Произведения масляной живописи являются одними из самых известных видов изобразительного искусства во всем мире. Масляная краска создается путем смешивания различных пигментов со связующим маслом, таким как маковое или льняное. Многие мастера создавали свои самые известные произведения, используя в качестве материала масляную живопись на холсте. История масляной живописи началась еще в 7 веке нашей эры, и с тех пор художники оставили после себя восхитительное наследие прекрасных и знаменитых картин, написанных маслом.
Оглавление
История масляной живописи
Произведения масляной живописи можно проследить примерно до 650 года нашей эры, когда в старом историческом поселении Бамиан в Афганистане были найдены самые древние из сохранившихся масляных картин. Этот регион расположен вдоль когда-то важного шелкового торгового пути и наиболее известен благодаря гигантским Бамианским Буддам. За статуями, в большом внутреннем пространстве, высеченном из скалы, можно найти самые ранние примеры масляной живописи на стенах комнат.
В работах, выполненных маслом, довольно большой разброс ингредиентов и пигментов, а фрески даже были покрыты слоем лака, что говорит о том, что техника уже была достаточно развита и, должно быть, использовалась в Азии еще до VII века.
Деталь буддийской росписи в Бамиане, самой древней из известных масляных картин в мире, ок. 650 г. н.э.; cea+, Public domain, via Wikimedia Commons
Изобретение масляных красок долгое время приписывалось европейскому художнику XV века Яну ван Эйку, однако письменные инструкции по изготовлению масляной краски можно найти в таких манускриптах, как «О различных искусствах» Теофила, которые датируются еще более ранним периодом, примерно 1125 годом. В то время, скорее всего, масляной краской не писали на холсте, а использовали для украшения резьбы, скульптур и росписи по дереву, особенно для наружного применения.
Однако в 15 веке художники из Нидерландов первыми начали использовать масло в качестве живописного средства, которое затем распространилось как современное средство по всей Северной Европе, а затем и в Италии.
Палитра Винсента Ван Гога и тюбики масляной краски; Деннис Джарвис, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Первые картины маслом писались на деревянных панелях, но к концу 15-го века холст стал более популярным, поскольку он был экономически эффективным и его было легко перевозить с места на место. Венеция была передовиком в поставках холста благодаря обилию парусины в городе. К 1540 году темперная живопись на панелях стала редким средством, и Италия перешла к созданию произведений искусства маслом на холсте.
На протяжении последующих веков масляная живопись на холсте использовалась как средство выражения множества различных стилей и художественных направлений.
Знаменитые картины маслом
На протяжении всей истории масляной живописи художники разрабатывали различные техники и стили, экспериментируя со смешением цветов и нанесением краски на холст, создавая слои, тени и текстуры, что помогло им написать одни из самых известных шедевров. Эти картины варьируются от самых реалистичных и натуралистичных до импрессионистских картин маслом и даже самых сюрреалистичных и абстрактных картин, которыми восхищались на протяжении всей истории человечества.
Палитра художника, расписана с обеих сторон 70 подписанными и частично датированными изображениями немецких, австрийских, итальянских, испанских, норвежских, шведских и польских художников, масло на панели, 19 век; разные авторы, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мона Лиза (1506) Леонардо да Винчи
| Художник | Леонардо да Винчи |
| Дата создания | 1506 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 77 см x 53 см |
| Текущее местонахождение | Музей Лувр, Париж |
Художник Леонардо да Винчи известен тем, что написал Мону Лизу, одно из самых знаковых изображений в мире. Созданный в 1506 году, этот шедевр итальянского Возрождения считается архетипом своей эпохи, представляя лучшие качества того периода, который до сих пор привлекает внимание миллионов зрителей ежегодно в музее Лувр в Париже, где он находится. Да Винчи был уроженцем Флоренции в Италии, и, несмотря на то, что он никогда не получал формального образования, он был исключительно умным и творческим человеком, которым и сегодня восхищаются за его вклад во многие области науки и искусства.
Портрет Моны Лизы дель Джокондо (1503-1506) Леонардо да Винчи; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons
Мона Лиза легко входит в число самых узнаваемых работ Леонардо да Винчи, одна только ее улыбка была предметом споров на протяжении десятилетий. Еще один спор, который не утихает на протяжении многих лет, — кто изображен на картине. Однако доминирует теория, что знаменитый портрет, написанный маслом, изображает Лизу Герардини, которая была женой дворянина по имени Франческо дель Джокондо. Типично для портретов той эпохи, модель изображена только с верхней половиной тела, расположенной на фоне природного пейзажа.
Да Винчи подчеркнул основную связь между человеком и природой, создав линии и изгибы, которые исходили из женской фигуры и переходили в элементы на заднем плане.
Ночной дозор (1642) Рембрандт ван Рейн
| Художник | Рембрандт ван Рейн |
| Дата создания | 1642 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 363 см x 437 см |
| Текущее местонахождение | Рейксмузеум |
Картина «Ночной дозор» была написана в 1642 году Рембрандтом ван Рейном, знаменитым голландским художником. В настоящее время она хранится в Рейксмузеуме в Амстердаме и является самым известным произведением искусства музея. Она считается важной картиной на холсте, написанной маслом, относящейся к Золотому веку Нидерландов. Этой картиной восхищались за ее большой холст и мастерское использование ван Рейном светотени для создания драматического эффекта, известного как тенебризм.
Ночной дозор (1642) Рембрандт ван Рейн; Рембрандт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Благодаря использованию темных участков, а также участков, наполненных светом, он смог направить взгляд зрителя на главный фокус картины: двух мужчин, идущих на переднем плане, а также пожилую женскую фигуру на заднем плане. Эти двое мужчин — члены роты или добровольной военной охраны, изображенные в тот момент, когда они отправляются на вечернюю прогулку. Прапорщик несет цвета роты позади двух других фигур.
Картина настолько велика, что фигуры изображены практически в натуральную величину.
Лас Менинас (1656) Диего Веласкеса
| Художник | Диего Веласкес |
| Дата создания | 1656 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 3,18 м x 2,76 м |
| Текущее местонахождение | Музей Прадо, Мадрид |
Лас Менинас» — культовое произведение Диего Веласкеса, знаменитого художника испанского Золотого века. Созданная в 1656 году, эта знаменитая картина маслом на холсте ценится учеными за странные сложности, которые она представляет зрителю, поднимая вопросы об иллюзии и реальности и о взаимодействии между предметами на картине и человеком, смотрящим на нее.
Из-за этих философских сложностей картина была проанализирована больше, чем большинство других картин своего времени.
Лас Менинас («Фрейлины», 1656) Диего Веласкеса; Диего Веласкес, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя более тонкие детали картин все еще являются предметом споров, среди историков общепризнано, что эта комната представляет собой главные покои Королевского Алькасара Мадрида. Все изображенные на картине люди являются представителями испанского двора, включая инфанту Маргариту Терезу, сопровождаемую сопровождающим и фрейлинами. Здесь также присутствует телохранитель, а также два карлика-слуги и большая собака. Художника также можно увидеть на картине, в центре полотна, смотрящего прямо на зрителя. Считается, что король и королева — это фигуры, которые видны на заднем плане.
Девушка с жемчужной сережкой (1665), Йоханнес Вермеер
| Художник | Йоханнес Вермеер |
| Дата создания | 1665 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 44,5 см x 39 см |
| Текущее местонахождение | Музей Маурицхёйс, Гаага |
Девушка с жемчужной сережкой» — шедевр голландского художника Йоханнеса Вермеера эпохи барокко. Он известен своими интимными изображениями внутренней домашней жизни обычных представителей среднего класса. Как и во всех своих картинах, Вермеер с особой тщательностью, медленно и методично добавлял слои и детали, уделяя пристальное внимание использованию светлых и темных участков в своих композициях для создания драматического эффекта, который можно наблюдать на этом знаменитом портрете, написанном маслом.
Эта знаменитая картина маслом считается не только одним из самых известных произведений Вермеера, но и одним из самых узнаваемых портретов маслом во всей истории искусства.
Девушка с жемчужной сережкой (ок. 1665), Иоганн Вермеер; Иоганн Вермеер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На протяжении нескольких веков картина была известна под разными названиями, в том числе «голландская Мона Лиза», пока в конце концов не получила свое нынешнее название благодаря жемчужине, которая является главной особенностью произведения искусства. Однако точный материал, из которого была сделана серьга, является предметом споров, некоторые ученые утверждают, что это скорее всего изображение оловянного кольца, чем кольца с жемчугом из-за его отражающей поверхности и размера. Картина пережила несколько попыток реставрации, которые позволили выявить многие давно скрытые характеристики картины, например, тот факт, что фон изначально был темно-зеленым.
Мать Уистлера (1871) Джеймс МакНилл Уистлер
| Художник | Джеймс Макнейл Уистлер |
| Дата создания | 1871 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 144,3 см x 162,3 см |
| Текущее местонахождение | Музей Орсе в Париже |
Картина «Мать Уистлера» была написана художником американского происхождения Джеймсом МакНилом Уистлером в 1834 году. Известный своими произведениями, в которых присутствуют сентиментальные и моральные нотки, он был наиболее плодовит в период, известный как американский позолоченный век. Однако большую часть своего времени художник провел в Великобритании и считается отцом тонального искусства. Фигура его матери, сидящей в кресле, является еще одним знаковым образом в истории искусства и популярной культуры.
Как и другие его работы, картина изображает квинтэссенцию архетипа материнской фигуры, используя как чувство морального авторитета, так и сентиментальность в качестве методов достижения чувства, которое он хотел выразить.
Мать Уистлера, или Переложение в серое и черное № 1 (1871), Джеймс Макнейл Уистлер; James McNeill Whistler, Public domain, via Wikimedia Commons
Эта знаменитая картина маслом также известна под альтернативным названием «Аранжировка в сером и черном № 1». Историки считают, что портрет, написанный маслом, был создан в 1871 году, когда его мать жила в Лондоне. Хотя картина вызвала много споров в связи с тем, что на ней изображена его мать, некоторые историки отмечают, что мать, возможно, была запасной моделью, поскольку первоначальная модель не смогла присутствовать на сессии, как планировалось.
Первоначально Джеймс Макнейл Уистлер начал работу над картиной, изобразив свою мать в стоячем положении, но, поскольку в то время ей было около 60 лет, ее изобразили в сидячем положении из-за того, что ее ноги устали от долгого стояния.
Впечатление, восход солнца (1872) Клод Моне
| Художник | Клод Моне |
| Дата создания | 1872 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 48 см x 63 см |
| Текущее местонахождение | Музей Мармоттан Моне, Париж |
Клод Моне создал картину «Впечатление, восход солнца» в 1872 году. Его философия, согласно которой субъективный опыт художника ставился выше объективной реальности природы, оказала большое влияние на формирование импрессионистской масляной живописи и движения импрессионизма. Фактически, именно от этой картины движение получило свое название. На знаменитой картине изображен восход солнца над океаном, на который можно посмотреть с позиции порта в Гавре. Гребные лодки и пульсирующее красное солнце притягивают взгляд зрителя к композиции, на заднем плане видны рыбацкие лодки, а также неясные очертания кораблей и мачт.
Впечатление, восход солнца (1872), Клод Моне; Клод Моне, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Впервые картина была выставлена в 1884 году на выставке в Париже, которая позже стала известна как Выставка импрессионистов. Эта картина выделяется среди всех других масляных картин импрессионистов тем, что в честь нее было названо целое движение, что говорит о том, какое влияние она оказала на других французских художников того периода.
Эта знаменитая картина маслом была украдена из Музея Мармоттана Моне в 1985 году, но была восстановлена и выставлена в 1990 году.
Воскресный день на острове Гранд-Жатт (1884) Жоржа Сёра
| Художник | Жорж Сёра |
| Дата создания | 1884 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 2,08 м x 3,08 м |
| Текущее местонахождение | Институт искусств Чикаго |
Эта картина Жоржа Сёра является самой известной работой художника и представляет собой яркий пример техники пуантилизма, выполненной на большом холсте. Она также считается одним из первых примеров неоимпрессионистского движения. На знаменитой картине маслом изображен парижский парк, расположенный вдоль берега реки Сены, и различные группы парижан, наслаждающихся днем в залитом солнцем парке.
Работа над картиной заняла несколько лет, пройдя через множество этапов предварительных набросков и рисунков, а также переделки оригинала.
Воскресный день на острове Гранд-Жатт (1884) Жорж Сёра; Жорж Сёра, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Он начал работу в мае 1884 года и закончил ее в мае 1886 года, ровно через два года. Многие часы были потрачены на то, чтобы сидеть в парке и делать наброски различных предметов, особенностей ландшафта и фигур, пытаясь добиться идеальных форм и расположения. Применяя серию маленьких точек разных цветов для создания оттенков, он подтолкнул обычный стиль масляной живописи к новым и инновационным направлениям, создав пуантилизм.
Звездная ночь (1889) Винсент Ван Гог
| Художник | Винсент Ван Гог |
| Дата создания | 1889 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 74 см x 92 см |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства |
Звездная ночь» была создана Винсентом Ван Гогом, знаменитым голландским художником, в бурный период жизни знаменитого живописца. Большая часть его жизни была отмечена мрачными эпизодами, и только после самоубийства он обрел ту славу, которая ускользала от него на протяжении всей его карьеры. Эта прекрасная картина маслом в стиле постимпрессионизма характеризуется использованием выразительных мазков и яркой цветовой палитры.
Известный тем, что отрезал себе ухо, художник постоянно страдал от психоза и бреда. В конечном итоге это привело к заключению в психушку для психически неуравновешенных людей. Именно там, в 1889 году, он написал этот шедевр.
Звездная ночь (1889) Винсент Ван Гог; Винсент Ван Гог, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Изображая пейзаж перед самым рассветом, он, как полагают, открывает вид из окна своей комнаты в приюте. Некоторые элементы композиции почти мирные, такие как перекатывающиеся волны голубого цвета и освещение от пульсирующих звезд, но картина также обнаруживает тревожные подводные течения, которые можно заметить в использовании Ван Гогом спиралей и неровных линий на пейзаже.
Старый гитарист (1903) Пабло Пикассо
| Художник | Пабло Пикассо |
| Дата создания | 1903 |
| Использованный материал | Масло на панели |
| Размеры произведения искусства | 122,9 см × 82,6 см |
| Текущее местонахождение | Институт искусств Чикаго |
Этот шедевр, написанный маслом на панели, является одной из ранних работ Пикассо, но не менее известен, чем его более поздние произведения, и был создан в период с 1903 по 1904 год. На картине изображен слепой старик, который играет на гитаре на улицах Барселоны в Испании. Он был утомлен и сочувствовал людям, которые боролись с бедностью, как и он сам.
В этот период своей карьеры Пикассо находился под влиянием нескольких направлений, включая символизм, импрессионизм и постимпрессионизм, а также модернизм.
В этот период он сам жил в бедности, а его друг только что покончил жизнь самоубийством, что и привело к его голубому периоду. Единственное изменение цвета в композиции можно найти в коричневой гитаре, которую держит мужчина. Современные рентгеновские снимки картины показали, что за гитарой в какой-то момент были нарисованы три отдельные фигуры. Шедевр можно увидеть в современную эпоху в Художественном институте Чикаго.
Поцелуй (1907-1908) Густава Климта
| Художник | Густав Климт |
| Дата создания | 1907 — 1908 |
| Использованный материал | Масло и золотая фольга на холсте |
| Размеры произведения искусства | 180 см x 180 см |
| Текущее местонахождение | Österreichische Galerie Belvedere |
Картина «Поцелуй» была написана в 1907 году на пике золотого периода творчества Климта, созданного в стиле модерн. На картине изображены две фигуры, одетые в украшенные одеяния, застигнутые в момент интимного объятия. В настоящее время она хранится в музее Österreichische Galerie Belvedere и считается одной из самых шедевральных работ Климта. Несмотря на то, что это не первая его картина на эту тему, она была самой выдающейся и идеально воплощала его стиль.
Историки точно не знают, кто был моделью для этой картины, но некоторые предполагают, что в качестве моделей выступили его давняя подруга Эмилия и он сам.
Поцелуй (1907-1908), Густав Климт; Густав Климт, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Другие считают, что женщина на картине похожа на ту, которая фигурировала в нескольких других его работах, известную как Красная Хильда. Климт изобразил пару на фоне плоского золотого фона. Они расположились у края луга, под ее ногами растут цветы. Оба они носят короны, его корона сделана из виноградных лоз, а ее — из цветов.
Американская готика (1930) Гранта Вуда
| Художник | Грант Вуд |
| Дата создания | 1930 |
| Использованный материал | Масло на бобровом дереве |
| Размеры произведения искусства | 74 см x 62 см |
| Текущее местонахождение | Школа Института искусств Чикаго |
Картина «Американская готика» была написана Грантом Вудом в 1930 году во время американской Великой депрессии и считается культовым произведением американского регионалистского движения. В настоящее время она хранится в Художественном институте Чикаго и изображает фермера, стоящего перед домом рядом со своей дочерью, хотя многие люди часто ошибочно думали, что на самом деле она его жена.
Одна из самых узнаваемых картин в истории американского искусства, она названа в честь архитектурного стиля дома, стоящего за ним, в частности, окна с заостренной аркой.
Американская готика (1930) Гранта Вуда; Грант Вуд, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Художник был вдохновлен знаменитым ныне домом, который находится в Элдоне в штате Айова, и хотел нарисовать то, как, по его представлению, выглядели бы люди, живущие в таком доме. Моделями для этой знаменитой картины маслом на холсте стали его сестра Нэн Вуд Грэм и доктор Байрон Маккиби, семейный стоматолог. Чтобы вызвать ощущение сельской Америки 20-го века, женщина была одета в фартук с традиционным колониальным принтом, а фигура фермера была одета в костюмную куртку поверх комбинезона и изображена с вилами в руках.
Постоянство памяти (1931) Сальвадор Дали
| Художник | Сальвадор Дали |
| Дата создания | 1931 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 24 см x 33 см |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства |
Картина «Постоянство памяти» была создана в 1931 году испанским сюрреалистом Сальвадором Дали. Эта картина не только является культовой для сюрреалистического движения, но и признана одной из самых известных картин маслом в мире. С тех пор как картина была впервые выставлена, она стала частью популярной культуры и неоднократно подвергалась сатирическому осмыслению и упоминанию, в основном благодаря тающим часам.
Они занимали центральное место в его исследовании таких понятий, как твердость или мягкость времени в искусстве.
Интерпретации этого произведения искусства сильно разнятся из-за сюрреалистического характера картины, написанной маслом на холсте. Некоторые люди предполагали, что это визуальное представление теории относительности, предложенной Альбертом Эйнштейном, но, по словам Дали, это была сюрреалистическая интерпретация куска сыра камамбер, тающего на солнце. В центре картины можно различить абстрактную форму, в которой видны человеческие черты, и которая была замечена в нескольких его картинах, рассматриваемых как нечто вроде автопортрета.
Герника (1937) Пабло Пикассо
| Художник | Пабло Пикассо |
| Дата создания | 1937 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 3,5 м x 7,7 м |
| Текущее местонахождение | Музей Рейна София, Мадрид |
Герника» считается одним из самых известных произведений Пабло Пикассо, написанным во время гражданской войны в Испании в 1937 году. Знаменитый испанский художник написал ее в Париже у себя дома, после того как немцы и итальянцы разбомбили испанский городок Герника. Эта картина маслом на холсте была написана в черно-белых тонах, чтобы подчеркнуть мрачный и суровый характер события, из которого вытравлены все краски любви, и изображает людей и животных, страдающих от хаоса и насилия, охвативших их.
Фотография 1956 года картины Пабло Пикассо «Герника» (1937); Herbert Behrens / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons
Его графическое изображение жестокостей войны привело к тому, что критики считают картину одной из самых важных картин с антивоенным посланием в истории. Она сумела привлечь внимание широкой общественности к событиям, происходившим в период гражданской войны в Испании. Размеры картины составляют 3,49 метра в высоту и 7,76 метра в ширину, а на большом полотне можно увидеть такие изображения, как кричащая от ужаса женщина, стреноженная лошадь, бык, пламя и расчлененные конечности.
В настоящее время знаменитая картина маслом хранится в музее, посвященном искусству 20-го века, Музее королевы Софии, который находится в городе Мадрид в Испании.
Коровий череп: Красный, белый и синий (1931) Джорджия О’Киф
| Художник | Джорджия О’Кифф |
| Дата создания | 1931 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 101 см на 91 см |
| Текущее местонахождение | Музей Метрополитен |
Череп коровы: Красный, белый и синий» была написана самой выдающейся фигурой американского модернизма Джорджией О’Киф. Ее творчество прославилось тем, что нарушило границы между художественными стилями, например, ее уникальный метод сочетания элементов изобразительного и абстрактного искусства. В этот период в американском искусстве художники стремились создавать произведения, характерные для Америки по тематике и тону, надеясь создать уникальную индивидуальность.
О’Кифф выделила себя среди других художников того же периода, создавая произведения искусства, которые не изображали популярные образы американской культуры, а более точно отражали реальный образ жизни американского Запада.
Картина состоит из черепа коровы, расположенного в верхней части холста. За черепом, выглядящим выцветшим на солнце, находится драпированный тканевый фон с центральной вертикальной полосой посередине. По обеим сторонам картины проходит красная вертикальная полоса, напоминающая американский флаг. Картина написана маслом на холсте размером 101 см на 91 см и в настоящее время хранится в Музее Метрополитен.
Две Фриды (1939) Фриды Кало
| Художник | Фрида Кало |
| Дата создания | 1939 |
| Использованный материал | Масло на холсте |
| Размеры произведения искусства | 1,74 м x 1,73 м |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства, Мехико |
Картина «Две Фриды» была написана в 1939 году, вскоре после развода Фриды Кало и Диего Риверы. На картине маслом изображены две стороны ее личности. С одной стороны сидит версия с разбитым сердцем, одетая в традиционную одежду, в то время как версия, сидящая рядом с ней, изображена современной и независимой. Истоки вдохновения для создания картины можно проследить в ее детстве: Кало написала в своем дневнике, что образ был основан на ее воспоминаниях о воображаемом друге.
Однако позже она призналась, что этот образ отражает одиночество и разлуку, которые она испытывала после их расставания.
На этом портрете, написанном маслом, две фигуры сидят и держатся за руки. Оба сердца фигур хорошо видны, причем в традиционном варианте сердце Кало слева изображено разорванным. Она держит конец одной стороны главной артерии на коленях, закрытый щипцами, и при этом кровь обильно течет на ее колени. Ее внутреннее смятение отражается в грозовом небе. Национальный институт изящных искусств в Мехико приобрел картину в 1947 году за 4 000 песо — наибольшую сумму, которую художница когда-либо получала за свою работу.
Сегодня мы узнали о знаменитых картинах маслом, которые были созданы мастерами этого ремесла. От ранних работ таких художников, как Леонардо да Винчи, до различных стилей, развившихся в последующие века, многие художники выбирали масляную живопись на холсте в качестве своего предпочтительного средства. Произведения масляной живописи очень почитаемы и, надеюсь, еще долго будут радовать нас.
Часто задаваемые вопросы
Из чего сделана масляная краска?
Масляная краска изготавливается путем смешивания различных пигментов со связующим маслом. Обычно использовались такие масла, как сафлоровое, ореховое и маковое, но самым популярным связующим маслом, которое использовали художники, было льняное.
Всегда ли для масляной живописи использовались холсты?
Самые первые картины маслом были найдены в Афганистане и были написаны на стенах комнат, вырубленных в скале позади знаменитых Будд. Много лет спустя художники писали на скульптурах и резьбе. Затем они перешли к таким поверхностям, как деревянные панели. Холсты появились позже, но вскоре стали предпочтительным материалом для рисования, поскольку они были доступны по цене и их можно было легко переносить с места на место, так как они не были слишком тяжелыми.
