Абстрактное искусство — взгляд на знаменитое абстрактное искусство и его художников

Содержание

Абстрактное искусство

Абстрактное искусство — это нерепрезентативное направление искусства, которое также часто называют беспредметным. С начала 1900-х годов художники-абстракционисты изображали в своих работах более субъективную реальность, оставляя интерпретацию и значение на усмотрение зрителя. Это отошло от того, как искусство изображало буквальное изображение цивилизации и мира природы.

Оглавление

Введение в абстрактное искусство

Когда мы думаем об абстрактном искусстве, часто возникает вопрос: «Что такое абстрактное искусство?». Это довольно обширная тема, включающая в себя широкий выбор известных произведений абстрактного искусства и художников, но мы снова спрашиваем: «Что же такое абстрактное искусство на самом деле?». Чтобы ответить на этот вопрос, мы должны упомянуть ранние наскальные рисунки и более современное абстрактное искусство 1900-х годов.

Абстрактное искусство восходит к ранним наскальным рисункам, когда природный и космический мир изображался в основном в виде выразительных линий, форм и фигур — возможно, это были буквальные изображения? Однако возникает вопрос, было ли это буквальным изображением, или же в этом были скрытые символические значения, связанные с духовной или метафизической сферой. Другие ранние представления абстрактного искусства изображены в виде декоративных форм и фигур на текстиле или керамике в различных культурах.

Раннее абстрактное искусство

Панель VIII скалы Агава, расположенной в Провинциальном парке озера Верхнее, Онтарио, Канада. Изображены каноэ (слева вверху), Мичипешу (справа вверху) и две гигантские змеи внизу (чигнебикогс); D. Gordon E. Robertson, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

Хотя пещерное искусство можно назвать формой абстрактного изображения из-за его геометрической и символической природы, считается, что более современное движение абстрактного искусства зародилось в конце 19-го и начале 20-го веков, когда другие художественные движения, такие как импрессионизм, постимпрессионизм и кубизм, занимали более видное место в мире искусства.

Вышеперечисленные художественные направления радикально отошли от традиционных способов представления искусства, таких как реалистическое изображение различных аспектов жизни и природы. Кроме того, эти направления искусства изменили способы использования средств массовой информации, например, красок и скульптуры, включая использование таких художественных принципов, как перспектива и композиция.

Художники-абстракционисты использовали их с большей экспрессивностью, не заботясь о соблюдении правил.

Искусство ради искусства

Абстрактное искусство стало экспрессивной формой искусства исключительно ради удовольствия от искусства, и многие художественные источники указывают на знаменитую цитату французского философа Виктора Кузена, который сказал: «l’art pour l’art», что означает «искусство ради искусства». Этот лозунг просто означает, что искусство не должно иметь никакого внешнего значения (политического, социального или образовательного), кроме как просто быть искусством и наслаждаться им как таковым.

Однако этот термин подразумевает гораздо больше, чем сказано выше; он делает смелое заявление о свободе самовыражения через искусство, о значении, которое оно несет вне социальных и политических структур, и о том, как эстетика оценивается другими. Этот термин был широко распространен в рамках модернизма, охватывая множество модернистских художественных течений и произведений искусства. В качестве примера можно привести печально известный «Фонтан» (1917) Марселя Дюшана, который представляет собой унитаз (выбранный самим Дюшаном) с надписью «R.Mutt», сделанной черной краской.

Фонтан — пример того, как «искусство ради искусства» является спорным понятием, поскольку художник получил значительное количество отказов по поводу этого произведения и критики, основанной на его эстетической ценности. Когда Дюшан представил эту работу в Общество независимых художников в 1917 году, она была отклонена из-за того, что была «аморальной» по своей природе. Этот пример ставит под сомнение истинность утверждения: Может ли искусство быть искусством ради искусства? С этой точки зрения можно рассматривать и многочисленные формы, в которых абстрактное искусство предстает в мире искусства.

Скульптура абстрактного искусства

Фонтан (1917) Марселя Дюшана; Марсель Дюшан, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Важный момент, который следует помнить об абстрактном искусстве, заключается в том, что оно было движением в различных направлениях искусства. Другими словами, это было направление искусства, в котором буквальное изображение объекта больше не было целью для художников. Например, портрет сидящей женщины, натюрморт или пейзаж. Вместо этого объект, и даже холст, насыщался множеством цветов, форм, линий, жестикуляционных движений и брызг краски.

Это видно на примере работ известного абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, который использовал динамичные движения, такие как капание и разбрызгивание, для нанесения краски на большие холсты на полу. Конечные результаты изображали множество смешивающихся цветов, причем не в каком-либо, казалось бы, заранее определенном порядке или композиции.

Этот вид искусства также называли Action painting, что объясняется динамичностью процесса рисования, поскольку Поллоку приходилось активно перемещаться по всему холсту.

Как определить абстрактное искусство

Многие источники стремятся дать определение термину абстрактное искусство, чтобы лучше понять само художественное движение. Обратившись к значению слова «абстрактный», мы увидим, почему его называют абстрактным искусством. Как глагол, «абстрактный» означает отделять или удалять, а как прилагательное, этот термин относится к концепции, которая не основана на фактах, но вместо этого является более теоретической и «отделенной» от чего-то.

Это можно рассматривать с точки зрения предмета картины, самой краски, сочетания линий, форм и цветов, которые кажутся далекими от предмета. Если угодно, эти элементы становятся предметом. Аналогично, абстрактное искусство также может казаться оторванным от реальности, изображая основы взаимодействия цветов и форм друг с другом на холсте.

Кто был первым художником-абстракционистом?

Многие художественные и исторические источники указывают на русского художника Василия Кандинского как на первого художника, создавшего абстрактные картины, в частности, начиная с его работы «Без названия (первая абстрактная акварель)» в 1910 году. Он стал пионером абстрактного искусства, сосредоточившись на отношениях между формами и цветами и на том, как они составляют произведения искусства. В свою очередь, это доставляло удовольствие и переживание зрителю.

Кандинский ценил духовное в искусстве, его абстрактные картины изображали внутреннюю «трансцендентальную» природу существования, которая стала весьма отстраненной от визуальных ссылок на повседневные предметы и жизнь, которую мы все знаем. Он выражал эти внутренние истины через плавающие формы, аморфные фигуры и произвольную линейность пересекающихся линий и краев.

Самое главное, Кандинский также верил в важность музыки и в то, как она влияет на искусство.

Он создавал абстрактное искусство в соответствии с музыкальными принципами того, как музыкант создает звук. Вместо этого он использовал цвета и формы, чтобы перенести зрителей в чувственный опыт за пределы физического, в беспредметные и нерепрезентативные измерения искусства.

Определение абстрактного искусства

Без названия (Первая абстрактная акварель) (1910), Василий Кандинский; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Важная теоретическая публикация Кандинского «О духовном в искусстве» (1911) содержит глубокий взгляд на духовные качества искусства и на то, как художник играет важную роль в качестве духовного существа. В публикации также исследуется духовность, присущая цвету, включая психологические аспекты цвета и то, как он используется. Особенно в том, как он связан с формой и композицией, которые Кандинский считал «двумя видами оружия», находящимися в распоряжении художника.

Кандинский также рассуждает о том, что музыка является «лучшим учителем», поскольку на протяжении веков она достигала беспредметного выражения, а не воспроизводила окружающий мир, как это делает живопись. Он считает, что в этом отношении музыка опережает живопись, поскольку не зависит от внешнего качества, определяющего ее «форму». Он также утверждает, что живопись имеет преимущество перед музыкой в том, что она не зависит от времени, чтобы показать себя — вся композиция может быть просмотрена «в один момент».

  Художники-экспрессионисты - Знаменитые художники движения экспрессионизма

Абстрактное искусство в разных направлениях искусства

Кандинский намеренно стремился создать абстрактное искусство и заложил основу для того, чтобы другие художники сделали то же самое. Он устранил ожидания, что искусство должно быть прямым отображением жизни и предметов, и указал на вновь обретенную свободу для художников быть открытыми для экспериментов с различными средствами и формами. Это искусство должно быть продиктовано их внутренним миром, а не внешним. Несмотря на то, что абстракция в искусстве существовала уже несколько веков, целенаправленное намерение применить ее в искусстве становилось все более реальным.

Другие направления искусства начали использовать различные техники, чтобы услышать этот внутренний зов внутри себя и поделиться им с миром. Например, такие направления искусства, как фовизм (группа французских художников под названием «фове», что означает «дикие звери»), начали исследовать цвета в отрыве от того, как они встречаются на природных объектах или представлены ими.

Другими словами, цвета имели независимое значение и были способом представления внутреннего, эмоционального мира художника.

Именно внутренний эмоциональный мир лежал в основе фовизма, а использование насыщенных цветов и форм задало тон другим направлениям искусства. Анри Матисс был в авангарде фовизма, вдохновляя других художников на аналогичные исследования использования цветов и их влияния на формы и пространственные аспекты на холсте.

Абстрактная живопись

Le Bonheur de Vivre («Радость жизни», 1905-06) Анри Матисса; Реган Веркрюйс из Фелпса, Нью-Йорк, США, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Еще одно направление искусства, о котором стоит упомянуть, — кубизм. Художники этого направления создавали геометрические абстрактные формы искусства, которые были «раздроблены» и могли рассматриваться под разными углами. Художники также смешивали передний и задний планы, а фигуры становились кубическими изображениями в композиции. Кубизм был почти противоположной реакцией на правила перспективы и композиции, характерные для искусства эпохи Возрождения.

Известным художником кубизма был уроженец Испании Пабло Пикассо, абстрактное искусство которого отражало вышеупомянутый отход от традиционных правил перспективы эпохи Возрождения. Он также создавал коллажи, смешивая различные медиа, чтобы представить свои идеи об искусстве и мире. Он говорил: «Я рисую предметы так, как я их думаю, а не так, как я их вижу», что еще больше подчеркивает отказ от изображения искусства как прямого отображения внешнего мира.

Важным художественным движением, которое привело к развитию абстрактного искусства, был абстрактный экспрессионизм. Оно зародилось в Нью-Йорке в начале и середине 1900-х годов. На художников повлияли политические и социальные аспекты того времени, в частности, Великая депрессия. Многие художники из Европы также эмигрировали в Нью-Йорк и делились своими художественными теориями с американскими художниками.

Ганс Хофманн был заметной фигурой в это время как художник и теоретик. Он познакомился с выдающимися художниками кубизма и фовизма и перенял принципы этих художников и движений. Он также считается праотцом, так сказать, модернизма. Многие американские художники хотели создать свое собственное американское искусство, основанное на их опыте, вместо того, чтобы слишком глубоко погружаться в европейское искусство, которое было основано на европейском опыте.

Что такое абстрактное искусство

Печень — гребень петуха (1944), Аршил Горький; Аршил Горький, Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Важные концепции абстрактного искусства

Ниже мы рассмотрим важные художественные техники и концепции, связанные с абстрактным искусством, в частности, с акцентом на нерепрезентативную манеру изображения искусства по сравнению с традиционным (идентичным природе) стилем. Кроме того, мы рассмотрим инновационные техники, используемые для изображения внутренних выражений и эмоций художников, а также использование ими различных средств.

Капельная техника

Капельная техника стала популярным способом нанесения краски на холст и получила особое распространение в период абстрактного экспрессионизма. Это объясняется тем, что данная техника была открыта Джексоном Поллоком, который использовал ее на своих больших холстах, поставленных на пол. Эта техника также стала пионером живописи действия, когда художник использует динамичные движения вокруг холста для его создания. Этот подход полностью отличается от традиционного метода работы на мольберте и холсте с кистями, поскольку краска капала или разбрызгивалась на холст не только кистями, но и палочками и сигаретами (как в случае с Джексоном Поллоком).

Перспективные сдвиги

Художники-абстракционисты нарушали формальное использование перспективы и принципов глубины в живописи, изображая геометрические абстрактные формы и формы в композиции вместе с нелокальными цветами. Это создавало более эмоционально насыщенные сцены, которые приводили к интерпретациям за пределами того, что известно как реальность. Абстрактные картины часто были исключительно большими и заставляли зрителей входить в их пространство и взаимодействовать с ним, вызывая в конечном итоге сильные эмоции на протяжении всего процесса.

Это относится и к картинам Марка Ротко. Он даже писал о типе вовлечения и интерпретации своего искусства, говоря: «Я понимаю, что исторически функция написания больших картин — это что-то очень грандиозное и помпезное. Однако причина, по которой я их пишу… именно в том, что я хочу быть близким и человечным».

Нерепрезентативные картины

Изображение нерепрезентативного было ключевой характеристикой абстрактного искусства, и, как уже упоминалось выше, главной целью художника-абстракциониста было отказаться от изображения жизни и ее бесчисленных сцен и пейзажей в том виде, в котором они непосредственно воспринимались. Другими словами, художники не стремились изображать внешний мир, как это было принято и ожидалось в более ранних направлениях искусства. Когда художники изображали внешний мир, это делалось со свободой внутреннего выражения. Основное внимание уделялось скорее образным концепциям, чем буквальным значениям.

Абстрактный рисунок

Без названия (1939), Альберт Юджин Галлатин; Альберт Юджин Галлатин, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Формы, линии, формы и текстуры

Рассматривая абстрактное искусство, мы замечаем, как различные формы, линии и очертания составляют композиции. Это доминирующие визуальные средства, используемые для создания абстрактных картин, что заметно в большинстве работ художников-абстракционистов. В качестве примера можно привести Клайффорда Стилла, который создавал картины с ярко выраженными горизонтальными и вертикальными формами. Другим художником был Жоан Миро, чьи работы изображали аморфные формы и линии, как бы плавающие в пространстве на холсте.

Цвет и картины цветового поля

В дополнение к использованию форм и очертаний, цвет стал важным визуальным инструментом и языком абстрактного искусства. Начиная с ранних европейских движений, таких как фовизм, цвет использовался для изображения нелитерального, включая эстетический опыт, который он вызывал. Многие художники-абстракционисты также изучали психологические аспекты цвета, в частности Василий Кандинский. В 1940-х и 1950-х годах возникло движение Color Field, в котором художники использовали большие площади цвета, часто с монохроматической палитрой.

Геометрическое абстрактное искусство

Абстрактное искусство разнообразно и имеет множество граней — некоторые теоретики даже разделили его на геометрическое абстрактное искусство, которое изображает формы и очертания, не имеющие связи с миром природы, и фундаментальные структуры, создающие форму, а именно линии. Мы видим этот стиль в движении кубистов и позднее в работах таких художников, как «Композиция с большой красной плоскостью, желтым, черным, серым и синим» Пита Мондриана (1921) и «Оптическое искусство» Виктора Вазарели.

Геометрическое абстрактное искусство

Композиция с большой красной плоскостью, желтой, черной, серой и черной, 1921 г. Пит Мондриан; Пит Мондриан, Общественное достояние, через Wikimedia Commons.

Некоторые художники по-прежнему полагаются на расчет и планирование при создании своих работ, но не все. Например, Пит Мондриан создавал «визуальный ритм» с помощью своих асимметричных решеток и не предполагал расчета. Его слова приводятся в письме к Х.П. Бреммеру, голландскому художнику, педагогу и критику:

«Я считаю возможным, что посредством горизонтальных и вертикальных линий, построенных с осознанием, но не с расчетом, руководимых высокой интуицией и приведенных к гармонии и ритму, эти основные формы красоты — дополненные при необходимости другими прямыми линиями или кривыми — могут стать произведением искусства, настолько сильным, насколько оно истинно».

Духовность и музыка в абстрактном искусстве

Многие художники, такие как Василий Кандинский и Пит Мондриан, верили в глубинные духовные качества искусства и стремились отобразить их в своих работах. Музыка также оказала сильное влияние, особенно на Василия Кандинского. Возвращение к метафизическим аспектам бытия позволило художникам-абстракционистам найти более глубокий смысл в своих предметах.

  Акварель против акрила - разница между акварелью и акрилом

Известные художники-абстракционисты

Ниже мы рассмотрим несколько известных художников-абстракционистов, которые не только стали пионерами абстрактного искусства, но и проложили путь для многих художников в процессе его развития. Мы рассмотрим художников-абстракционистов и их работы, принадлежащие к различным направлениям искусства. Мы также определим, что объединяло большинство художников, которые создавали искусство, отстраненное от традиционных представлений о жизни и природе, вместо этого уделяя больше внимания экспрессивной природе себя.

Василий Кандинский (1866 — 1944)

Василий Кандинский был русским художником и теоретиком. В школьные годы он изучал искусство в Одесском художественном училище имени Грекова, а затем продолжил изучать право и экономику в Московском университете. В детстве он также учился играть на виолончели и фортепиано, и отец поддерживал его в развитии художественных талантов, поскольку он проявлял уникальную связь и реакцию на звуки, цвета и слова, которые впоследствии стали основой его художественных способностей.

Среди популярных работ Кандинского — картина «Синий всадник» («Der Blaue Reiter», 1903), изображающая всадника на лошади. Однако здесь Кандинский использует цвет для создания контраста светлого и темного. Эта картина является одной из ранних работ Кандинского и показывает, как стиль импрессионизма повлиял на его кисть и использование цветов. Также очевидно, что он отходит от традиционных способов эстетического изображения в искусстве и создает искусство, которое в конечном итоге будет символизировать его веру в духовное.

На картине Der Blaue Berg («Голубая гора», 1908) изображены всадники на лошадях, окруженные двумя большими деревьями по обе стороны композиции, и голубая гора в центре. Использование цвета Кандинским не соответствует тому, как эти аспекты выглядят в реальной жизни, он использует выразительные мазки кистью и темные контуры. Мы также можем увидеть влияние фовизма благодаря использованию цветов и экспрессивной кисти.

Знаменитое абстрактное искусство

Композиция IV (1911) Василия Кандинского; Василий Кандинский, общественное достояние, через Wikimedia Commons

По мере развития искусства и духовных убеждений Кандинский начал писать более абстрактные работы, такие как его популярная «Композиция IV» (1911). Хотя эта работа абстрактна, при ближайшем рассмотрении мы видим различные идентифицируемые образы, такие как казаки с копьями, лодки, замок и фигуры в лежачем положении. Все эти фигуры изображены с беспредметным символизмом.

Мы видим их применение и во многих других работах Кандинского, например, в Композиции VII (1913), Москва I (Красная площадь) (1916), Композиции VIII (1913) и др. Эти абстрактные картины отображают духовную сущность того, что Кандинский стремился изобразить с помощью предмета. Композиция из цветов, линий и форм, взаимодействующих друг с другом, становится визуальным языком. Хотя абстрактные картины Кандинского кажутся случайными и сделанными наобум, в них есть намеренность и цель.

Композицию VII (1913) художник спланировал и сделал около 30 эскизов, прежде чем написать ее. Она кажется почти зловещей в своем изображении, с оживленностью от различных форм, линий и форм, пересекающихся и взаимодействующих друг с другом. Это сочетается с насыщенными цветами, такими как черный, темно-синий и красный, которые в совокупности создают новые цвета — нежно-зеленый, голубой и горчичный. Считается, что в этой работе также изображены сюжеты из Библии, например, Воскресение и Эдемский сад.

Знаменитая абстрактная живопись

Композиция VII (1913) Василий Кандинский; автор Василий Кандинский , общественное достояние, ссылка

Ханс Хофманн (1880 — 1966)

Ганс Хофманн родился в Германии и эмигрировал в Америку в 1932 году. Он проявил большой талант в различных областях, таких как искусство, наука и музыка. Будучи подростком, он работал на директора общественных работ в Баварии и запатентовал множество научных изобретений. Когда ему было 18 лет, он решил продолжить обучение искусству в художественной школе Морица Хеймана, расположенной в Мюнхене. Он работал художником в Париже до 1914 года, после чего вернулся в Мюнхен и открыл художественную школу.

Художественная школа Хофмана получила признание в художественном сообществе, и он начал путешествовать в Соединенные Штаты, куда он в конечном итоге переехал в результате войны в Европе. Он преподавал в Лиге студентов искусств в Нью-Йорке, а в 1933 году открыл еще одну художественную школу под своим именем — Школу изящных искусств Ханса Хофмана. В 1935 году он открыл летнюю школу в Провинстауне, штат Массачусетс. Его вторая персональная выставка состоялась в галерее Пегги Гуггенхайм «Искусство этого века» в 1944 году, а первая выставка прошла в 1910 году в Берлине.

Среди популярных работ Хофмана — «Ветер» (ок. 1944 г.) и «Шипение» (1944 г.), на которых изображена капельная техника. Джексон Поллок также использовал эту технику, и существуют споры о том, кто первым начал использовать эту технику. Однако считается, что оба художника черпали вдохновение в работах Андре Массона, которые были основаны на образах, исследующих подсознательные, сюрреалистические аспекты.

Вышеупомянутые работы Хофмана исследовали полную абстрактную реальность на холсте, с большими участками цвета, разбрызганными и разбросанными по холсту.

Среди других работ Хофмана — «Помпеи» (1959), на которой изображены большие квадратные участки краски, заполняющие холст темными оттенками красного, синего, розового и белого, смешанного с синим, что создает легкий контраст. Фон полностью красный, что намекает на использование или удаление пространственной перспективы. Эти картины часто называли «плитами», что указывает на использование прямоугольников и квадратов в пределах прямоугольной формы холста.

Марк Ротко (1903 — 1970)

Марк Ротко был американским абстрактным экспрессионистом, родившимся в Латвии, но эмигрировавшим в США вместе со своей семьей в 1913 году. Он был вдохновлен начать свою карьеру художника, когда увидел, как студент делает набросок модели в Лиге студентов искусств Нью-Йорка. После этого он поступил в Школу дизайна Парсонс в качестве студента и учился у таких преподавателей, как Аршил Горький, художник и абстрактный экспрессионист. Он также учился у кубиста Макса Вебера в Лиге студентов искусств.

Ротко работал в Швейном квартале Нью-Йорка, где он начал работать в 1923 году, и познакомился с известными художниками и их работами. Он также начал давать уроки рисования для детей в Академии Центра при Бруклинском еврейском центре. На Ротко сильно повлияли работы Милтона Кларка Эйвери, абстрактного и современного художника, которого часто называют «американским Матиссом» из-за его использования цветов.

Абстрактные художники

Фотография Марка Ротко примерно в 1949 году; Консуэло Канага, без ограничений, через Wikimedia Commons

Творчество Ротко развивалось на протяжении всей его жизни от импрессионистских изображений городской жизни и сцен до абстрактных картин, вдохновленных мифологией. На него также оказали влияние последствия Второй мировой войны, и он изучал идею трагедии через такие публикации, как «Рождение трагедии» Ницше и греческих трагиков, таких как Эсхил. Погружение в эти темы привело его к созданию более абстрактного искусства, которое затрагивало внутренний мир, а не изображало внешнее.

Эдип» (1944) — пример работы Ротко на мифологическую тему, изображающей уникальное сочетание человекоподобных фигур. Она вдохновлена историей об Эдипе и психологией таких повествований, как гордость, страсть, а также сплетение и взаимосвязь, которые мы все разделяем как люди. В этой композиции есть несколько фигур, расчлененных и вновь расчлененных в разных местах. Фон предполагает украшенный интерьер и, возможно, стул или цоколь, на котором стоят фигуры.

Поздние работы Ротко включают его популярные большие прямоугольные участки сплошной краски и цвета. Например, картина «Оранжевый, красный, желтый» (1961), как следует из названия, состоит из трех прямоугольников разного размера желтого и оранжевого цветов на красном фоне. Каждая прямоугольная форма почти перетекает в красный фон, без твердой границы вокруг нее. Ротко наносил краску тонкими слоями, что также придавало ей элемент более яркого оттенка.

  Кинетическое искусство - обзор этого движущегося художественного термина

Среди других подобных работ — «Без названия, черное на сером» (1969), где на холсте изображены две прямоугольные формы. Верхняя часть — черная, а нижняя — серая, и они были написаны на белом холсте без грунтовки, что обычно делал Ротко.

Эта картина кажется более строгой в своем использовании цвета и вызывает более глубокие чувства печали и, возможно, даже смерти. Интерпретации этого произведения были связаны с лунными изображениями, а также с ночной фотографией.

Джексон Поллок (1912 — 1956)

Джексон Поллок — один из известных художников американского художественного направления, абстрактного экспрессионизма. Поллок родился в Вайоминге, но вырос в нескольких городах Калифорнии. В 1930-х годах он переехал в Нью-Йорк вместе со своим братом Чарльзом Поллоком, который также был художником-абстракционистом. Оба брата учились в Лиге студентов искусств у Томаса Харта Бентона, который был частью движения регионалистского искусства.

Поллок был вдохновлен работами мексиканских художников-монументалистов, и на семинаре в Нью-Йорке Давид Альфаро Сикейрос, мексиканский художник-монументалист, показал ему, как использовать жидкую краску. Отсюда он перенял технику наливания краски на свои холсты, которая переросла в его фирменную технику капель.

Известные абстрактные художники

Фотография Джексона Поллока в возрасте 16 лет в 1928 году; Смитсоновский музей американского искусства, общественное достояние, через Wikimedia Commons

В 1940-е годы Поллок создавал различные важные произведения искусства, но стоит обратить внимание на некоторые из его ранних работ, прежде чем его капельная живопись стала кульминацией его карьеры художника. Картина «На Запад» (1934-35) — это фигуративная работа, выполненная масляными красками. На ней изображена семья, движущаяся на запад со своими лошадьми и каретами. Этому произведению придается различное значение, одно из которых заключается в том, что Поллок опирался на воспоминания о переезде на запад (из Аризоны в Калифорнию) вместе со своей семьей, а другое — на фотографию моста в Вайоминге.

Картина «Идти на Запад» выполнена в темных тонах, а кисти более плавные и вихревые в своей технике. Этот стиль живописи отличается от более поздних работ Поллока, что также свидетельствует о его мастерстве художника в передаче различных повествований с помощью красок и кистей.

Эта работа также напоминает стили Ван Гога и Эль Греко, которые также изображали вихри краски, создавая большую эмоциональную интенсивность в кадре.

Фреска (1943) — это ранняя капельная живопись Поллока, ее размер составляет 8 x 20 футов. Поллок начал работать на больших холстах, размещенных на полу, и использовал все свое тело для создания произведения искусства. Этот динамизм и сила движения вокруг его холста были названы Action painting. На Поллока оказали влияние другие популярные художники, такие как Пабло Пикассо, Томас Харт Бентон, а также песочная живопись коренных американцев.

На представленной выше работе Поллока изображены многочисленные движущиеся фигуры в вихрях разноцветной краски. Мазки кисти кажутся то толстыми, то тонкими, что также придает произведению динамичность. Толстые дуги черных линий выделяются среди более пастельных цветов — желтого, розового и голубого. Эта работа была выполнена по заказу Пегги Гуггенхайм.

Современное абстрактное искусство

Тумба в Винчестере, Англия, раскрашенная в стиле «Летнего времени» Джексона Поллока. Это один из серии, установленный на углу Грейт-Минстер-стрит и площади; Andy Mabbett, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons.

Еще одна знаменитая капельная живопись Поллока — «Осенний ритм: Номер 30 (1950), также одна из работ, которые были частью персональной выставки Поллока, получившей положительный резонанс в СМИ. Поллок начал эту работу с нанесения разбавленной смеси черной краски на всю горизонтальную поверхность холста. Поверх нее он добавил смесь различных приглушенных цветов, таких как черный, белый, бежевый и коричневый. Краска размазана по холсту тонкими и толстыми каплями, каждая из которых идет своим путем по холсту, пересекаясь и переплавляясь друг в друга. В этой картине цвета и динамичный поток имеют осеннее ощущение и ритм, как это точно описано в названии.

Хотя было много очень известных художников-абстракционистов (в разных направлениях искусства), которые создали свой собственный уникальный «бренд» абстрактного искусства, выше мы рассмотрим несколько популярных имен, которые мы все узнали благодаря их новаторским, инновационным и воображаемым взглядам, которые указали путь другим художникам.

Смерть (и жизнь) абстрактного искусства

Хотя некоторые источники утверждают, что абстрактное искусство было «объявлено мертвым» почти 40 лет назад, это не совсем так. Абстрактное искусство продолжает жить в 21 веке и, возможно, достигло своей вершины в конце абстрактного экспрессионизма. В этот период времени доминирующим направлением в искусстве стал минимализм, в котором группа художников сосредоточилась на элементах, используемых в абстрактном искусстве, таких как формы, линии, формы и цвета, но без личного самовыражения, определяющего тематику произведения.

Абстрактное искусство в 21 веке столь же разнообразно, как и в начале 19 века. В настоящее время сотни художников-абстракционистов создают нерепрезентативные картины, скульптуры и инсталляции, которые выходят за границы того, чем должно быть искусство и как должны использоваться средства массовой информации.

Кроме того, цифровая эпоха принесла с собой новый подъем в репрезентации, а также в использовании цветов, форм и символов (вновь созданных и заимствованных из старых) для изображения не только жизни, но и аспектов метафизического, духовного, а также всемирного влияния глобализации и мира, который значительно отличается от того, что был почти век назад. Все эти элементы, несомненно, будут способствовать эволюции абстрактного искусства далеко за пределами 21-го века.

Часто задаваемые вопросы

Что такое абстрактное искусство?

Абстрактное искусство зародилось в 20 веке и отошло от более традиционного изобразительного способа изображения искусства, например, по сравнению с эпохой Возрождения, когда художники рисовали то, что видели. Абстрактные художники уделяли больше внимания выражению своих эмоций и внутренней интерпретации жизни, часто размышляя о таких глубоких аспектах, как духовность и метафизика. Они изображали эти глубокие смыслы, используя различные цвета и формы. В процессе создания своих произведений абстрактные художники создавали совершенно новые темы.

Каковы основные характеристики абстрактного искусства?

Многие источники указывают на основные элементы, составляющие абстрактное искусство, которые включают в себя акцент на визуальных аспектах и мотивах, таких как линии, формы, цвета, формы и различные текстуры. Они использовались на холсте в различных манерах и часто располагались нелогично или эстетически привлекательно. Холсты часто ставились на пол, что позволяло художникам двигаться более динамично, что было характерно для абстрактного экспрессионизма.

Было ли абстрактное искусство одним художественным движением?

Нет, абстрактное искусство возникло в рамках различных направлений искусства, включая фовизм, кубизм, абстрактный экспрессионизм и другие направления, такие как сюрреализм. Можно даже сказать, что абстрактное искусство возникло в ранних наскальных рисунках, но как официальное направление искусства его основы, как полагают, зародились во Франции в конце 1800-х годов во время таких художественных движений, как постимпрессионизм.

Кто были знаменитые художники-абстракционисты?

Василий Кандинский считается предтечей абстрактного искусства. Он был русским художником, который использовал цвет подобно тому, как музыкант использует музыку. Музыка также занимала значительное место в творчестве Кандинского, и он стремился использовать свои картины и цвета, чтобы символизировать духовное в искусстве. Другой известный художник-абстракционист, Джексон Поллок, стал пионером стиля, называемого живописью действия. Он создавал произведения искусства на больших холстах, выливая на них краску или размазывая ее различными способами. Вместе с краской он часто использовал другие материалы, например, песок. Другим художником был Пабло Пикассо, один из предшественников кубизма. Он также был известен своими коллажами, которые часто состояли из частей плакатов, газет, журнальных вырезок, а также других элементов, таких как провода. Этот стиль в сочетании с геометрическими и деконструированными образами, характерными для кубизма, создал новый тип абстрактного искусства.

Оцените статью
( Пока оценок нет )
Start-Good
Добавить комментарий

Adblock
detector