Картины американской жизни всегда излучали определенный дух первопроходчества. Будь то символическое представление патриотизма или выражение индивидуализма, знаменитые американские картины отражают душу нации, которая постоянно переосмысливала себя на протяжении веков. От тем отчуждения до интеграции, некоторые из величайших американских художников пополнили сложный гобелен американской культуры.
Оглавление
15 самых знаменитых американских картин
У всех великих американских художников есть одна общая черта — их предки приехали из других регионов и поселились в Штатах. Вместе с ними они привезли свои традиции и культуру, но Америка также определяла свою собственную культуру — уникальную смесь влияний и стилей со всего мира в сочетании с чем-то, что было квинтэссенцией американской культуры. Через историческую борьбу и сотни лет реформ и движений за гражданские права великие американские художники смогли передать дух эпохи, как отдельных людей, так и общества в целом.
Чтобы лучше понять, какой видели страну величайшие американские художники своего времени, давайте рассмотрим лучшие американские картины, созданные на протяжении веков.
Пол Ревир (1770) Джона Синглтона Копли
| Дата создания | 1770 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 88 см x 72 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей изящных искусств |
Единственный завершенный портрет ремесленника, одетого в рукава рубашки и изображенного за работой, выполненный Джоном Синглтоном Копли, — Пол Ревир. Ревир изображен в полный рост, сидящим за красиво убранной столешницей, и одетым. Он опирается головой на доминирующую руку и смотрит на зрителя, как будто только что поднял взгляд от чайника в своей руке; чайник завершен, но не украшен, а инструменты для травления у локтя Ревира свидетельствуют о работе, которую еще предстоит сделать.
Модель Копли был опытным серебряных дел мастером и художником стиля рококо, как в гравюре, так и в таких предметах, как горшки, когда он создавал картину Ревира.
Портрет Пола Ревера (1768) Джона Синглтона Копли; John Singleton Copley, Public domain, via Wikimedia Commons
Его портрет Ревира уникален не только в его карьере, но и в американском колониальном искусстве. Типичными заказчиками Копли были священники, бизнесмены и их супруги, несмотря на то, что он написал несколько изображений ремесленников. На одной из его ранних картин, «Питер Пелхэм», датированной примерно 1754 годом, изображен ремесленник с инструментами своей профессии.
Ветеран на новом поле (1865) Уинслоу Хомер
| Дата создания | 1865 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 61 см x 96 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк |
Немногие конфликты оказали такое длительное влияние на американское общество, как Гражданская война. Это знаменитое американское произведение искусства быстро завоевало популярность благодаря изображению послевоенного существования на скромном, но прекрасном пшеничном поле. Гомер изобразил усталого солдата, который переключил свое внимание с битвы на возделывание земли в 1865 году, после поражения Ли при Аппоматтоксе.
В тот момент нация все еще была сильно расколота, но она, несомненно, была готова к тому, чтобы пережить один из самых болезненных периодов.
Ветеран на новом поле (1865), Уинслоу Хомер; Уинслоу Хомер, CC0, via Wikimedia Commons
Теней почти не видно, видно, как человек трудится в поле под полуденным зноем. Куртка рабочего, лежащая спереди вместе с его флягой военного образца, говорит о том, что народ потерял желание воевать. Использование фермером серпа намекает на то время, когда регион страдал от многочисленных смертей.
Портрет мадам Х (1884) Джона Сингера Сарджента
| Дата создания | 1884 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 2,35 м x 1,1 м |
| В настоящее время хранится в музее | Музей искусств Метрополитен |
Трудно понять, почему картина Джона Сингера Сарджента «Мадам Икс» потрясла и ужаснула Париж. Взглянув на картину, вы заметите основную композицию, изображающую даму с шиньоном, позирующую на коричневатом фоне. Она одета в глубокую черную юбку с золотым ремешком, одной рукой держит веер, а другой опирается на круглый стол. Ее лицо в профиль, взгляд зрителя выведен косо из кадра из-за изгиба ее длинного носа.
Сегодня она предстает перед нами как изящная дама с безупречным цветом лица и аристократическими чертами, одетая в изысканное, хорошо сшитое платье.
Портрет мадам X (мадам Пьер Готро) (1883-1884), Джон Сингер Сарджент; Музей Метрополитен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Это изображение противоречит натурщице портрета, Виржини Амели Авегно Готро, а также спорам, развернувшимся вокруг его представления в Парижском салоне. Массовое возмущение было настолько сильным, что художник был вынужден бежать из страны, а образ его натурщицы из высшего общества был навечно запятнан.
Травяной пожар (1908) Фредерика Ремингтона
| Дата создания | 1908 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 101 см x 68 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей Картера |
На этом холсте маслом 1908 года Фредерик Ремингтон изобразил группу коренных жителей прерий, использующих нетрадиционный метод ведения войны против невидимого противника путем поджога травы. Согласно современным свидетельствам, коренные американские бойцы использовали этот метод в местах, где, по их мнению, противник находился на ветру, что позволяло туману от контролируемого поджога распространяться в сторону невидимого врага, мешая ему видеть и внося беспорядок в его ряды.
Умение Ремингтона работать с освещением дает о себе знать, создавая мрачную картину: бойцы коренных американцев освещены снизу, что придает их суровому облику еще более устрашающий вид.
The Grass Fire (1908), Frederic Remington; Frederic Remington, Public domain, via Wikimedia Commons
Плотное черное поле вдали добавляет этой серьезности, позволяя зрителю задуматься о том, что может скрываться в этой черноте, из которой вдалеке появляются дополнительные солдаты. Это делает историю захватывающей, изображая события с одной точки зрения, и в то же время позволяя зрителю самому домыслить большую часть истории в зависимости от культурного опыта.
Олень у Шарки (1909) Джордж Беллоуз
| Дата создания | 1909 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 92 см x 122 см |
| В настоящее время хранится в музее | Кливлендский музей искусств |
Атлетический клуб Шарки, шумный бар с боксерским рингом за кулисами, расположенный недалеко от его студии, не был сюрпризом для Беллоуза. Клуб был основан Томом «Моряком» Шарки, бывшим бойцом, ранее служившим в военно-морском флоте США, и привлекал мужчин, которые хотели понаблюдать или поучаствовать в поединках. Поскольку в то время открытые бои были запрещены в Нью-Йорке, для проведения поединков требовалось закрытое помещение.
Посещение обычно ограничивалось членами определенной организации, но если в мероприятии участвовал иностранец, ему давали временный допуск и называли «оленем».
Олень у Шарки (1909), Джордж Беллоуз; George Bellows, Public domain, via Wikimedia Commons
Беллоуз создал размытую картину с помощью быстрых взмахов, подражая двум боксерам в бою. Он также выбрал низкую точку обзора, чтобы поместить зрителя среди толпы, наблюдающей за боем. Он выбрал «вызывающее участие» в событии. «Я ничего не понимаю в боях; я просто изображаю двух мужчин, намеревающихся убить друг друга», — объяснил он.
Черный ирис (1926) Джорджия О’Киф
| Дата создания | 1926 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 91 см x 75 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей искусств Метрополитен |
Ирис — хорошо известный мотив в западном искусстве, широко используемый в религиозном искусстве; его лезвия, похожие на мечи, особенно часто использовались как метафора агонии Марии, визуальная аналогия, о которой Джорджия О’Кифф могла знать благодаря своему набожному происхождению и католическому образованию. В течение нескольких лет основным источником вдохновения для нее были знаменитые ирисы; она предпочитала черный ирис, который был доступен только у избранных флористов в Нью-Йорке в течение примерно двух недель каждой весной.
В отличие от цветочных картин импрессионистов, таких как «Ирисы» Винсента Ван Гога, ее увеличенные картины и абстракции, нарисованные из цветка, часто описывались в репродуктивных терминах, почти научных в своей точности.
Ранее бывшие достоянием фрейдистских аналитиков, такие объяснения впоследствии были воспроизведены в феминистских интерпретациях цветка. Они считают Black Iris анатомической аналогией женской анатомии, утверждая, что связь прямая и ясная, а также что эти два определения почти взаимозаменяемы.
Американская готика (1930) Гранта Вуда
| Дата создания | 1930 |
| Средство | Масло на биверборде |
| Размеры | 78 см x 65 см |
| В настоящее время хранится в музее | Институт искусств Чикаго |
Грант Вуд был одним из величайших американских художников 20-го века, и эта картина считается одной из лучших американских картин. На картине изображена пара средних лет (обычно это фермер и его дочь или жена), стоящая перед своей резиденцией — деревянным домом, построенным в стиле американской готики, популярной в 1890-х годах.
Из-за того, что люди находятся так близко к наблюдателю, очень мало видно их окружение.
Американская готика (1930) Гранта Вуда; Грант Вуд, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Он смоделировал дом по образцу дома Диббл Хаус, который он наблюдал в маленьком городке Элдон в штате Айова, а в качестве объектов для пары одел Нэн, свою сестру, и своего дантиста, доктора Байрона Маккиби. Многие художественные рецензенты увидели в этой работе саркастическое отражение общества маленького городка из-за ее сходства с традиционным изображением деревенских жителей Среднего Запада, одетых в дунгары и с вилами.
Ночные ястребы (1942) Эдварда Хоппера
| Дата создания | 1942 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 84 см x 152 см |
| В настоящее время хранится в музее | Институт искусств Чикаго |
Картина Эдварда Хоппера «Ночные ястребы» входит в число самых знаковых картин американской культуры, служа виртуальным отображением образа жизни 1940-х годов. Картина маслом изображает сценарий позднего вечера, в котором несколько клиентов все еще слоняются вокруг закусочной.
На нескольких уровнях его работа представляет собой блестящее сочетание света и тени.
Ночные ястребы (1942) Эдвард Хоппер; Эдвард Хоппер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Яркие оттенки контрастируют со светом, который может показаться слишком интенсивным в таком контексте, однако тени сочетаются с поразительной интенсивностью таким образом, что определяют изображение как нечто, на что можно смотреть множеством способов. Пара на картине кажется неподвижной, в то время как подавальщик в закусочной смотрит вверх, выполняя свою работу. Другой человек сидит в такой же спокойной манере, спиной к наблюдателю.
Свобода от нужды (1943) Норман Рокуэлл
| Дата создания | 1943 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 116 см x 90 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей Нормана Рокуэлла |
Обращение президента Ф. Д. Рузвельта «О положении дел в стране» побудило Нормана Рокуэлла создать эту картину. Еще три картины художника были написаны под влиянием того же послания. На момент создания картины США были втянуты во Вторую мировую войну, и произведение призвано продемонстрировать, что, несмотря на трудности, которые переживала страна, классические американские консервативные принципы оставались крайне важными.
Свобода от нужды (между 1941 и 1945 годами) Норман Рокуэлл; Норман Рокуэлл, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На картине изображены три поколения людей, собравшихся за обедом в честь Дня благодарения. Муж сидит во главе стола, а жена готовится поставить перед семьей большую индейку. Обилие индейки компенсируется отсутствием других блюд на столе и наличием воды как единственного источника прохладительных напитков.
Картина, созданная в 1943 году, сейчас находится в музее Нормана Рокуэлла.
Мир Кристины (1948) Эндрю Уайет
| Дата создания | 1948 |
| Средство | Темпера на панели |
| Размеры | 81 см x 121 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей современного искусства |
Картина «Мир Кристины» выполнена в суровой обстановке побережья штата Мэн и изображает молодую женщину, наблюдаемую со спины, одетую в розовое платье и лежащую на траве. Несмотря на то, что она, кажется, находится в состоянии релаксации, ее тело, опирающееся на запястья, странно внимательное; ее контур жесткий, практически неподвижный, создающий ощущение, что она прикована к земле.
Она смотрит на далекую усадьбу и скопление строений, старых и серых, контрастирующих с иссохшей лужайкой и мрачным небом. На этой знаменитой американской картине изображена соседка художника, которая не могла ходить из-за полиомиелита и тащила себя на руках.
Уайет хотел запечатлеть момент повседневной жизни девушки, который другие сочли бы непреодолимым препятствием.
Номер 5, 1948 (1948) Джексон Поллок
| Дата создания | 1948 |
| Средство | Масло на древесноволокнистой плите |
| Размеры | 2,44 м x 1,22 м |
| В настоящее время хранится в музее | Частная коллекция |
Вместо мольберта Джексон Поллок раскладывал свои работы на полу и ходил вокруг них, сбрасывая краску с жестких кистей, стержней и иголок. Он только начал работать в этой манере за год до создания № 5, 1948, но его подход быстро стал настолько характерным, что его стали называть «Джек-дроппер». Искусство Поллока было новаторским по многим параметрам. На протяжении многих веков художники планировали или проверяли большие картины.
Поллоком же руководили страсть и инстинкт, когда он плелся вокруг своей основы из ДВП, капая и разбрасывая краску, как того требовало вдохновение.
Он отказался от кисти, заменив ее каплями и брызгами, и его спонтанные шедевры озарили мир искусства. Он начал изучать синтетические глянцевые эмалевые краски, которые вытесняли старомодные домашние краски на масляной основе. Несмотря на то, что блестящая идея была восхвалена, он отверг ее как «естественное развитие из необходимости».
Горы и море (1952) Хелен Франкенталер
| Дата создания | 1952 |
| Средство | Масло и уголь на холсте |
| Размеры | 220 см x 297 см |
| В настоящее время хранится в музее | Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия |
Хелен Франкенталер, американская художница-абстрактный экспрессионист, создала картину «Горы и море» в 1952 году. Это была ее первая публичная работа, созданная, когда ей было 23 года. Картина «Горы и море», хотя и подверглась критике со стороны рецензентов, впоследствии стала ее самой важной и известной работой. Летом 1952 года она отправилась на остров Кейп-Бретон, где создавала пейзажи с помощью переносного мольберта.
Картина была описана как светотеневое, полупрозрачное впечатление от склонов холмов, валунов и воды, а сама создательница впоследствии заявила, что для многих она выглядит как большое живописное полотно, небрежно случайное и незаконченное.
Картина «Горы и море» была создана Франкенталер путем укладки негрунтованной панели прямо на грунт и окрашивания ее в цвета путем разбавления масляной краски растворителем и создания условий для растекания красок. Это был ее первый опыт использования метода окрашивания.
Банки супа «Кэмпбелл» (1962) Энди Уорхола
| Дата создания | 1962 |
| Средство | Синтетический полимер |
| Размеры | 51 см x 41 см |
| В настоящее время хранится в музее | Музей современного искусства |
Картина «Банки супа Campbell’s» — одна из самых известных американских картин, состоящая из тридцати двух полотен, по одному на каждый из 32 видов супа, производимых компанией в то время. Именно этот шедевр помог поп-арту стать заметным направлением искусства в США.
Некрасочная техника и корпоративная тематика произведения вызвали возмущение в то время, поскольку они бросали вызов технике и идеологии абстрактного экспрессионизма, выдающегося стиля Америки того времени.
Последующие дискуссии о достоинствах и морали такого произведения, которое не обладало эстетической и метафизической тенденцией произведений абстрактных экспрессионистов, вызвали переполох в американском художественном сообществе. Когда Уорхола спросили, почему он рисует банки с супом, он сухо ответил: «У меня был один и тот же обед каждый день, в течение двадцати лет, я думаю, одно и то же повторялось».
WHAAM! (1963) Рой Лихтенштейн
| Дата создания | 1963 |
| Средство | Масло и акриловые краски |
| Размеры | 1,7 м x 4 м |
| В настоящее время хранится в музее | Тейт Модерн |
Поп-арт прославляет современную культуру, возвышаясь над элитарной культурой. Его отличает использование ярких оттенков и узнаваемой иконографии из поп-медиа, такой как рекламные ролики, артисты и фигуры из графических романов. Рой Лихтенштейн является одним из величайших американских художников этого стиля после Энди Уорхола, а его самая известная работа — Whaam !
Это произведение — одно из нескольких работ художника, изображающих воздушную войну.
ВААМ! (1963), Рой Лихтенштейн; GualdimG, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
С 1943 по 1946 год он служил в вооруженных силах США, а на создание фильма «Whaam!» повлияли работы Ирва Новика, иллюстратора комиксов. На иллюстрациях, вдохновленных комиксами, изображен реактивный истребитель, запускающий снаряд, который попадает во второй самолет, заставляя его взорваться. Whaam! известен тем, что сочетает яркие цвета с захватывающим сюжетом. Она «фиксирует, мягко пародируя привычные образы героев современной Америки».
Без названия (1982) Жан-Мишель Баския
| Дата создания | 1982 |
| Средство | Краска, акрил |
| Размеры | 183 см x 173 см |
| В настоящее время хранится в музее | Частная коллекция |
Дикая, нефильтрованная и захватывающе красивая картина «Без названия» 1982 года — почти непревзойденный шедевр из новаторского творчества Жана-Мишеля Баския. Завершенная в январе 1982 года, эмоциональное воздействие испепеляющей экспрессии художника на гигантском холсте мгновенно и непосредственно, поглощая зрителя в непроницаемый вихрь агрессивных жестов, многоцветной яркости и чистой, безудержной электрической энергии.
Огромная эстетическая энергия этой картины яростно заявила о присутствии талантливого, тогда еще малоизвестного молодого художника в обществе, которое его работы навсегда изменят.
Картина «Без названия» олицетворяет неудержимую силу его художественной революции, которая пронеслась по нижнему Манхэттену в начале 1980-х годов бурлящим инферно текста, тона и формы и положила начало драматическому возрождению фигуративного искусства. После первой демонстрации в 1982 году она больше никогда не появлялась на публике, так как была продана частному коллекционеру в 1984 году.
На этом мы завершаем список знаменитых американских картин. Эти картины Америки долгое время служили источником вдохновения, а иногда и шока для американского и международного художественного сообщества. Великие американские художники оставили после себя художественное наследие, которое выражает их уникальный взгляд на американскую жизнь. Мы надеемся, что вам понравился этот список лучших американских картин, созданных на протяжении многих лет.
Часто задаваемые вопросы
Что выделяло великих американских художников среди других?
Америка — это страна, которая представляет собой плавильный котел влияний и культурных традиций. Это означает, что здесь существует очень уникальный стиль, который нельзя найти больше нигде на земле. Различные исторические события и гражданские движения создали своего рода художников, которые хотят выразить свою позицию в этом многогранном регионе.
Когда были созданы лучшие американские картины?
Искусство как форма самовыражения существовало в Штатах с момента их зарождения. На протяжении всего своего порой неспокойного прошлого художники создавали свои произведения, чтобы отразить современную культуру. Это традиция, которая существовала на протяжении веков и будет существовать в будущем в той или иной форме. Право на самовыражение — важная вещь для многих американцев, а искусство всегда было отличным средством донесения информации. Будь то политическое, религиозное или философское послание, лучшие американские картины всегда улавливали актуальность своего времени.
