных портретов эпохи Возрождения, картина ван Эйка отнюдь не проста, но намеренно рассчитана на то, чтобы передать различные послания от имени своих субъектов.
Портрет Арнольфини (1434), Ян ван Эйк; Ян ван Эйк, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ван Эйк тщательно отобрал каждый предмет, который он включил в «Портрет Арнольфини», чтобы показать социальный статус и богатство пары, не подражая при этом аристократии. У мужчины, Джованни, поднята рука, как бы в знак приветствия. Удивительно, но на задней стене между двумя субъектами мы видим выпуклое зеркало, в котором отражаются двое мужчин, входящих в комнату, один из которых держит руку поднятой.
Остается вопрос, может ли человек в зеркале быть самим ван Эйком, за которым ухаживает его слуга? Прямо над ним вы увидите подпись ван Эйка.
Если присмотреться, то картина покажет невероятный уровень детализации, демонстрируя мастерство ван Эйка. Обратите внимание на апельсины слева от Джованни, они отражают полированное дерево створки. Вместе с бусами, которые висят у кровати, они отбрасывают отражения и тени на стену позади. Ян ван Эйк использовал масляную живопись и различные техники, которые позволяла эта техника, что способствовало его способности изображать фигуры и предметы с тщательной детализацией и глубоким, насыщенным цветом.
Женский портрет (ок. 1435 г.) Роберта Кампена
| Художник | Робер Кампен |
| Дата написания | c. 1435 |
| Материал | Масло с яичной темперой на дубе |
| Размеры | 40,6 см x 28,1 см |
| Где находится в настоящее время | Национальная галерея, Лондон, Англия |
Названный «мастером Флемаля», фламандский художник Роберт Кампен был одним из самых ранних мастеров и лидеров фламандской живописи. Женский портрет Кампена (ок. 1435 г.) является частью пары поразительных портретов под названием «Мужчина и женщина», которые, как предполагается, составляли крылья диптиха, который с тех пор был разобран. На это указывает мраморная оборотная сторона каждой картины, предполагающая, что они не предназначались для того, чтобы висеть на стене.
Портреты, образующие картину «Мужчина и женщина», предположительно изображают супружескую пару.
Портрет мужчины (ок. 1435), Роберт Кампен; Роберт Кампен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Особенно интересен «Портрет женщины»; в художественной композиции Кампена левый глаз женщины помещен в центр картины, что позволяет ей занять доминирующее положение в глазах зрителя и в живописном пространстве.
Цвета, использованные Кампином, довольно приглушенные: преимущественно белый, черный и коричневый, но ему все же удалось передать ее оптимистичную и волевую личность.
Кожа объекта гладкая, а ее яркие глаза широко открыты. Уголки ее глаз изогнуты вверх, что имитируется и усиливается изгибами и складками ее головного убора. Фон совершенно без особенностей.
Женский портрет (ок. 1435), Роберт Кампен; Роберт Кампен, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Если поместить объект на сплошной черный фон, она будет выглядеть трехмерной и похожей на жизнь. Она хорошо одета, но ее одежда не чрезмерно богата, что позволяет предположить, что пара была зажиточной горожанкой. Хотя творчество Кампена достаточно документировано, учитывая его успешную карьеру, ни одна из его работ не была датирована или подписана, поэтому уверенности в том, что это его работы, нет. Атрибуция картины Кампину основана на стилистических соображениях.
Портрет мужчины и женщины у витрины (ок. 1435 — 1440) Филиппо Липпи
| Художник | Филиппо Липпи |
| Дата написания | c. 1435 — 1440 |
| Материал | Темпера |
| Размеры | 64 см x 42 см |
| Где находится в настоящее время | Музей Метрополитен, Нью-Йорк, США |
С точки зрения портретов итальянского Ренессанса, «Портрет мужчины и женщины у витрины» Филиппо Липпи был очень новаторским для своего времени. Картина демонстрирует типичный стиль портретной живописи раннего Возрождения с изображением профиля субъекта — она отражает возрождение классической античности. Портрет мужчины и женщины у витража — самый ранний из сохранившихся примеров двойного портрета из Италии.
Когда на портрете изображался профиль субъекта, возможности художника изобразить его мимику были ограничены.
Поэтому художник приспосабливался к ситуации, используя символизм для передачи характерных черт субъекта. В «Портрете мужчины и женщины у витрины» Липпи изобразил свою жертву с бледной кожей, одетую в дорогие одежды, чтобы представить ее чистоту и богатство. Изображение красоты Липпи означало ее добродетель. Считается, что авторы портрета — Анджиола ди Бернардо Сапити и Лоренцо ди Раньери Сколари, которые поженились в 1439 году.
Портрет женщины с мужчиной у окна (ок. 1440), Филиппо Липпи; Filippo Lippi, CC0, via Wikimedia Commons
Портрет Липпи в стиле Ренессанса показывает объект в домашней обстановке, фактически это самый ранний пример портрета, где объект находится в домашней обстановке с видом, открывающим пейзаж. Вероятно, это был один из первых свадебных портретов.
Глаза субъектов не встречаются, поскольку отведенный взгляд был признаком скромности.
Брак означал, что женщина становилась частью семьи мужа, о чем свидетельствует не только композиция портрета Липпи в стиле Ренессанса, но и включение герба Сколари, за который держится Лоренцо. Девиз, вышитый на рукаве Анджиолы, lealta, означает «верность».
Липпи умело включал в свои картины топографические элементы, как это видно в окне позади Анджиолы. Он как будто документировал владения семьи Сколари, которые включали в себя собственность, увиденную на фоне пейзажа, изысканные украшения и добродетельную жену. Портрет мужчины и женщины у витрины» стал очень влиятельным произведением искусства для последующих портретов итальянского Возрождения. Гений Липпи был признан в его мастерстве композиции, колорита и витиеватой проработки деталей.
Портрет молодой девушки (ок. 1465 — 1470 гг.) работы Петруса Кристуса
| Художник | Петрус Кристус |
| Дата написания | c. 1465 — 1470 |
| Материал | Масло на дубе |
| Размеры | 70,29 см x 22,5 см |
| Где находится в настоящее время | Гемальдегалерия, Берлин, Германия |
Петрус Кристус был ранним нидерландским художником и создал картину «Портрет молодой девушки», которую многие считают одним из самых великолепных портретов Северного Возрождения. Что касается знаменитых портретов эпохи Возрождения, «Портрет молодой девушки» ознаменовал собой крупное стилистическое достижение в современном портрете.
Бесстрастная натурщица смотрит прямо на зрителя загадочным взглядом, очаровательная, но кажущаяся хрупкой, она расположена в непритязательной, почти трехмерной обстановке, что позволяет ее сложному выражению лица доминировать в кадре.
Портрет молодой девушки (ок. 1465 — 1470) Петрус Кристус; Петрус Кристус, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Кристус отошел от традиций, поскольку вместо традиционного темного фона он включил реалистичный воздушный фон, который вполне мог бы быть домом девушки. Девушка одета в дорогие украшения и одежду, с чувством уверенности, что говорит о ее благородстве. Ее пленительный взгляд подчеркивается тонким смещением глаз, обрамленных слабо выщипанными бровями.
Это было относительно беспрецедентно, когда объект картины признавал свою аудиторию, даже в итальянских портретах эпохи Возрождения, что некоторые ученые описывали как нервозность.
Изображение Кристусом молодой девушки с ее опаловой кожей и напряженным взглядом в «Портрете молодой девушки» оказало огромное влияние в последующие десятилетия после завершения работы над картиной и было признано знаковым для последующих знаменитых портретов эпохи Возрождения. Хотя о личности натурщицы известно очень мало, ее озаряющее присутствие и необыкновенная красота выделяют это произведение искусства из ряда ему подобных. Портрет молодой девушки — редкое чудо, составляющее шедевр Кристуса.
Мона Лиза (ок. 1503 — 1506 гг.) Леонардо да Винчи
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Дата написания | c. 1503 — 1506 |
| Материал | Масло на панели из тополя |
| Размеры | 77 см x 53 см |
| Где находится в настоящее время | Лувр, Париж, Франция |
Самой известной картиной в мире, конечно же, следует признать «Мону Лизу». Франческо дель Джокондо заказал Леонардо да Винчи шедевр своей жены, Лизы Герардини. Мона Лиза» признана одним из самых ценных портретов эпохи Возрождения и, возможно, является одним из самых изысканных образцов портретного искусства эпохи Возрождения.
Несмотря на свою ценность и значимость, как и другие работы Леонардо да Винчи, эта картина не была ни датирована, ни подписана.
Портретируемая элегантно сидит в кресле, ее грудь и лицо повернуты к зрителю. Поза, в которой она сидит, позаимствована из пирамидальной композиции сидящей Мадонны. Возникает ощущение связи, которое испытывает зритель, глядя в глаза Моны Лизы. Однако несколько защитное расположение ее рук и подлокотник, на котором они сидят, отдаляют ее от вас, как зрителя.
Мона Лиза (ок. 1503-1506) Леонардо да Винчи; Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Приглушенная цветовая гамма: мастерское владение да Винчи техникой сфумато, когда тона или цвета практически перетекают друг в друга, потому что они смешаны таким тонким образом, а также композиция картины создают впечатление безмятежности. Согласно биографии да Винчи, написанной Джорджо Вазари, загадочная улыбка, которой известна Мона Лиза, появилась благодаря тому, что Лиза Герардини забавлялась трубадурами и музыкантами, которых художник нанимал, чтобы развлечь ее.
Леонардо да Винчи затягивал работу над картиной; предполагается, что он продолжал работать над ней до 1517 года.
В частности, расположение рук субъекта потребовало немало раздумий, но это было не напрасно, поскольку многие ценители оценивают их почти так же высоко, как и лицо. Контраст между ее спокойными, изящными руками, которые имеют почти безжизненное качество, со следами улыбки и завораживающим взглядом, создает впечатление, что они принадлежат разным телам.
Картина да Винчи оценивается более чем в миллиард долларов. К сожалению, для прославленной картины это означает, что теперь она должна находиться за толстым пуленепробиваемым стеклом, забаррикадированным для обеспечения ее защиты. Хотя миллионы людей стекаются в Лувр, чтобы увидеть ее воочию, им остается лишь мельком взглянуть на нее.
Портрет молодого человека (ок. 1517 — 1518) Андреа дель Сарто
| Художник | Андреа дель Сарто |
| Дата написания | c. 1517 — 1518 |
| Материал | Масло на льне |
| Размеры | 72,4 см x 57,2 см |
| Где находится в настоящее время | Национальная галерея, Лондон, Англия |
Андреа дель Сарто был знаменитым флорентийским художником, которого называли «безупречным живописцем». Портрет молодого человека» — один из немногих известных портретов дель Сарто эпохи Возрождения, поскольку до наших дней дошло лишь небольшое их количество. Он считается одним из шедевров дель Сарто. Портрет молодого человека» был написан в период, когда Леонардо, Микеланджело и Рафаэль покинули Флоренцию, что сделало дель Сарто ведущим флорентийским художником. Портрет молодого человека» изображает прерванный момент, когда молодой человек, читающий, поворачивается лицом к зрителю.
Личность этого человека остается неизвестной, хотя некоторое время считалось, что это автопортрет дель Сарто.
Портрет молодого человека (ок. 1517-1518) Андреа дель Сарто; Андреа дель Сарто, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поза изображает спиралевидную текучесть, заимствованную из работ Леонардо, а также сфумато, создающее атмосферный, дымчатый эффект. Скульптурная форма объемного синего рукава очень убедительна и является центральной точкой, вокруг которой вращается поза. Тонкая цветовая палитра включает в себя сине-сиреневый, бледно-серый, белый, коричневый и черный цвета.
Драматическое освещение и ограничение цветов способствуют общей интенсивности портрета.
Дель Сарто моделировал форму с помощью плавления света и цвета, а не с помощью черных тонов. Его увлечение эффектами атмосферы и цвета, а также естественным выражением эмоций и неформальной позой выделяло его среди собратьев-флорентийцев. Стиль дель Сарто, включавший в себя ограниченную цветовую палитру, урезанную композицию, психологическую напряженность и восприятие прерванного мгновения, получил дальнейшее развитие у последующего поколения живописцев, например, в «Портрете скульптора Алессандро Виттории» Джованни Морони.
Автопортрет (1548) Катерины ван Хемессен
| Художник | Катерина ван Хемессен |
| Дата написания | 1548 |
| Материал | Масло на дубе |
| Размеры | 30,8 см x 24,4 см |
| Где находится в настоящее время | Кунстмузеум Базеля, Швейцария |
Катерина ван Хемессен была фламандской художницей, чьи сохранившиеся знаменитые портреты эпохи Возрождения являются самыми ранними примерами поддающихся проверке работ фламандской художницы. Хемессен было всего 20 лет, когда она завершила работу над своим «Автопортретом». Безответный взгляд портретируемой завораживает, когда она смотрит мимо зрителя на свое отражение в зеркале.
Нас привлекает текст, написанный на латыни, который доминирует в пространстве между лицом натурщицы и мольбертом перед ней и переводится как «Я Катерина ван Хемессен написала себя / 1548 / Ее возраст 20 лет».
Хемессен изобразила себя в полный рост, держа кисть на дубовой панели. Она только начала свой творческий процесс, поскольку мы видим набросок ее лица на изображенной картине. Изображение натурщицы в рукавах из красного бархата демонстрирует ее социальный ранг и придает чувство личного достоинства, но они были бы непрактичны для ношения во время работы с кистями и маслом.
Автопортрет (1548) Катерины ван Хемессен; Catharina van Hemessen, Public domain, via Wikimedia Commons
В портрете есть несколько намеренных противоречий, поскольку он исследует зеркальное отражение. Например, Хемессен помещает эскиз своей головы на левой стороне панели на мольберте, картина внутри картины, в то время как на картине мы видим голову натурщицы на правой стороне панели.
Это говорит о том, что она позаботилась об исправлении оптической инверсии, созданной зеркалом, в которое она, как кажется, смотрит, находясь за пределами рамы.
Автопортрет» Хемессен получил значительное признание не только как иллюстрация женского автопортрета раннего модерна, но и как изображение художницы за мольбертом. Хемессен была первой художницей, которая сделала это, и для того времени было очень нетипично показывать художников, занимающихся своей повседневной жизнью. Редко художники изображали инструменты, которыми они пользовались в своей профессии. Вклад Хемессена в создание портретов в знаменитом стиле эпохи Возрождения сформировал наше современное представление о художественном темпераменте.
Автопортрет с Бернардино Кампи (ок. 1559 г.) работы Софонисбы Ангиссолы
| Художник | Софонисба Ангиссола |
| Дата написания | c. 1559 |
| Материал | Масло на холсте |
| Размеры | 110 см x 100 см (до реставрации) |
| Где находится в настоящее время | Пинакотека Национале, Сиена, Италия |
Женщина эпохи Возрождения, Софонисба Ангиссола, прославилась как одна из первых выдающихся художниц этого периода. Сложный автопортрет Ангиссолы с Берардино Кампи — это картина в картине, изображающая художника Бернардино Кампи, пишущего портрет своей ученицы, молодой Ангиссолы. Считается, что этот двойной портрет написан в конце 1550-х годов, когда Ангиссоле было около 20 лет, и он считается художественным триумфом.
Его композиция указывает на то, что Ангиссола стоит вне рамы, рисуя своего учителя.
Автопортрет с Бернардино Кампи (ок. 1559 г.) Софонисба Ангиссола; Sofonisba Anguissola, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В «Автопортрете с Берардино Кампи» ее мастерство становится очевидным для зрителя; ее творческий артистизм раскрывается вместе с искусным владением иллюзией пространства и способностью имитировать в красках экспрессию, плоть, ткань и текстуру. Изображение Ангиссолой обоих портретов на своей картине подразумевает, что она была лучшим художником, чем ее учитель Берардино.
Ангиссола изображает своего учителя в натуралистичной манере, поскольку он привлекает зрителя своим взглядом, в то время как картина Ангиссолы, предположительно ее учителя, жесткая и простая.
Огромные таланты Ангиссолы позволили ей одержать победу над барьерами, с которыми она столкнулась из-за своего пола. Ее достижения превысили международный стандарт. Ангиссола заняла достойное место в области, где в остальное время доминировали мужчины, и была признана такими художниками, как Антони ван Дейк и Микеланджело.
Портрет благородной женщины (ок. 1580 г.) работы Лавинии Фонтана
| Художник | Лавиния Фонтана |
| Дата написания | c. 1580 |
| Материал | Масло на холсте |
| Размеры | 114,9 см x 89,5 см |
| Где находится в настоящее время | Национальный музей женщин в искусстве, Вашингтон, округ Колумбия, США |
Лавиния Фонтана известна своими великолепными картинами женщин, а также грозным и исключительным мастерством художника. Картина Фонтаны «Портрет благородной женщины» демонстрирует ее способность изображать роскошные украшения и одежду в удивительных деталях. Ученые убеждены, что изображенная на портрете женщина была молодой болонской дворянкой, а картина служила ее брачным портретом.
Драгоценные камни и одежда на картине соответствуют типичным вещам высокородной невесты, поскольку болонские невесты в XVI веке носили красные платья.
Портрет благородной женщины (ок. 1580) Лавиния Фонтана; Лавиния Фонтана, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Темный фон гарантирует, что ваше внимание будет сосредоточено на предмете картины. Фонтана вызывала большое восхищение своими изображениями орнаментов и тканей. Шкурка куницы, существа, похожего на норку, висит на поясе невесты в знак ее богатства, а голова и лапы причудливо украшены драгоценными камнями. Кропотливая детализация, с которой Фонтана запечатлел основные события жизни знатных женщин, таких как невеста в «Портрете знатной женщины», стала причиной того, что дворяне Болоньи стекались к ней, чтобы она дала им достойное изображение их личности.
Фонтана обучалась портретному искусству у своего отца и впоследствии оказала большое влияние на итальянскую художественную сцену. Признанная в своем ремесле, она получила известность в Италии и за ее пределами. Фонтана сделала настоящую карьеру благодаря своему искусству, став первой женщиной в Западной Европе, основой дохода которой были исключительно заказы.
10 самых известных портретов эпохи Возрождения, рассмотренных в этой статье, демонстрируют влияние и воздействие вышеупомянутых художников и их произведений на само движение и тех, кто последовал за ним. Художественный вклад этого периода был очень велик и продолжает отмечаться и сегодня. Эти художественные портреты эпохи Возрождения были новаторскими и вдохновляющими! Если наша статья вызвала у вас интерес, полистайте наш сайт, у нас есть еще много статей на различные темы искусства, которые, мы думаем, вам понравятся!
Часто задаваемые вопросы
Что такое портреты эпохи Возрождения?
Портреты в стиле Ренессанс — это картины, созданные в период между 15 и 17 веками, в эпоху Возрождения. Художники писали реалистичные изображения людей, которые им позировали, не просто фиксируя их черты, а представляя яркий образ человека, стоящего перед ними. Именно в эпоху Возрождения появилась масляная живопись, которая со временем стала стандартом для художников во всем мире, в отличие от темперной краски, которая была предыдущим художественным стандартом. Хотя на портретах эпохи Возрождения часто изображались люди более высокого социального статуса, именно во время этого движения впервые в истории практически каждый мог получить свой портрет — если только он мог за него заплатить.
Что делает портрет эпохи Возрождения?
Знаменитые портреты эпохи Возрождения делали упор на реализм в своих изображениях, уходя от абстрактных форм эпохи Средневековья. Портреты эпохи Возрождения представляли людей в их истинном облике и отражали развитие гуманистического движения. Было восстановлено древнеклассическое увлечение человеческими делами, которое подчеркивало развитие личности, с изображением характерного сходства. Произведения искусства не отличались особой экстравагантностью. На самом деле, фоны большинства портретов эпохи Возрождения были довольно простыми. Объект стал центром внимания картины.
