Постмодернистское искусство — это художественное движение, которое пришло на смену модернизму и помогло проложить путь к развитию современного искусства. Постмодернизм возник примерно в середине 20 века и просуществовал несколько лет, пока не перерос в более поздние движения, которые вытеснили его по популярности. Существовавшее как противоречивая художественная практика, искусство Постмодернизма разрушило ранее устоявшиеся представления об искусстве и дизайне, поскольку движение создало новое и авангардное самосознание, окружающее стиль.
Оглавление
Введение в искусство постмодернизма
Сформировавшись в середине 20-го века, искусство постмодернизма, как говорят, ворвалось на художественную сцену где-то между 1960-ми и 1970-ми годами. Это движение заменило модернизм как основной художественный стиль того времени и рассматривалось как форма искусства без стандартных руководящих принципов, диктующих практику. Постмодернистское искусство растянулось на два десятилетия, завершившись примерно в 1990-х годах, когда начали развиваться другие художественные стили, заимствовавшие черты постмодернизма.
Существовавшее как совокупность различных направлений, постмодернистское искусство при создании произведений искусства заимствовало аспекты из различных художественных практик. Эпоха Постмодернизма описывала форму искусства, в которой художники могли по-настоящему выразить то, что они думали и чувствовали, причем произведения этого периода обычно характеризовались полной свободой от политики и других общественных влияний.
По сути, искусство Постмодерна стремилось противоречить идеалам, которые определяли Модернизм, пытаясь глубоко проникнуть в социальные проблемы на каждом уровне.
Предыдущее художественное направление, Модернизм, создавало произведения искусства, которые демонстрировали глубокую эмоциональную отстраненность от общества, а Постмодернизм противоречил этой идее во всех произведениях, созданных под этим термином. Появление в Америке новых видов искусства, таких как нео-дадада и поп-арт, изменило мышление художников, положив начало новому периоду творческого оживления. Благодаря тому, что не существовало четкого и определенного разграничения того, что включает в себя искусство Постмодерна, художники могли свободно создавать все, что им заблагорассудится.
Небесное шоссе тети Френци (1974-1975), Любо Кристек; Lubo Kristek, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Раннее влияние на последующее развитие искусства Постмодерна оказало движение Дада, в котором художники высмеивали традиционный художественный истеблишмент своим анархическим поведением и неуважительными перформансами. Внедрение readymade в искусство шокировало зрителей, поскольку заставило их усомниться в подлинности и оригинальности искусства, что оказало заметное влияние на развитие постмодернизма.
Постмодернистское искусство считалось невероятно спорным движением, поскольку оно открыто бросало вызов уже устоявшимся представлениям об искусстве, пытаясь привнести в процесс создания искусства новое осознание и понимание.
Таким образом, искусство Постмодерна было многогранным, поскольку характеризовалось смешением театральных и теоретических элементов неожиданным образом, что демонстрировало его резкий отход от видения Модернизма.
Произведения искусства, созданные в эпоху постмодерна, были направлены на разрушение различий между тем, что считалось высоким и низким искусством. Для этого в произведениях использовались элементы популярной культуры, чтобы подчеркнуть контраст между этими двумя видами искусства, а также продемонстрировать, как эти элементы могут работать вместе. Художники-постмодернисты активно экспериментировали с идеей подрыва оригинальности, поскольку они использовали фотографии и другие произведения, практически не изменяя оригинал.
Искусство постмодернизма считалось антиавторитарным по своей природе, поскольку движение отказывалось признавать авторитет какого-либо стиля или определения того, из чего должно состоять искусство. Несмотря на использование некоторых характеристик других движений, искусство Постмодерна реагировало против идей и ценностей, которые управляли этими движениями. В конечном счете, это движение было признано за улучшение различий между высокой и популярной культурой в созданных произведениях.
Специальное издание 2015 года знаменитой серии работ Энди Уорхола «Суп Кэмпбелл»; Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Благодаря этому искусство Постмодерна открыло новую эру освобождения от традиций, поскольку в его основе лежала идея, что в художественном творчестве можно все. Таким образом, произведения искусства были ироничными, абсурдными, конфронтационными или проблематичными и часто бросали вызов границам того, что считалось подходящим и в хорошем вкусе. Эта реакция на то, как может быть создано искусство, по мере развития постмодернизма приобрела несколько художественных форм, в конечном итоге развившись в концептуальное искусство, минимализм, видеоарт, перформанс, политику идентичности и институциональную критику.
По сути, художественное движение Постмодернизм отличалось тем, что постоянно ставило под сомнение нарратив, который открыто принимал прогресс и развитие технологий в положительном свете. Отвергая это признание, художники смогли принять преходящую природу жизни и отразить это в своих работах, в отличие от сосредоточения на тотализирующих и неизменных теориях, которые ранее доминировали в искусстве.
Что такое постмодернизм?
Художественное движение постмодернизма было сложным для определения художественным периодом из-за отсутствия правил и заимствования элементов из других направлений. В искусстве термин «постмодерн» появился примерно в 1970-х годах и использовался для описания художественных движений, возникших после конца 1950-х годов в качестве реакции на предполагаемые недостатки и чрезмерное увлечение модернистским периодом. Однако в современном смысле этот термин не использовался до 1979 года философом Жаном-Франсуа Лиотаром в его работе La Condition Postmoderne, «Состояние постмодерна».
Определение постмодернизма
В какой-то степени Постмодернизм не поддается определению, поскольку ни один стиль или теория не смогли охватить все движение. Тем не менее, принято считать, что постмодернистское искусство описывает любые движения, возникшие в результате отказа от модернизма, такие как концептуальное искусство, поп-арт, неоэкспрессионистское искусство, феминистское искусство и искусство молодых британских художников. Искусство, созданное в рамках этих жанров, как правило, было авангардным и революционным, так как они реагировали против формальных элементов, которые ранее диктовали художественное творчество.
Постмодернистское искусство считалось новаторским и прогрессивным, поскольку оно отвергало идею развития в искусстве. Для того чтобы отвергнуть эти идеи, важной и определяющей характеристикой искусства постмодернизма было смешение высокой и низкой культуры посредством использования промышленных материалов и образов поп-культуры. Постмодернистские творения были отмечены тем, что они стирали различия между тем, что считалось высоким искусством, и тем, что обычно считалось китчем.
Таким образом, художественное движение Постмодерна привнесло в художественный контекст компоненты китча, коммерциализма и общей лагерной эстетики. Оно также заимствовало элементы из прошлых художественных периодов, таких как Ренессанс, барокко и готика, но смешивало их с более новыми стилями, что делало их первоначальное использование бессмысленным.
По сути, этот грандиозный отказ от границ между высоким и низким искусством, отсутствие художественного направления и разрушение жанров с помощью таких стилей, как коллаж и фрагментация, — вот что в конечном итоге определило искусство Постмодерна.
Понимание термина «постмодернизм»
С 1950-х годов преобладающим термином, используемым для описания искусства после модернизма, стало современное искусство, хотя не все современное искусство попадает под определение постмодернизма. Однако защитники движения модернизма утверждают, что постмодернизм также может использоваться для обозначения определенной фазы модернизма в искусстве. Кроме того, термин «Постмодернизм», как говорят, охватывает все искусство, возникшее на основе Модерна, поскольку новое движение рассматривается как версия предшествующего влияния.
Этот переход от модернизма к постмодернизму датируется примерно 1914 годом в Европе и между 1962 и 1968 годами в Америке. Как и в случае со всеми новыми художественными терминами, вокруг их применения возникла критика. Историк искусства Кирк Варнедоу предположил, что такого понятия, как Постмодернизм, не может существовать, так как возможности Модернизма еще не были полностью изучены. Исходя из этого, теоретические основы термина «Постмодернизм» как культового направления искусства до сих пор вызывают много споров.
Сложность, окружающая Постмодернизм, сделала это движение невероятно влиятельным на протяжении 1980-х годов.
По мере роста мировой экономики искусство Постмодерна стало излюбленным художественным стилем для комментирования аспектов консюмеризма и корпоративной культуры. К сожалению, это стало гибелью движения, так как в конечном итоге постмодернизм потерпел крах под влиянием собственного успеха. Однако оно предоставило художественному сообществу новый способ наблюдения за миром, который актуален и сегодня.
Характеристики и влияние искусства постмодернизма
Как художественное движение, Постмодернизм нельзя назвать последовательным из-за отсутствия заметных характеристик в созданных произведениях искусства. Несмотря на это, искусство Постмодерна скорее характеризуется набором стилей и взглядов, которые присутствовали в произведениях, поскольку общая тема, связанная с неприятием модернизма, была очевидна. Основной характеристикой, которая использовалась для определения искусства как постмодернистского, был явный разрыв между изобразительным искусством и популярной культурой в произведениях.
Для этого использовались такие стили, как коллаж, ассамбляж, монтаж, бриколаж, текст как центральный элемент, присвоение и упрощение художественных произведений. Популярным средством работы стало искусство перформанса, а также переработка прошлых стилей и тем в более современный контекст. Использование этих разнообразных источников позволило экспериментировать с оригинальностью, перформансом, границами, эстетическими кодами и участием аудитории, что в дальнейшем бросило вызов прежним определениям того, что такое искусство.
Видеомасло (1979), автор — Серхио Валле Дуарте, напечатано в книге «Новое медиаискусство Мультимедиа 70/80». Это было исследование, целью которого было «увеличить удовольствие от соприкосновения с произведением искусства, добавив живое движение к двухчасовому видео VHS», так как VHS только что был выпущен на рынок за год до этого. Поскольку плоские экраны были недоступны, Дуарте нужно было спроектировать полотно такой глубины, которая позволила бы использовать старые размеры телевизора; Sérgio Valle Duarte Wikidata has entry Q16269994 with data related to this item., CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Предшественники постмодернизма
Движения и тенденции, которые считались значительными предшественниками развития постмодернизма, возникли в период Первой мировой войны, в частности, после нее. Внедрение промышленных элементов в искусство, а также таких техник, как коллаж, заставило такие движения, как кубизм, дада и сюрреализм, бросить вызов характеру и достоинствам, которые якобы присутствовали в искусстве. Поэтому новые формы искусства, которые развивались, повлияли на эти движения, представив более современные способы создания искусства.
Поп-арт и минимализм, изначально начинавшиеся как модернистские движения, в начале 1970-х годов претерпели фундаментальные изменения в своем подходе к искусству и считались ранними предшественниками постмодернистского искусства. Однако влиятельным предвестником постмодернистского движения был период дадаизма и работы, созданные Марселем Дюшаном.
Некоторые критики назвали Дюшана и его одержимость парадоксом по сути Постмодерном, поскольку созданные им работы избегали какого-либо конкретного средства и присущего ему смысла.
Если рассматривать хронологическое развитие дадаизма, то это движение прочно вошло в модернизм. Несмотря на это, период хаотического искусства, как говорят, означал сдвиг, произошедший между модернизмом и постмодернизмом, поскольку он предвосхитил движение, которое отказалось от эстетики в пользу искусства, не являющегося традиционным по своей природе. Переход Дюшана в 1914 году от модернистской практики к постмодернистской продемонстрировал понимание того, что прогрессия в искусстве — это ложь, что является важнейшим понятием в искусстве постмодернизма.
Фонтан (1917) Марселя Дюшана; Марсель Дюшан, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Модернизм против постмодернизма
Постмодернистское движение рассматривалось как реакция против модернизма, поскольку оно придерживалось совершенно противоположных точек зрения. Модернизм обычно основывался на утопическом и романтизированном взгляде на общество и человеческую жизнь, а также на убеждении, что прогресс автоматически связан с увеличением благ. До середины 20-го века искусство, литература, философия и наука определялись технологическим развитием, вызванным промышленной революцией, и всепоглощающим позитивом, который ассоциировался с современной жизнью.
Предполагалось, что наука может сформулировать универсальные истины, которые просто объяснят реальность, и тогда художники стали экспериментировать с более техническими элементами, которые соответствовали научному мировоззрению в рамках модернизма. Больше внимания уделялось форме, технике и процессу создания искусства, чтобы создать истинное отражение современной работы, при этом важность предметов была забыта.
Это привело к реакции против предполагаемого идеализма, существовавшего в обществе, что привело к формированию движения Постмодерна. Таким образом, Постмодернизм развился из чувства недоверия и недоверчивости, которое начало развиваться в обществе, поскольку движение поставило под сомнение существование этих универсальных определенностей, которые утверждались ранее. Художники-постмодернисты начали ссылаться на существовавшие в середине и конце 20 века философии, поскольку они считали, что индивидуальный опыт важнее для выражения в произведениях искусства.
Переход модернизма в постмодернизм
Переход между этими двумя художественными периодами был отмечен значительными изменениями, которые пережил западный мир в середине 20-го века. В этот момент произошли две разрушительные войны, миллионы людей погибли, коммунистические идеалы были разрушены, а ядерное оружие было применено. Таким образом, модернистские надежды, которые доминировали в довоенной сфере искусства, больше не казались уместными, поскольку их убеждения считались бессмысленными, устаревшими и обреченными на провал.
Кроме того, Европа больше не рассматривалась как центр авангарда или современного искусства, поскольку фокус вокруг искусства сместился в Нью-Йорк, где начало развиваться абстрактное движение. Художники, работавшие в рамках этого движения, процветали в новую послевоенную эпоху искусства, поскольку их интересы получили новое звучание, несмотря на то, что их по-прежнему идентифицировали как модернистов по характеристикам, использованным в их произведениях.
Как только абстрактный экспрессионизм стал устоявшимся движением в Америке, художники начали оспаривать его неспособность адекватно отразить состояние мира и процветающую популярную культуру. Воодушевленные стремлением создать искусство, которое бы отражало повседневную жизнь, художники начали испытывать новые стили, которые заимствовали и реконструировали образы из окружающей их массовой культуры.
Так родился стиль Нео-Дада, который ознаменовал собой переход между модернизмом и постмодернизмом и, возможно, стал первым настоящим постмодернистским художественным направлением.
Высокое и низкое искусство
Существовало различие между высоким и низким искусством, поскольку движения модернизма и постмодернизма использовали каждый из этих стилей соответственно. Высокое искусство — это термин, используемый для обозначения изобразительного искусства, которое было традиционным с точки зрения используемых средств, техники и стиля, например, живопись и скульптура. Это название использовалось для описания всего искусства, которое, предположительно, имело классовый статус, поскольку оно отделяло себя от искусства, которое считалось безвкусным и, следовательно, недостойным внимания.
В ответ на это постмодернизм перенял в своих работах характеристики низкого искусства, такие как использование поп-культуры, товаров массового производства, элементов из журналов и телевидения. Художники постмодернизма приняли «популярное» в обществе и охотно добавили эту особенность в свои работы, в результате чего их произведения стали восприниматься художественными критиками как китч. Вместо того, чтобы создавать искусство, которое считалось традиционным, художники постмодернизма экспериментировали с обыденными предметами с юмором и иронией, превращая их в гигантские скульптуры и культурные иконы.
Внимание, уделяемое низкой культуре в искусстве, расширило определение того, что включает в себя и чем может быть искусство, что стало важной социальной критикой того времени. Приобщаясь к популярной в то время культуре, движение Постмодерна смогло создать искусство, которое отклонялось от традиционных норм таким образом, что позволило развиться новой художественной среде.
Мэрилин в небе (1999), Джеймс Гилл; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Изображение и зрелище
В этот новый период консюмеризма и телевидения, который развивался в Америке, реклама и популярная культура становились все более и более распространенными в повседневной жизни. В 1968 году американская публика впервые увидела в своих домах нецензурированные кадры войны: по телевизору показывали сцены войны во Вьетнаме. Это зафиксировало начало разрыва между изображением и зрелищем, поскольку общество, казалось, было совершенно спокойно наблюдать такие зверства войны у себя дома.
Показанные изображения свидетельствовали о новой реальности, которая существовала, поскольку обществу становилось все труднее отличать факт от вымысла. Кроме того, широкое распространение рекламы усугубило трудности, возникшие при проведении различий между этими двумя понятиями.
Эта ситуация была названа «гиперреальностью», так как развившийся постмодернизм сравнивали с мигающим телевизионным экраном, поскольку он казался постоянно меняющимся и сильно фрагментированным, без фундаментальной истины.
Этот новый контраст между изображением и зрелищем вдохновил художников начать создавать произведения, сосредоточенные на поверхности, а не на глубоком смысле, поскольку зрелище стало превалировать над сущностью. Этот фокус на поверхности был ключевым компонентом в работах художников периода Постмодерна, в частности, в работах Барбары Крюгер.
Смешение эстетических кодов
Движение модернизма впервые возникло во Франции в 19 веке как отказ от исторических и символических представлений Французской академии и их власти над тем, что считалось художественным. Таким образом, экспериментальные движения, возникшие в начале 20-го века, отошли от любых ссылок на предмет в произведениях искусства, поскольку искалась и создавалась чистая и более прямая форма визуального художественного выражения.
Эта тенденция непредставительной живописи достигла пика с развитием абстрактного экспрессионизма, после чего живопись как художественное средство стала рассматриваться как чрезмерно используемое, и почти не осталось места для экспериментов. Когда после этого возникло движение Постмодерн, художники начали исследовать прошлые стили и средства массовой информации в попытке вернуть историческую и субъективную эстетику. Однако это возрождение прежних художественных стилей было переработано таким образом, что в созданных произведениях намеренно отсутствовала целостность и гармония.
Часть автомобиля BMW 635CSi 1985 года выпуска, нарисованная Робертом Раушенбергом. Раушенберг брал свои эскизы с реальных картин, включая некоторые очень известные, которые он изменил с помощью фототехники и воссоздал на автомобиле; Davidwiz, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Художественные коды и жанры были смешаны, чтобы показать старые и новые смыслы, которые смешивались вместе уникальными и смелыми способами. Копируя стиль дадаистов, художники постмодерна использовали такие техники, как коллаж, бриколаж, ассамбляж, сопоставление текста и изображений при создании работ из найденных предметов для создания многослойных поверхностей.
Основываясь на концепции «все что угодно», многие художники начали исследовать мультимедийные технологии через художественный кроссовер в 1960-х и 1970-х годах, поскольку они могли создавать зрелища, комбинируя различные типы медиа. Этот стиль смешивания нашел свое отражение в кинематографе, хорошим примером которого является фильм Квентина Тарантино «Криминальное чтиво» (1994). Считается, что этот фильм бросает вызов традиционному повествованию, благодаря несвязному монтажу персонажей и случайному порядку сюжетов.
Оригинальность и аутентичность
В традиционном искусстве, которое ранее доминировало в художественной сфере, индивидуальность и оригинальность произведения искусства были ключевыми элементами, которые придавали ему ценность, как финансовую, так и символическую. Эта концепция сохранялась на протяжении всей эпохи модернизма в искусстве, поскольку уникальность произведения искусства была тем, что делало его достаточно важным, чтобы считаться искусством, заслуживающим внимания.
Однако эта концепция была разрушена в 1917 году, когда Марсель Дюшан выставил подписанный писсуар и назвал его искусством.
Произведение Дюшана высмеяло всю основу, на которой было построено создание искусства, что дало возможность художникам начать экспериментировать с концепцией того, что является основой искусства. В 1936 году Вальтер Беньямин написал свое влиятельное эссе под названием «Произведение искусства в эпоху механического воспроизведения», в котором он заявил, что массовое воспроизведение искусства может обеспечить его более широкую доступность для общества. Кроме того, благодаря использованию таких методов, как печать, созданные произведения искусства имеют более низкую товарную стоимость.
Мысли Беньямина позже были приняты художниками в таких направлениях, как поп, минимализм, перформанс и концептуальное искусство, что привело к тому, что художники стали экспериментировать с различными техниками, направленными на снижение идеи подлинности и ценности создаваемых произведений. Это видно на примере работ Роя Лихтенштейна и Энди Уорхола, которые бросили вызов понятиям оригинальности и подлинности в своих присвоенных работах, используя предметы массового производства, на которые были нанесены известные изображения.
Рой Лихтенштейн перед одной из своих картин «Ваам! (1963) на выставке в музее Стеделийк в 1967 году; Эрик Кох, CC0, via Wikimedia Commons
Плюрализм
Художники-постмодернисты искали демократию в искусстве, воспроизводя, экспериментируя и присваивая свои произведения. Ранее, в эпоху модернизма, мир искусства считался элитарным, поскольку его контролировали преимущественно белые западные мужчины, создававшие искусство, которое считалось достойным внимания. Постмодернисты стремились отойти от этого идеала, и это совпало по времени с подъемом феминизма, движением за гражданские права и борьбой за права ЛГБТК+.
Произведения искусства, созданные в эпоху постмодерна, демонстрируют стремление к более плюралистическому подходу, что привело к тому, что художники стали подходить к темам с различных новых точек зрения, чтобы включить точки зрения ранее не представленных позиций.
Результатом этого плюрализма стало то, что произведения искусства стали демонстрировать большее представление разнообразных мультикультурных идентичностей, в дополнение к экспериментам с идеей идентичности и самости.
Известные художники-постмодернисты и их работы
На протяжении всей истории искусства постмодернизма было создано множество произведений, в которых использовались различные характеристики, заимствованные из предыдущих направлений искусства. Перформансы, скульптура и фотография были более популярными видами искусства в рамках этого движения, однако некоторые картины постмодернизма все же существовали. В этой статье мы расскажем о некоторых наиболее активных художниках-постмодернистах, а также об их значительных произведениях, которые помогли развить эпоху постмодернизма.
Энди Уорхол (1928 — 1987)
Поп-художник Энди Уорхол создал несколько знаковых произведений, которые были определены как часть эпохи искусства Постмодернизма. Среди его работ выделяется диптих «Мэрилин», выполненный в 1962 году методом шелкографии, поскольку Уорхол экспериментировал с эстетическим стилем, который в то время обычно встречался в рекламной индустрии.
На этом диптихе, который представляет собой два произведения искусства, объединенные в одно целое, была изображена фотография Мэрилин Монро в фильме «Ниагара», которую Уорхол сначала воспроизвел в цвете на левой панели, а затем на правой — в черно-белом варианте. Созданная в месяцы после смерти Монро, работа Уорхола демонстрировала его увлечение смертью и знаменитостями, и эта работа объединила эти интересы. Кроме того, резкий цветовой контраст двух панелей наводит на мысль о несхожести жизни и смерти.
Энди Уорхол с Арчи, своей домашней таксой, в 1973 году; Джек Митчелл, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Уорхол бросил вызов традиционной форме изображения предметов, принятой в современном искусстве, повторив один и тот же образ Монро. Это повторение также рассматривалось как насмешливый комментарий к растущему массовому производству, которое началось в искусстве, а также к подлинности, которая, как считалось, должна была существовать во всех произведениях искусства. Уорхол часто ставил под сомнение традиции высокого искусства в своих работах, и создание диптиха «Мэрилин» стало легкомысленным ответом на его вопрос.
Это произведение можно рассматривать как произведение постмодернизма из-за его очевидной ссылки на поп-культуру, которая обычно ассоциировалась с низким искусством, его восстания против прежних модернистских эстетических идеалов и использования повторений, которые означали массовое производство. Кроме того, Уорхолу удалось нарушить аутентичность в своих работах, поскольку он использовал найденное изображение, повторил его и назвал искусством. Эта работа бросила вызов традиционным границам между высоким и низким искусством в Америке, поскольку она существовала как утверждение консюмеризма и зрелищности.
Кароли Шнеманн (1939 — 2019)
Культовый постмодернистский перформанс был создан Кароли Шнеманн, которая в своих работах сосредоточилась на теле как явно сексуальном. Ее отказ отделить сексуальный опыт от создания искусства был намеренным, поскольку она планировала вернуться к телу как к зрелищу знания и опыта, чтобы объединить его внутреннюю энергию с визуальной информацией, которую оно предоставляет. Самый знаковый перформанс Шнеманн назывался «Внутренний свиток» и был представлен в 1975 году.
Многие художники 1950-1960-х годов бросали вызов отношениям между произведением искусства и зрителями, поскольку перформансы как новая форма искусства были очень новы для художественного мира. Шнеманн была радикальна в своем подходе к перформансу, и в своей эпохальной работе она разделась перед публикой. Шокирующим в ее работе было то, что после раздевания она медленно вытащила полоску бумаги из своего влагалища и начала читать написанный на ней текст.
Перформанс Шнеманн стал знаковым событием в истории постмодерна, потому что он был направлен против традиционных идей, диктовавших классическое искусство и высокую культуру, которые все еще существовали благодаря движению модернизма. Кроме того, ее перформанс существовал как феминистское произведение искусства, поскольку он представил женское тело как источник творческой энергии и бросил вызов его репрезентации в обществе.
Барбара Крюгер (1945 — настоящее время)
Другой выдающейся художницей эпохи постмодернизма была Барбара Крюгер, чьи работы стали знаковыми для этого движения. При создании своих работ Крюгер использовала рекламу, а некоторые из ее наиболее известных работ были массово выпущены на пакетах для покупок и других товарах, таких как футболки. Популярным понятием, которое появилось в некоторых ее работах, была тема консюмеризма, которая была главной в ее культовой работе 1987 года «Без названия (Я покупаю, поэтому я есть)».
Эта работа была характерна для стиля Крюгер, так как в ней было создано сопоставление через сочетание найденной фотографии и утверждающего или провокационного слогана. В работе Крюгера было создано соотношение между высоким искусством и рекламой в средствах массовой информации, так как эта работа принимает форму рекламы, а не формального произведения искусства. Цветовая схема красного, черного и белого цветов помогла поместить надпись на передний план работы, которая стала фокусной точкой, на которую зрители обращают внимание в первую очередь.
Цитата «Я покупаю, следовательно, я есть» перевернула философское высказывание Рене Декарта «Я думаю, следовательно, я есть», которое относилось к потребительству, формирующему личность в обществе. С помощью этой работы Крюгер заявил, что ценность и идентичность человека не лежит глубже поверхности, подразумевая, что материальные ценности, которыми он владеет, определяют его сущность. Кроме того, красная рамка, окружающая работу, создавала замкнутое пространство, что, как говорят, подчеркивало текст на размытом фоне.
Еще одна выставка Барбары Крюгер, «Радостные неудачники» (2014) в Modern Art Oxford; Jun из Мельбурна, Австралия, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons
Марина Абрамович (1946 — настоящее время)
В качестве автора значительного перформанса выступила художница Марина Абрамович, чьи работы были хорошо известны в эпоху Постмодерна. Ее самая знаковая работа, выполненная в 1974 году, называлась «Ритм 0/Семь легких пьес». В своей работе Абрамович поместила себя в галерею и предложила зрителям делать с ней все, что они хотят, не вызывая никакой реакции.
Абрамович разложила 72 различных предмета, которые зрители могли выбрать, чтобы использовать их против нее, причем эти предметы состояли из ножей и заряженного пистолета. Так как предметы варьировались от боли до удовольствия, зрители сначала не решались принять участие в ее перформансе. Однако после шестичасового выступления Абрамович ее взаимодействие со зрителями становилось все более агрессивным, что привело к жестоким и тревожным последствиям.
В то время этот перформанс считался новаторским, поскольку он способствовал постмодернистскому сдвигу, который склонялся к включению участия зрителей в художественное произведение. Абрамович продемонстрировала полный отказ от контроля и авторства в своем произведении, позволив зрителям диктовать его результат, что бросило вызов модернистской идее о том, что искусство должно быть уникальным и созданным одним известным деятелем искусства.
Книга художника «3 перформанса Марины Абрамович», выпущенная по случаю Международного фестиваля перформанса, апрель 1978 года; Марина Абрамович и музей CODA, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Синди Шерман (1954 — настоящее время)
Художницей, которая экспериментировала с игривым отношением к идентичности и самости, была Синди Шерман, которая включила этот элемент плюрализма во все свои фотографии в стиле постмодернизма. В своих работах Шерман уделяла особое внимание расколу, который существовал между идентичностью, созданной с помощью кино или других средств массовой информации, и реальным опытом женщин в обществе.
В своих работах Шерман обращала внимание на метод производства и подчеркивала, что произведение искусства можно интерпретировать по-разному.
Тем самым Шерман продемонстрировала, что искусство может противостоять превосходящим нарративам. В серии «Кадры из фильмов без названия» ее работа 1978 года под названием «Кадр из фильма без названия № 21» существует как хорошо известная черно-белая фотография, на которой изображена женщина-героиня фильма в костюме и шляпе. Молодая женщина 1950-х годов изображена в обрамлении окружающих ее небоскребов, а эпоху фотографии можно узнать по платью, которое на ней надето. Выражение ее лица неопределенное, она кажется одновременно решительной и беспокойной.
В серии фотографий «Постмодернизм» Шерман экспериментировала с идеей разрушенной постмодернистской идентичности, поскольку в своих работах она брала на себя роль и фотографа, и объекта. На каждой фотографии из серии «Untitled Film Stills» Шерман позировала в качестве актрисы в различных ситуациях из разных эпох, что говорило о времени и жанрах, с которыми могли идентифицировать себя зрители.
Таким образом, фотографии Шерман были постмодернистскими из-за отсутствия подлинности и представления идентичности как текучей и меняющейся концепции. Благодаря заимствованию исторических стилей, Шерман смогла позиционировать себя как внутри, так и вне сферы медиа, что дало сильную критику идеи фиксированного феминизма и репрезентации женщин в обществе.
Выставочные залы серии 1980-х годов Синди Шерман (на момент закрытия). На этом виде мы можем оценить организацию пространств на первом этаже (нижний уровень фундамента), которая позволяет четко идентифицировать каждую серию фотографий художницы, а также цвета рельсов для картин, которые были выбраны, чтобы сделать выставку особенно привлекательной; Jean-Pierre Dalbéra, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Джефф Кунс (1955 — настоящее время)
Еще одним художником, который создавал работы, обыгрывающие китчевый потенциал искусства постмодернизма, был Джефф Кунс. Его самая знаковая художественная серия, известная как «Банальность», демонстрирует этот безвкусный аспект, который присутствует в большинстве его работ, поскольку он демонстрирует контраст аляповатого и сентиментального в его произведениях. Его самая значительная скульптура в стиле постмодернизма была создана в рамках этой серии и называлась «Майкл Джексон и пузыри» (1988).
В рамках этой работы Кунс создал скульптуру Майкла Джексона и его домашней обезьянки Бабблз в натуральную величину, сидящих на клумбе с цветами. Скульптура демонстрировала пик славы Джексона в то время, и Кунс покрасил ее в золотой цвет, чтобы подчеркнуть его популярность. При этом он также превратил Джексона в богоподобную икону с помощью этого цвета, что продемонстрировало отказ от традиционных религиозных образов, которые все еще присутствовали в эпоху модернизма.
Кроме того, белая окраска лиц отсылала к византийскому, барочному и рококо периодам искусства, при этом Кунс вернул прошлые стили в театральной и вульгарной манере, что было характерно для произведений искусства периода постмодернизма. Эта скульптура является хорошим примером избыточности, которая присутствовала в произведениях искусства, созданных Кунсом, а также бросает вызов традиционным понятиям вкуса, высокого искусства и поп-культуры.
Щенок (1992), Джефф Кунс; Zarateman, CC0, via Wikimedia Commons
Дэмиен Херст (1965 — настоящее время)
Дэмиен Херст, ведущий художник движения «Молодые британские художники», известного своими провокационными и шокирующими произведениями искусства, создал удивительные скульптуры в стиле постмодернизма. Из всех созданных им работ самым известным произведением и не менее известным произведением искусства стала его скульптура 1991 года под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живущего».
Это произведение искусства, известное также под названием «Акула», возможно, одна из самых известных работ движения молодых британских художников 1990-х годов, выполненная в виде тигровой акулы, законсервированной в формальдегиде. В этой работе Херст сталкивает зрителей с их собственной смертью, представляя некогда страшного зверя, что заставляет зрителей признать свои страхи по поводу смерти в общественном пространстве, а не в частном.
Поскольку большинство зрителей видели животное такого размера и силы только в книге или по телевизору, физическое столкновение с настоящей акулой затрудняет восприятие ее как «настоящей», а не копии. Поместив акулу в галерею, Херст сыграл на идее, что животное утратило свою силу и, следовательно, не представляет никакого вреда для зрителей, поскольку оно мертво. Эта работа является важным постмодернистским произведением благодаря зрелищу, которое создавалось при взгляде на нее, а также тому факту, что огромное животное рассматривалось как простой товар, потому что оно больше не было живым.
Акула (1991) и другие работы молодых британских художников из коллекции Саатчи, установленные в Бруклинском музее со 2 октября 1999 года по 9 января 2000 года; Бруклинский музей, без ограничений, через Wikimedia Commons
Наследие постмодернистского искусства
Поскольку движение Постмодерна вобрало в себя стили и техники, принадлежащие другим направлениям искусства, легко задаться вопросом: Что такое постмодернизм? Лучший способ описать это движение — фраза «все идет», поскольку эта эпоха искусства разрушила различия, существовавшие между высоким и низким искусством, позволив сочетать их. Наследие искусства постмодернизма продолжилось и после распада движения, поскольку его сомнение в присвоении ценности и оценке произведений искусства было продолжено в последующих движениях.
Хотя считалось, что Постмодернизм разрушил предшествующее ему модернистское направление искусства, было также сказано, что он позволил продолжить Модернизм, так как в современном искусстве сегодня присутствуют свидетельства обоих стилей. Отношения и стили в искусстве Постмодерна рассматривались как важные сдвиги, которые положили начало большим изменениям в художественном обществе, а сотрудничество, существующее в современном искусстве, как говорят, принадлежит влиянию Постмодерна.
Искусство Постмодерна ликвидировало разрыв, существовавший между высокой и низкой культурой, а также хорошим и плохим вкусом в искусстве, однако некоторые критики утверждают, что эти различия все еще видны. Говорят, что художественное сообщество перешло в эпоху постпостмодернизма, поскольку некоторые характеристики постмодернизма считаются устаревшими. Однако эти утверждения в целом отвергаются, так как некоторые произведения современного искусства, существующие сегодня, заимствуют элементы как постмодернистского, так и современного направлений, просто комбинируя различные аспекты.
Искусство постмодернизма было неуловимым движением, поскольку на протяжении всего периода его расцвета существовало множество вариаций. Произведения искусства, которые отклонялись от нормы и противоречили идеалам модернизма, по своей сути были постмодернистскими, поскольку эта эпоха искусства была отмечена художниками, которые оспаривали различия между высоким и низким искусством в своих экспериментальных творениях. Считается, что постмодернизм привел к развитию движения современного искусства, которое сегодня является доминирующим художественным стилем.
Краткое описание постмодернистского художественного движения
Что такое постмодернизм?
Художественное движение постмодернизма описывает произведения искусства, которые демонстрируют отход от традиционных элементов высокого искусства, поскольку художники начали принимать влияние средств массовой информации, популярной культуры и технологической экспансии.
Что такое подходящее определение постмодернизма?
Несмотря на то, что это движение довольно сложно определить, подходящим определением для периода постмодернизма будут любые произведения искусства, появившиеся после движения модернизма. Кроме того, к этому движению можно отнести любых художников, которые в своих работах демонстрируют влияние поп-культуры и общественных изменений.
Что такое модернизм и постмодернизм?
Движение модернизма возникло до движения постмодернизма и ассоциировалось с утопическим и идеализированным взглядом на общество, а также верой в прогресс. Постмодернизм, с другой стороны, начал исследовать человеческий опыт в противовес реализму в своих работах, поскольку художники использовали множество новых влияний.
Какие виды искусства были созданы в эпоху постмодернизма?
Популярными видами искусства в эту художественную эпоху были скульптура постмодернизма, фотография постмодернизма и живопись постмодернизма.
Кто были некоторые известные художники-постмодернисты?
Среди известных художников, работавших в эпоху постмодернизма, были Синди Шерман, Барбара Крюгер, Энди Уорхол, Кароли Шнеманн, Джефф Кунс, Марина Абрамович, Дэмиен Херст и другие.
