Джексон Поллок был известным художником-абстрактным экспрессионистом из США. Работы Джексона Поллока были известны как капельная живопись и создавались путем покрытия горизонтально расположенного холста капающей краской. Этот суровый вид абстракции разделил критиков: одни аплодировали спонтанности творчества, другие высмеивали бессистемные результаты. Поллок, одинокая и бурная личность, большую часть своей жизни боролся с алкоголизмом. В этой статье мы рассмотрим жизнь Поллока и его творчество на протяжении всего времени.
Оглавление
Биография Джексона Поллока
| Национальность | Американец |
| Дата рождения | 28 января 1912 года |
| Дата смерти | 11 августа 1956 года |
| Место рождения | Коди, Вайоминг |
Суровое и бурное детство Поллока на американском Западе сформировало в нем уверенную в себе личность, которой он стал впоследствии. Позже последовательность вдохновений объединилась, чтобы сформировать стиль картин Джексона Поллока: годы, проведенные за созданием реалистичных фресок в большом масштабе в 1930-х годах, научили его воздействию больших картин; сюрреализм дал технику выражения бессознательного, а кубизм направил его понимание пространства картины.
В 1939 году Джексон Поллок начал посещать юнгианского аналитика, чтобы решить проблему алкоголизма, и его терапевт посоветовал ему делать наброски. В конечном итоге они стали основой для картин Джексона Поллока.
Они сформировали у Поллока представление о своих работах не только как об эманациях его собственного разума, но и как о представлении всего современного человечества, живущего в тени ядерной войны. Величие творчества Поллока объясняется тем, что он создал одну из самых радикальных абстрактных техник в истории современного искусства, отделив линию от цвета, изменив классификацию набросков и живописи и изобретя новые способы изображения живописного пространства. Но как жил Джексон Поллок и как умер Джексон Поллок? Сначала давайте начнем с биографии Джексона Поллока.
Ранняя жизнь
Пол Джексон Поллок, младший из пяти детей, родился в 1912 году в Коди, штат Вайоминг. Его мать, Стелла, привезла детей в Сан-Диего в ноябре 1912 года; Джексону в то время было всего 10 месяцев, и он никогда не вернулся домой в Коди. Сначала он учился в средней школе Manual Arts High School в Лос-Анджелесе, но впоследствии был отчислен.
Студийный портрет художника Джексона Поллока в 1928 году в возрасте около 16 лет; Смитсоновский музей американского искусства, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ранее, в 1928 году, он был отчислен из другой средней школы. В детстве Поллок заинтересовался традициями коренных американцев во время экскурсий с отцом. В 1930 году он вместе со своим братом Чарльзом переехал в Нью-Йорк, где они посещали Лигу студентов искусств и обучались у Томаса Харта Бентона.
На творчество Джексона Поллока больше повлияли ритмичные масляные краски и его неистовая индивидуальность, чем пасторальные американские сюжеты Бентона.
Карьера
Давид Альфаро Сикейрос, художник-монументалист из Мексики, познакомил Поллока с использованием жидкой краски в 1936 году во время ознакомительной сессии в Нью-Йорке. В конце концов, в картинах Джексона Поллока начала 1940-х годов, таких как «Мужчина и женщина», он использовал капельное рисование как один из многочисленных процессов.
После переезда в Спрингс, Нью-Йорк, он начал рисовать на полу мастерской своим холстом, развивая то, что стало известно как его «капельный» стиль.
В то время он пытался преодолеть застарелый алкоголизм; с 1938 по 1941 год он посещал сеансы юнгианской психотерапии, которые закончил в 1941 и 1942 годах. Психотерапевт поощрял его к рисованию, привлекая его к творчеству. В работах Джексона Поллока нашли отражение юнгианские понятия и архетипы. Некоторые историки предполагают, что Поллок мог страдать от биполярного заболевания. В июле 1943 года Поллок заключил контракт с Пегги Гуггенхайм.
Ему было поручено создать произведение искусства «Фреска» (1943) для входа в ее новый особняк. По просьбе ее друга и советника Марселя Дюшана Поллок выполнил работу на холсте, а не на стене, чтобы ее можно было перемещать. Клемент Гринберг, увидев большую фреску, заметил: «Достаточно было одного взгляда, чтобы понять: «Вот это великолепное искусство», и я заявил, что Джексон Поллок — лучший художник, которого создала наша нация».
В буклете к его дебютной выставке мастерство Поллока было названо «вулканическим». «Он горит. Оно порождает непредсказуемость. Ему не хватает дисциплины. Оно источает из себя минеральную расточительность, которой еще предстоит затвердеть», — продолжал Гринберг.
Период капельной живописи Поллока
Самые известные работы Поллока были созданы в период с 1947 по 1950 год, во время «фазы капельной живописи». Он стал известен, когда в статье в журнале Life от 8 августа 1949 года был задан вопрос: «Является ли он лучшим художником Америки?». Благодаря сотрудничеству близкого друга Поллока Альфонсо Оссорио, Пол Факкетти (владелец галереи) смог организовать первую выставку работ Джексона Поллока в своей студии 7 марта 1952 года.
В результате Джексон Поллок в одночасье стал звездой. Его техника живописи была подвергнута тщательному анализу, вызывая как одобрение, так и насмешки. Вновь обретенная известность не лучшим образом отразилась на психическом состоянии Поллока. В результате его известность была недолгой, так как напряжение привело к тому, что он отступил в социальном и творческом плане. Поэтому Поллок неожиданно отказался от капельного метода на пике своего успеха.
Номер 1 (Лавандовый туман) (1950) Джексона Поллока, демонстрирующий его культовый капельный стиль, находится в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, США; Джексон Поллок, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Работы Джексона Поллока после 1951 года были более насыщенными по тону, включая серию, выполненную черной краской на негрунтованных холстах. Эти работы были названы его «Черными заливками», и поэтому, когда он показал их в галерее Бетти Парсонс, абсолютно ни одна из работ не была куплена. Эти работы показывают, что Поллок пытался найти равновесие между абстракцией и изображением человеческой фигуры.
В конце концов он вернулся к цвету и продолжил работу над фигуративными темами.
В этот период Поллок перешел в Sidney Janis Gallery, более корпоративную художественную галерею, и его работы пользовались большим спросом у покупателей. В ответ на эту нагрузку его пьянство усугубилось, как и эмоциональная неудовлетворенность.
Джексон Поллок и Ли Краснер
В 1942 году эти два художника встретились, когда оба выставлялись в галерее Макмиллена. Краснер не был знаком с картинами Джексона Поллока, но заинтересовался ими, поэтому после выставки в галерее неожиданно пришел к нему в гости. Они поженились в октябре 1945 года в присутствии очевидцев. Они купили дом и сарай, и Поллок использовал сарай как место для работы.
Именно в этом месте он отточил свой огромный метод работы с краской «капля», который стал синонимом художника.
Когда супруги больше не работали, они проводили время дома, занимаясь выпечкой и готовкой, работая в саду и принимая гостей. В связи с появлением в то время феминизма, во второй половине 1960-х годов комментаторы начали переосмысливать влияние Краснер на творчество ее мужа. Прекрасное понимание и знание современного искусства и методов Краснер помогло ей привести Поллока в соответствие с тем, каким должно быть современное искусство.
Фотография художницы Ли Краснер, жены Поллока, сделанная в 1983 году; Gotfryd, Bernard, photographer, Public domain, via Wikimedia Commons
Краснер, по общему мнению, научила своего мужа основам модернистской живописи. Поэтому Поллок смог адаптировать свой подход к более упорядоченному и интернациональному жанру современного искусства, а Краснер стала единственным оценщиком, на которого он мог положиться. Поллок уважал суждения своих коллег о том, что работает и не работает в его творениях в начале брака двух художников.
Краснер также сыграла решающую роль, познакомив его с рядом коллекционеров, рецензентов и художников, которые помогли бы ему продвинуться в профессии как молодому художнику. Искусствоведы часто анализируют влияние Джексона Поллока на работы его жены.
Многие считали, что Краснер начала копировать и воссоздавать дикие переливы краски мужа в своем собственном творчестве. Согласно многочисленным версиям, Краснер планировала использовать свою интуицию как средство продвижения к методу Поллока «Я — природа», чтобы подражать природе в своих работах.
Последующие годы и смерть
Поллок завершил две свои последние работы, «Поиск» и «Посланный», в 1955 году. В 1956 году он вообще не писал картин, а создавал скульптуры из проволоки, марли и гипса в доме Тони Смита. Они созданы методом литья из песка и имеют чрезвычайно фактурные черты, похожие на те, которые Поллок использовал в своих картинах. Партнерство Поллока и Краснер начало ухудшаться в 1956 году в результате продолжающегося пьянства Поллока и его супружеской измены с Рут Клигман.
11 августа 1956 года Поллок погиб в результате столкновения с одной машиной в своем кабриолете Oldsmobile, находясь за рулем в состоянии алкогольного опьянения. Краснер в это время встречалась с друзьями в Европе, и она быстро вернулась после того, как услышала эту информацию от подруги. Эдит Метцгер, одна из пассажирок, также погибла в этой трагедии, которая произошла менее чем в миле от дома художника. Рут Клигман, любовница Поллока, была единственной выжившей пассажиркой.
В честь Поллока была организована мемориальная выставка в Музее современного искусства в Нью-Йорке в декабре 1956 года. В 1967 году там же была представлена более масштабная и полная выставка работ Джексона Поллока. Часто считается, что Поллок страдал в денежном отношении на протяжении всей своей жизни. Действительно, однажды он был настолько нищим, что ему пришлось работать уборщиком и воровать еду, чтобы выжить. Тем не менее, со временем его финансовое положение значительно улучшилось.
К концу жизни Поллок зарабатывал примерно в пять раз больше среднего годового заработка. За некоторые из его работ давали до 6000 долларов, что в то время было очень много для произведения искусства.
Проницательные коллекционеры искусства осознали будущую потенциальную ценность картин Поллока, что обеспечило ему надежное финансовое положение. Более того, после смерти Поллока в 1956 году в возрасте 44 лет, его вдова Ли Краснер значительно выиграла от взлета стоимости его картин.
Художественный стиль Джексона Поллока
На Поллока повлияли работы Пабло Пикассо, Томаса Харта Бентона и Жоана Миро. Поллок начал использовать синтетические краски на основе смол, известные как алкидные эмали, которые в то время были революционным средством. Поллок описывал использование коммерческих красок вместо пигментов художника как «естественный рост из необходимости».
Для нанесения краски он использовал жесткие кисти, палочки, а иногда даже шприцы.
Художественный стиль
Техника наливания и стекания краски Поллока считается одним из истоков фразы «живопись действием». С помощью этой техники Поллок смог создать свои фирменные картины в стиле палимпсест, когда краски вытекали из выбранного им инструмента на холст. Отказавшись от стандарта работы на вертикальной поверхности, он привнес новое измерение в свои картины, позволив наблюдать и наносить краску со всех сторон.
Поллок оторвался от реалистического изображения и поставил под сомнение западную практику использования мольберта и кисти при написании картин в этой манере. Он рисовал силой всего своего тела, что видно по гигантским полотнам.
Согласно одной из цитат Джексона Поллока: «Мои картины создаются не на мольберте. Мне нравится прикреплять натянутый холст к прочной стене или полу. Мне нужна прочность твердой поверхности на разрыв. Я чувствую себя более комфортно на полу, потому что могу бродить по нему, работая со всех четырех сторон, и таким образом по-настоящему находиться в картине. Я отказываюсь от типичных инструментов художника, таких как мольберты, палитры, кисти и так далее. Палочки, ножи, текучая краска или сильное импасто с зернистостью, осколками стекла или другими посторонними предметами — вот мои предпочтительные инструменты».
Волчица» (1943) Джексона Поллока, находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, США; Джексон Поллок, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
В 1940-х годах Поллок видел выступления коренных американцев, рисующих песком. Поллок утверждал по поводу своего подхода к рисованию на полу: «Я чувствую себя ближе к картине, более частью ее, поскольку могу обойти ее, работать со всех четырех углов и физически находиться в ней».
На его капельный метод также повлиял сюрреалистический автоматизм, а также мексиканские художники-монументалисты. Поллок отрицал, что полагается на «случайности», утверждая, что обычно у него есть представление о том, как он хочет, чтобы выглядела конкретная работа. Его метод объединял контролируемое движение тела, текучий поток цвета, силу гравитации и впитывание краски в ткань. Это было стечение контролируемых и неконтролируемых переменных. Он двигался по картине, словно в трансе, подбрасывая, наливая, проливая, разбрызгивая, и не останавливался, пока не увидел то, что хотел увидеть.
Фотограф Ханс Намут, сфотографировав Поллока за работой, сделал следующие наблюдения: «Весь пол был покрыт мокрым холстом. Стояла полная тишина». Поллок разглядывал произведения искусства. Затем, внезапно, он взял банку с краской и кисть и начал двигаться по холсту. Как будто он внезапно вспомнил, что не закончил картину.
Медленные поначалу, его движения становились все быстрее и танцевальнее, когда он бросал на холст черные, белые и ржавые краски. Казалось, он совсем забыл, что я здесь; он не чувствовал щелчка затвора фотоаппарата. Моя фотосессия длилась около получаса, или столько, сколько он продолжал творить. Поллок не переставал работать на протяжении всего этого периода. Как кто-то может поддерживать такое количество работы? «Вот и все», — сказал он в конце концов.
Лучшие работы Поллока показывают, что его всеохватывающая линия не создает отрицательных или положительных областей: нас не заставляют поверить, что один участок холста нужно интерпретировать как фигуру, будь то абстракция или фигура, в то время как другая часть холста интерпретируется как земля. Линия Поллока и пространство, через которое она проходит, не имеют внутреннего или внешнего. Поллок добился успеха в освобождении линии от работы по описанию или ограничению форм или символов на поверхности холста, в дополнение к ее обязанности изображать внешние объекты».
Поллок отказался от ярлыков и начал нумеровать свои картины, чтобы избежать охоты зрителей за фигуративными аспектами в его работах. «Смотрите внимательно и попытайтесь воспринять то, что предлагает картина, не привнося предмета или заранее определенного понимания того, что они должны искать», — заявил он. «Раньше он давал своим изображениям традиционные названия, а теперь просто нумерует их», — заявила его жена. «Цифры — это нейтральное средство. Они заставляют людей смотреть на произведение искусства таким, какое оно есть: чистым искусством».
На Поллока повлияло эссе австрийского художника Вольфганга Паалена о тотемном искусстве коренных народов Британской Колумбии, в котором понятие пространства в тотемистическом искусстве рассматривается с точки зрения творца; Поллок держал в руках подписанное издание журнала Паалена. Он также видел сюрреалистические работы Паалена на выставке 1940 года. Сюрреалистический метод фумажа Паалена, который нашел отклик у художников, искавших новые способы выражения того, что называлось «ненаблюдаемым» или «возможным», должно быть, также оказал глубокое влияние.
Крайняя абстракция Поллока, казалось, обещала новую поразительную свободу для искусства, но подобия идентифицируемых образов оставались на заднем плане его работ. Синие столбы» (1952) — это большое пространство, соединенное диагональными линиями. Среди необычайного разнообразия эффектов один: Номер 31 (1950) сохраняет отчетливое впечатление ритмично движущихся фигур. Возможно, Поллок и оставил реализм своей юности, но он все еще был способен сделать свои работы элегантно символичными. Одна, как и многие другие его работы этого периода, создает ощущение величия, связывая ее с традицией возвышенных пейзажей, восходящей к XVIII веку.
Она также мерцает, словно испещренная светом, подобно работам Моне, и многие комментаторы задавались вопросом, не вдохновлялся ли Поллок французским импрессионистом. Поллок никогда не терял энтузиазма в отношении фигуративных изображений — как он однажды заявил: «Часть времени я вполне фигуративен, а часть — нет. С другой стороны, фигуры неизбежны, когда рисуешь из бессознательного». Фигуративность начала вновь появляться в его работах уже в конце 1940-х годов.
К 1950 году его пьянство возросло, и он вернулся к эскизам, воссоздал некоторые из своих предыдущих идей и создал серию в основном белых и черных капельных картин. Некоторые из них, такие как «Желтые острова» (1952), содержат цвет и очень абстрактны; другие, такие как «Эхо (номер 25)» (1951), каллиграфичны по форме и лишь в малой степени фигуративны; в то время как на других безошибочно изображены головы. Эти работы не были хорошо приняты, когда Поллок впервые показал их, но он продолжал работать над ними до 1953 года, последнего года своей плодотворной деятельности.
Дискуссия критиков
Знаменитые картины Поллока были предметом жарких дискуссий. Несколько работ Джексона Поллока были ранее отвергнуты критиком Робертом Коутсом как «просто неструктурированные взрывы случайной энергии, а значит, бесполезные». В заголовке газеты Reynold’s News за 1959 год говорилось: «Это не искусство — это ужасная шутка». Когда Жан Хелион впервые увидел Поллока, он заметил: «Он заполнял собой пространство, продолжая и продолжая, поскольку у него не было ни начала, ни конца».
По формалистическим причинам Клемент Гринберг поддерживал работы Поллока. Это соответствовало видению Гринбергом истории искусства как постепенного очищения формы и искоренения исторического содержания.
Тумба в Винчестере, Англия, раскрашенная компанией The Color Factory в стиле «Летнего времени» Джексона Поллока; Andy Mabbett, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Он считал искусство Поллока величайшим для своего времени и вершиной западного наследия от кубизма до Сезанна. Гарольд Розенберг придумал в 1952 году фразу «живопись действием», объясняя, что «то, что нужно было поместить на доску, было не изображением, а переживанием».
Прорывной момент наступил, когда было решено рисовать «просто ради живописи». Движение на холсте представляло собой освобождение от ценностей — политических, художественных и моральных. Многие считали, что свою концепцию «художника действия» он создал по образцу Джексона Поллока.
Наследие
Прямое наследие Поллока наиболее сильно ощущалось другими художниками. Его искусство включало в себя аспекты сюрреализма, кубизма и импрессионизма и в то же время выходило за их рамки. Помимо этого достижения, даже такие великие художники, как де Кунинг, который оставался ближе к кубизму и цеплялся за фигуративный материал, кажутся неполноценными. И величайшим из последующих поколений художников пришлось бы бороться с его наследием, как Поллок боролся с Пикассо.
Уже в 1958 году, когда новаторский художник-концептуалист Аллан Капроу в своем эссе для журнала Art News напрямую затронул тему влияния Поллока, другие задавались вопросом, освободил ли Поллок альтернативы вне сферы живописи.
Перефразируя критика Гарольда Розенберга, Поллок переосмыслил холст как «стадион, на котором можно действовать», а не как «место, где можно воспроизвести, перепроектировать, изучить или «передать» объект».
Надгробия Джексона Поллока (сзади) и Ли Краснер (спереди) на кладбище Грин-Ривер в Спрингсе, Нью-Йорк, США; Americasroof, CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons
От этого осознания до восприятия балетных движений Поллока вокруг картины как вида перформанса был всего один короткий шаг. С тех пор слава Поллока только росла. О нем написано несколько биографий, кинобиографий и крупных ретроспектив, и он стал не только одной из самых признанных икон современного художника, но и воплощением для критиков и историков американского модернизма на его пике.
Хелен Франкенталер и Моррис Луис, оба художники, работавшие в стиле Color Field, ввели пятна Поллока в голый холст. Фрэнк Стелла разработал «композицию «все поверх»», ставшую визитной карточкой его работ 1960-х годов. Акцент Поллока на процессе производства сохранили Аллан Капроу, Ричард Серра и Ева Гессе, а также многие современные художники; на них повлияло его отношение к технике, а не эстетика его работ.
В начале 1990-х годов над байопиками о Поллоке работали три разные группы кинематографистов, каждая из которых опиралась на свой источник. Наиболее проработанным проектом было сотрудничество между Barwood Films и TriBeCa Productions. Сценарий Кристофера Кливленда был основан на «To a Violent Grave» Джеффри Поттера, антологии воспоминаний знакомых Поллока. Стрейзанд должна была изобразить Ли Краснер, а Де Ниро — Джексона Поллока.
Второй фильм должен был быть основан на биографии Рут Клигман «Любовный роман» (1974), рассказывающей о подруге Поллока за шесть месяцев до его смерти. Режиссером был назначен Гарольд Беккер, а роль Поллока исполнит Аль Пачино.
Компьютерный фрактальный анализ
Ричард Тейлор, физик и художник, в 1999 году с помощью компьютерного анализа выявил параллели между узорами, созданными Поллоком, и фракталами, наблюдаемыми в природе, повторяя слова самого Поллока «Я — природа». Группа исследователей назвала стиль Поллока фрактальным экспрессионизмом. 24 работы и каракули Поллока были обнаружены в шкафчике в Уэйнскотте, штат Нью-Йорк, в 2003 году.
Фонд Поллока-Краснера попросил впервые применить фрактальный анализ в вопросе подлинности. Этот подход был использован учеными из Университета штата Орегон для выявления расхождений между узорами на шести спорных картинах и узорами на 14 известных картинах Поллока.
Эксперты Гарвардского университета при исследовании пигментов картин выявили наличие искусственного пигмента, который не был зарегистрирован до 1980-х годов, в одной из работ, а в двух других — ингредиенты, которые были недоступны при жизни Поллока.
В 2007 году была выпущена книга «Поллок имеет значение», написанная Эллен Г. Ландау, одним из четырех оставшихся специалистов из предыдущей комиссии по проверке в 1990-х годах, и Клодом Чернуски, специалистом по абстрактному экспрессионизму. В книге Ландау устанавливает различные связи между семьей владельцев произведений искусства и Джексоном Поллоком на протяжении всей его жизни, чтобы поместить произведения искусства в правильный, по ее мнению, исторический контекст.
Ландау также обсуждает результаты судебной экспертизы Гарвардского университета и возможные причины судебных нарушений, обнаруженных в трех из 24 работ. Тем не менее, ученый, который произвел один из современных пигментов, расценил использование Поллоком этой краски как «невероятное до степени фантастики». С тех пор более десяти научных организаций провели фрактальную экспертизу более 50 картин Поллока.
Исследование 2015 года, в котором фрактальный анализ использовался в качестве одного из подходов, показало 93-процентный успех в различении подлинных и поддельных работ Поллока. Текущее исследование Fractal Expressionism сосредоточено на реакции человека на восприятие фракталов. Фракталы Поллока, как и фракталы, сгенерированные компьютером, и фракталы природы, были продемонстрированы когнитивными нейробиологами для снижения стресса у зрителей.
Самая дорогая картина Джексона Поллока
Самая дорогая картина Джексона Поллока была продана в 2013 году на аукционе Christie’s. Картина «Номер 19» (1948) была продана за 495 миллионов долларов США. Это произведение искусства легко игнорировать как бессмысленные брызги краски, но даже если вы не можете постичь его красоту, история этого произведения искусства на вес золота.
Искусство Джексона Поллока было новаторским на нескольких уровнях. На протяжении многих веков художники делали наброски или выполняли масштабные картины.
Поллок же руководствовался страстью и интуицией, обводя свою основу из ДВП, капая и выбрасывая краску, как диктовало ему вдохновение. Он отказался от мазков, заменив их каплями и брызгами, и его спонтанные шедевры озарили мир искусства. Краска с текучей вязкостью, позволяющей плавно наливать ее, была необходимым компонентом капельной техники. Из-за этого условия обычные масляные краски были недопустимы.
Вместо этого Поллок начал работать с синтетическими блестящими эмалевыми красками, которые вытесняли старомодные домашние краски на масляной основе. Хотя это блестящее открытие было восхвалено, Поллок назвал его «естественной эволюцией из необходимости».
В то время как эксперты в области искусства восхищались, а коллекционеры платили миллионы за картины Поллока на аукционах, значительная часть публики 60 лет спустя все еще недоумевает по поводу творчества художника. Каждый раз, когда одна из его работ продается за миллионы долларов, журналисты задаются вопросом, почему. Простой ответ заключается в том, что, хотя его каплевидные картины не так легко доступны, они сыграли решающую роль в переопределении нашего восприятия искусства как такового, несмотря на то, что обычно они не привлекательны.
Рекомендуемое чтение
Метод живописи Поллока, при котором он наносил пятна на голые холсты, был положительно воспринят и подражаем в творческом мире. Искусство Поллока также повлияло на несколько скульптур на протяжении многих лет. Значительное влияние Поллока и его художественные последователи могут быть связаны с тем, что он уделял особое внимание процессу производства, а не внешнему виду своих работ. Возможно, вам интересно узнать еще больше о его творчестве и жизни. Мы можем предложить вам ознакомиться с биографией Джексона Поллока или книгой о его творчестве.
Джексон Поллок (2010) Эллен Г. Ландау
Как знаменитый художник Джексон Поллок стал культовой фигурой поколения «Бит»? И что привело к взлету его репутации? Эта увлекательная и уникальная классическая книга Abrams рассматривает художника в контексте его эпохи, воссоздавая социальную и культурную атмосферу Нью-Йорка 1940-х годов. Автор прослеживает несколько далеких истоков творчества Поллока, используя обширную информацию о привычках Поллока — большая часть которой собрана в интервью — его чтениях, обсуждениях и выставках, которые он видел.
Множество сравнительных фотографий картин художников, которых любил Поллок, помогают понять творчество этого сложного, печального и неисчислимо сильного человека. Большие, драматические полотна Поллока воссозданы в пяти оттенках, чтобы передать блеск его тональной сети, алюминиевой краски и ослепительных компонентов коллажа. На шести сгибах представлены его массивные горизонтальные картины без деформации, а временная шкала кратко описывает важные события в жизни Поллока.
- Шесть сгибов показывают огромные горизонтальные работы Поллока без деформации
- Хронология представляет собой краткое изложение основных событий жизни Поллока
- Подробно описывает развитие и историю впечатляющей карьеры Поллока.
Джексон Поллок: Американская сага (1998) Стивен Найфех
Это первая книга, исследующая жизнь великого художника с той психологической глубиной, которая отличает лучшие биографии литературных и политических деятелей. В ходе восьмилетнего расследования авторы обнаружили ранее не публиковавшиеся письма и бумаги, получили доступ к медицинским и психиатрическим данным и встретились с десятками коллег и соратников художника, о которых никогда не рассказывали.
Они также стали первыми биографами за последние 20 лет, которые работали с вдовой Поллока, Ли Краснер. Результатом этих беспрецедентных усилий стала богатая, масштабная, историческая биография одного из самых интригующих людей в американском обществе; яркая, взрывная «картина художника», обширно исследованная и богато иллюстрированная.
- Окончательный отчет о путешествии Джексона Поллока.
- Наполнена пронзительными психологическими размышлениями о художнике
- Приводит вас к пониманию силы его творческого гения
Джексон Поллок, знаменитый художник XX века, изменил современное искусство своими характерными методами абстрактной живописи. Джексон Поллок обучался у Томаса Харта Бентона, после чего отказался от устоявшихся методов и стал экспериментировать с абстрактным экспрессионизмом, создавая свои картины в стиле «брызги и действия», которые предполагали выливание краски и других веществ непосредственно на холсты. Традиции Поллока принесли ему как признание, так и презрение. В 1956 году ему было 44 года, когда он умер, сев за руль в состоянии алкогольного опьянения и врезавшись в дерево в Нью-Йорке.
Часто задаваемые вопросы
Как умер Джексон Поллок?
Поллок погиб в автомобильной аварии 11 августа 1956 года, находясь за рулем в состоянии алкогольного опьянения. Краснер в то время находилась в Европе, навещая друзей, и вернулась вскоре после того, как услышала новость от подруги. Эдит Метцгер, одна из пассажирок автомобиля, также погибла в аварии, которая произошла менее чем в миле от его дома. Возлюбленная Поллока, Рут Клигман, была единственным выжившим пассажиром.
Чем был известен Джексон Поллок?
Манера Поллока писать текучими и льющимися красками считается одной из тех, которые способствовали популяризации фразы «живопись действием». С помощью этого метода он смог создать свою особую эстетику, когда цвета струились из выбранного им инструмента на поверхность. Он добавил новое измерение в свои картины, отказавшись от традиции работать на вертикальной платформе, что позволило ему рассматривать и наносить краску со всех сторон. Искусство Джексона Поллока подверглось широкой критике: одни аплодировали ему как лучшей картине своего времени, другие отвергали его как злую шутку. Несмотря на такие расхождения во мнениях, Поллок, несомненно, был одним из самых значительных художников своего времени, а некоторые его работы были проданы за одну из самых высоких цен, когда-либо заплаченных за картину. Кроме того, изучение его работ показывает, что его капельные краски очень точно имитируют сложные повторяющиеся узоры, наблюдаемые в природе.
