Знаменитые картины экспрессионизма почитаются в истории искусства, в первую очередь благодаря загадочным личностям, возникшим из этого движения в начале 20-го века. Картины экспрессионистов — это очень интимные и личные изображения того, что автор наблюдает в окружающем мире. Экспрессионистское искусство отличается размашистыми мазками, яркими цветовыми всплесками и абстрактными формами. Вместо того чтобы изображать реальную действительность, оно стремилось передать ее экспрессивно.
Оглавление
Знакомство с известными произведениями искусства экспрессионизма
Сдвиги в творческой технике и видении произошли в Европе в начале века в ответ на огромные изменения в обществе. Новые технологии и масштабная модернизация изменили мировоззрение людей, и художники отразили когнитивный эффект этих изменений, перейдя от буквального изображения того, что они наблюдали, к психологической и эмоциональной интерпретации того, как окружающая среда воздействовала на них, через свои экспрессивные произведения искусства.
Считается, что слово «экспрессионизм» возникло благодаря Антонину Матейчеку, историку искусства, который создал этот термин, чтобы обозначить полную противоположность импрессионизму.
Хотя импрессионисты использовали свои произведения для передачи величия творения и физического тела, художники экспрессионистской живописи, по словам Матейчека, использовали краски для передачи исключительно внутренней жизни, часто через изображение жестоких и грубых тем. Следует подчеркнуть, однако, что ни «Die Brücke», ни связанные с ними субдвижения никогда не называли себя создателями экспрессионистской живописи, и что этот термин широко использовался в начале века для описания целого ряда жанров, вплоть до постимпрессионизма.
Плакат для выставки группы художников «Die Brücke» в галерее Арнольда в Дрездене, 1910 год; Эрнст Людвиг Кирхнер, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Знаменитые картины экспрессионизма
Экспрессионистское искусство может быть чрезвычайно широким и сложным для определения. Оно охватывает несколько наций, техник, идеологий и временных периодов. Поэтому произведения искусства экспрессионизма характеризуются скорее как средство коммуникации и социологического отражения, чем как система стилистических идеалов. Ниже представлены десять знаменитых картин экспрессионизма, которые являются примером экспрессивного и живого характера этого периода.
Крик (1893) Эдварда Мунка
| Дата завершения | 1893 |
| Средство | Темпера и мелки на картоне |
| Размеры | 91 см x 73 см |
| Текущее местонахождение | Национальный музей, Осло |
Картина «Крик» — это, по сути, личное и экспрессивное произведение искусства, основанное на реальной встрече Мунка с пронзительным криком, прорезавшим окружающую среду во время прогулки, после того как двое его друзей, видневшихся вдалеке, покинули его.
Мунк представляет шум таким образом, что при чрезмерном восприятии он может разрушить личный характер, отражая реальность того, что шум, должно быть, был пережит в тот момент, когда его психика находилась в нестабильном состоянии.
Стремительные изгибы символизируют субъективный логический синтез, навязанный природе, в котором многообразие специфики сливается в единое целое органического вдохновения с женским подтекстом. Однако человек является составной частью природного мира, и включение в такую целостность уничтожает индивидуальность.
Крик (1910), Эдвард Мунк; Эдвард Мунк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Начиная примерно с этого периода, Мунк начал включать эти темы в несколько своих картин, хотя и только в ограниченных или измененных формах. Однако, показывая свой собственный ужасающий опыт, он отпустил ситуацию и позволил переднему герою извратить свой субъективный взгляд на текучесть природы; «Крик» можно понимать как отражение несчастья этого объединяющего фактора, стирающего человеческую индивидуальность.
Важно отметить, что, несмотря на то, что главный герой основан на Мунке, он не проявляет никакого сходства ни с ним, ни с кем-либо другим.
Несколько факторов показывают, что Мунк хорошо понимал опасность подобной работы для таких беспокойных художников, как он сам. Он быстро отказался от этого подхода и редко, если вообще когда-либо, подвергал передние фигуры такой экстремальной и методичной деформации.
Ганс Титце и Эрика Титце-Конрат (1909) Оскар Кокошка
| Дата завершения | 1909 |
| Средство | масляная краска |
| Размеры | 76 см x 1,36 м |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Ганс и Эрика Титце, венские искусствоведы, заказали 23-летнему Кокошке создание супружеской картины для своей мантии в 1909 году. Госпожа Титце отметила, что она и ее супруг были выполнены раздельно, о чем свидетельствуют их разные взгляды и взгляды. Кокошка использовал тонкие слои краски для создания туманной среды, окутывающей влюбленных, а затем процарапал цвет кончиками пальцев, чтобы передать ощущение обжигающего возбуждения. Тиетце продали эту картину музею в 1939 году, едва ли через год после переезда пары в Нью-Йорк. Тиетце были известными искусствоведами.
Акцент Кокошки на их беспокойных, нежных руках намекает на характеры этих двоих, которые художник определил как «замкнутые личности, чреватые напряжением».
Возможно, Тиетце были светскими и выдающимися искусствоведами в свое время, но Кокошка обходит их публичные персоны, чтобы обнаружить тонкую чувствительность в их частной связи. Эрика смотрит на нас; Ганс смотрит на ее руку и делает жест в ее сторону, не дотягиваясь до нее, образуя кривую как своими руками, так и ее рукой, которая прерывается в своей вершине тонким пространством, метафизической разрядкой энергии.
Дуэт возникает из сверкающей основы русого и темно-синего цветов, где их контуры, кажется, сливаются в пятна. Потертости на тончайшем масле, созданные ногтями художника, создают узор из бесплотных полутонов, окружающих персонажей, слабую ауру искрящейся интенсивности.
Кокошка, вместе со своим венским коллегой Эгоном Шиле, пытался превзойти схоластические условности искусством физической и эмоциональной непосредственности — «изобразить образ живых людей».
Большие синие лошади (1911) Франца Марка
| Дата завершения | 1911 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 104 см x 181 см |
| Текущее местонахождение | Центр искусств Уокера, Миннеаполис |
Эта работа в стиле экспрессионизма, изображающая трех ярко раскрашенных синих лошадей, смотрящих вниз перед сценой волнистых холмов красного цвета, отличается использованием основных цветов, ясностью и мощным чувством эмоций. Очень простые и изогнутые формы лошадей повторяются в узорах окружающей местности, объединяя существ и образуя сильное и привлекательное динамическое целое. Изогнутые линии, используемые для иллюстрации темы, должны выразить «ощущение гармонии, спокойствия и симметрии» в духовно нетронутом мире дикой природы, а также то, что наблюдение позволяет людям разделить эти гармоничные отношения.
Марк придавал цветам, которые он использовал в своем искусстве, психологическое или эмоциональное значение или намерение: синий цвет символизировал мужское начало и божественность, желтый — женский восторг, а красный — шум жестокости.
Большие синие лошади (1911) Франц Марк; Франц Марк, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Марк использовал синий цвет для символизации мистицизма на протяжении всего своего творчества, и считается, что его выбор яркого оттенка был попыткой отвергнуть физический мир, чтобы вызвать в воображении метафизическое или трансцендентное ядро. Это одна из первых больших работ художника, изображающих животных, и она является наиболее примечательной из его коллекции портретов лошадей различных оттенков. Жан Блоэ Нистле, швейцарский художник, подталкивал Марка к тому, чтобы «заключить в себе душу существа».
По мнению Франца Марка, ощущение, создаваемое предметом, более значимо, чем зоологическая правильность.
Дома ночью (1912) Карл Шмидт-Роттлуфф
| Дата завершения | 1912 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 95 см x 87 см |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Шмидт-Роттлуфф приехал в Берлин после того, как стал одним из основателей дрезденской группы Die Brücke, где он создал это абстрактное изображение ряда домов. Строения шатаются друг от друга под странными углами над призрачно пустынной улицей, символизируя изоляцию современного столичного общества. Несмотря на то, что Шмидт-Роттлуфф создал «Дома ночью», влияние ксилографии очевидно; абстрактные, минималистичные формы имеют острый и визуальный аспект, сравнимый с многочисленными печатными работами художника.
Яркие цвета дополняют грубые контуры холста, наполняя картину ощущением дискомфорта и странности.
Постоянная тревога была ядром современной жизни мегаполиса. Для экспрессионистов всепроникающее беспокойство составляло ядро современной, столичной вселенной. Авангардный взгляд творца на уличную сцену подчеркивался использованием резких форм и ярких, кислотных цветовых схем. Выступающие угловатые узоры на этой картине напоминают недоуменные декорации к «Кабинету доктора Калигари», знаменитому экспрессионистскому фильму, созданному восемь лет спустя.
Роберт Вине, режиссер фильма, использовал искаженную точку зрения экспрессионистского искусства, чтобы передать страх деревни, терзаемой убийцей.
Улица, Берлин (1913) Эрнст Людвиг Кирхнер
| Дата завершения | 1913 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 1,21 м x 91 см |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Кирхнер изобразил шумную городскую сцену с людьми, идущими по дороге. Кирхнер изобразил двух дам на переднем плане, и их формы занимают значительную часть работы, делая их центральным фокусом картины. Дама слева одета в фиолетовое платье, ярко контрастирующее с черными нарядами мужчин, окружающих дуэт. Мужчины на заднем плане не имеют отличительных черт и кажутся копиями друг друга.
Их одежда сливается друг с другом, а их неотличимые черты лица притягивают вас, так как только они двое обладают чувством индивидуальности.
Кирхнер использовал некоторые неестественные цвета в этой картине, например, плоть персонажей, которая меняется между оранжевым и розоватым цветами, а также розовые и голубые оттенки в окружающей обстановке. Ненатуралистические качества преобладают в немецком экспрессионизме и других его работах этого времени. Мазки Кирхнера свободны и прозрачны.
Улица, Берлин (1913) Эрнст Людвиг Кирхнер ; Эрнст Людвиг Кирхнер, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Мазки кисти создают ощущение движения, добавляя пейзажу улицы ощущение оживленности. Наклон перспективы вниз и контрастные диагональные линии в мазках создают деформацию и ощущение движения. Наблюдатель сталкивается с людьми на дороге, как будто они вытекают из картины и попадают в ваше окружение. Это художественное решение также приближает вас к дамам и одновременно отдаляет от безликих мужских персонажей вдалеке.
Экспрессионистские принципы в немецкой живописи можно проследить вплоть до Грюневальда и Кандинского, а Кирхнер развивает понятие драматических мазков и движения в своих работах.
Велосипедист» (1913) Натальи Гончаровой
| Дата завершения | 1913 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 78 см x 105 см |
| Текущее местонахождение | Русский музей |
Мотоцикл мчится по мощеной дороге перед современным коммерческим шоссе с рекламой и дорожными знаками. Велосипедист разгоняется, его остроконечная рабочая кепка превращает его лоб в круглую форму, как булыжники улицы. Его скромная кепка контрастирует с блестящей черной шляпой-котелком, величайшим признаком модной аристократии, а надпись на том же концевом участке играет на языке.
Верхняя часть шляпы зеркально отражает изгиб и служит одной из букв в слове «шляпа» на русском языке.
Велосипедист (1913), Наталья Гончарова; Наталья Гончарова, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Художница продублировала ноги, ступни и туловище велосипедиста, а также шасси и шины велосипеда, чтобы изобразить не только скорость движения, но и колебания шин вверх-вниз при ударах о булыжную мостовую. Русские символы «шелк», «шапка» и «нитка» могут намекать на концептуальный дизайн и опыт автора в области тканей.
Кроме того, хорошо видимая и одинокая буква «Я», что в переводе на русский означает «Я», является формой подписи создателя.
Сидящая женщина с поджатыми ногами (1917) Эгон Шиле
| Дата завершения | 1913 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 1,21 м x 91 см |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Использование оранжевого и зеленого оттенков создает привлекательное сопоставление, придавая этому произведению искусства значительную силу. Фон для этого изображения довольно спокойный и интимный для художника, давая нам возможность заглянуть в его личные дела. Эдит сидит на земле, лениво расслабившись. В этот период Эгон создал ряд портретов в удобных позах.
За свою жизнь Шиле создал множество чувственных произведений искусства, но в данном случае он предпочел полностью одеть свою супругу.
Скорее всего, это связано с частыми вмешательствами в его творчество — например, он неоднократно попадал в тюрьму по обвинению в создании картин в стиле «ню». Ужасно, что любому художнику мешали таким образом, но Шиле не улучшил своего положения, связавшись с женщинами, которые часто находились в подростковом возрасте, что, безусловно, подогревало слухи о его личной жизни.
Сидящая женщина с согнутыми коленями (Адель Гермс) (1917), Эгон Шиле ; Эгон Шиле, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Шиле был превосходным художником, который сначала набрасывал формы своих портретов, а затем добавлял цвет для завершения картины. В данном примере он выбрал более разнообразную палитру, чем обычно, включая черный цвет, а также голубой, зеленый и оранжевый. Его жена сидит на земле, положив голову на колени, и смотрит на него бесстрашным взглядом. Художник любил изгибать свои фигуры во всевозможные странные позы и редко использовал более стандартные портретные установки.
Это один из примеров того, как его работы были абсолютно современными, и они вдохновили многих других художников в первой половине 20-го века.
Мужской портрет (ок. 1918 г.) Эрих Геккель
| Дата завершения | c. 1918 |
| Средство | Гравюра на дереве |
| Размеры | 32 см x 46 см |
| Текущее местонахождение | Музей современного искусства, Нью-Йорк |
Геккель был одним из основателей художественного движения, известного как Die Brücke, которое зародилось в Дрездене в 1905 году. Художники этой школы выступали против доминирующего традиционного стиля, предлагая новое эстетическое высказывание, которое послужило бы мостом между старым и новым. Ксилография имеет богатые традиции в Германии, восходящие к 15 веку; Геккель и его коллеги по Die Brücke воскресили этот метод, создав огромное количество ксилографических изображений.
Геккель много работал с ксилографией, и этот метод привлек его в первую очередь своим чистым эмоционализмом и строгим внешним видом, а также исторической немецкой родословной.
Портрет мужчины (ок. 1918) Эрих Хеккель; Институт искусств Кларка, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Хотя многие работы Хеккеля изображают нудизм и городские пейзажи, этот печальный автопортрет 1919 года имеет более созерцательную тематику. Сморщенное лицо модели, деформированная челюсть и усталые глаза, которые, кажется, безучастно смотрят в горизонт, подчеркивают умственное, эмоциональное и телесное истощение человека. Вместо того чтобы создать реалистичный автопортрет, Геккель выражает общее отношение к своему периоду, а также усталость общества того времени, которые преобладают в известных картинах экспрессионизма.
Эрих Геккель воплощает в своем измученном лице трагедии военного времени и неопределенность послевоенной эпохи.
Безумная женщина (1920), Хаим Сутин
| Дата завершения | 1920 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 96 см x 60 см |
| Текущее местонахождение | Национальный музей западного искусства |
Несмотря на то, что фигурные композиции Сутина, как и его портреты на другие темы, отличаются искаженными, агрессивными мазками и резким цветовым контрастом, они необычайно точно передают уникальность и индивидуальность персонажей. Среди его портретов — хрупкий подросток, опаленный солнцем облик жены фермера, надменная дама из аристократии и испуганная служанка. Широко раскрытые глаза, прищуренное лицо, неловко сжатые руки и плечи, безумно неухоженная прическа в «Безумной женщине» — все это придает произведению странную атмосферу.
Малиновое платье женщины и грубые мазки кисти дополняют общий образ.
По сравнению с Шагалом, который также воспитывался в еврейском квартале, и тоской Шагала по своей расе и родине, Сутин всегда гневно изображал прорывающуюся жестокость планеты, вероятно, из-за гонимого менталитета, сформированного в детстве обнищанием и тиранией. Его фигурные композиции предвосхищают творчество Фрэнсиса Бэкона, который представлял «Человечество в несчастье собственных условий».
Искажение Сутином элементов до тех пор, пока они сами не становились темой, послужило образцом для Жана Фотрие, известного художника-неформала.
Гарольд Розенберг (1956) Элейн де Кунинг
| Дата завершения | 1956 |
| Средство | Масло на холсте |
| Размеры | 203 см x 149 см |
| Текущее местонахождение | Национальная портретная галерея |
Гарольд Розенберг (1906-1978), художественный обозреватель и автор стихов, был наиболее известен своей диссертацией «Американские художники действия» (1952), в которой он выступал в поддержку абстрактного искусства, особенно творчества Виллема де Кунинга.
Он был согласен с тем, что палитра художника «вместо места, где можно воспроизвести, переделать, оценить или «передать» реальный или воспринимаемый предмет. То, что должно было быть нарисовано на картине, было не изображением, а скорее переживанием».
Розенберг и его жена, Мэри Табак, были друзьями де Кунингов с 1940-х годов, и Элейн несколько раз изображала и иллюстрировала его. Это самая большая и сложная работа, изображающая рецензента, расположившегося в своей мастерской, накрыв картину напитком в одной руке и сигарой в другой. Элейн создала баланс между человеческим сходством и чистой абстракцией, сочетая плавные наброски с темным цветом и смелыми мазками блестящих пигментов.
Знаменитые картины экспрессионизма появились в многочисленных городах Германии в одно и то же время как реакция на всеобщее недовольство прогрессивно диссонирующей связью человечества с землей, а также связанными с ней утраченными эмоциями целостности и души. Появление произведений экспрессионизма означало установление новых норм в производстве и оценке искусства. Теперь экспрессивное искусство должно было возникать изнутри творца, а не на основе описания внешнего визуального окружения, а критерием оценки ценности произведения искусства стала природа эмоций творца, а не изучение расположения.
Часто задаваемые вопросы
Откуда взялся термин «произведение искусства экспрессионизма»?
Антонину Матейчеку приписывают введение термина «экспрессионизм». Он был историком искусства, который придумал это слово, чтобы описать полярную противоположность импрессионизму. Хотя импрессионисты использовали краски для изображения величия творения и физического тела, художники экспрессионистской живописи, по словам Матейчека, использовали краски для передачи только внутренней жизни, обычно через изображение насилия и суровых вещей.
Что уникального было в знаменитом искусстве экспрессионизма?
В отличие от буколических пейзажей импрессионизма и научных этюдов неоклассицизма, художники Die Brücke использовали деформированные формы и диссонирующие, искусственные цвета, чтобы вызвать эмоциональную реакцию зрителя. Минималистская и первобытная эстетика также объединяла группу. Это было возрождение древних средств и средневекового европейского искусства, с такими визуальными методами, как ксилография, используемыми для создания грубых, неровных форм.
Что представляла собой группа Der Blaue Reiter?
Группа художников, образовавших Der Blaue Reiter, отдавала предпочтение абстракциям, фигуративной сущности и духовному подтексту. Они пытались изобразить психические аспекты бытия посредством в основном символических и ярких цветных изображений. Их название было вдохновлено изображением коня и всадника из одной из работ Василия Кандинского.
