Знаменитые произведения искусства, созданные на протяжении всей истории человечества, не только привлекают внимание и заставляют задуматься, но и не стареют. Однако среди этих великолепных шедевров есть множество мрачных картин, раскрывающих порочность человечества. Эти жуткие картины дают нам возможность проникнуть в глубины страданий и страхов человечества.
Оглавление
Введение в страшное искусство
Страшные художники изображали ужасное в произведениях искусства на протяжении всего времени, исследуя такие темы, как смертность, жестокость и потустороннее. На протяжении всей истории художники-страшилки использовали свое мастерство, чтобы противостоять темам насилия и смерти, встречающимся в повседневной жизни и конфликтах. В эпоху европейского Возрождения искусство бросило вызов жесткой, всесильной католической догме. В средневековой Европе страшные произведения искусства использовались для изучения последствий таких болезней, как чума, от потустороннего до обыденного. Современное изобразительное искусство использует картины ужасов для решения сложных общественных проблем.
Полет ведьм (1798), Франсиско де Гойя; Франсиско де Гойя, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Знаменитые страшные картины
Изображение сценарных сюжетов, полных жестокости и страстного самопожертвования, с их воплощением в реальных человеческих телах, создало наследие картин ужасов, которое продолжается и по сей день. Мы подготовили эту тревожную историческую коллекцию основных и захватывающих мрачных картин, взяв за основу огромное количество жутких полотен, созданных страшными художниками на протяжении всей истории человечества.
Вот наш топ-лист знаменитых страшных картин, посвященных мрачным элементам человеческого опыта.
Триптих «Земная суета и божественное спасение» (ок. 1485) Ганса Мемлинга
| Дата завершения | c. 1485 |
| Средство | Масло на дереве |
| Размеры | 29 см x 13 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей изящных искусств Страсбурга, Франция |
Страшная картина Ханса Мемлинга сопоставляет идеи смертности и проклятия с элегантностью, богатством и глупостью земной жизни. На трех передних панелях этой страшной картины изображена прекрасная обнаженная женщина, смотрящая на свое отражение, окруженная со всех сторон изображениями гибели и зла. Ее обнажение должно быть чувственным, и оно «действительно необычно для своего времени». Значимость картины усиливается включением борзых и маленькой собаки-терьера, которые изображены на «Портрете Арнольфини» Яна ван Эйка и должны означать супружество или, что более вероятно в данном случае, сексуальное желание.
Исключительно сексуальный характер этой обнаженной натуры, безусловно, необычен для своего времени. Это единственный случай, когда женские половые органы выставлены напоказ.
Земное тщеславие и божественное спасение (ок. 1485) Ганс Мемлинг ; Ганс Мемлинг, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта дама с головным убором в локонах, которая смотрит в зеркало и с гордостью демонстрирует свою наготу, за исключением обуви, изображает как похоть, так и тщеславие. Страстные борзые справа имеют такое же значение. Водяное колесо, которое всегда намекает на Рождество у Мемлинга и снова доминирует в окружении, может быть представлено здесь как контрапункт к нечестивым путям тела, показанным на переднем плане. В сцене Тщеславия половые органы женщины соотносятся с лягушкой, злобным чудовищем, изображенным над половыми органами Смерти.
Нет никаких физических признаков, указывающих на то, была ли эта панель изначально расположена слева от центральной панели или справа.
Сад земных наслаждений (1505) Иероним Босх
| Дата завершения | 1505 |
| Средство | масляная краска |
| Размеры | 220 см x 389 см |
| В настоящее время находится в музее | Национальный музей Прадо |
Говорить о триптихе Иеронима Босха в современную эпоху — значит стремиться определить непонятное и истолковать неразборчивое — попытка безумная. Тем не менее, есть несколько наблюдений, которые можно утверждать с уверенностью. Страшное произведение искусства иногда понимается как предостережение против плотских и земных удовольствий, однако это кажется несколько банальной целью очень своеобразного и эмоционально насыщенного визуального путешествия.
На самом деле, не существует единого мнения о конкретном значении этого произведения. Это знаменитая страшная картина, представляющая сотворение и осуждение, начинающаяся с Адама и Евы и заканчивающаяся очень креативным адским пейзажем.
Никто точно не знает, почему Босх создал вселенную именно таким образом.
Сад земных наслаждений (между 1490 и 1500 гг.) Иероним Босх; Иероним Босх, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
На первой панели изображен Бог, наблюдающий за представлением Евы Адаму и похожий на сумасшедшего профессора на фоне обстановки, оживленной странными алхимическими колбами и склянками. В этом контексте представление женщины мужчине, очевидно, призвано продемонстрировать не только изобретательность Бога, но и способность человека к воспроизводству. Люди, потомки Адама и Евы, свободно резвятся в галлюцинаторном живописном пейзаже на второй панели, кажутся безумными творениями шутливого создателя — шестеренками природы, живущими в большем живом механизме.
Непонятно, что делают люди в этом прекрасном, сложном и нелогичном мире, населенном причудливым набором самых восхитительных животных Босха и усеянном его алембическими зданиями.
На последней панели предыдущие изображения ада, если предположить, что именно так представлял себе Босх, меркнут по сравнению с этим. Крепостные стены тюремных камер вырезаны черными тенями на фоне языков пламени, а человеческие тела группируются в группы, собираются в легионы или подвергаются причудливым жестокостям от когтей странно одетых палачей и демонов.
Триумф смерти (1562) Питера Брейгеля Старшего
| Дата завершения | 1562 |
| Средство | Масло на панели |
| Размеры | 117 см x 162 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей Прадо, Мадрид |
На картине изображен панорамный вид легиона скелетов, распространяющих опустошение по мрачной, обугленной сельской местности. Вдали бушуют пожары, а вода наполнена обломками кораблей. Несколько кустов без листьев усеивают бесплодные склоны, а на берегу пруда, наполненного трупами, умирает рыба. Джеймс Снайдер, историк искусства, подчеркивает, что это «обугленная, пустынная земля, лишенная всякой жизни, насколько ее может воспринять глаз». В этой обстановке армии скелетов приближаются к живым, которые либо бегут в ужасе, либо бесполезно сражаются.
На переднем плане скелеты тянут повозку, полную голов, а в левом верхнем углу другие бьют в набат о гибели мира.
Триумф смерти (1562), Питер Брейгель Старший; Питер Брейгель Старший, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Людей заманивают в украшенную крестом ловушку в форме гроба, а скелет на лошади убивает их косой. На картине изображены представители многих социально-экономических классов — от фермеров и воинов до аристократов, а также правитель и папа — безжалостно схваченные смертью. Скелет насмехается над человеческим восторгом, играя на хурди-гурди, в то время как колеса его телеги разбивают человека, словно грязь. Дама попала в колею телеги смерти; в другой руке она держит тонкую нить, которая будет перерезана ножницами.
Распластывание Марсия (1576), Тициан
| Дата завершения | 1576 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 212 см x 207 см |
| В настоящее время находится в музее | Архиепархиальный музей Кромержижа |
Это страшное произведение изображает сдирание живой кожи с мифического существа, которое по глупости вызвало бога Аполлона на музыкальное состязание. Это одна из многочисленных работ на мифические темы из Овидия, которые Тициан завершил в последние годы своей жизни. С 1673 года произведение оставалось в Моравии и в основном игнорировалось, так как находилось в стороне от обычных венецианских произведений искусства. Оно не появлялось в научных трудах до 1909 года. К 1930-м годам оно было широко признано как значительная поздняя работа среди ученых, но редко было известно широкой публике.
Многие авторы пытались понять смысл «знаменито жестокого» произведения, которое, несмотря на суровость казни, характеризуется как самое обсуждаемое, обожаемое и презираемое из всех работ Тициана.
Испепеление Марсия (ок. 1570-1576), Тициан; Тициан, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Согласно одной из популярных теорий, картина представляет собой концепцию неоплатонизма эпохи Возрождения об «освобождении души от плоти» или достижении большего понимания или просветления. Сказка о Марсиасе широко рассматривалась как пример неизбежной трагедии, которая является результатом высокомерия в форме дерзости по отношению к божеству. Концепция соревнования, призванная укрепить общее моральное и эстетическое превосходство придворной лиры или современных струнных инструментов над примитивными и капризными духовыми инструментами, была очевидна во многих классических дебатах и, возможно, имела определенное значение в XVI веке.
Портрет Антониетты Гонсалес (1595) работы Лавинии Фонтана
| Дата завершения | 1595 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 57 см x 46 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей замка, Блуа |
Эта конкретная картина скорее странная, чем пугающая. Она кажется странной шуткой, которую художница Лавиния Фонтана сыграла с неопытной натурщицей. Однако она основана на реальном человеке. Антониетта Гонсалес и другие члены ее семьи страдают гипертрихозом, часто называемым «синдромом оборотня», — редким наследственным заболеванием, при котором на теле появляется чрезмерное количество волос. Педро Гонсалес, отец Антониетты, был первым человеком, у которого диагностировали это заболевание.
Учитывая редкость этого заболевания, несколько неожиданно, что гипертрихоз поразил многих членов клана Гонсалес.
Портрет Антониетты Гонсалвус (ок. 1594-1595), автор Лавиния Фонтан а; Лавиния Фонтана, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Антониетта и ее братья и сестры были приглашены в европейские дворы после того, как заинтересовали врачей и аристократов, а также подверглись клиническим обследованиям и фотосессиям. В письме ручной работы, которое она держит в руках на фотографии, Антониетта рассказывает немного о своей биографии: «Дон Пьетро, дикий человек, найденный на Канарских островах, был доставлен к королю Франции, а оттуда перешел к герцогу Пармскому… От которого произошла я, Антониетта, и сегодня меня можно увидеть в поместье благородной Маркизы Сораньи».
Резня невинных (1611), Питер Пауль Рубенс
| Дата завершения | 1611 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 142 см x 182 см |
| В настоящее время находится в музее | Художественная галерея Онтарио |
Эта тема часто встречается в изобразительном искусстве, особенно в эпоху Возрождения, когда художники пересматривали историю и заново осмысливали мифические и религиозные сюжеты. Ужасающее изображение убийства, заказанного царем Иродом, чтобы помешать предсказанному будущему царю Иудеи унаследовать царство, было изображено многими художниками разных эпох. На этой страшной картине младенцев убивают обнаженные солдаты, в то время как их матери отчаянно пытаются их спасти. В центре картины — одетая в кроваво-красное женщина, которая сползает назад под тяжестью пожилой женщины, которая вот-вот будет ранена армией.
Она яростно бьет когтями по голове другого солдата правой рукой, а левой сжимает младенца.
Резня невинных (1511-1512), Питер Пауль Рубенс; Питер Пауль Рубенс, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Это борьба за сохранение, битва, в которой человеческая жизнь находится под угрозой. Она оттаскивает солдата, так как видно, что он вцепился в одеяние ребенка и почти схватил младенца. Еще один ужас происходит вдоль правой верхней границы картины: младенец, поднятый далеко вверх другим офицером, вот-вот будет сброшен на землю, которая уже покрыта бледными, безжизненными трупами.
Однако есть и оптимизм: маленькая девочка, мелькающая у левой ноги офицера, протягивает руки к младенцу, пытаясь схватить его. В этой страшной картине действительно происходит многое, но если начать с двух групп в центре и с правой стороны: женщины, ее ребенка и офицера, — то вы почувствуете драматизм всего изображения.
Кошмар (1781) Генриха Фюзели
| Дата завершения | 1781 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 102 см x 127 см |
| В настоящее время находится в музее | Детройтский институт искусств |
Эта ужасающая картина изображает женщину в глубокой дремоте, ее руки раскинуты под ней, а на ее груди скрючился дьявольский и звериный инкуб. Мечтательное и тревожное сексуальное изображение страсти и желания в этом произведении искусства стало огромным коммерческим триумфом. После первой выставки в Лондонской королевской академии в 1782 году рецензенты и сторонники отнеслись к произведению с испуганным любопытством, и оно приобрело огромную известность до такой степени, что ему стали подражать в политических комедиях, а гравированная копия получила широкое распространение.
В ответ Фюзели создал по меньшей мере еще три вариации.
Кошмар (1781) Генри Фюзели; Генри Фюзели, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Интерпретации различны. Судя по всему, на картине изображена как спящая женщина, так и предмет ее кошмаров. Инкуб и голова лошади — это отсылки к современным верованиям и традициям, связанным со снами, хотя некоторые ученые дают им более точные толкования. Современные рецензенты были поражены неприкрытой чувственностью картины, которая впоследствии была воспринята некоторыми историками как предвестие юнгианских концепций о подсознании.
Отрубленные головы (1810) Теодора Жерико
| Дата завершения | 1810 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 65 см x 76 см |
| В настоящее время находится в музее | Национальный музей, Стокгольм, Швеция |
Другим известным художником, известным своими жуткими картинами, является Теодор Жерико. Картина «Отрубленные головы», вызывающая ужас, действительно представляет человечество в его худший час. Ухудшение состояния черепов очевидно. У женской головы слева закрыты веки и мрачный бледный цвет лица, а у мужской головы с другой стороны — мертвые глаза и частично открытый рот. Использование Жерико темных и светлых оттенков для передачи его желания — перехода от жизни к смерти — добавляет композиции привлекательности.
Жерико был настолько озабочен смертью, что, по слухам, в его рабочем кабинете находились настоящие отрубленные человеческие останки и трупы.
Отрубленные головы (ок. 1810), Теодор Жерико; Теодор Жерико, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
Отрубленные головы», как и многие другие картины Жерико, позволили ему изучить тонкости изображения тела. Стебли отрубленных голов подразумевают, что эти предыдущие духи были обезглавлены. На самом деле, однако, это верно только для одного из них. Гильотинированный череп мужчины был получен от преступника, ранее содержавшегося в клинике, которая одновременно функционировала как тюрьма для смертников, в то время как голова женщины была создана из живого человека.
В результате возникло предположение, что вторым мотивом создания этой страшной картины у Жерико было желание показать, как мужчины и женщины часто подвергались обезглавливанию на гильотине.
Сатурн, пожирающий своего сына (1823), Франсиско де Гойя
| Дата завершения | 1823 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 143 см x 81 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей Прадо |
Эта, одна из самых страшных и мрачных картин де Гойи, является частью так называемой серии «Черные картины». Де Гойя создал эти картины прямо на гипсовых стенах своего дома на берегу реки Мансанарес под Мадридом, который он приобрел в качестве последнего пристанища в 1819 году. Вначале он украсил стены более жизнерадостными сюжетами, но со временем заново расписал их серией все более страшных и ужасных изображений, что, скорее всего, отражало его растущую меланхолию и тревогу, а также опасения по поводу собственной приближающейся смерти. Он не писал об этих работах в дневнике, неизвестно, обсуждал ли он их, и не предпринимал никаких попыток идентифицировать их.
Другие люди выбирали названия для его работ спустя годы после его смерти, в зависимости от предполагаемой сути и значимости каждого произведения.
Сатурн, пожирающий своего сына (ок. 1823), Франсиско де Гойя; Франсиско де Гойя, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Кроме того, картины оставались нетронутыми на стенах около 50 лет, прежде чем в 1874 году их перенесли на полотно. Изображение представляет собой мастерское изображение безумного психопата, застрявшего во мраке, неспособного остановить свое агрессивное поведение. Нагота Сатурна, его всклокоченная борода и волосы, широко раскрытые глаза и яростные жесты указывают на безумное помешательство. Он уже оторвал и сожрал голову, правую руку и часть левой руки своего ребенка, и собирается взять в рот еще одну часть левой руки. Он держит мертвого ребенка так крепко, что костяшки его пальцев побледнели, а из верхних частей рук сочится кровь.
Ведьма Такияша и призрак скелета (1844) Утагава Куниёси
| Дата завершения | 1844 |
| Средство | Ксилография |
| Размеры | 35 см x 71 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей V & A |
Утагава Куниёси создал ксилографию «Ведьма Такияша и призрак скелета» в эпоху Эдо, на которой гигантский скелет парит над двумя воинами-самураями, а женщина в тени рассматривает письмо. Это тревожное изображение навеяно историей японской эпохи Хэйан, которая произошла в 939 году нашей эры. В этот период лидер самураев Тайра-но Масакадо командовал атакой против императорской власти в Киото из своей крепости в Канте.
Позже он попытался основать «Восточный двор» в провинции Симоса, но был свергнут и обезглавлен.
Три плитки в картине «Ведьма Такияша и скелетный призрак» (1844) Утагавы Куниёси; Takiyasha_the_Witch_and_the_Skeleton_Spectre_1. jpg: Utagawa Kuniyoshi Takiyasha_the_Witch_and_the_Skeleton_Spectre_2.jpg: Utagawa Kuniyoshi Takiyasha_the_Witch_and_the_Skeleton_Spectre_3.jpg: Utagawa Kuniyoshiderivative work: Crisco 1492, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Принцесса Такияша, его ребенок, осталась жить в семейном сёэне, прибегая к колдовству и изучая магические заклинания. В работе Куниёси изображено, как она проводит ритуал по вызову Гашадокуро, призрака, принимающего форму гигантского скелета. Она рассматривает Я Таро Мицукуни и другого воина, которые были отправлены на поиски принцессы. Призрачный дух помешал их намерениям. Он выпрыгивает из темноты, прорывается сквозь разорванные дворцовые ставни и своими скелетными пальцами угрожает Мицукуни и его другу.
Данте и Вергилий (1850) Вильгельм-Адольф Бугеро
| Дата завершения | 1850 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 281 см 225 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей д’Орсэ, Париж |
На первый взгляд картина «Данте и Вергилий» может показаться не очень страшным произведением искусства, но в сочетании с повествованием она превращается в ужасающую визуальную встречу. На картине изображен эпизод из «Божественной комедии» Данте. Данте и его спутник Вергилий попали в Ад и остановились в Восьмом круге. Эта область Ада предназначена для тех, кто обманул человечество.
Данте и Вергилий свидетельствуют о двух приговоренных душах, вовлеченных в бесконечную смертельную битву. Капоччиа, химик и бунтарь, находится на одной стороне, а Джанни Шикки, проказник и мошенник, — на другой.
Помимо ужасающей обстановки с чудовищами, печью и обнаженными людьми, стонущими от боли, наиболее ярким аспектом этой картины является изысканное изображение тел сражающихся.
Данте и Вергилий в аду (1850), Вильгельм-Адольф Бугеро; William-Adolphe Bouguereau, Public domain, via Wikimedia Commons
Бугеро хорошо передал «накал момента», подчеркнув свирепую силу Шикки, элегантность поз мужчин и полное отчаяние их эмоций. В конечном счете, эта страшная картина служит эстетической памяткой, подчеркивая, что в глазах Бога все люди равны, а изгнание в ад превращает человека не в человека и не в чудовище, а в нечто среднее между ними.
Бугеро не был одним из обычных пугающих художников, и эта картина — первая и последняя из его работ, исследующих эту тему, что подразумевает, что мрачное содержание, вероятно, было слишком расстроено для него, чтобы воспроизвести ее.
Триумфаторы Авроры (1876) Эвелин де Морган
| Дата завершения | 1876 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 120 см x 170 см |
| В настоящее время находится в музее | Художественная галерея и музей Рассел-Котс |
Аврора, римская богиня утра, откинулась назад в правом нижнем углу, цепи тьмы изображены в виде узловатых цветов. Тьма уплывает в ее черных одеждах в левом нижнем углу. Три крылатых духа, ослепительные в своих золотых одеждах, бьют в трубы, возвещая наступление дня. Аврора триумфально побеждает Ночь. Два главных героя этой основной сказки расположены в статичных позах, как бы в табло, как это было принято в повествовательном искусстве прерафаэлитов.
С включением ангелов, которые управляют картиной и почти способствуют ее озвучиванию, де Морган меняет привычную композицию.
Триумфаторы Авроры (Рассвет) (ок. 1886), Эвелин Де Морган; Эвелин Де Морган , Общественное достояние, через Wikimedia Commons
У этой страшной картины тоже есть интригующая предыстория. Впервые она была выставлена в лондонской галерее Гросвенор, а затем, по-видимому, находилась в частной коллекции, пока не была выставлена на продажу в 1922 году. В то время имя де Моргана было заменено именем Берн-Джонса. На этом основании она была приобретена для музея Рассел-Котс в Борнмуте, где в настоящее время выставлена как одна из работ де Моргана. Де Морган, спиритуалист и, следовательно, горячо верующий в будущее, создал это изображение ангела смерти, собирающего духов для перехода на другую сторону.
Пирамида черепов (1901) Поля Сезанна
| Дата завершения | 1901 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 37 см x 45 см |
| В настоящее время находится в музее | Частная коллекция |
Пирамида черепов» — это произведение искусства, изображающее четыре человеческих черепа, сложенных в пирамидальную форму. Это страшное произведение, написанное в тусклом свете на черном фоне, является уникальным в творчестве художника, поскольку «ни в одной другой картине художник не размещал свои элементы так близко к наблюдателю». Сезанн неоднократно упоминал о смерти в своих письмах, когда работал в уединении в последнее десятилетие своей жизни: «Жизнь стала для меня смертельно скучной»; «Что касается меня самого, то я уже стар. Я не смогу передать себя»; и «С таким же успехом я мог бы исчезнуть».
Можно предположить, что смерть матери 25 октября 1897 года — она была заботливой и поддерживающей фигурой — ускорила его размышления о смерти, теме, которая мучила художника с конца 1870-х годов, но не находила художественной формы еще 20 лет.
Пирамида черепов (1898-1900), Поль Сезанн; Поль Сезанн, общественное достояние, через Wikimedia Commons
В это же время состояние Сезанна начало ухудшаться. Эмоциональное принятие смерти вдохновило его на серию картин ужасов, которые он создал между 1898 и 1905 годами. Эти мрачные картины, некоторые из которых написаны акварелью, а некоторые маслом, более нюансированы по содержанию и в то же время более эстетичны, чем обычный подход к теме vanitas. Пирамида черепов» была завершена в мастерской Сезанна в Эксе перед его переходом в новую мастерскую в Ле-Лове в 1902 году.
Смерть Марата II (1907) Эдварда Мунка
| Дата завершения | 1907 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 150 см x 200 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей старых мастеров |
Следующая ужасающая картина навеяна меланхолией жизненного опыта, особенно когда речь идет о конце романа. Смерть Марата II» была создана великим норвежским художником Эдвардом Мунком и имеет одну ужасную историю — на самом деле, две. Все началось в 1902 году, когда Мунк расстался со своей девушкой Туллой Ларсен. Согласно сообщениям, пара поссорилась в его доме отдыха в Аасгаардстранде, и во время потасовки выстрелил пистолет, ранив Мунка в запястье. Эта трагедия взволновала художника, который предположил, что во всем виноват Ларсен, и вдохновила его на создание двух картин: Смерть Марата и эта последующая картина.
Тема обоих названий, «Марат», связана с французским бунтарем, убитым в ванне в 1793 году экстремисткой Шарлоттой Кордей.
Смерть Марата II (1907), Эдвард Мунк; Эдвард Мунк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Вместо Марата и Кордея, предметом этой страшной картины, как полагают, является Мунк, безжизненно лежащий на матрасе, рядом с которым стоит обнаженный Ларсен. Порез на руке человека, изображающий Мунка, поранившего собственную руку во время предыдущего спора с Ларсеном, и физическое сходство между дамой на картине и самой Ларсен — основные причины, по которым ее считают его убийцей. Мунк создал картину, экспериментируя с экспрессионистскими методами.
Он создал особую технику: уникальные боковые и вертикальные мазки кистью, которые отражали его агрессивность и неуравновешенное психическое состояние, что в итоге привело к его краху в 1908 году.
Лицо войны (1940) Сальвадор Дали
| Дата завершения | 1940 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 64 см x 79 см |
| В настоящее время находится в музее | Музей Бойманса Ван Бойнингена |
Эта работа была завершена в Калифорнии в конце 1940 года; ужасающее лицо битвы, ее глаза, наполненные безграничным убийством, напоминали скорее о гражданской войне в Испании, чем о Второй мировой войне, которая в тот момент еще не предоставила процессии ужасающих картин, достаточных для ошеломления Дали. Ужас картины усиливается благодаря коричневым тонам, которые доминируют в ее настроении.
С художественной стороны, Дали заявил, что это единственная работа, на которой виден подлинный отпечаток его пальцев на картине (в правом нижнем углу).
«Два величайших энергетических актуатора, которые заставляют работать мой художественный мозг, — это, во-первых, половое влечение, или сексуальный импульс, и, во-вторых, страх смерти. Ни одна секунда моей жизни не проходит без изысканного религиозного, епископального и римского явления смерти, сопровождающего меня даже в самых незначительных из моих самых тонких и произвольных фантазий», — писал Дали в своем дневнике.
Чем глубже вы вглядываетесь в это ужасающее произведение искусства, тем больше ужасающих и в то же время болезненно точечных элементов появляется. На картине изображена развоплощенная голова на пустынном ландшафте, с исхудалым лицом, похожим на труп, на которую нападают змеи. Ее вид мрачен и заброшен, как и хотел Даль: изобразить ужас битвы. Внутри губ и глазниц находятся похожие головы, а внутри них — дополнительные дублирующие головы, что делает эту функцию бесконечной, удручающей.
На этом наш список известных страшных картин подходит к концу. Художники-страшилки на протяжении веков создавали картины ужасов, отражающие темную сторону человека. Эти жуткие картины до сих пор вызывают тревогу и страх у тех, кто их видит.
Часто задаваемые вопросы
Почему художники создавали жуткие картины?
Художники создавали жуткие картины по многим причинам. Иногда это было отражение состояния мира, в котором они жили, политического или религиозного. В других случаях это было отражение их собственных внутренних страхов.
Являются ли мрачные картины злом?
Хотя иногда в сюжетах картин могут фигурировать зло и демоны, обычно история берет начало в мифе или священном писании. Художники могут решить создать картину, чтобы передать определенный духовный урок. В других случаях это может быть символическое изображение чего-то совершенно другого.
