На рубеже 20-го века зародилось искусство фовизма. Что такое фовизм? Это движение современного искусства нашло вдохновение в интенсивном цвете, эмоциональной уязвимости и изображении света в работах Поля Сезанна, Винсента Ван Гога, Жоржа Серата, Поля Гогена и других. Свободно связанная группа французских художников, включая Альбера Марке, Жоржа Руо и Анри Матисса, стала пионером движения фовистов. Движение фовистов послужило источником вдохновения для других направлений современного искусства начала XX века, таких как экспрессионизм и кубизм.
Оглавление
Краткое описание ключевого вклада фовизма в искусство 20 века
Будучи первым движением современного искусства 20-го века, движение фовистов заложило основу для многих наиболее известных направлений современного искусства, включая кубизм и экспрессионизм. В творчестве фовистов есть три основных аспекта, которые были заметными отступлениями от традиций 19 века и заложили основу для последующих движений современного искусства.
Эти ключевые достижения фовистов включают использование цвета, интерес к субъективному опыту художника, а также уникальный характер тематики и стиля.
Фовизм и цвет
Возможно, самым большим вкладом художников-фовистов в современное искусство стало использование ими цвета. На протяжении 19-го века цвет использовался преимущественно в изобразительном качестве, которое зависело от реальности природного мира. Художники-фовисты были революционными в использовании цвета, позволяя цвету просто существовать на холсте в своем собственном качестве.
Хотя цвет по-прежнему играл важную роль в создании структуры и настроения произведения, особенно когда фовисты подчеркивали индивидуальное выражение, использование цвета больше не нужно было связывать с миром природы.
Le marché de Pont Audemer («Рынок у моста Одемер»), Робер Антуан Пиншон; Robert Antoine Pinchon, Public domain, via Wikimedia Commons
Цвет как средство самовыражения был главной заботой всех художников-фовистов. Сочетания и расположение цветов были основой фовистского ритма, формы и темы. Для художников-фовистов цвет был окном в истинное выражение субъективного восприятия, которое было полностью отделено от первоначальной физической формы. Лицо, как, например, «Зеленая полоса — мадам Матисс» (1905), может быть любой комбинации потенциально противоречивых цветов.
Дерево могло быть фиолетовым, а небо — зеленым — именно восприятие и интуиция лежали в основе использования цвета фовистами, а не верность реальности.
Фовизм и индивидуальная субъективность
Цвет был частью главной заботы фовистов о выражении индивидуальной субъективности. Произведения фовизма часто были эмоционально заряжены, точно изображая непосредственные переживания художника. Для художников-фовистов интуиция, отношение к предмету и эмоциональная реакция на окружающий мир пронизывали каждый мазок кисти.
Для многих художников фовистского движения эмоциональное содержание картины значительно превосходило по важности любые теоретические или академические темы. Каждый элемент фовистской картины существовал для единственной задачи — передать субъективный опыт.
Тематика и стиль фовизма
Третий важный вклад, который движение фовистов внесло в развитие современного искусства XX века, заключается в их способности уравновешивать композицию. Произведения фовизма имеют сильный и единый композиционный облик, которого фовисты достигли благодаря использованию насыщенных цветов и упрощенных форм.
Эти два приема усиливали присущую бумаге или холсту двухмерность, что в свою очередь подчеркивало значимость каждого отдельного композиционного компонента.
Jeanne au rocher ( Cavalière ) (1906) by Henri Manguin; w:Henri Manguin, Public domain, via Wikimedia Commons
Возможно, в результате своей увлеченности формой и цветом, художники-фовисты казались менее озабоченными новизной своих предметов. В отличие от импрессионистов, которые предпочитали изображать современный мегаполис, рисуя парижские концертные залы, кафе и бульвары, художники-фовисты вернулись к традиционным и простым сюжетам.
Многие художники-фовисты предпочли сосредоточиться на окружающем мире, включая фигуры в интерьерах, пейзажи, портреты и морские пейзажи. Хотя сами по себе их сюжеты, возможно, не были революционными, именно то, как они изображали субъективную ценность этих предметов в смелом и непоколебимом цвете, определило движение.
Традиционные сюжеты стали тем средством, с помощью которого художники-фовисты могли провести зрителя, используя цвет и кисть, по своему внутреннему творческому пути.
Развитие фовизма
Анри Матисс и Андре Дерен обычно являются двумя художниками, которых искусствоведы называют пионерами фовизма в начале 20-го века. Эти два художника стали основой группы молодых французских художников, которые нашли свое выражение в простых формах и смелых цветах.
Хотя эта группа и была движением фовистов, это направление современного искусства 20-го века уходит своими корнями к французским художникам-импрессионистам и постимпрессионистам.
Основы фовизма
Такие художники, как Серат, Ван Гог и Гоген, считались лидерами французского авангарда, и именно их эксперименты с чистым цветом, нанесением краски, выразительными линиями и сюжетами заложили основы фовизма. Художники-фовисты также унаследовали практику рисования непосредственно с натуры, как это делали до них художники-импрессионисты.
Однако картины фовистов были больше направлены на то, чтобы представить предметы с сильным чувством экспрессионизма.
Les Baigneuses des Andelys («Купальщицы Анделиса», 1908 г.), Оттон Фриш; Оттон Фриш, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Движение фовистов также черпало вдохновение из символистского акцента на внутреннем и субъективном видении художника. В плавильном котле, который стал движением фовистов, европейские художественные учреждения признали африканские скульптуры как вид искусства, а не как артефакты антропологического исследования.
Европейские художники почерпнули из африканского искусства новые идеи репрезентации и формы, многие из которых, включая твердые и простые формы, легли в основу живописи фовистов.
Анри Матисс и цвет
Историки искусства сходятся во мнении, что Матисс был художником, в основном ответственным за основание круга фовистов. Матисс привнес несколько ключевых идей в зарождение фовизма, включая учение Моро об эссенциализме личного самовыражения, а также стили и техники пуантилизма.
Хотя Матисс никогда не применял теорию пуантилизма, которую впервые применили Анри-Эдмон Кросс, Поль Синьяк и Жорж Сёра, он был очарован тем, как художник может создать гармоничный визуальный тон с помощью крошечных точек краски разного цвета.
Натюрморт с яблоками (1916), Анри Матисс; Дадерот, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя он никогда не практиковал пуантилизм, наблюдения Матисса за этой техникой привели его к разработке собственной концепции структуры цвета. Развитие цветовой структуры было также в значительной степени вдохновлено интеграцией цельного дизайна и цвета в картинах художников-постимпрессионистов, таких как Эдуард Вюйар, Пьер Боннар и Поль Гоген. В некотором смысле, структура цвета была антагонистом пуантилизма, в котором Матисс использовал большие и плоские участки одного цвета, чтобы намеренно создать определенное настроение в своих картинах.
Матисс объединил все эти различные идеи вместе, чтобы создать уникальное фовистское использование цвета.
Отойдя от смешивания и комбинирования тонких оттенков цвета, Матисс и другие художники-фовисты начали передавать эмоции с помощью ярких и неразбавленных красок, часто прямо из тюбика. С середины 1890-х годов Матисс работал на открытом воздухе, и у него появился интерес к передаче различных эффектов сильного естественного освещения, который усилился после поездки в 1898 году на юг Франции и Корсику. Матисс развивал эти техники, работая вместе с Кроссом и Синьяком в 1904 году.
Влияние Поля Сезанна
Еще одно важное влияние на развитие движения фовизма оказал французский художник Поль Сезанн, чье использование насыщенных цветов оказало большое влияние на стиль движения. Его работы, наряду с работами Винсента Ван Гога и Поля Гогена, выражали настолько обостренное чувство срочности и незавершенности, что вызвали критическую реакцию на творчество Анри Матисса еще до возникновения фовизма.
Благодаря огромному влиянию Сезанна на мир искусства, многие художники заявляют, что он является всеобъемлющим «отцом» искусства.
Поль Сезанн родился во Франции, его помнят в основном за ту важную роль, которую он сыграл в движении постимпрессионизма. Считается, что он стал тем мостом, который успешно соединил импрессионизм конца XIX века с новым художественным стилем начала XX века. Несмотря на то, что Сезанн проложил путь к развитию модернизма, он стал пользоваться большим восхищением и уважением только к концу своей жизни. Его работы бесчисленное количество раз отклонялись парижским Салоном, а его картины высмеивались критиками, когда он впервые выставлялся вместе с группой импрессионистов.
Автопортрет (ок. 1875) Поля Сезанна, находится в Музее д’Орсэ в Париже; Поль Сезанн, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В 1906 году состоялся Салон независимых художников. Это был первый раз, когда все фове выставляли свои работы вместе, а центральным экспонатом выставки стала картина Анри Матисса «Bonheur de Vivre» (1905 — 1906). Однако критики резко отозвались об этой работе, сравнив ее с серией «Купальщицы» Сезанна (1898-1905), которая также не получила должного отклика. Явная плоскостность, яркие цвета, разнообразный стиль и разнообразная техника Матисса слишком сильно напоминали работы Сезанна; картина вообще не считалась достойным произведением искусства.
Однако те, кто высмеивал картины Поля Сезанна, не признавали, что за его работами стоит чистый гений. Поскольку мир искусства продолжает развиваться и эволюционировать, работы Сезанна стали одними из самых влиятельных и важных связей между основными направлениями искусства, такими как импрессионизм и фовизм.
Les Grandes Baigneuses («Большие купальщицы») (1906) Поля Сезанна, находится в Музее искусств Филадельфии в Пенсильвании; Поль Сезанн, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Помимо того, что импрессионистские картины Сезанна оказали длительное влияние на сильные цвета и живописные качества фовизма, они повлияли на такие направления, как кубизм, экспрессионизм и даже абстракционизм.
Если рассматривать произведения Сезанна, то стиль живописи, который он использовал, делал его работы четко идентифицируемыми. Предпочитая создавать поверхности сплошного цвета, нанесенные мелкими мазками, Сезанн в дальнейшем использовал повторяющиеся и выразительные мазки, которые придавали его полотнам повышенный уровень характерности.
Это позволило ему создавать сложные участки цвета и мазков, что помогло выразить интенсивность различных сцен и сюжетов.
Расширение круга фовистов
Пока Матисс экспериментировал с цветовой техникой постимпрессионизма, Морис де Вламинк и Андре Дерен познакомились и начали тесно сотрудничать друг с другом. Эти два художника начали делить парижскую студию в 1901 году, и там они начали развивать общий интерес к направленной кисти и смелым цветам. В 1899 году Дерен познакомился с Матиссом, которого позже представил де Вламинку.
Морис де Вламинк был значительно старше и состоятельнее двух молодых фовистов, он выступал в качестве источника поддержки и поощрения их творчества и представлял их потенциальным арт-дилерам.
Обложка каталога Салона д’Автомн 1905 года, Париж; Salon d’Automne, Public domain, via Wikimedia Commons
Во время посещения парижской студии в 1905 году Матисс увидел использование чистого цвета в работах де Вламинка и был очень впечатлен. В том же году Дерен был приглашен вместе с Матиссом в рыбацкий и портовый городок на юге Франции под названием Коллиур. Здесь два художника провели четыре месяца, сотрудничая и совершенствуя свои техники работы кистью и модели использования цвета.
За это время они оба создали несколько заметных картин, многие из которых были выставлены на ежегодном Салоне д’Автомн того года.
Салон д’Автомн и рождение фовистов
Эти три первых фовиста представили по несколько картин фовизма на выставке 1905 года в Париже. Несколько других бывших учеников великого Моро также выставлялись в Гран-Пале, включая Альбера Марке и Анри Мангена.
Картины этих художников, выполненные в стиле фовизма, отличались спонтанностью кисти и яркими насыщенными цветами.
Альбер Марке также выставил более традиционный скульптурный бюст, который выделялся среди ярких картин. Луи Вокселль описал эту сцену как «Донателло среди диких зверей». Термин «дикие звери», или «фове», прилип к этим художникам.
Вырезка из прессы для Le Salon d’Automne, Les Fauve, в журнале L’Illustration, 4 ноября 1905 года, стр. 295; не идентифицировано, анонимно, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя эта слабо связанная группа художников столкнулась со значительной враждебностью со стороны художественных критиков, многие из них пользовались значительным финансовым успехом после этой выставки 1905 года. В последующие годы многие из этих художников выставлялись в нескольких других известных салонах, включая Салон независимых художников 1907 года. В это время фовисты стали настолько известны, что большая комната под названием «Логово фовистов» была главной достопримечательностью выставки 1907 года.
В первые годы 20-го века к трио Фове присоединилось еще несколько художников, включая Рауля Дюфи, Киса ван Донгена, Жоржа Руо, Жоржа Брака и Отона Фриза. Все эти художники жили во Франции и часто делили студийные пространства, путешествовали вместе и обменивались идеями.
Критик Луи Воксель
Другим влиятельным представителем движения фовизма был французский художественный критик Луи Воссель, которому приписывают авторство термина «фовизм» для этого движения! Кроме того, он также придумал слово «кубизм» для обозначения аналитического и авангардного направления в искусстве, возникшего в начале 20-го века. Воксель родился в Париже в 1870 году и к 1900 году стал одним из самых популярных художественных критиков во Франции.
Регулярно появляясь в различных изданиях, таких как «Жиль Блас» и «Эксельсиор», Восселес очень не любил как официальный салонный стиль, так и абстрактные работы. В связи с этим он сильно противостоял фовизму, считая, что это художественное движение не содержит ничего ценного.
Рисунок углем критика Луи Вокселя (1909), Жюль Шере; Жюль Шере, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
В 1905 году он использовал термин «les fauves», что переводится как «дикие звери», в своем обзоре выставки Salon d’Automne. Он описал увиденные им произведения искусства насмешливо и критически, сравнивая их с работами Анри Матисса, которые ему также не нравились. Еще одной причиной его неприязни к работам фовистов было то, что они были выставлены в одном зале со скульптурой Донателло, который, по его мнению, поддерживал высокие стандарты искусства.
«Le fauves» использовалось для описания чистого уродства картин, которые он видел, особенно в сравнении с совершенством работ Донателло в том же помещении. Вокселль лишь похвалил скульптуру, назвав ее «Донателло среди диких зверей», отсюда и родился термин.
Несмотря на то, что это важное движение получило свое отличительное название, Вокселль считал его опасным стилем, не имеющим абсолютно никакой привлекательности, и резко критиковал известных художников, принимавших в нем участие.
Самые влиятельные фове и их работы
Теперь, когда у вас есть общее представление о развитии движения фовистов и некоторых ключевых техниках и стилях, мы можем более подробно рассмотреть некоторых наиболее влиятельных художников-фовистов и их работы. Искусство — это визуальная форма, и нет лучшего способа понять движение, чем воспринять его глазами.
Анри Матисс (1869 — 1954)
| Дата рождения | 31 декабря 1869 года |
| Дата смерти | 3 ноября 1954 года |
| Национальность | Француз |
| Художественные направления | Фовизм, модернизм и постимпрессионизм |
Анри Матисс впервые появился на французской художественной сцене как художник-постимпрессионист, а известности он добился как лидер движения фовистов. Когда речь заходит о фовистском использовании цвета, Матисс, безусловно, является пионером. Фактически, многие считают его самым значительным колористом 20-го века. С точки зрения важности разработок Матисса в области цвета, многие считают его соперником инноваций Пабло Пикассо.
Хотя Матисс проявлял некоторый интерес к движению кубистов, он погрузился в свое желание использовать цвет как основу для декоративных, выразительных и монументальных картин.
Фотография Анри Матисса, Париж, 13 мая 1913 года; Элвин Лэнгдон Кобурн, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ключевые элементы стиля Матисса
Анри Матисс имеет очень узнаваемый стиль в рамках движения фовистов. С точки зрения использования чистого цвета, стремления к балансу, использования различных культурных элементов и выбора тематики, Матисс является одним из самых уникальных и знаменитых художников 20-го века.
Самой известной гранью фовистского стиля Матисса, безусловно, является использование цвета.
Как уже говорилось ранее, Матисс объединил использование цвета в пуантилизме и постимпрессионизме, создав уникальный стиль. Вместо того чтобы использовать гамму смешанных оттенков, Матисс предпочитал сочетать просторы открытого холста с участками чистого цвета, чтобы создать атмосферу, наполненную светом. Вместо штриховки или моделирования для придания объемности и глубины своим работам, Матисс сопоставлял участки немодулированного и часто контрастного цвета.
Матисс оказал влияние на поддержку ценности декоративных элементов в современном искусстве 20-го века, но он хотел, чтобы его искусство создавало ощущение равновесия и спокойствия. Матисс однажды сказал, что он не хотел, чтобы его искусство было депрессивным или тревожным, предпочитая передавать чувство безмятежности, чистоты и равновесия. Это стремление оказалось влиятельным для некоторых других художников, включая Клемента Гринберга, который хотел, чтобы искусство давало ощущение убежища и защиты от дезориентирующей современной жизни. Несмотря на это желание, Матисс часто намеренно использовал тревожные сочетания рисунка и цвета.
Купающиеся у реки (1909-1916) Анри Матисс; Анри Матисс, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Анри Матисс включил широкий спектр культурных влияний в свои фовистские работы. После путешествия в Северную Африку и посещения нескольких выставок азиатского искусства, Матисс начал включать различные элементы этих культурных художественных практик в свои картины. В частности, Матисс тяготел к плоскому виду многих японских гравюр, угловатым формам африканской скульптуры и декоративным узорам исламских форм искусства. Результатом стал эклектичный и уникальный стиль, который известен и прославлен во всем мире.
Что касается тематики, то Матисс специализировался на портретах обнаженной натуры и натюрмортах, хотя он занимался и другими типично фовистскими темами.
Матисс был не только художником, он также создавал скульптуры и многие мультимедийные работы. Многие из его скульптурных работ посвящены человеческой фигуре, которой, по его мнению, пренебрегали художники-импрессионисты. Иногда фигуры Матисса были пронизаны индивидуальностью и настроением его моделей, а иногда он просто использовал их форму как средство выражения собственных чувств и эмоций. Эти человеческие фигуры могут быть криволинейными или жестко фрагментированными.
Люкс, спокойствие и волнение (1904)
| Год | 1904 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 98,5 см x 118,5 см |
| Где в настоящее время находится | Музей д’Орсэ, Париж |
При взгляде на эту картину маслом сразу видно, что она является примером ранней работы Матисса. Она не только демонстрирует его ранние стилистические влияния, но и намекает на развитие его собственного стиля, которое еще предстояло. Матисс использует крошечные мазки цвета, которые создают визуальную дрожь, намекая на пуантилизм и дивизионизм. Однако он не сливает эти цвета вместе в традициях этих стилей, чтобы создать гармоничную тональность. Вместо этого Матисс сохраняет желтые, зеленые, синие и красные цвета на отдельных участках холста.
Эффект, который Матиссу удается создать, объединив свое увлечение чистым цветом с техникой пуантилизма, — это эффект повышенного головокружения.
Разделение цветов усиливает вибрацию точечной техники. Название этой картины переводится как «Роскошь, мир и наслаждение». Матисс присвоил это название строчке из стихотворения Шарля Бодлера «Приглашение к путешествию» (1857). Эта картина — одна из самых знаменитых у Матисса, поскольку она написана в стиле фовизма.
Le Bonheur de Vivre (1905 — 1906)
| Год | 1905 — 1906 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 176,5 см x 240,7 см |
| Где в настоящее время находится | Фонд Барнса, Филадельфия |
Из всех его знаменитых работ эта картина под названием «Радость жизни» является, пожалуй, самой известной фовистской картиной Матисса. По сравнению с картиной «Люкс, спокойствие и волнение», эта картина представляет собой явное продвижение к твердому фовистскому стилю Матисса. Исчезла техника пуантилизма, но сохранилось использование чистого блокированного цвета.
В типичном фовистском стиле революционным является не сам предмет, а скорее способ его подачи.
На картине изображена пасторальная сцена с различными веселящимися фигурами. Это традиционная сцена, но Матисс смело использует блоки неестественных цветов, чтобы добавить структуру. Обнаженные фигуры на сцене занимаются различными видами деятельности, наполненными блаженством, включая объятия, танцы и музицирование. Извилистая сеть изогнутых линий и использование Матиссом одних и тех же цветов для всех композиционных элементов связывают фигуры друг с другом и с пейзажем.
Le Bonheur de vivre («Радость жизни», 1905-1906), Анри Матисс; Риган Веркрюйс из Фелпса, Нью-Йорк, США, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
То, как Матисс сопоставляет пары дополняющих друг друга цветов, заменяет традиционные методы создания глубины и размера, и создает такие сильные контрасты, что картина почти вибрирует при взгляде на нее.
Одна из причин такого влияния этой картины заключается в том, что она объединяет в себе визуальные стили и влияния различных направлений искусства от модерна до Ренессанса, но в совершенно современной манере.
Танцы (1910)
| Год | 1910 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 260 см x 391 см |
| Где в настоящее время находится | Эрмитаж, Санкт-Петербург |
Эта картина представляет собой кульминацию фовизма Матисса и является одной из его последних работ в этом стиле. Картина «Танец» была заказана Сергеем Щукиным, русским купцом и покровителем авангардного искусства, вместе с другой картиной «Музыка». Еще одна известная картина Матисса, на этом полотне изображены обнаженные фигуры, участвующие в круговом танце.
И снова Матисс переосмысливает вековые композиционные мотивы в совершенно современном ключе. Этот конкретный мотив часто напоминает о золотом веке отдыха и гармонии.
La Danse (1910), Анри Матисс; Michel B., CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Матисс упрощает и искажает тела этих обнаженных фигур, их конечности задевают края холста, как будто холст едва способен сдержать их динамизм. Это изображение фигур не только новое и интригующее, но Матисс также рисует их в неестественных и ярких цветах. Фигуры имеют сплошной оттенок и располагаются на очень плоском фоне зеленой земли и голубого неба.
Благодаря блокированному использованию чистых цветов и игривому отношению к анатомии фигуры, Матиссу удается подчеркнуть первозданные элементы танца.
Шарль Камуэн (1879 — 1965)
| Дата рождения | 23 сентября 1879 года |
| Дата смерти | 20 мая 1965 года |
| Национальность | Француз |
| Художественные направления | Фовизм |
Другим французским художником, известным своим участием в движении фовизма, был Шарль Камуэн. Будучи сначала экспрессионистом-пейзажистом, Камуэн познакомился с Анри Матиссом на занятиях, которые вел Гюстав Моро, где Матисс познакомил его со стилем фовизма.
Вместе с Матиссом и другими художниками, включая Андре Дерена, Камуэн помог создать первоначальную группу художников-фовистов.
Шарль Камуэн установил дружбу с Матиссом на всю жизнь, оставаясь рядом с ним на протяжении всего движения и даже после его окончания. Одной из его выдающихся картин является фовистский портрет, который он сделал с Анри Матисса и который сегодня хранится в постоянной коллекции в Музее Помпиду в Париже.
Марсельский порт (1904)
| Год | 1904 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 46,7 см x 61 см |
| Где в настоящее время находится | Частная коллекция |
После установления дружеских отношений с Анри Матиссом, Камуан был убежден своим другом вернуться в родной город Марсель, чтобы написать великолепные морские пейзажи, которые встречаются на побережье. Между 1904 и 1906 годами Шарль Камуэн путешествовал по южному побережью Франции в сопровождении Альбера Марке и Анри Мангена, где все трое прогуливались по местным городкам, из которых открывались потрясающие виды на Марсель, Антеор и Сен-Тропе.
Что делает эту картину такой прекрасной, так это то, что Камуэн смог запечатлеть вид, доступный только местным жителям.
Другими словами, это был вид, который не часто видели другие, что делает его картину редким произведением, отражающим мимолетный момент. Запечатлев сцену из гавани, Камуэн изобразил корабли, стоящие в доках, используя приглушенные голубые и белые цвета, а на заднем плане — старый форт Марселя. Добавление красных и желтых бликов, разбросанных по всей композиции, помогает вдохнуть жизнь в его работу.
Картина «Порт Марселя» была написана в серии из четырех других работ, которые Камуэн завершил во время своего путешествия.
Андре Дерен (1880 — 1954)
| Дата рождения | 10 июня 1880 года |
| Дата смерти | 8 сентября 1954 года |
| Национальность | Француз |
| Художественные направления | Фовизм |
Наряду с Матиссом, Дерен является одним из самых выдающихся художников-фовистов, и он сыграл значительную роль в развитии не только фовистского движения, но и его более поздние связи с Пабло Пикассо стали неотъемлемой частью движения кубистов. Несмотря на свою популярность, Дерен находится в центре дебатов вокруг оригинальности его работ и его идей. В своих постоянных попытках создать искусство, которое было бы вне времени и наполнено художественным смыслом, он много экспериментировал с огромным количеством стилистических идиом.
Независимо от споров, талант Дерена как художника и его вклад в развитие фовизма нельзя недооценивать.
Фотография Андре Дерена, 1928 год; Agence de presse Meurisse, Public domain, via Wikimedia Commons
Ключевые элементы стиля Дерена
Как и Матисс, Дерен известен использованием смелых чистых цветов, увлечением африканскими стилями искусства и использованием упрощенных форм. Работы Дерена также можно охарактеризовать его поиском художественного стиля, не требующего контекста для придания ему ценности, и использованием выразительной кисти.
В то время как Матисс использовал целый ряд культурных ссылок для развития своего стиля, Дерен сосредоточился в основном на примитивных масках. Он был одним из первых художников, коллекционировавших искусство африканских племен, и многие считают, что его интерес вдохновил художников-кубистов, таких как Брак и Пикассо.
Хотя Дерен недолго интересовался кубизмом в своих работах, он быстро перешел к другим стилям.
Вид на Доннемари-ан-Монтуа (ок. 1942-1943) Андре Дерена; Андре Дерен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В работах Дерена на протяжении многих лет можно увидеть множество разнообразных стилей. Хотя его интерес к поиску вида искусства, обладающего внутренней ценностью, независимо от контекста, объединял его идеи со многими художниками-символистами, он также демонстрировал кратковременную склонность к идеализму более классических форм искусства. В отличие от художников-импрессионистов до него, Дерен не фокусировался на реальности окружающего мира, предпочитая использовать цвет и кисть, чтобы перенести на холст присущую ему красоту.
Одной из ключевых особенностей картин Дерена является использование выразительных мазков.
Хотя он находил интересные сюжеты в окружающем его мире, его внимание всегда было сосредоточено на передаче качеств краски с помощью интересных и ярких мазков. Плотные и порой неистовые мазки можно заметить во многих самых известных работах Дерена.
Портрет Анри Матисса (1905)
| Год | 1905 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 46 см x 34,9 см |
| Где в настоящее время находится | Тейт Модерн, Лондон |
Во время их совместного лета в Коллиуре Дерен написал этот портрет Матисса. Два человека провели лето, экспериментируя со своими техниками бок о бок. Этот портрет особенно поразителен, и, как и большинство портретов в фовизме, Дерен не стремился создать детальное сходство с Матиссом. Вместо этого Дерен хотел передать его душевное состояние с помощью плавных линий, чистого цвета и заметной работы кистью.
На самом деле, плавные линии и видимая работа кистью в один мазок подчеркивают использование Дереном чистого цвета, подчеркивая отсутствие смешения и перехода оттенков. Дерен использует светло-бирюзовые и фиолетовые оттенки, чтобы передать тень на правой стороне лица Матисса.
Контуры левой стороны его лица подчеркнуты с помощью сопоставленных мазков красного и розового цветов на фоне основного желтого оттенка. Два глаза имеют общий зеленый оттенок, а неестественные оттенки, используемые во всем остальном лице, только подчеркивают силу и интенсивность его взгляда. Дерен создает ощущение размерности этого портрета благодаря разнообразным мазкам кисти. Фон очень плоский, написанный тонкими и вертикальными мазками, которые сливаются друг с другом.
Напротив, лицо Матисса выделяется благодаря кисти импасто, в которой краска как бы накладывается слоями.
Пинед в Кассисе (1907)
| Год | 1907 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 54 см x 65 см |
| Где в настоящее время находится | Музей Кантини, Марсель |
В этом фовистском пейзаже ярко выражено использование Дереном цвета. Дерен известен своим утверждением, что вместо того, чтобы использовать цвет для прямого воспроизведения природного мира, он использует его как сосуд для своего внутреннего эмоционального мира. Цвета на этой картине абсолютно неестественны: зелено-черные стволы деревьев выступают из земли, которая состоит из различных пятен красного, оранжевого и желтого цветов.
Вы также можете увидеть яркий динамизм мазков Дерена.
Он использует изолированные и длинные мазки, чтобы структурировать землю и деревья. Многие считают, что на эту технику кисти повлияли художники-дивизионисты. Вместе с резкими цветовыми контрастами эта пульсирующая кисть заставляет нас почувствовать дрожащий жар средиземноморского лета. Не только это, но и плоскостность холста позволяет сосредоточить внимание зрителя на световом эффекте и пульсации движения по всей композиции.
Жорж Брак (1882 — 1963)
| Дата рождения | 13 мая 1882 года |
| Дата смерти | 31 августа 1963 года |
| Национальность | Француз |
| Художественные направления | Кубизм и фовизм |
Хотя Жорж Брак, возможно, более известен как один из основателей движения кубизма, он начинал как член фовистов. Только после знакомства с Пикассо Брак начал работать в более кубистическом стиле. Но даже тогда работы Брака значительно отличались от работ Пикассо и других художников-кубистов.
В то время как Пикассо и другие включали в свои работы иконологические элементы, Брак предпочитал концентрироваться исключительно на композиции и пространстве.
Фотография Жоржа Брака, 1908 год, опубликовано в Gelett Burgess, The Wild Men of Paris, Architectural Record, May 1910; фотограф не идентифицирован, анонимный, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Ключевые элементы стиля Брака
Искусство Брака разнообразно по стилю и средствам, но во всех своих работах он стремился найти композиционную гармонию и баланс. Его стремление к равновесию наиболее ярко проявляется в его бумажных коллажах, созданных с помощью техники papier collés, которую он разработал вместе с Пикассо.
Пойдя еще дальше и включив в свои композиции вырезанные элементы рекламы, Брак заложил основы целого ряда направлений современного искусства XX века, включая поп-арт и конструктивизм.
Натюрморт со стеклом и газетой (1913), Жорж Брак; Ричард Мортель из Эр-Рияда, Саудовская Аравия, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Брак не только использовал новые средства в своих композициях, но и применял несколько других интересных и новаторских техник. Он часто наносил трафаретные буквы на свои картины, использовал текстуру мрамора или дерева для придания текстуры и размеров своим работам, а также добавлял пигменты в песок. Многие картины Брака настолько абстрактны, что находятся на грани распада, превращаясь не более чем в узоры.
Однако именно к этим узорам стремился Брак, поскольку верил, что сможет выразить абсолютную сущность предметов без их точного отображения.
Le Viaduc à l’Estaque (1908)
| Год | 1908 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 73 см x 60 см |
| Где в настоящее время находится | Тель-Авивский художественный музей, Израиль |
Начиная с 1905 года, Брак провел три года, рисуя пейзажи л’Эстака, используя различные цветовые схемы. Эта картина, в частности, отражает переход от фовизма к кубизму в формах и цветах, которые использует Брак.
Брак использует блоки отдельных цветов, которые не совсем соответствуют природе, но он сочетает эти фовистские цвета с определенно кубистским подходом к перспективе и форме.
Стоя на том самом месте, с которого Жорж Брак написал картину Le Viaduc à l’Estaque (1908); Sophiedidacressources, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Округлые арки акведука связывают одну сторону композиции с другой и предполагают определенную перспективу. Нагромождение домов на переднем плане приглашает нас рассмотреть другую точку зрения на эту сцену.
Зелень имеет неистовый вид, ей не хватает размерности, что усиливает путаницу перспективы.
Конец фовизма
Движение фовистов, по общему признанию, было недолговечным, и группа так и не выпустила манифест, в котором бы подчеркивались их общие стилистические цели. Несмотря на их короткое существование в качестве слабо объединенной группы художников, Матисс в 1908 году написал «Заметки художника», которые послужили формальной записью многих общих целей и идей фовистов. Однако к 1908 году многие художники-фовисты начали двигаться в разных художественных направлениях. Дерен ненадолго увлекся стилем кубизма, а Брак присоединился к Пикассо, чтобы основать следующее направление современного искусства той эпохи.
Несмотря на свое недолгое существование, художники фовизма оказали невероятно значительное влияние на траекторию развития современного искусства 20-го века. Освобождение от ограничений реальности заложило основу для сюрреалистов, их яркое использование цвета и формы перешло в стиль кубизма, а использование новых и инновационных медиа открыло двери для художников поп-арта.
Взгляните на нашу веб-историю искусства фовизма здесь!
Часто задаваемые вопросы
Является ли фовизм тем же самым, что и кубизм?
Что такое фовизм и чем он отличается от кубизма? Хотя эти два движения возникли в непосредственной временной близости друг от друга и имеют схожие исследования формы и цвета, это два разных движения. Однако кубизм вырос из движения фовистов с помощью таких художников, как Дерен и Брак.
Каковы основные характеристики искусства фовизма?
При обсуждении того, что определяет живопись фовистов, можно выделить три ключевые идеи. Первая — это использование чистых и ярких цветов, которые не обязательно были натуралистичными, чтобы передать внутренний эмоциональный мир художника. Вторая идея — ориентация на искусство как средство субъективного самовыражения, и третья — использование простых форм и композиций. Всех художников фовизма объединяют эти элементы.
