Все мы знакомы с Южной Америкой, латиноамериканскими культурами и их языками. Если вы живете в Америке, вы можете лично познакомиться и пообщаться с латиноамериканскими культурами, которые отличаются культурным разнообразием и богатым наследием искусства, музыки, еды, языков и многого другого. Но как много мы на самом деле понимаем о латиноамериканских культурах? Именно здесь нам поможет изучение истории латиноамериканского искусства. В этой статье мы обсудим искусство Южной Америки, а также то, как оно вписывается в более широкий круг латиноамериканского искусства.
Оглавление
Краткий исторический обзор Латинской Америки
Когда мы говорим о южноамериканском искусстве, мы как бы говорим об одной из многочисленных ветвей, составляющих латиноамериканское искусство. Во-первых, термин Латинская Америка — собирательный, он охватывает области Южной Америки, Центральной Америки, а также страны Карибского бассейна. Он включает страны, языки которых происходят от латинского языка, например, французский, испанский и португальский.
Если рассматривать конкретно Южную Америку, то в нее входят такие страны, как Аргентина, Боливия, Бразилия, Чили, Колумбия, Эквадор, Гайана, Парагвай, Перу, Суринам, Уругвай, Венесуэла и другие.
Политическая карта Южной Америки; источник высокий, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons
История латиноамериканского искусства тесно связана с глубоко укоренившейся историей Северной и Южной Америки. Кроме того, латиноамериканское искусство имело шаткую основу и было принято обществом, его часто упускали из виду и считали периферийным или «другим», и, возможно, понимали его в основном через различные стереотипы.
Но ситуация изменилась, поскольку Америка все больше принимает свои латиноамериканские корни, и мы видим коллекции латиноамериканской живописи на выставках и экспозициях во всех культурных учреждениях. Все больше внимания уделяется ценности, присущей латиноамериканскому искусству, а также всем другим направлениям, включая искусство Южной Америки, на котором мы остановимся подробнее в этой статье.
Колонизация Америки
Во-первых, что именно мы имеем в виду, когда говорим о латинском искусстве или искусстве Латинской Америки? Для этого нам необходимо обратиться к самой истории и посмотреть, где возникли эти термины. Предположительно, термин «латиноамериканец» впервые был использован как средство отличия жителей Америки от жителей Северной Америки, также называемых «англосаксами».
Сообщается, что он был использован в 1862 году, когда император Наполеон III вторгся в Мексику.
Видимо, мексиканцы и французы поняли, что их языки не сильно отличаются друг от друга. Период колонизации, который длился с 1492 по 1810 год, считается одним из главных формирователей латиноамериканской культуры. Латинская Америка была завоевана Испанией и Португалией, а также Французской империей.
Латиноамериканское искусство
Латиноамериканское искусство разнообразно и не может быть отнесено к одной категории или считаться единственной формой латиноамериканского искусства. В каждом регионе мы находим различные жанры, формы и стили латиноамериканского искусства, и все они рассказывают уникальную и неповторимую историю. Ниже мы рассмотрим различные примеры работ южноамериканских художников, начиная с начала 20 века и заканчивая современностью.
В истории латиноамериканского искусства существовали различные стили или направления, и одна из выдающихся выставок, о которой стоит упомянуть, была проведена Музеем современного искусства (MOMA). Выставка началась 6 июня и продолжалась до 7 сентября 1993 года и называлась «Латиноамериканские художники двадцатого века».
Музей современного искусства, Нью-Йорк; Elisa.rolle, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Она давала впечатляющий и весьма познавательный обзор латиноамериканского искусства, начиная с начала 1900-х годов и заканчивая более современными периодами. На выставке было представлено более 300 работ художников из всех слоев общества и средств массовой информации, например, живопись, графика, скульптура, различные инсталляции, а также другие виды искусства, такие как фотография.
На выставке были представлены такие направления искусства, как ранний модернизм, экспрессионизм и пейзажная живопись, мексиканская живопись и соцреализм, сюрреализм и лирическая абстракция, геометрическая абстракция и кинетическое искусство, новая фигуративность, поп-арт и ассамбляж, а также новейшая живопись и скульптура.
Все эти движения играют ключевую роль в формировании латинского искусства и его разнообразия.
Мурализм также является одной из основных и наиболее распространенных форм латиноамериканского искусства. Особенно мексиканский мурализм, который зародился в 1920-х годах. Его целью было противостояние и объединение Мексики, это произошло после Мексиканской революции. Муралы имели социально-политическое значение. Основными художниками, связанными с этим движением, были Хосе Клементе Ороско, Диего Ривера и Давид Альфаро Сикейрос.
Индейские женщины, из серии «Лос Теулес» (1947), Хосе Клементе Ороско; Национальный музей искусств, общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Сюрреализм также был влиятельным направлением в искусстве, и одной из известных художниц, которую мы знаем сегодня, является Фрида Кало, она считалась сюрреалистом и магическим реалистом. Она рисовала картины, передающие боль, которую она испытывала как женщина, а также давала другим женщинам разрешение на самовыражение. Она была ведущей фигурой в истории латиноамериканского искусства и тоже заслуживает упоминания.
В качестве примера латиноамериканской живописи можно привести некоторые работы Кало: ее знаменитый «Автопортрет на границе Мексики и США» (1932), «Две Фриды» (1939), «Автопортрет с терновым ожерельем и колибри» (1940) и «Раненый олень» (1946).
Южноамериканское искусство
Ниже мы рассмотрим искусство Южной Америки, в частности, мы рассмотрим примеры доколумбовой эпохи, то есть до 1500-х годов и после 1500-х годов, когда Колумб колонизировал Америку. Андское искусство в первую очередь включает в себя южноамериканское искусство доколумбовой эпохи.
Некоторые примеры доколумбовой эпохи
Оно характеризовалось широким спектром форм, включая текстиль, керамику, а также наземное искусство. Между природой и искусством существовала тесная связь, они были взаимосвязаны, другими словами, искусство было также функциональным. Некоторые примеры включают текстиль Паракас (100-300 гг. до н.э.), который был изготовлен в Перу на южном побережье.
Считалось, что это головное покрывало для погребенных. На нем изображены различные фигуры, предположительно шаманов, которые держат отрубленные головы. У них также есть крылья, которые, как считается, переносят их в другой мир, возможно, в загробную жизнь?
Текстиль Паракас, 100-300 гг. до н.э.; культура Наска, Перу, без ограничений, через Wikimedia Commons
Другие примеры южноамериканского искусства включают великолепное наземное искусство, называемое линиями Наска или геоглифами пустыни Наска, особенно образование под названием «колибри» (ок. 4-го века до н.э.). Хотя существовало множество других образований в форме животных, таких как пауки, обезьяны и морские млекопитающие, например, косатки.
Hummingbird находится в Перу на южном побережье, имеет длину 300 футов и построен из различных материалов, например, камня. Считается, что они были сделаны группами людей. Значение этих массивных сооружений до сих пор обсуждается. Некоторые считают, что они были предназначены для божеств, потому что их можно увидеть целиком только сверху, с воздуха.
Геоглиф колибри в пустыне Наска, Перу; Diego Delso, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Другие значения могут указывать на то, что эти структуры использовались для того, чтобы люди ходили по ним, как паломники, и использовались для более коллективных праздников и собраний, основанных на ритуалах. Однако другие идеи предполагают, что эти структуры были предназначены для сельскохозяйственных целей и плодородия урожая. Другие образования, связанные с водой, могли быть предназначены для выращивания сельскохозяйственных культур.
Кроме того, эти образования также указывали на горные районы, где, согласно мифологии, обитали боги. Опять же, эти сооружения могли служить для почитания божеств.
Среди южноамериканского искусства есть великие архитектурные сооружения, например, цитадель инков под названием Мачу-Пикчу (ок. 1450-1540 гг.). Она была построена для императора Пачакути Инка Юпанки, который останавливался в ней в определенное время года.
Мачу-Пикчу; Pedro Szekely at https://www.flickr.com/photos/pedrosz/, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons.
Это сооружение было построено как дом в горах, так сказать, с верхней и нижней секциями со своими функциями. В нем можно было разместить не только императора инков и его семью, но и другие жилые помещения, склады, помещения для помощников, различные религиозные помещения, террасы и многое другое.
Строение было сделано из камней, поставленных один на другой, и это были отполированные стены из сухого камня.
Камни, как сообщается, были изготовлены по индивидуальному проекту, чтобы прилегать друг к другу. Отполированные камни выглядели почти как мозаика, это было на внешних стенах, и, несомненно, придавало эстетическую привлекательность.
В Мачу-Пикчу есть три основных религиозных сооружения, а именно Храм Солнца, который также известен как Обсерватория. Это сооружение было построено для отслеживания созвездий и солнцестояний, в частности, июньского солнцестояния.
Мачу-Пикчу, Храм Солнца; Unukorno, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Камень Интиуатана — еще одно религиозное сооружение, что означает «автостоп солнца». Он был сделан для того, чтобы проследить путь солнца по небу в течение года, а во время зимнего солнцестояния он выстраивается в одну линию с солнцем. Представители культуры инков построили множество камней, подобных этому, чтобы следить за солнцем.
Мачу-Пикчу активно использовался всего около 80 лет, а затем был заброшен из-за испанских вторжений и завоеваний, которые угрожали средствам к существованию проживающих там людей. С 1983 года Мачу-Пикчу является объектом Всемирного наследия ЮНЕСКО.
С 2007 года он также считается одним из новых чудес света.
Колумбийское и постколумбийское искусство Южной Америки
Важно отметить, что история Латинской Америки сложна и разнообразна, и это отражается на том, как создавалось искусство. Существует огромное количество различных видов искусства, созданных при сотнях различных обстоятельств. Поэтому мы рассмотрим несколько примеров колониального, постнезависимого и современного южноамериканского искусства.
Колониальное искусство
В колониальный период в Южной Америке, когда Христофор Колумб основал Америку в 1492 году, существовали новые сложные системы и структуры власти. Не только Христофор Колумб основал Америку, но и португальцы в 1500-х годах побывали в Бразилии.
Это был португальский мореплаватель Педру Алварес Кабрал, который случайно обнаружил Бразилию, когда пытался пройти тем же маршрутом, что и португалец Васко да Гама, отплывший из Португалии в Индию в 1498 году, чтобы создать торговые пути между различными континентами, а именно Европой и Азией.
Деталь картины Ваз де Каминья читает командору Кабралу, монаху Энрике и мастеру Жуану письмо, которое будет отправлено королю Дому Мануэлу I (1900 г.). На картине изображен Педру Алварес Кабрал, руководитель португальской экспедиции, открывшей в 1500 году землю, которая впоследствии будет известна как Бразилия; Франсиско Аурелио де Фигейредо и Мело (1854-1916), Общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Одним из основных развлечений в Бразилии было выращивание сахарного тростника; голландцы также пытались колонизировать Бразилию, это было в период с 1630-х по 1650-е годы. Различные голландские художники получали заказы на документирование природной среды Бразилии, а также бразильской культуры. Одним из таких художников был известный в это время Альберт Экхаут (ок. 1610-1665 гг.), который создавал произведения южноамериканского искусства, но с европейской точки зрения.
Среди работ Экхаута — серия из восьми фигур, представляющих различные культуры, свидетелем которых он стал, рисуя в Бразилии. Фигуры состоят из четырех мужчин и четырех женщин, каждый из которых стоит в позе, напоминающей европейские стандарты создания произведений искусства.
Как свидетельствуют некоторые источники, каждый человек позировал не столько для индивидуального портрета, сколько для представления этнической группы. Это смешение науки и искусства, а также почти стереотипный подход к другим культурам, который открывает дискуссию о понятии «Другой» и о том, как он был представлен в искусстве, особенно европейцами.
Женщина тапуйя (1641), Альберт Экхаут; Nationalmuseet, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На восьми картинах мы видим мужскую и женскую пары из племени тапуйя, а именно: женщина-тапуйя (1641) и мужчина-тапуйя (1641). Затем есть африканская пара, а именно, Африканская женщина (1641) и Африканский мужчина (1641). Бразильская пара, названная аналогично — Бразильская женщина (1641) и Бразильский мужчина (1641). И, наконец, женщина-мамлюк (1641) и мужчина-мулат (1641).
Каждая фигура написана с культурно характерными объектами вокруг них, включая пейзажи и обстановку на заднем плане.
Например, мы видим женщину племени тапуйя, несущую отрубленные конечности, что намекает на то, что они были каннибалами и одним из племен, сражавшихся против европейцев. Бразильское племя изображено более «цивилизованным», а фоновый пейзаж выглядит более структурированным по сравнению с джунглями племени тапуйя. Кроме того, бразильцы одеты в аккуратные белые одежды, закрывающие их гениталии, в то время как тапуйи выглядят полностью обнаженными, а их гениталии скудно прикрыты импровизированной листвой.
Бразильский мужчина (1641) Альберт Экхаут; Альберт Экхаут, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Африканская пара изображена в виде сильных фигур, что намекает на представление о том, что африканцы сильные и по этой причине используются в качестве рабов. На картине женщины мы видим кросс-культурные предметы, а именно: украшения и трубку, которые происходят из Европы, корзину и шляпу — из Африки, а пейзаж с фигурами вдалеке — бразильский. Мужская фигура изображена, скорее всего, в Северной Африке и окружена предметами, которыми торговали в то время, а именно: бивнем из слоновой кости на земле в правом нижнем углу переднего плана и финиковой пальмой прямо за фигурой.
Африканский человек (1641) Альберт Экхаут; Альберт Экхаут, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Наконец, женщина-мамлюк (1641) и мужчина-мулат (1641) указывают на людей смешанной расы. Женщина имеет общих коренных и европейских предков, а мужчина — европейских и африканских. Позы каждого из них различны и наводят на мысль об их этнической принадлежности. Женщина одета в длинный белый халат или платье, левая нога (наша правая) слегка обнажена, что указывает на ее сексуальность и желанность в качестве наложницы. Мужчина изображен стоящим на страже, на заднем плане изображено поле сахарного тростника. На нем одежда, напоминающая о европейской и других культурах — так сказать, немного из двух миров.
Женщина из Мамлюка (1641), Альберт Экхаут; Альберт Экхаут, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
После независимости
Если мы рассмотрим примеры из периода после обретения независимости Южной Америки и Латинской Америки, который пришелся на конец 18-го века и начало 19-го века, мы найдем множество примеров искусства, изображающего идею независимости и связанные с ней сражения; искусство изображало героические фигуры и понятие освобождения.
Некоторые из выдающихся жанров искусства включали портретную и историческую живопись.
Педро Хосе Фигероа (1770-1838) был колумбийским художником, который специализировался на портретах. Однако в роду Фигероа были и другие художники, которые также писали портреты и миниатюры. Что интересно в живописи Фигероа, так это его внимание к фигурам, которые считались важными с точки зрения освобождения и военной доблести.
Одной из таких фигур, которую Фигероа часто рисовал, был венесуэлец Симон Боливар. Он был одним из главных политических и военных деятелей, освободивших не только Венесуэлу, но и другие страны Южной Америки, такие как Перу, Эквадор, Колумбия, Боливия и Панама, от завоевания Испанской империей в 1800-х годах. Он известен под именами Эль Либертадор и Освободитель Америки.
Портрет Симона Боливара (ок. 1810), автор Педро Хосе Фигероа; Колумбийский национальный музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Примерами картин являются работы Фигероа, написанные маслом на холсте «Боливар и аллегория Америки» (1819) и «Симон Боливар: Освободитель Колумбии (ок. 1820 г.). Героическая фигура изображена во фронтальной позе с позой тела, которая кажется жесткой и вертикальной. На обеих картинах выше он одет в военную форму, кажется, с гордостью, с золотыми звездами, эполетами, пряжками на поясе, а его меч прижат к левому бедру (справа от нас).
Мы также заметим слова как часть картины, которые часто использовались в колониальном искусстве, чтобы подчеркнуть важность фигуры. Кроме того, на картине «Боливар и аллегория Америки» мы видим Эль Либертадора, стоящего рядом с меньшей фигурой женщины, его правая рука обхватывает ее плечи. Она держит лук в левой руке с набором стрел на спине. Она кажется непропорционально большой по сравнению с ним.
Если мы посмотрим на историческую живопись, которая была важным жанром в это время, то на ней изображены сцены битв и важных событий.
Хосе Мария Эспиноса был колумбийским художником, который изобразил различные исторические моменты из битвы при Пало-Ривер. Однако источники также отмечают, что его картина «Битва на реке Пало» (ок. 1850 г.) больше относится к жанру пейзажа, поскольку художник сосредоточился на окружающей среде, а не на битве или фигурах, имеющих к ней отношение.
Битва на реке Пало (ок. 1850), автор Хосе Мария Эспиноса; Хосе Мария Эспиноса Прието, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Независимо от жанра картины Спиносы, она искусно написана и изображает обширный пейзаж с туманным заходящим солнцем вдалеке, клубящимся дымом слева в центре и двумя солдатами, которые, кажется, глубоко беседуют друг с другом, сидя на своих скачущих лошадях в направлении правой стороны, где мы видим еще группу солдат, сидящих на своих лошадях. В этой сцене чувствуется неотложная необходимость и ироничная красота окружающей битву обстановки.
Современное южноамериканское искусство и художники
Ниже мы рассмотрим художников от начала 1900-х годов до более современных времен, поскольку южноамериканское искусство развивается экспоненциально во многих направлениях и средствах. Несмотря на то, что существуют сотни талантливых южноамериканских художников, мы призываем вас познакомиться с ними не ограничиваясь теми, о которых мы расскажем ниже.
Бразилец Тарсила ду Амарал (1886-1973) был одним из пионеров латиноамериканского искусства эпохи модернизма.
Портрет Тарсилы ду Амарал, ок. 1925 г.; Неизвестный авторНеизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Она была мультиталантливым переводчиком, художником и рисовальщицей. Она была членом группы бразильского модернизма под названием Grupo dos Cinco, что означает «Группа пяти», художники которой исследовали смысл бразильского бытия и затрагивали актуальные идеологии, связанные с идентичностью, и проложили путь модернизму в Бразилии.
Кроме того, на Амарал также повлияло сюрреалистическое искусство, и после пребывания в Париже она вернулась в Бразилию, где начала создавать новый стиль искусства. Ее знаменитая картина маслом на холсте «Абапору» (1928) была написана в подарок ее мужу Освальду де Андраде. После этой картины он написал манифест антропофагитов, который также перерос в движение под названием «Антропофагическое движение».
Этот манифест и движение стремились «проглотить» европейские стили. Он был призван вдохновить бразильских художников отказаться от необходимости подражать европейскому искусству и принять свою бразильскую идентичность.
Если мы посмотрим на картину «Абапору», то на ней изображен обнаженный мужчина, сидящий на зеленой траве, справа — зеленый кактус, а над ним — ярко-желтое солнце, сияющее в голубом небе. Небо составляет две трети цвета фона, а трава — около трети. Эта картина кажется довольно простой, однако фигура мужчины выполнена уникально. Его рука и нога непропорционально велики на переднем плане, а когда мы поднимаем взгляд на его голову, она становится мизерных размеров, как будто мы смотрим на него через специальный телескоп.
Амарал описал ее фигуру как «чудовищную одинокую фигуру». Среди других работ Тарсила ду Амарала — «Антропофагия» (1929), где изображена еще одна характерная увеличенная фигура, обнаженная, сидящая среди природного пейзажа с листвой и большими кактусами на фоне палящего солнца.
На картине A Negra (1923) изображена обнаженная женская фигура, сидящая со скрещенными ногами на геометрическом фоне из темно-синих, зеленых и красных горизонтальных и диагональных полос. Здесь мы также видим сладострастный вид фигуры, ее правая грудь (слева от нас) слегка нависает над правым предплечьем (слева от нас), локоть опирается на правое колено (слева от нас).
Ее голова непропорционально меньше тела, а глаза очень маленькие по сравнению с полными и большими губами. Это лишь некоторые примеры уникального стиля Амарал, стиля, который она, несомненно, пропитала своей бразильской идентичностью и культурой.
С середины 1900-х годов колумбиец Фернандо Ботеро (с 1932 года по настоящее время) превратился в известного художника, у него даже было свое название стиля — «ботеризм».
Фернандо Ботеро, 1958; Dantelectrico, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Мы можем легко определить этот стиль по его увеличенным, или, как их называли, «жирным», и непропорциональным фигурам. Он часто изображает их очень расслабленными и бездельничающими с элементом юмора и, как уже было сказано, сатиры, однако в его композициях есть и политический и социальный подтекст.
Хотя он путешествовал по всему миру и изучал стиль искусства эпохи Возрождения, он также изучал фресковую живопись. Ботеро называл себя «самым колумбийским из ныне живущих художников», поскольку он не заинтересован в том, чтобы следовать художественным «тенденциям», распространенным во всем мире.
Среди его работ — «Танцы в Колумбии» (1980), на которой изображена сцена в кафе, где семь крупных музыкантов смотрят на нас, зрителей, совершенно безучастно. Кажется, что они играют на своих инструментах, но почему-то выглядят неподвижными. Перед музыкантами стоит взрослая пара, танцующая и развлекающаяся на танцполе. Пара изображена значительно меньше по размеру и по сравнению с музыкантами кажется непропорциональной и почти детской, что делает картину еще более уникальной и загадочной. Мы замечаем различные сигаретные палочки и еду, лежащие на полу, а также часть музыкального автомата слева.
Что передает Ботеро через эту картину?
Некоторые источники предполагают, что это кафе может косвенно указывать на нечто большее, чем то, что мы видим, например, на то, кто может быть завсегдатаем такого кафе и что будет происходить наверху, если там будут сдаваться комнаты? Хотя Ботеро полностью заполняет композицию своими фигурами, он оставляет нам возможность представить, что еще может происходить за пределами танцпола.
Мы также найдем фигуры Ботеро за пределами холста в виде многочисленных скульптур по всему миру. Это и сладострастные женщины, например, Венера из Бродгейта (1989), и солдаты, например, Человек на лошади (1992), и животные, например, Кошка (1990), и лошадь по кличке Кабальо кон бридас (2009).
Эдуардо Кобра (1975 — настоящее время) — молодой южноамериканский художник из Сан-Паулу в Бразилии. Он уличный художник, который начал рисовать в раннем возрасте 12 лет. Он создал тысячи настенных росписей по всему миру. Он привлекает внимание к социальным и политическим деятелям, донося их до каждого члена общества через свои фрески на зданиях. Среди примеров — «Этнические группы» (2016), которая была одной из самых больших его фресок для Олимпийских игр, и «Мать Тереза и Ганди» (2018).
Лео Чиачио (1969 по настоящее время) и Даниэль Джанноне (1964) разрушают гендерные стереотипы, присущие ремесленному и текстильному искусству. Будучи гей-парой, оба из Аргентины, они создают вышитые вручную и текстильные мозаики, которые исследуют различные традиционные и современные стереотипы и социальные идеи.
Они провели множество коллективных и персональных выставок своих работ, а также получили образование художников.
Художественный дуэт описывает свои работы как «живопись, сделанную нитками» и фокусируется на темах семьи и разнообразия, присущего семейным структурам. Мы увидим эту повторяющуюся тему, изображающую пару и их собаку, в таких работах, как Nacimiento (2010), La Familia en la Fontana di Trevi (2011), Piolin Boogie Woogie (2012), Calaverita (2014) и многих других.
Празднование Латинской Америки
Латинская Америка выдержала испытания временем, ведь она прошла через многочисленные завоевания и колониальные битвы. Суть власти, независимости и освобождения лежит в основе латиноамериканского искусства, будь то искусство начала 19-го, 20-го или 21-го веков. Сегодня эта культура наполнена разнообразием и радостью выражения национальной идентичности и гордости. Кроме того, на протяжении многих лет Латинская Америка воспринималась стереотипно, и художники были среди тех, кто боролся с этими стереотипами и идеологиями, возвращая правильные культурные элементы на свои места.
В этой статье мы рассмотрели один из аспектов латиноамериканского искусства с точки зрения южноамериканского искусства. Мы кратко рассмотрели его с точки зрения доколумбовой эпохи, когда искусство не было запятнано метафорической кровью сражений колониального правления европейских держав. Затем мы рассмотрели несколько примеров колониального искусства и то, насколько разными были его мотивы по сравнению с произведениями искусства современной эпохи после обретения независимости. Все вышесказанное показало нам, что не только южноамериканское, но и латиноамериканское искусство в целом является сложным и разнообразным и достойно того, чтобы быть показанным и прославленным во всем своем великолепии, даже если оно не всегда понятно остальному миру.
Часто задаваемые вопросы
Что такое южноамериканское искусство?
Южноамериканское искусство является частью латиноамериканского искусства. Латинская Америка — это собирательный термин, включающий в себя области Южной Америки, Центральной Америки, а также страны Карибского бассейна. Языки этих стран имеют общее происхождение от латинского языка, например, французский, испанский и португальский. Южная Америка включает в себя Аргентину, Боливию, Бразилию, Чили, Колумбию, Эквадор, Гайану, Парагвай, Перу, Суринам, Уругвай, Венесуэлу и другие области.
Сколько лет южноамериканскому искусству?
Искусство Южной Америки уходит корнями в глубокую древность, например, к культурам Анд, которые построили такие известные места, как Мачу-Пикчу. Оно имеет богатую доколумбову и колониальную историю и произведения искусства, которые исследуют эти социальные и политические периоды. Период после обретения независимости выражает другой тип южноамериканского искусства, наполненный свободой и вольностью, и мы увидим широкое разнообразие в сотнях современных и новейших произведений искусства Южной Америки и Латинской Америки. Таким образом, хронология южноамериканского искусства уходит далеко в прошлое и постоянно расширяется в настоящее и будущее.
Что повлияло на латиноамериканское искусство?
Латиноамериканское искусство разнообразно, оно включает в себя различные жанры, формы и стили. На него оказали влияние многие другие культуры, например, французская, португальская, испанская и голландская. Современные художники также испытали влияние европейских стилей, например, эпохи Возрождения, однако некоторые художники все еще сохраняют и поддерживают национальную самобытность и латинскую культуру.
