Неоклассические статуи и скульптуры впервые появились во второй половине 1700-х годов и представляли собой реакционный стиль, который стремился избавиться от некоторых более легкомысленных элементов дизайна предшествующего стиля рококо. Скульптуры неоклассицизма находились под сильным влиянием работ древних греков и римлян. Благодаря достижениям в области археологии были обнаружены великолепные произведения искусства классической древности, которым хотели подражать современные архитекторы того времени.
Оглавление
Введение в скульптуру неоклассицизма
В 1700-х годах археологи начали раскапывать древние цивилизации, которые обнаружили архитектуру и произведения искусства, вызывающие восхищение своим вниманием к деталям и общей гармоничной симметрией. Художники того периода все больше презирали излишне витиеватый стиль рококо и хотели вернуться к концепциям и идеям, которые греко-римские империи воплощали в своих работах.
Характеристики неоклассических статуй
Неоклассические скульптуры узнаваемы благодаря воплощению симметрии. Скульптуры демонстрируют идеальные пропорции и равновесие композиции. Создается общее ощущение гармонии форм, и очень заметно, что художники приложили немало усилий для создания произведений искусства, отражающих глубокое понимание человеческой формы и анатомии.
Неаполитанский рыбак с ракушкой (1861), Жан-Батист Карпо ; Жан-Батист Карпо, CC0, via Wikimedia Commons
Неоклассические статуи варьировались по размеру от реалистичных до скульптур монументального масштаба. Тематика всегда была серьезной, излучающей глубокое созерцательное настроение. Тематика скульптур неоклассицизма варьировалась от исторических героев до мифологических фигур, божеств и известных людей эпохи.
Хотя некоторые скульптуры могли демонстрировать идеализированные характеристики, многие из них изображали предмет чрезвычайно натуралистично.
Знаменитые неоклассические скульптуры
Неоклассические статуи были созданы в основном под влиянием статуй греко-римских империй древнего прошлого. Поэтому они не испытывали недостатка в потенциальных моделях для своих работ. Многие примеры существовали еще в классической древности, хотя большинство из них были уже римскими копиями с еще более древних греческих статуй. Теперь мы более подробно рассмотрим некоторые из лучших образцов скульптур неоклассицизма, которые когда-либо были созданы.
Спящий Купидон (1827), Бертель Торвальдсен; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons
Меркурий, прикрепляющий свой таларий (1740), Жан-Батист Пигаль
| Скульптор | Жан-Батист Пигаль (1714 — 1785) |
| Год создания | 1740 |
| Высота | 58 см |
| Местонахождение | Лувр Париж |
Жан-Батист Пигаль родился в Париже в 1740 году, сын плотника, работавшего на короля Франции Людовика XIV. После ученичества у Робера ле Лоррена стал учеником Лемуана. Затем он участвовал в конкурсе «Римский приз», проводимом Французской академией, где за первое место полагалось бесплатное обучение в Риме в течение четырех лет. Он не выиграл конкурс, но решил, что все равно останется в Риме.
Не имея никаких средств, он пешком добрался из Парижа в Рим и там в течение четырех лет тщетно пытался заработать на жизнь, чтобы оплатить проживание.
За это время ему удалось продать несколько скульптур таким людям, как Гийом Кусту, а также послу Франции в Италии. В 1741 году он вернулся в Париж и попытался получить одобрение Французской академии живописи и скульптуры.
Меркурий, прикрепляющий свой таларий (1740), Жан-Батист Пигаль; Jean-Baptiste Pigalle, Public domain, via Wikimedia Commons
Итак, Пигаль изваял терракотовую версию Меркурия, прикрепляющего свой таларий, и представил ее в академию, надеясь на их одобрение. Считается, что Пигаль мог быть вдохновлен гравюрами Якоба Йорданса, особенно его картиной XVII века под названием «Меркурий и Аргус».
Его скульптура демонстрировала огромное чувство динамического потенциала в приседающей фигуре и излучала жизненную силу и энергию настолько, что стала синонимом скорости. В ответ академия попросила его воссоздать скульптуру, используя мрамор вместо терракоты. Он так и сделал и был принят в члены академии в июле 1744 года.
Скульптура мгновенно завоевала успех и даже получила положительную критику Вольтера, который сказал, что по качеству она сравнима с лучшими греческими скульптурами.
Портрет Петра Великого (1770) работы Мари-Анн Колло
| Скульптор | Мари-Анн Колло (1748 — 1821) |
| Год создания | 1770 |
| Высота | 30 см |
| Местонахождение | Государственный Русский музей, Санкт-Петербург |
Мари-Анн Колло родилась в 1748 году во Франции и была скульптором в неоклассическом стиле. Она была ученицей Этьена Фальконе, а также его невесткой. Ее первой работой была модель для мастерской Жана-Батиста Лемуана, когда ей было всего 15 лет. После этого она начала учиться в мастерской Этьена Фальконе. Со временем она стала его близким другом, а также любимой ученицей.
Ее первыми скульптурами были бюсты друзей ее наставника, таких как философ Дидро, которые были вылеплены из терракоты.
В 1766 году она сопровождала Фальконе в Россию по приглашению Екатерины Великой. Екатерина Великая хотела, чтобы была создана конная статуя Петра Великого, которая должна была находиться на Сенатской площади в Санкт-Петербурге. Эта знаменитая статуя была известна как Медный всадник.
Портрет Петра I (1768-1770) работы Мари-Анн Колло, этюд для конной статуи «Медный всадник» Петра I в Санкт-Петербурге; Мари-Анн Колло, общественное достояние, через Wikimedia Commons.
Там же она начала ваять портреты знатных особ русского двора. Они были потрясены талантом молодой 18-летней девушки. Екатерина Великая в итоге отвергла все три попытки создания головы царя, изваянные Фальконе. Мари-Анна создала свою собственную версию головы Петра Великого из гипса, и именно ее Екатерина Великая в итоге использовала при создании статуи. Сейчас бюст находится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.
Екатерина Великая также попросила изваять бюст Петра Великого из мрамора. Мраморный бюст сейчас находится в Государственном Эрмитаже, также в Санкт-Петербурге.
Бронзовый всадник (1782) работы Этьена Мориса Фальконе
| Скульптор | Этьен Морис Фальконе (1716-1791) |
| Год создания | 1782 |
| Высота | 6 m |
| Местонахождение | Санкт-Петербург, Россия |
Медный всадник был изваян французским скульптором Этьеном Морисом Фальконе. Он расположен на Сенатской площади и изображает царя России Петра Великого. Открытая для публики в 1782 году, она была построена по заказу Екатерины Великой. Название скульптуры послужило вдохновением для одного из самых значительных литературных произведений в России — поэмы Александра Пушкина «Медный всадник».
Для жителей Санкт-Петербурга статуя является символическим представлением их любимого города, второго по величине во всей России.
Медный всадник (1782) работы Этьена Мориса Фальконе, Сенатская площадь, Санкт-Петербург, Россия; Эндрю Шива / Википедия
Интересный факт о скульптуре скрывается под самой скульптурой. Громовой камень — это название, данное массивному постаменту статуи. Считается, что это самый большой камень, перемещенный человеком, и первоначально он весил около 1500 тонн, прежде чем его уменьшили до нынешних размеров, чтобы перевезти массивный камень из первоисточника.
Во время отливки статуи в 1775 году произошло несколько пожаров, когда форма сломалась и расплавленная бронза вытекла.
Впоследствии ее пришлось переделывать и отливать заново. В общей сложности работа над статуей заняла двенадцать лет. Раскопки гигантского каменного постамента начались за четырнадцать лет до его открытия. На церемонии открытия присутствовали тысячи людей, кроме самого скульптора, который покинул Россию четырьмя годами ранее из-за конфликта, вызванного недопониманием между ними. Лицо статуи изваяла Мари-Анн Колло, молодая ученица Лемуана и Фальконе.
Зима (1787) Жан-Антуан Гудон
| Скульптор | Жан-Антуан Гудон (1741 — 1828) |
| Год создания | 1787 |
| Высота | 144 см |
| Местонахождение | Музей Метрополитен, Нью-Йорк |
Жан-Антуан Гудон был ключевой фигурой среди скульпторов неоклассической скульптуры. Он родился во Франции в 1787 году и получил широкую известность благодаря своим неоклассическим статуям выдающихся деятелей современной истории. Он известен своими работами таких людей, как Наполеон, Джордж Вашингтон, а также Вольтер. Он стал одним из самых известных французских скульпторов XVIII века, несмотря на то, что при жизни его скульптурные достижения едва ли были признаны.
Временами скульптор также экспериментировал со стилями рококо и маньеризма, но в основном его стиль характеризуется непритязательным неоклассицизмом.
Зима (1787), Жан-Антуан Гудон; Jean-Antoine Houdon, CC0, via Wikimedia Commons
Считается, что первоначальная композиция для этой фигуры может быть написана еще в 1781 году. Она считается одной из его самых ярких обнаженных фигур и была одной из серии фигур-подвесок, которые он хотел изваять, представляющих различные времена года, или, скорее, два наиболее экстремальных времени года, зиму и лето. Небольшая версия «Зимы», изваянная из терракоты, хранится в музее Фабра в Монпелье и, возможно, является первым этюдом, созданным Гудоном на эту тему.
Сезон Зимы был представлен в виде обнаженной женской фигуры с накинутой на голову и туловище шалью, но при этом остальная часть ее тела оставалась обнаженной и подверженной воздействию стихий.
Напротив, его скульптура «Лето» изображена в сюртуке и с лейкой и снопом пшеницы в руках. В Салоне 1783 года были выставлены мраморные версии «Зимы». Бронзовая версия будет отлита позднее, в 1787 году. В этой скульптуре Гудону удалось одновременно раскрыть манящие черты прекрасной женской фигуры, но также передать зрителю ощущение горькой суровости холодного времени года.
Психея, оживленная поцелуем Купидона (1787), Антонио Канова
| Скульптор | Антонио Канова (1757 — 1822) |
| Год создания | 1787 |
| Высота | 155 см |
| Местонахождение | Музей Лувра, Париж |
Полковник Джон Кэмпбелл заказал Антонио Канове создание «Психеи, оживленной поцелуем Купидона» в 1787 году. Эта скульптура считается вершиной неоклассической скульптуры, но в ней также проявляются черты романтизма, зарождавшегося в то время. Скульптура запечатлела очень эмоциональный момент, когда бог Купидон пробуждает Психею поцелуем. Луций Апулей написал роман «Золотой осел», который и послужил источником вдохновения для этой истории.
Существуют две версии скульптуры, одна из которых была приобретена Иоахимом Мюратом в 1800 году. Это была первоначальная или самая ранняя версия скульптуры.
Психея, оживленная поцелуем Купидона (1787), Антонио Канова; Кимберли Вардеман из Лаббока, штат Техас, США, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons
Когда Мюрат скончался, статуя была перевезена в музей Лувра в Париже. Вторая версия была приобретена в 1796 году русским дворянином по имени князь Юсупов. Впоследствии она будет храниться в Эрмитаже в Санкт-Петербурге. В настоящее время полномасштабная копия этой версии хранится в музее Метрополитен в Нью-Йорке.
Техника резьбы Кановы позволила ему создать контраст между окружающими их элементами и гладким и реалистичным видом их мраморной кожи.
Скала, на которой они сидят, имеет грубую текстуру, а ткань, наброшенная на кожу, еще больше подчеркивает разницу между текстурой ткани и шелковистой гладкостью кожи. Использование тонких линий и изгибов используется таким образом, чтобы добавить ощущение реалистичности и текстуры волосам и крыльям фигур.
Доктор Энтони Аддингтон (1790) Томас Бэнкс
| Скульптор | Томас Бэнкс (1735 — 1805) |
| Год создания | 1790 |
| Высота | 76 см |
| Местонахождение | Музей Виктории и Альберта |
Томас Бэнкс первоначально был подмастерьем у каменщика, работавшего в Лондоне, но в то же время он работал вместе с Питером Шемакерсом, который был скульптором по профессии. Затем он поступил на уроки жизни в академию Сент-Мартинс-Лейн. Во время занятий в школе Королевской академии в 1772 году он оказался в престижном положении первого скульптора, который выиграл стипендию, позволяющую оплатить три года обучения в Риме. Он переехал туда вместе со своей женой, и в итоге они остались там на семь лет.
Его работы считаются одними из самых оригинальных неоклассических скульптур в Великобритании. Его хвалили за то, что он не просто следовал моде классического возрождения, а глубоко понимал дух стиля.
Доктор Энтони Аддингтон (1790), Томас Бэнкс; Thomas Banks, CC0, via Wikimedia Commons
Его бюст доктора Энтони Аддингтона может показаться очень реалистичным и полным выражения, но на самом деле он был смоделирован с посмертной маски доктора. Еще при жизни доктор занимался лечением душевных болезней. Среди его пациентов были видные общественные деятели, такие как король Георг III. Считается, что бюст был создан по заказу его сына в честь отца. Томас Бэнкс достиг определенной известности благодаря своим идеальным скульптурам и погребальным памятникам, а бюст доктора Энтони Аддингтона был одним из немногих портретов, которые он когда-либо ваял.
Ярость Атамаса (1794) Джона Флаксмана
| Скульптор | Джон Флаксман (1755 — 1826) |
| Год создания | 1794 |
| Высота | 220 см |
| Местонахождение | Музей Икворт, Саффолк |
Джон Флаксман считается одним из самых выдающихся скульпторов своего времени. Ярость Атамаса» была для скульптора трудом любви, и на ее завершение у него ушло три года. Она была заказана 4-м графом Бристоля, Фредериком Августом Херви, и должна была быть создана для его дома в Саффолке, но ее постигла другая участь, когда наполеоновские войска захватили ее по пути в Англию. Говорят, что это был труд любви, поскольку сделка не была для него выгодной с финансовой точки зрения. Один только мрамор обошелся ему в пятьсот фунтов, а заплатили ему всего 600 фунтов.
Скульптура была создана по мотивам произведений римского писателя Овидия.
Ярость Атамаса (1794) Джон Флаксман; общественное достояние, ссылка
В этой мифической истории царь по имени Атамас убивает своего сына — довольно трагический и ужасающий сюжет для скульптуры. Скульптура изображает Атамаса, доведенного до безумия из-за ревности Геры. Он изображен схватившим Леарха, своего сына, перед тем как бросить его на смерть. Ино, вторая жена Атамаса, пытается вмешаться в происходящее, делая выпад в сторону обезумевшего царя. Эта групповая скульптура была установлена на постаменте из дерева, выкрашенного в белый цвет.
Покровитель скульптуры изначально проявил интерес к более ранней работе Флаксмана, которая представляла собой барельеф Зетуса и Амфиона и была изваяна из терракоты. Его идея заключалась в том, чтобы заказать мраморную версию скульптуры. Однако Флаксману удалось убедить графа согласиться на группу.
Это решение, вероятно, в конечном итоге сработало против него, поскольку ему не доплатили за мрамор большего размера, который потребовался бы для группы, и после расходов и затрат на материалы он получил только пятьдесят фунтов.
Геба (1796) Антонио Канова
| Скульптор | Антонио Канова (1757 — 1822) |
| Год создания | 1796 |
| Высота | 160 см |
| Местонахождение | Национальная галерея Берлина |
Антонио Канова родился в Венеции в 1757 году, и его творческая карьера началась очень рано. В детстве его учили лепить и рисовать, и ему было всего тринадцать лет, когда он стал учеником Джузеппе Торретто. Свои первые заказные работы он начал получать три года спустя, в возрасте всего шестнадцати лет. Его покровителями в это время были в основном сенаторы Венецианской республики. Во время наполеоновской оккупации многие произведения искусства были возвращены во Францию, и его назначили куратором этой задачи.
Одна из самых известных его неоклассических скульптур — поразительно красивая статуя Гебы, выполненная в 1796 году. В этом прекрасном образце неоклассической скульптуры Геба грациозно спускается с небес, неся свой кубок, символ богини молодости. Ее женственный жест представляет собой воплощение ее щедрого духа, когда она наливает из кубка, содержащего эликсир молодости и жизни.
Ее изящно текучее тело высечено из мрамора, что подчеркивает и подчеркивает металл, из которого изготовлены сосуды.
Геба (1796) Антонио Канова; Антонио Канова, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
Одежда на ее теле выглядит так, как будто она открывает то, что должно было быть скрыто, одежда обхватывает ее ноги, подчеркивая их форму. Работа скульптора была создана в последние годы существования традиции, в которой эстетический вид целого ценился и ценится больше, чем эффективное исполнение отдельных элементов. Это был еще тот период, когда скульпторы могли изображать элементарные непластические понятия, такие как ветерок, на который намекает движение ткани.
Статуя Ахиллеса (1822) Ричарда Уэстмакотта
| Скульптор | Ричард Уэстмакотт (1775 — 1856) |
| Год создания | 1822 |
| Высота | 18 футов |
| Местонахождение | Гайд-парк |
Ричард Уэстмакотт начал свою творческую карьеру, обучаясь у своего отца в Лондоне. В 1793 году он переехал в Рим, чтобы продолжить обучение у итальянского скульптора-неоклассика Антонио Кановы. Там он посвятил свое время изучению классической скульптуры, и его работы на протяжении всей жизни отражали его личное предпочтение языческой тематики, а не доминирующей христианской того периода. В том же году он выиграл конкурс, проводимый Флорентийской академией искусств.
Статуя Ахилла (1822) Ричард Уэстмакотт; Локо Стив из Бромли, Великобритания, CC BY-SA 2.0, через Wikimedia Commons
Его скульптура «Статуя Ахилла» изображает греческого мифологического героя Троянской войны. Она была заказана королем Георгом III и построена в память об Артуре Уэлсли, политике и солдате, а также о первом герцоге Веллингтоне. 18-футовая статуя была открыта 18 июня 1822 года.
Скульптура стала первой, установленной в Гайд-парке и находится недалеко от ворот королевы Елизаветы. Она была заказана «Английскими леди», высшим обществом английских патриотов.
Скульптор Ричард Уэстмакотт использовал для изготовления скульптуры 33 тонны бронзы, которую он взял из пушек, захваченных во время французских кампаний под руководством Веллингтона. Голова статуи сделана по образцу герцога, а тело, как говорят, основано на римской фигуре, находящейся в Монте-Кавалло в Италии. Хотя первоначально скульптура была изображена полностью обнаженной, вскоре после открытия к ней был добавлен фиговый листок из-за возмущения общественности.
Ясон с золотым руном (1828) Бертель Торвальдсен
| Скульптор | Бертель Торвальдсен (1770 — 1844) |
| Год создания | 1828 |
| Высота | 242 см |
| Местонахождение | Музей Торвальдсена, Копенгаген |
Бертель Торвальдсен был скульптором, родившимся в Копенгагене в 1770 году. Когда ему было всего одиннадцать лет, он уже был членом Королевской датской академии искусств. В академии он получил множество наград, одной из которых была денежная сумма, позволившая ему отправиться в Рим, где он смог продолжить свое образование. Именно в Риме он открыл большую мастерскую, из которой получил большую известность, поставляя произведения искусства своим покровителям по всей Европе.
Торвальдсен впервые создал версию Ясона с Золотым руном в натуральную величину в 1803 году, вылепленную из глины. Мраморная версия, высота которой составляет 242 см, была закончена только в 1828 году.
Статуя представляет мифологического персонажа Ясона из племени аргонавтов, который был послан на поиски Золотого руна. Первоначальная глиняная модель была создана для Копенгагенской академии в качестве представления, призванного продемонстрировать его продвижение как скульптора. Впоследствии богатый меценат из Англии Томас Хоуп заказал Торвальдсену скульптуру из мрамора.
Ясон с золотым руном (1828), Бертель Торвальдсен; Бертель Торвальдсен, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Эта скульптура сыграла большую роль в становлении Торвальдсена как художника. Считается, что тематически она вдохновлена рисунками Асмуса Якоба Карстенса, но сама фигура черпает вдохновение в других классических скульптурах, таких как Дорифорос и Аполлон Бельведерский. Выбор темы скульптора стал результатом его растущих знаний о древних культурах и истории под влиянием Йоргена Зоэга, датского археолога и ученого. Скульптура вызывает восхищение своими интенсивными и резкими ритмичными линиями. В начале 2000-х годов она была включена в канон датской культуры.
Сегодня мы узнали, что неоклассические статуи впервые начали появляться в 1750-х годах и представляли собой реакционное движение, стремившееся избавиться от более фривольных элементов дизайна предшествующего стиля рококо и барокко. Скульптуры неоклассицизма находились под сильным влиянием творчества древних греков и римлян. Развитие археологии позволило обнаружить великолепные произведения искусства классической древности, которым хотели подражать современные архитекторы того времени.
Часто задаваемые вопросы
Что привело к росту скульптур неоклассицизма?
В середине 18 века археологи в Европе начали открывать древние исчезнувшие цивилизации. Эти древние затерянные культуры античности открыли архитектуру и произведения искусства, которые не были замечены в течение многих лет. Эти утраченные чудеса архитектурного великолепия получили огромное признание, их изучали за внимание к деталям и общую гармоничную симметрию. Художники того периода все больше презирали чрезмерно вычурный стиль барокко и рококо и хотели вернуться к концепциям и идеям, которые греко-римские империи воплощали в своих работах.
Каковы некоторые характеристики знаменитых неоклассических скульптур?
Неоклассические скульптуры имеют общие черты, такие как любовь к симметрии, эти скульптуры демонстрировали идеальные пропорции, а также равновесие композиции. Размеры неоклассических статуй варьировались от реалистичных до монументальных. Тематика скульптур неоклассицизма варьировалась от мифологических фигур до исторических героев, божеств и известных людей эпохи. Хотя некоторые скульптуры могли демонстрировать идеализированные характеристики, многие из них изображали предмет чрезвычайно натуралистично.
